Libres (2023)

 

• Dirección: Santos Blanco
• Año: 2023
• Género: Documental
• Guión: Javier Lorenzo
• Música: Óscar M. Leanizbarrutia
• Fotografía: Carlos de la Rosa
• Montaje: Paulo García Seco
• Productora: Bosco Films, Variopinto Producciones

SINOPSIS

La vida contemplativa de los monjes, siempre nos ha parecido algo impensable. ¿Qué ocurre para que hombres y mujeres del siglo XXI se retiren a los monasterios y vivir su vida? Gracias a este documental, se introduce al espectador en doce monasterios para conocer su vida más a fondo.

CRITICA

La verdad, es que el género documental va cogiendo cada vez mucha más fuerza. Si que es verdad que hace unos años, estaba bastante desaprovechado y no se veía el gran potencial que podía tener. Pero, gracias a este género cinematográfico, permite al espectador poderse imbuir en unas historias que no son inventadas y que hace que se quede con ganas de más. De conocer en mayo profