La dama de Shanghai (1947)

 

• Título original: The lady from Shanghai
• Año: 1947
• Género: Cine negro
• Dirección: Orson Welles
• Intérpretes: Orson Welles, Rita Hayworth, Everett Sloane, Glenn Anders, Ted de Corsia, Erskine Sanford, Gus Schilling, Harry Shannon
• Guión: Orson Welles
• Música: Heinz Eric Roemheld
• Fotografía: Rudolph Maté
• Montaje: Viola Lawrence
• Vestuario: Jean Louis
• Productora: Columbia Pictures

SINOPSIS

Michael O'Hara (Orson Welles) es un marinero irlandés que salva a Elsa (Rita Hayworth) de unos asaltantes en un parque de Nueva York. Ella le ofrece trabajar en el yate de su marido con discapacidad física. Lo que parece que va a ser un trabajo sencillo, se termina de convertir en una maraña de intrigas y asesinatos.

CRITICA

El género por excelencia en el que sabía moverse el director americano era el suspense, de ahí que sus grandes interpretaciones correspondan a este género. Además, intentando siempre introducir una voz en off para poner en situación al espectador y en cierto modo, que le acompañe en todo el viaje que está realizando, para que no se pierda ninguno de sus movimientos. Desde el principio nos muestra toda la historia como si fuese un laberinto, de ahí que la gran escena final se desarrolle en un laberinto de espejos donde nada es lo que parece.

Aunque la trama parece ir de una forma encauzada, la apariencia de los diversos personajes, la realidad deformada de la vida acomodada, los pensamientos e intenciones enrevesadas de los personajes, hacen que a veces la historia sea un poco complicada de seguir pero, al mantener ese ritmo trepidante, provoca que uno no pierda el interés en lo que Michael está relatando al espectador.

En esta vorágine en la que el espectador se pierde, podría decirse que es una metáfora de la vida de los protagonistas que es igual de caótica, en donde ninguno se fía del que tiene al lado y de paso, hacerse la vida imposible entre ellos que, como bien comenta Michael, son como tiburones hambrientos que se terminan por destruir entre ellos para salir victoriosos.

Desde mi punto de vista, es una buena historia pero que está contada de una forma un tanto precipitada y donde los agujeros de guión son bastante evidentes en algunas de las escenas y como para llegar al desenlace, se acontecen situaciones que están un poco forzadas. Eso si, de alguna forma se salva por la escena final de los espejos (que en su tiempo emularía la serie Los Simpson) y, porque el gran Orson Welles no deja indiferente a nadie.

Calificación personal: 7

The void (2016)

 

• Dirección: Steven Kostanski, Jeremy Gillespie
• Año: 2016
• Género: Terror
• Intérpretes: Aaron Poole, Kathleen Munroe, Kenneth Welsh, Daniel Fathers, Ellen Wong, Mik Byskov, Grace Munro, Evan Stern, James Millington, Art Hindle, Stephanie Belding, Matt Kennedy.
• Guión: Steven Kostanski, Jeremy Gillespie
• Música: Blitz, Berlin, Joseph Murray, Menalon Music
• Fotografía: Sammy Inayeh
• Productora: Cave Painting Pictures, JoBro Films and Productions

SINOPSIS

Un policía traslada a un hombre herido a un hospital en el que trabaja su ex mujer. Con poco pacientes y personal, todos ellos se encuentran rodeados por un grupo de encapuchados que portan cuchillos pero, no tienen intención de entrar. El desastre ha comenzado.

CRITICA

A pesar de contar solo con ochenta mil dólares de presupuesto, los efectos especiales están muy conseguidos pero, lo que si me falta es cierta consistencia argumental, no para que termine explicando el final (este tipo de terror no merece explicación, sino que lo deja a la imaginación del espectador). Ya que la trama empieza con mucha fuerza pero, se va desinflando a mitad de la película.

Es cierto que plantea la historia a como se hacían las películas de terror en los años ochenta, teniendo como referencia La cosa de John Carpenter (ver crítica en este blog), en donde el miedo que se genera al espectador no se ve físicamente pero, si se va manifestando por medio de diferentes huéspedes (ya sean humanos o animales) y así sembrar el caos a todos los que se encuentren cerca.

Esa es la fuente de la que va a manar todo el miedo. Este nuevo miedo se conoce como terror cósmico. Lo que le pasa a esta trama, es que empieza con fuerza con la aparición de los miembros de la secta y la locura de las personas que están en el hospital, se pierde cuando se le quiere revelar al espectador de donde proviene todo lo que está ocurriendo. Si quiero destacar que, para ser una película de bajo presupuesto, todo el montaje, escenarios y fotografía está muy logrado.

Calificación personal: 6

El baile de los malditos (1958)

 

• Título original: The young lions
• Año: 1958
• Género: Drama, bélico
• Dirección: Edward Dmytryk
• Intérpretes: Marlon Brando, Montgomery Clift, Dean Martin, Hope Lange, Barbara Rush, May Britt, Maximilian Schell, Dora Doll, Lee Van Cleef, Liliane Montevecchi.
• Guión: Edward Anhalt
• Música: Hugo Friedhofer
• Fotografía: Joseph MacDonald
• Montaje: Dorothy Spencer
• Vestuario: Adele Balkan
• Productora: 20th century fox

SINOPSIS

Perspectiva desde los dos bandos en la Segunda Guerra Mundial. Por un lado está Christian (Marlon Brando), el cual ama a su país pero se está cuestionando las prácticas que llevan a cabo los altos cargos. Por el otro está Noah (Montgomery Clift), soldado americano que sufre presiones por parte de sus compañeros y de sus jefes. Lo que hará que ambos se mantengan fieles a sus principios.

CRITICA

Ya sabemos que lo de la traducción del inglés al español, es para echar de comer aparte. Pero, este no es el objetivo que nos ocupa. Antes de que llegase Clint Eastwood con su díptico, sobre la Segunda Guerra Mundial y las dos perspectivas (Banderas de nuestros padres, representando a los americanos y, Cartas desde Iwo Yima, desde el lado japonés), esta había sido la única película que había reflejado los dos puntos de vista (en este caso el de los americanos y el de los nazis). Pero más allá del escenario, es importante destacar la personalidad del teniente alemán Christian (interpretado por Marlon Brando) y el soldado Noah (interpretado por Montgomery Clift).

Al comienzo de la película, cuando Christian se encuentra en las montañas, le explica a una mujer el sentimiento alemán al sentirse ninguneados por el mundo tras la Gran Guerra. Cuando estalla la Segunda el cumple las órdenes que le mandan viendo a su alrededor desolación y hambre (aunque los planos no lo reflejan al cien por cien, solo hace falta observar los escenarios por donde se va moviendo), lo que puede resultar algo normal. Pero, cuando ya observa que se va produciendo una masacre indiscriminada o tomando prisioneros e incluso las prácticas que se llevan a cabo en los campos de concentración, su conciencia empieza a tomar partido pero, su sentimiento de ciudadano alemán sigue imperando por encima de todo aún poniendo límites en sus acciones.

En esas mismas fechas, aparece un joven Noah (interpretado por Montgomery Clift, claramente afectado por el accidente que sufrió en su rostro, puesto que su mirada está perdida) el cual es judío y al que sus compañeros y jefes no le tienen en consideración y el, ante ese desprecio, su único deseo es hacerse valer y no rendirse porque sino el resto, habrá ganado. De esta forma se refleja otro tipo de batallas que se desarrollarían en el clima de crispación. Lo que hace pensar que muchas veces, parece que alguien enclenque o que vaya hacia una vertiente donde no tenga que demostrar que es un "macho alfa". Aunque estos avatares parecen que van a hundir a Noah, al final el sale adelante.

Es curioso ver más tarde la contraposición de ambos personajes, ya que uno de ellos ha entrado claramente en desgracia (la historia lo ha demostrado), mientras que el americano es respetado no por ser un buen soldado, sino por su capacidad de perseverancia y constancia; que es lo que realmente debe de definir a un buen soldado.

A pesar de que muchas veces el cine bélico ya está un poco manido, nunca está de más el mostrar una historia en la cual no se centre en el conflicto bélico, sino un poco en la parte humana, porque las guerras las combatieron hombres, obligados o no y todos ellos, cargan muchas veces con sentimientos y emociones debido a las circunstancias.

Calificación personal: 7

Un lugar en la cumbre (1959)

 

• Título original: Room at the top
• Año: 1959
• Género: Drama
• Dirección: Jack Clayton
• Intérpretes: Laurence Harvey, Simone Signoret, Heather Sears, Donald Wolfit, Donald Houston, Hermione Baddeley, Allan Cuthbertson, John Westbrook
• Guión: Neil Paterson, Mordecai Richler
• Música: Mario Nascimbene
• Fotografía: Freddie Francis
• Montaje: Ralph Kemplen
• Productora: British Lion Film, Romulus Films

SINOPSIS

Joe Lampton (Laurence Harvey) acepta un trabajo en una pequeña ciudad al norte de Inglaterra. su única ambición es querer casarse con una joven rica y guapa. La elegida será Susan (Heather Sears). Ante la imposibilidad de conocerla, entablará una estrecha relación con Alice (Simone Signoret), una mujer madura y con experiencia, de la cual se enamora; a pesar de que Alice, esté casada.

CRITICA

Uno de los mayores pecados (si puede llamarse así) que ha tenido siempre el cine (sobre todo el cine de Hollywood) es representar a la mujer como un simple objeto, que un hombre puede poseer y que es exclusivo de su propiedad, a la par que se usa como moneda para un matrimonio. A menudo se olvidaban que la figura de la mujer, en este caso en el cine, era un arma de doble filo, puesto que no solo se la representaba como el objeto que mencionábamos anteriormente, sino también provocaba la inestabilidad en el hombre, es decir, que era un don nadie.

La presentación del personaje de Joe no deja sin lugar a dudas más que desprecio, sobre todo por su visión de conseguir el progreso en su vida: utilizar a las mujeres. Queda aún más patente cuando en la carrera de perros, le describe a su amigo las "categorías" que tiene para las mujeres. En ningún momento comenta que es lo importante en una mujer, ni sus cualidades e incluso que el mismo haya conseguido prosperar tras la guerra y el haber salido de su ciudad. Su única obsesión (deja de considerarse una ambición) es casarse con una mujer rica para que así se le valore a el también. Hasta que conoce a Alice, una mujer cuya vida es bastante desgraciada pero le queda un pequeño halo de vitalidad para seguir viviendo, sobre todo cuando conoce a Joe y pasan de ser amigos a ser amantes. En ese momento, Joe parece ser que se olvida de sus aires de grandeza y es el mismo con Alice. Pero, como suele ser lógico, casi todos los hombres juegan a dos bandas. Es decir, que sigue con la idea de conquistar (aunque no es su fin realmente) a la joven Susan. De esta forma demuestra que el dinero y las apariencias lo son todo si eso significa tener que dejar a la persona de la que estás enamorada.

Es importante reseñar que la actitud de Joe es bastante indeseable, no solo por los aires de grandeza que tiene, sino también porque seduce a dos mujeres que ya se encuentran comprometidas (una casa y la otra prometida con otro millonario). También, el intenta ir de moralista ante el trato que les dan las parejas de Alice y Susan, respectivamente, cuando a el desde el principio se le han visto todas las intenciones y sus objetivos (el momento clave es cuando Alice le cuenta a Joe que un hombre la hizo una fotografía hace años y el, tiene un ataque de celos infundado). Y cómo bien le dice Alice a Joe: "Mi vida es mía y no te consiento que me juzgues"; lo que viene a decir que todos tenemos nuestras equivocaciones y/o pecados, pero no por ello, somos mejores que los demás.

A medida que avanzan los minutos, se va desentrañando (aunque es demasiado tarde) lo que realmente quiere Joe, la aceptación de Susan de ser la segunda y, la jaula matrimonial en la que se encuentra Alice. Todo esto vaticina un fatal desenlace en donde se refleja una vez más, que el ser humano movido por sus intereses, es capaz de jugar y manipular los sentimientos de otras personas, sobre todo de aquellos que de verdad nos importan. Lo que demuestra aún más el porque del desenlace de esta película. Una estupenda película para reflexionar sobre sentimientos reales, ambición y manipulación.

Calificación personal: 8

Quills (2000)

 

• Dirección: Philip Kaufman
• Año: 2000
• Género: Drama
• Intérpretes: Geoffrey Rush, Joaquin Phoenix, Kate Winslet, Michael Caine, Billie Whitelaw, Patrick Malahide, Amelia Warner, Jane Menelaus, Stephen Moyer.
• Guión: Doug Wright
• Música: Stephen Warbeck
• Fotografía: Rogier Stoffers
• Montaje: Peter Boyle
• Vestuario: Jacqueline West
• Productora: 20th century fox, Hollywood Partners, Industry Entertainment

SINOPSIS

Francia siglo XVIII. El Marqués de Sade (Geoffrey Rush) pasa los últimos diez años de su vida en una institución psiquiátrica dirigida por el sacerdote Coulmier (Joaquin Phoenix), a la vez que utiliza a la criada Madeleine (Kate Winslet) como mediadora para publicar sus obras. Hasta que la llegada del doctor Royer-Collard (Michael Caine), provocará que el Marqués se desate aún más.

CRITICA

La figura del Marqués de Sade es mundialmente conocida, sobre todo por sus obras que, si ya en su época causaron un gran revuelo, en la actualidad, lo sigue siendo en cierto modo. De echo, los grandes conocedores de su obra, comentan que es el precursor de la novela erótica. Su nombre era Donatien Alphonse Françoise de Sade.

Al llevar a la pantalla la vida de un personaje tan peculiar era una tarea arriesgada, sobre todo si se quiere conocer de donde venían las ideas más "perversas" del siglo XVIII francés. Desde el principio se muestra con claridad las intenciones de los personajes y cuales son los aspectos de sus propias vidas que le abruma, eso se debe a la influencia del Marqués. El propio Marqués desea siempre a toda costa poder expresar todo su arte que lleva dentro, si con eso es preciso escribir con un hueso de pollo y vino o incluso con su propia sangre. Esta locura le fascina a la joven criada Madeleine que incluso la lleva a ella a un despertar sexual y la aparición de sus sentimientos hacia el sacerdote Coulmier; en cuya figura se observa claramente como se puede corromper el alma más bondadosa (porque hay que reconocerlo, se dedica en cuerpo y alma a la institución psiquiátrica y no trata mal a nadie) y, llevarlo hasta el borde de la locura. Pero, lo que realmente produce la alteración de todos los miembros de la institución, es la aparición del doctor Royer-Collard del cual, el Marqués sacará a relucir el cinismo del mismo doctor y, más tarde se beneficiará de las obras del Marqués.

Todos y cada uno de los diálogos están pensados de una manera minuciosa y cuidadosa, donde hay ideas ingeniosas, dobles sentidos, momentos cómicos (los que menos) y malvados. Evitando en todo momento caer en la caricatura (magnífico Geoffrey Rush como el Marqués de Sade). Lo que termina concluyendo en dos horas donde se observan las pasiones humanas reprimidas, otras veces liberadas, los besos, el deseo y las pasiones y que, de alguna forma, se termina odiando y/o amando a los personajes. Esto es gracias también a un elenco bien seleccionado que sabe aportar todos y cada uno de los matices necesarios aunque, esta película pasase casi sin pena ni gloria (aunque tuviese tres nominaciones al los Oscar). Es bueno que los grandes amantes del cine la puedan ver con lo ojos de alguien neófito ante lo desconocido.

Calificación personal: 7

Personal Assistant (2020)

 

• Título original: The high note
• Año: 2020
• Género: Comedia
• Dirección: Nisha Ganatra
• Intérpretes: Dakota Johnson, Tracee Ellis Ross, Ice Cube, Kelvin Harrison Jr., Bill Pullman, Zoe Chao, June Diane Raphael, Eddie Izzard.
• Guión: Flora Greeson
• Música: Amie Doherty
• Fotografía: Jason McCormick
• Productora: Working Title Pictures, Perfect World Pictures

SINOPSIS

Maggie (Dakota Johnson) es una joven que trabaja como asistente personal de la gran Grace Davis (Tracee Ellis Ross) pero, cuyo sueño es producirle un disco a esta gran estrella. Todo este sueño se ve lejano puesto que el manager de Grace, insiste en que trabaje en un espectáculo de Las Vegas.

CRITICA

Desde el principio, se observan las intenciones que se pretenden reflejar en esta película: las aspiraciones de una joven en un mundo que sigue dominado por hombres y, la luz de una estrella que se apaga, si eres mujer y negra. Pero, intentando darle un toque cómico a esta situación, a la par que con algún momento dramático, al final termina por difuminarse la idea a medida que avanza la película.

Por otro lado refleja (en cierto modo) parte del lado oscuro de la fama, no solo de aquellas personas que pueden trabajar para grandes estrellas, sino también para reflejar que determinados puestos parece que solo siguen aptos para los hombres o que una mujer no es capaz de desempeñar ese mismo trabajo. Y también, como en determinados empleos de fama mundial, cuando una mujer sobrepasa una determinada edad, parece que no sirve (en el propio Hollywood se sigue haciendo).

Es cierto que en los primeros mese pospandemia esta película se estrenó directamente en vídeo bajo demanda (en Estados Unidos) aunque en España, fue a las salas de cine y no tuvo el empuje necesario. Aún así, a pesar de su gran premisa, no termina de enganchar con el espectador y no se recordará con el paso del tiempo.

Calificación personal: 4

Cabaret (1972)

 

• Dirección: Bob Fosse
• Año: 1972
• Género: Musical
• Intérpretes: Liza Minnelli, Michael York, Joel Grey, Helmut Griem, Marisa Berenson, Fritz Wepper, Elisabet Neuman, Helen Vita, Ralph Walter.
• Guión: Jay Presson Allen
• Música: Ralph Burns, John Kander, Fred Ebb.
• Fotografía: Geoffrey Unsworth
• Montaje: David Bretherton
• Productora: Allied Artists

SINOPSIS

Berlín años 30. El partido nazi empieza a ascender de forma vertiginosa. Mientras, para evitar esa sensación del auge del partido, está el Kit Kat Club. Un club nocturno que es un refugio para olvidar las penurias y malos momentos del país alemán.

CRITICA

Por fin, después de muchísimo tiempo, he conseguido ver esta gran película. Si bien es cierto que muchas veces los musicales siguen teniendo sus detractores, con es filme, el género musical se revitalizó por completo y, a pesar de haberse estrenado hace cincuenta años, los diversos temas que trata, siguen estando de total actualidad. Lo que provoca que realmente, la sociedad no ha avanzado demasiado (aunque parezca que si).

Todos los números musicales que se van sucediendo a lo largo de toda la trama, reflejan claramente la situación del personaje de Sally Bowles (interpretada por Liza Minnelli y, papel que le dio la fama) para reflejar, no solo los temas que siguen estando de actualidad, sino también la situación de una mujer que quiere abrirse paso en el mundo y que, de alguna forma, quiere dejar el mundo sórdido en el que se encuentra, donde una mujer es vista más como un objeto de deseo.

A medida que transcurren los años (aunque no aparece de una forma concreta en el filme) Sally observa su vida y como no debe arrastrar consigo a Brian, puesto que la situación de ambos es bastante precaria, todo eso unido, al crecimiento del partido nazi. Por lo que de alguna forma, el Kit Kat Club, cerrará de una forma inminente.

Cómo he comentado anteriormente, cada uno de los números musicales hace referencia a las diversas situaciones. Cuando cree que saldrá adelante (con la canción "Maybe this time"), el auge del fascismo (canción "Mein Herr"), cuando comienza a salir con un excéntrico millonario (canción "Money, money"), y un largo etcétera. En todo estos momentos, claramente se ve que la vida de Sally parece que no va a cambiar o que no conseguirá salir adelante. Así saldrán a la palestra temas como el transformismo, el abuso sexual, el aborto, el abuso de poder, los ricos cada vez más ricos, los pobres cada vez más pobres, la aparición de una guerra; un sin fin de temas que ha día de hoy, siguen patentes.

Es una película fresca, que renovó el cine musical pero, a su vez es triste y realista, lo que puede hacer pensar como la sociedad sigue dividida a pesar de que en una película de hace cincuenta años nos lo refleje. Eso si, Cabaret es y será, el mejor musical de todos los tiempos, por muchos años que pasen.

Calificación personal: 9

Historia de lo nuestro (1999)

 

• Título original: The story of us
• Año: 1999
• Género: Románticas
• Dirección: Rob Reiner
• Intérpretes: Bruce Willis, Michelle Pfeiffer, Rob Reiner, Rita Wilson, Julie Hagerty, Tim Matheson, Lucy Webb, Bill Kirchenbauer, Colleen Rennison, Jake Sandvig.
• Guión: Alan Zweibel
• Música: Eric Clapton, Marc Shaiman
• Fotografía: Michael Chapman
• Montaje: Alan Edward Bell, Robert Leighton
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

Ben (Bruce Willis) y Katie (Michelle Pfeiffer) no hay día que no discutan tras quince años de matrimonio. Ante esta situación, deciden separarse de forma temporal mientras sus hijos están de campamento de verano. Para analizar si pueden sobreponerse a la crisis por la que atraviesan.

CRITICA

Desde mi punto de vista, el tema del matrimonio está en los últimos años un tanto banalizado, es decir, que no se le da toda la importancia que realmente merece y, es algo que hay que tomarse bastante en serio. Y, para una película que es de hace más de dos décadas, no trata con la suficiente profundidad un tema tan importante como la crisis de pareja y, los diversos factores que la pueden trabajar, no termina de profundizar en ellos y se quedan en aspectos y conversaciones sin importancia.

Inicialmente nos pone al espectador en situación para mostrar como fue el momento en el que se conocieron y como han ido evolucionando en su relación marital y como actúan delante de sus hijos para que estos no sientan que son los culpables de su separación. Es decir, que deciden "descansar el uno del otro" para ver como han llegado a esa situación. En esa pausa, ambos empiezan a recordar los buenos y malos momentos por los que pasaron. Pero, hay un momento en el que la profundidad de la historia termina por desvirtuarse cuando cada uno de ellos están comiendo con sus amigos y empiezan a hablar de infidelidades, de aspectos sexuales, etcétera; cuando realmente ellos no están interesados en ninguno de esos aspectos, sino en algo más profundo.

Justo en ese momento, todo lo  que realmente relaciona lo que ha provocado la crisis queda en un segundo plano, ya que, cuando ambos intentan hablar de lo ocurrido, no intentan analizar lo que les ha pasado. Es como si todo hubiese sido indiferente y nada hubiese pasado en el matrimonio entre Ben y Katie. Al final deja indiferente y si que se ven pequeños retazos de esas pequeñas cosas que hacen que a veces uno saque lo peor del otro. Pero, sin encontrar del todo la raíz del problema y lo que hace que muchos matrimonios, se replanteen si seguir o no.

Calificación personal: 5.5

Que el cielo la juzgue (1945)

 

• Título original: Leave her to heaven
• Año: 1945
• Género: Drama
• Dirección: John M.Stahl
• Intérpretes: Gene Tierney, Cornel Wilde, Jeanne Crain, Mary Philips, Vincente Price, Ray Collins, Darryl Hickman, Chill Wills, Gene Lockhart.
• Guión: Jo Swerling
• Música: Alfred Newman
• Fotografía: Leon Shamroy
• Montaje: James B. Clark
• Vestuario: Kay Nelson
• Productora: 20th century studios

SINOPSIS

Richard Harland (Cornel Wilde), un joven escritor, conoce en un tren a Ellen Berent (Gene Tierney). Se hospedan en la misma casa y se casan pocos días después. La vida parece irles bien, pero Ellen es posesiva y demasiado celosa. Hará todo lo que está en su mano para tener a Richard para siempre.

CRITICA

Tras finalizar la Segunda Guerra Mundial, el rol que tenían las actrices, a la hora de interpretar eran sobre todo mujeres sumisas, es decir, sirviendo al marido y que este, fuese el único que llevase el dinero a casa y sobre todo, el cuidado de los hijos. Al principio, en esta película, parece que va a jugar con esta baza, desde el momento en el que se conocen en el tren y el espectador ya sabe que van a acabar juntos. Pero, a medida que se va viendo la verdadera cara de Ellen, reflejaba lo que muchas mujeres sentían en aquella época y se reprimían a mostrarlo en público pero que privado si aceptaban.

Realmente, lo que de verdad llama la atención del carácter de Ellen es que ha adquirido un comportamiento totalmente masculino (en referencia a esa época) y como solo quiere tener a su marido en exclusiva para ella si con ello consigue que nada ni nadie enturbie su matrimonio. Pero, ese amor que ella siente por el, realmente no lo es; ya que son todos los celos y obsesiones de ella por el y su afán de poseerlo. Lo que la lleva a ella a transformar esa serie de sentimientos en algo enfermizo.

De alguna forma se podría decir que se desarrolla un paralelismo con el "complejo de Electra" pero sin llegar a su culminación. Esto se debe a que esa pasión enfermiza que tenía por su padre, la termina trasladando a la figura de su marido. Arruinando incluso la vida de su marido.

Este estado psicótico de una mujer que se cree que va a ser reemplazada y ver como sus niveles de paranoia son máximos y como planifica todos y cada uno de los pasos, merece realmente la pena ver como acaba esta relación de amor tóxico.

Calificación personal: 8

Una noche en la ópera (1935)

 

• Título original: A night at the opera
• Año: 1935
• Género: Comedia
• Dirección: Sam Wood
• Intérpretes: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Kitty Carlisle, Allan Jones, Margaret Dumont, Sig Ruman.
• Guión: James Kevin McGuinness, George S. Kaufman, Morrie Ryskind
• Música: Herbert Stothart
• Fotografía: Merrit B. Gerdstat
• Montaje: William LeVanway
• Vestuario: Dolly Tree
• Productora: Metro Goldwyn Mayer

SINOPSIS

Otis B. Driftwood (Groucho Marx) para evitar perder su trabajo como administrador para una viuda rica, decide introducir como polizones a tres hombres llevarlos hasta la ópera de Milán. En el transcurso de todo el trayecto, se van sucediendo una serie de desafortunados acontecimientos, a la cual más calamitoso.

CRITICA

He de reconocer, que el cine cómico actual tendría que aprender bastante de su época dorada y con grandes rostros interpretativos, que de verdad hacían que el espectador pasase un buen rato. Situaciones inverosímiles pero que causaban grandes carcajadas y, no era necesario tener que recurrir a bromas escatológicas o pseudopornográficas para provocar la risa en el espectador.

Es cierto, que en el caso de esta película, su función principal es garantizar la risa al espectador pero, para ello necesita de un hilo conductor para poder introducirlas. El contesto es sencillo: un joven cantante que no quiere separarse de su amada, que es la cantante principal de la compañía y, para ello van urdiendo un plan (bastante descabellado) para que ambos puedan cantar como los protagonistas.

En todo este entramado, los tres hermanos Marx se las ingenian para provocar situaciones rocambolescas (la lectura del contrato, la ocupación del camarote y sobre todo, la parte de la ópera). De esta forma, se pasa un rato entretenido y agradable y con más de una risa. Y a pesar de que pasen los años, nunca pasará de moda. Porque el cine de calidad, siempre estará ahí.

Calificación personal: 8

No matarás (2020)

 

• Dirección: David Victori
• Año: 2020
• Género: Thriller
• Intérpretes: Mario Casas, Milena Smit, Elisabeth Larena, Fernando Valdivieso, Javier Mula, Aleix Muñoz, Andreu Kreutzer, Óscar Pérez.
• Guión: David Victori, Jordi Vallejo, Clara Viola
• Música: Adrián Foulkes, Federico Jusid
• Fotografía: Elías M. Félix
• Montaje: Alberto Gutiérrez
• Vestuario: Irantzu Campos
• Productora: Filmax, Movistar +, RTVE.

SINOPSIS

Daniel (Mario Casas), tras la muerte de su padre al que ha cuidado los últimos años, decide retomar su vida. Cuando decide realizar un viaje, conoce a Mila (Milena Smit), la cual es sensual a la par que algo inestable pero, terminará por convertirse en la peor pesadilla de Daniel la noche en la que la conoce.

CRITICA

La verdad es que la película no ha estado del todo mal pero, si que he encontrado varios fallos importantes (desde mi punto de vista) en lo que se refiere al desarrollo de los acontecimientos de la trama, así como Mario Casas no termina de convencerme totalmente como actor y, que la música sobresalga por encima de los diálogos, lo que provoca que muchas veces no se entienda lo que los actores hablan. Pero, eso ya son problemas técnicos.

El lo que se refiere a la trama de la película, bien es cierto que tiene todos los elementos de un thriller: tensión, agobio, incertidumbre, etcétera. Por otro lado, hace un buen planteamiento del personaje desde el comienzo mostrando sobre todo su actitud y su forma de ser. Pero, la aparición de Mila de alguna forma le desequilibra de dos formas: una, es que ha estado mucho tiempo cuidando de su padre (lo que hace que de alguna forma desconozca el mundo que le rodea) y la segunda, es la personalidad de Mila lo que hace que la siga, es decir, el riesgo. Y, cómo es lógico, ese riesgo lo acaba sufriendo de verdad cuando las cosas se empiezan a torcer en el apartamento de la joven. Y aquí, es cuando este thriller se vuelve trepidante a la par que inverosímil. Sobre todo porque Daniel sufre una transformación un tanto vertiginosa, en la cual pasa de ser un joven formal a comportarse como un completo animal. Porque puede ser cierto (no siempre) que la noche confunde pero ¿tanto? Voy a explicarlo.

Creo que el propio título de la película hace una alusión perfecta de lo que ha ocurrido. Es decir, ha ocurrido un asesinato y, para evitar toda sospecha Daniel emprende su propia huida para no ser identificado. En el poco margen que tiene para poder maquinar como eliminar su rastro, va cometiendo una serie de errores que le dejan aún más a la "intemperie" de que le terminen por arrestar (limpia lo que ha tocado con una camiseta pero luego abre puertas, toca botones, paredes sin cuidado). Por otro lado actúa con bastante calma pero, realiza acciones sin pensarlas lo más mínimo. Incluso, teniendo una hermana abogada que le da pistas y unas recomendaciones extremadamente sensatas para que al final el, la termine por fastidiar del todo.

Lo que me lleva a la conclusión de que, en el momento en el que el joven Daniel decide irse con Mila y, acaban en el apartamento de ellas, se sabe que algo va a acabar mal en cualquier momento; y cuando eso ocurre, la historia se retuerce de la forma más inesperada, provocando que toda la serie de acontecimientos sean bastante irreales e incluso, demasiado forzados.

A pesar de estos aspectos que podrían ser mejorables (y poner de forma constante la cámara siempre encima de Mario Casas) supone un paso valiente en una película que se estrenó muy cerca después del confinamiento por la pandemia del COVID y que tuvo una buena acogida por parte del público español. Lo que siempre es de agradecer. Y, hace que el espectador no quite los ojos de la pantalla.

Calificación personal: 6

La mujer del cuadro (1944)

 

• Título original: The woman in the window
• Año: 1944
• Género: Suspense
• Dirección: Fritz Lang
• Intérpretes: Edward G. Robinson, Joan Bennett, Raymond Massey, Edmund Breon, Dan Duryea, Thomas E. Jackson, Dorothy Peterson.
• Guión: Nunnally Johnson
• Música: Arthur Lange
• Fotografía: Milton L. Krasner
• Montaje: Gene Fowler Jr. Marjorie Johnson
• Productora: RKO, International Pictures

SINOPSIS

El profesor Wanley (Edward G. Robinson) está obsesionado con la mujer del cuadro que está a la entrada del club de caballeros al que asiste. Un día al salir del mismo, ella aparece y acepta a ir a su apartamento. Pero a medida que transcurre la noche, los acontecimientos no se desarrollan como el esperaba.

CRITICA

Lo que echo realmente de menos del cine actual, es muchas veces la falta de solidez en los guiones, es decir, que me cuenten una historia que realmente me enganche y que me cuestione siempre preguntas acerca de lo que se va a desarrollar. En definitiva, que no sean tan previsibles. Y el cine noir de la época dorada de Hollywood (se que sale mucho últimamente en las entradas que escribo), se echa mucho de menos. Para no andarme por las ramas, voy a centrarme en la trama.

Desde principio hasta el final, hay un hilo conductor mediante el cual nos muestra la situación en la que se han involucrado los protagonistas y, sus diversas reacciones ante algo tan imprevisto: cometer un asesinato. En este caso, no solo es el profesor el que mantiene la calma ante la situación, sino también la mujer que de una forma muy hábil no quiere verse perjudicada ante tal acontecimiento y de forma cautelosa, lleva una serenidad que le impide perder los nervios. Ante esta vorágine, ambos planean deshacerse del cadáver evitando dejar las mínimas pistas posibles y, cuando parece que todo va bien y que nadie sospecha de ellos, aparece un hombre que acecha con desestabilizar todo su plan.

Como es lógico, no voy a realizar un spoiler de lo que ocurre tras aparecer este hombre misterioso, ya que, el sentido común nos mostraría como ambos protagonistas terminan saliéndose con la suya (¿puede que si o puede que no?). No todo en el buen cine noir tiene que ser blanco o negro o incluso, que no se den ningún tipo de impedimentos; puesto que parte de la esencia es esperar lo inesperado y que cada acción, movimiento u objeto provoca un giro en la historia que provoca que el espectador no se imagine el final (que es lo que ocurre en esta película).

La maestría del director alemán para saber sacar a la luz los deseos, pasiones, sueños en incluso los pensamientos más turbios, provoca un entramado que muy pocas veces se recuerdan. De esta forma, el suspense y la intriga están asegurados y, nunca nadie está libre de sospecha donde los actos más atroces, siempre salen a la luz.

Calificación personal: 8

A cualquier otro lugar (1999)

 

• Título original: Anywhere but here
• Año: 1999
• Género: Drama
• Dirección: Wayne Wang
• Intérpretes: Susan Sarandon, Natalie Portman, Hart Bochner, Eileen Ryan, Bonnie Bedella, Shawn Hatosy, John Carroll Lynch, Ahley Johnson
• Guión: Mona Simpsn, Alvin Sargent
• Música: Danny Elfman
• Fotografía: Roger Deatkins
• Montaje: Nicholas C. Smith
• Productora: 20th Century Fox

SINOPSIS

Adele August (Susan Sarandon) es una mujer excéntrica que decide abandonar la pequeña ciudad de Wisconsin para vivir su sueño de establecerse en Beverly Hills. No lo hará sola, irá con su hija Ann (Natalie Portman) la cual detesta todas las excentricidades de su madre y tener que ir apurando siempre con temas económicos o incluso, que su madre no termine de asentarse.

CRITICA

Las road movies son algo que nunca pasarán de moda, sobre todo porque pone de manifiesto las carencias afectivas, económicas y personales de los protagonistas. Así se reflejan muchos de los comportamientos que se van reflejando a lo largo de toda la trama. En este caso, nos muestra la relación un tanto tirante entre una adolescente con su madre y, como esta última no parece distinguir los sueños de lo que es realmente la realidad, es decir, de como se tiene que enfrentar a los problemas y no huir de ellos y al final, sea la hija la que acabe pagando las consecuencias.

La hija, como es normal, está un poco harta de las idas y venidas de su madre decide abandonarla pero, no llega a cumplir su propósito. En parte, se puede deber a que a pesar de tener cierto rencor y resentimiento hacia su madre, en parte reconoce que tiene que estar con ella y cuidarla hasta que recupere el sentido común de lo que le rodea.

A medida que se va desarrollando la historia, realmente se observa que la película no aporta grandes novedades, es decir, que es una relación madre-hija que se ha contado de mil formas distintas. Pero, a pesar de contar una historia de otra forma, si que se observa una historia con rasgos nítidos y creíbles.

Gran parte del mérito de intentar sacar la película adelante es gracias al tándem formado por Susan Sarandon (que no hace falta que demuestre su gran talento) y Natalie Portman (por aquel entonces estaba un poco "tibia" tras haber protagonizado La amenaza fantasma), donde de una forma clara muestra los matices de la adolescencia, con los síntomas de inseguridad e inmadurez sin caer en una especie de locura. Por lo que podríamos concluir que forma parte de otras muchas relaciones madre-hija pero, contando diferentes aspectos y/o situaciones.

Calificación personal: 6

Resplandor en la oscuridad (1992)

 

• Título original: Shining Through
• Año: 1992
• Género: Drama
• Dirección: David Seltzer
• Intérpretes: Michael Douglas, Melanie Griffith, Joely Richardson, Liam Neeson, John Gielgud, Lisa Orgolini, Francis Guinan
• Guión: David Seltzer
• Música: Michael Kamen
• Fotografía: Jan de Bont
• Montaje: Craig McKay
• Productora: 20th Century Fox

SINOPSIS

Durante la Segunda Guerra Mundial, Linda (Melanie Griffith) una secretaria estadounidense de origen judío-alemán es enviada como espía a la Alemania nazi para cumplir una misión. De la cual está al mando Ed (Michael Douglas), que no ve con buenos ojos mandarla allí.

CRITICA

La verdad sea dicha, menuda sosería de película. A pesar de estar basada en una novela (la cuál no me he leído, por cierto), muchas veces las adaptaciones cinematográficas consiguen atraer al público con su historia (aunque no siempre) y de alguna forma introducirnos en la misma. En este caso, esta trama termina por perder al espectador y al final no se sabe cuáles son los objetivos o las intenciones que se desean transmitir.

A pesar de partir de una premisa más o menos interesante, es decir, que la protagonista cuenta su vida, como huyó de la guerra y como consigue hacerse un hueco en el mundo del espionaje, la historia termina por tergiversarse por completo y, haciendo poco creíble la intrusión que hace en el mundo del ejército nazi y como va saliendo airosa de todas y cada una de las situaciones peligrosas.

Intentan con esta historia evocar un poco al cine noir de los años cuarenta y cincuenta donde muchas mujeres tenían una gran presencia. Aún así, no llega a ser una historia que cautive del todo e incluso llega a resultar un tanto tediosa y poco creíbles las distintitas situaciones por las que tienen que pasar los protagonistas. Digamos que podría incluirse como una película romántica sin más.

Calificación personal: 5

La cosa (1982)

 

• Título original: The thing
• Año: 1982
• Género: Ciencia ficción, terror
• Dirección: John Carpenter
• Intérpretes: Kurt Russell, Wilford Brimley, T.K.Carter, David Clennon, Keith David, Richard Dysart, Charles Hallahan, Peter Maloney, Richard Masur, Donald Moffat.
• Guión: Bill Lancaster, John W. Campbell
• Música: Ennio Morricone
• Fotografía: Dean Cundey
• Montaje: Todd Ramsay
• Productora: Universal Pictures, Turman-Foster Company

SINOPSIS

En una estación experimental de la Antártida, un grupo de científicos norteamericanos observan como un helicóptero noruego persigue a un perro para matarlo. Tras el accidente del helicóptero, los americanos acogen al perro, lo que no saben, es que esa persecución tenía un motivo: evitar la propagación de "la cosa".

CRITICA

Una de las muchas cosas que me gustaron del cine de los años ochenta (además de revitalizar todos los grandes géneros de la época dorada de Hollywood) es que a las películas de terror sabían sacarle el máximo partido en más de un punto. Es cierto que los efectos especiales no estaban tan desarrollados como ahora pero, eso les permitía jugar con la imaginación y crear increíbles figuras y modelos; que sirviesen como patrones para la elaboración de sus monstruos.

Lo bueno que tiene esta versión de La cosa (hay que recordar que en el año 2011 se hizo una nueva versión, aunque realmente es la precuela) es que cabalga entre el suspense y el terror, provocando de esta forma una tensión desde el principio hasta el final de que es lo que está ocurriendo y como esa "cosa" se irá manifestando. No se sabe exactamente cual es el siguiente paso que va a dar, ni tampoco cual va a ser su transformación. Porque la esencia de toda la trama, es que el terror no tiene forma. Nadie sabe donde está. No se sabe que forma adopta. Solo hay que esperar a su manifestación.

Es curioso que al ser una película del género de terror (el cual no me apasiona mucho, por no decir nada) sabe jugar con el elemento del suspense para mostrarle al espectador todos y cada uno de los pasos de la "cosa", como los miembros de la base norteamericana van entrando en un espiral de desconfianza a la par que paranoica entre todos ellos. Así como el establecer la conexión de como esa cosa llegó hasta ellos y como evitar que salga de ahí (recordemos que siempre, estos tipos de seres son más inteligentes que los propios humanos).

Aunque parece que he hecho spoiler (puedo asegurar que no), creo que es una película que todo buen cinéfilo y/o amante de la ciencia ficción debería ver. Por sus decorados, por los efectos especiales, por la atmósfera; pero sobre todos, porque no sabrás por donde viene la "cosa". El terror, no se ve.

Calificación personal: 9

La condesa descalza (1954)

 

• Título original: The barefoot Contessa
• Año: 1954
• Género: Drama
• Dirección: Joseph L. Mankiewicz
• Intérpretes: Humphrey Bogart, Ava Gardner, Edmund O'Brien, Marius Goring, Valentina Cortese, Rossano Brazzi, Warren Stevens, Elizabeth Sellars.
• Guión: Joseph L. Mankiewicz
• Música: Mario Nascimbene
• Fotografía: Jack Cardiff
• Montaje: William Hornbeck
• Vestuario: Sorelle Fontana, Rosi Gori
• Productora: United Artists

SINOPSIS

María Vargas (Ava Gardner) es una joven que vive en Madrid y que es descubierta por el director y guionista Harry Dawes (Humphrey Bogart). Ella consigue triunfar en Hollywood manteniendo los valores con los que se crio y siempre bien aconsejada por su buen amigo Harry. A pesar de haber conseguido triunfar, ella se siente abandonada en la vida.

CRITICA

Creo que es de sobra conocido que en la época dorada de Hollywood (ahora menos) siempre se contrataba a una actriz más por el componente sexual que pudiese despertar, que por su talento interpretativo. Por otro lado, en la mayoría de las historiase se plantea también que la mujer es fácil de complacer, un tanto frívola y con facilidad para manipularla. Cuando realmente el haberla minusvalorado, ha provocado que ella misma se considere muchas veces un ser frágil. Es en cierto modo lo que puede representar el personaje de María Vargas, cuyo final es una crónica de una muerte totalmente anunciada.

Se sabe que el director se basó en el cuento de La Cenicienta para desarrollar esta película, pero con tintes más dramáticos reflejando los que comentaba en el párrafo anterior, sobre la forma de conseguir a una mujer sin ver más allá de su físico. Porque no siempre se es solo cuerpo. También se refleja claramente como a base de engaños y mentiras se consigue el fin, perdiendo totalmente la perspectiva honesta de la sinceridad y de mostrarse tal cual uno es. La vida de la protagonista es contada mediante flashbacks por tres hombres, cuyas versiones no son lo que se dice muy fiables como para creerse que la joven tenía más idas que venidas, quedando un poco fragmentada su historia.

En conclusión, se podría decir que, a pesar de no ser una obra cumbre del Hollywood clásico, se puede decir que los personajes femeninos salen muchas veces dañados, sobre todo si lo que se pretende reflejar es que el único objetivo en la vida de toda mujer es querer ser una artista y sentirse deseada. Y se ve, que las mujeres somos mucho más que eso.

Calificación personal: 6

El veredicto (2017)

 

• Título original: The children act
• Año: 2017
• Género: Drama
• Dirección: Richard Eyre
• Intérpretes: Emma Thompson, Stanley Tucci, Fionn Whitehead, Ben Chaplin, Eileen Walsh, Anthony Calff, Jason Watkinks.
• Guión: Ian McEwan
• Música: Stephen Warbeck
• Fotografía: Andrew Dunn
• Montaje: Dan Farrell
• Productora: Film Nation Entertainment, BBC Films

SINOPSIS

Fiona Maye (Emma Thompson) es una prestigiosa jueza del Tribunal Superior de Justicia de Londres que atraviesa una grave crisis matrimonial. Cuando llega a sus manos el caso de un joven Testigo de Jehová, el cual padece leucemia y, no se quiere someter a una transfusión de sangre; supondrá un giro en la vida de la estricta jueza.

CRITICA

Hay actores y/o actrices que con su simple presencia en la película muchas veces consiguen que salga adelante y otros, que además de conseguir eso, son grandes intérpretes y que provocan que el espectador se introduzca de lleno en la historia. Esta es una de ellas. Es decir, Emma Thompson transmite todos y cada uno de los sentimientos que el espectador tiene a medida que se van desarrollando los acontecimientos, provocando simpatía hacia la jueza a la que interpreta. 

Volviendo al tema que ocupa la película, la verdad es que si en nuestra vida cotidiana nos cuesta tomar muchas decisiones, no me quiero ni imaginar cuando lo hace gente con poder. En realidad, cuando esas decisiones la realiza una persona que está comprometida con una causa o que de verdad, desempeña un cargo público con el que realmente se siente identificado/a. En el caso de esta película, hay una situación que llama especialmente la atención. Ocurre cuando la jueza decide conocer porqué el joven no quiere someterse a la transfusión de sangre (aunque el hecho en si mismo es evidente), le provoca en ella la aparición de sentimientos que tenía mermados y, en el joven, la apreciación de la vida y que muchas veces no tiene que estar reñida con la religión.

El conocimiento de ambos y la búsqueda de propósitos personales de ambos para llegar a un fin, provoca que en ambos (en el joven y la jueza) se despierten emociones y sentimientos sobre formas de ver la vida, apreciar pequeños detalles o incluso, poder replantearse su forma de pensar y de intentar no desaprovechar los buenos momentos que esta te ofrece y, junto a grandes personas.

En conclusión, nos ofrece una visión donde la justicia dicta la leyes y nosotros tenemos que acatarla pero también, somos libres de tomar decisiones en pos de lo que creemos que es verdad, siempre y cuando no implique violencia contra otros. Y por otro lado, siempre hay una posibilidad de poder cambiar de opinión y tener una segunda oportunidad.

Calificación personal: 6.5

La familia perfecta (2021)

 

• Dirección: Arantxa Echevarría
• Año: 2021
• Género: Comedia
• Intérpretes: Belén Rueda, José Coronado, Gonzalo de Castro, Pepa Aniorte, Carolina Yuste, Gonzalo Ramos, Lalo Tenorio, Jesús Vidal, Huichi Chiu.
• Guión: Olatz Arroyo
• Música: Pascal Gaigne
• Fotografía: Pilar Sánchez Díaz
• Vestuario: Eva Arretxe
• Productora: Atresmedia Cine, Lazona Producciones, The Snake Films

SINOPSIS

Lucía (Belén Rueda) cree lleva una vida modélica y pensar que tiene todo bajo control, hasta que su hijo Pablo (Gonzalo Ramos) decide presentarle a su novia Sara (Carolina Yuste), a la familia de ella y el anuncio de su compromiso. Todos los esquemas de Lucía, empiezan a tambalearse.

CRITICA

Al igual que me pasó con la entrada anterior (en lo referente al género de la comedia), con esta película las risas no han estado aseguradas, principalmente porque en si misma no es una comedia, sino más bien una forma de diferenciar las clases sociales y, la transformación que sufre una mujer para poder estar al servicio de su familia. Por lo que, desde mi perspectiva, el punto débil es que no sitúa bien los momentos cómicos junto con los dramáticos.

Desde el principio, se muestra al personaje de Lucía (y a su marido) como alguien de clase pudiente y demasiada remilgada para hacer las cosas, en definitiva que tiene que vivir a cuerpo de reina. Cuando descubre esa otra "realidad" que tanto a encandilado a su hijo, al final ella también se siente atrapada por ese encanto rústico y le permite abrir los ojos sobre la vida y sobre esa separación de clases que nunca debería de existir.

Tampoco hay que olvidar el otro lado de esta historia, que es la familia trabajadora y muy familiar del personaje de Sara que, reflejan también sus carencias en diversos campos afectivos y/o comunicativos. En resumen, lo que parecía se una comedia sencilla, clara y desternillante; nos termina dejando un sabor agridulce sobre como una mujer (o toda una familia) se rencuentra cuando deja de seguir las normas dictadas por la sociedad.

Calificación personal: 4.5

The Batman (2022)

 

• Dirección: Matt Reeves
• Año: 2022
• Género: Superhéroes, suspense
• Intérpretes: Robert Pattinso, Zoë Kravitz, Adny Serkis, Paul Dano, Jeffrey Wright, Colin Farrell, John Turturro, Peter Sarsgaard, Max Carver, Charlie Carver.
• Guión: Matt Reeves, Peter Craig
• Música: Michael Giacchino
• Fotografía: Greig Fraser
• Montaje: William Hoy, Tyler Nelson
• Vestuario: Jacqueline Durran
• Productora: DC Films, 6th and Idaho Productions

SINOPSIS

Bruce Wayne (Robert Pattinson) tras esconderse en la máscara de Batman, acecha a los criminales más peligrosos de Gotham City. Tiene pocos aliados y gente en la que confiar. Tras la aparición de enigma (Paul Dano), las cosas se complicarán aún más en la ciudad.

CRITICA

Es cierto que llevamos unos doce años aproximadamente, en los cuales no ha habido ni un solo año en el que no se estrenase una película de superhéroes (me da igual que fuese de Marvel o de DC). El caso es que inevitablemente el espectador iba al cine para pasar un rato entretenido y ver innumerables escenas de acción. Pero, muy pocas veces se ahondaba en la oscuridad de los personajes o en su mundo interior para analizar ese comportamiento. Si bien es cierto, que sobre el que más se ha ahondado ha sido en el hombre murciélago.

Es cierto que para seguir la estela del tormento del personaje, siempre tiene que existir un villano que le haga cuestionarse todos sus principios y que termine de poner la ciudad patas arriba. Pero, realmente lo que llama la atención de esta nueva película sobre Batman, son los inicios como el protector de la ciudad. Es cierto que a lo mejor se centra en una faceta menos conocida del justiciero, donde su proceso de oscuridad es bastante profundo (solo hace falta fijarse en el contraste de tonalidades negras y rojas de todos los escenarios). Por otro lado, las expectativas puestas en esta nueva trama eran demasiado altas, quizás porque se esperaba toda la acción de las que hizo gala Crhistopher Nolan con su trilogía. Pero como he comentado anteriormente, con esta nueva película, se intenta incursionarse en la oscuridad para ver realmente hasta donde quiere llegar.

Como ocurre en casi todas las películas de superhéroes, el objetivo final para el espectador es el mero entretenimiento y crear esa disyuntiva moral entre el bien y el mal y como la maldad tiene lados muy retorcidos y siniestros, que nos hacen plantearnos nuestros propios principios.

Calificación personal: 7.5

Mike y Dave buscan rollo serio (2016)

 

• Título original: Mike and Dave need wedding dates
• Año: 2016
• Género: Comedia
• Dirección: Jake Szymanski
• Intérpretes: Zac Efron, Adam DeVine, Anna Kendrick, Aubrey Plaza, Stephen Root, Alice Wetterlund, Sam Richardson, Sugar Lyn Beard.
• Guión: Andrew J. Cohen, Brendan O'Brien
• Música: Jeff Cardoni
• Fotografía: Matthew Clark
• Montaje: Lee Haxall
• Productora: Chernin Entertainment, 20th century fox

SINOPSIS

Mike (Adam Devine) y Dave (Zac Efron) Stangle, son dos hermanos que siempre terminan arruinando los eventos familiares. Para evitar que eso ocurra en la boda de su hermana, sus padres les ponen una condición: deben de llevar a dos chicas a la boda.

CRITICA

De verdad que lo intento, por más que juro y perjuro que no volveré a ver una comedia, siempre termino cayendo en la trampa, para tragarme un bodrio monumental (no siempre uno acierta) pero, a una le hacen creer que ya realmente este género está muy, pero que muy muerto. Ya no se hacen películas de este género con calidad, sino para intentar salir al paso con unos chistes facilones y que no provocan las risa al espectador (si a esto se le une tener que introducir bromas escatológicas y pornográficas para intentar hacer la trama más graciosa).

Lo que en principio promete para que el espectador no pare de reírse durante toda la película, es el comportamiento de las chicas, pero que la verdad hace que resulte bastante repulsivo. Si a esto se le une el echo de que las interpretaciones del cuarteto sea bastante forzada y, con tanto grito, la verdad es que resulta una comedia bastante idiota.

Ya lo he comentado varias veces (y aunque siempre lo escribo, lo acabo repitiendo), cuando una película no me ha dicho nada ni resonado en nada y, si encima añadimos el aliciente de que es más mala que un dolor de muelas; creo que queda todo dicho. Al igual que en su estreno, pasó (y seguirá pasando), sin pena ni gloria.

Clasificación personal: 4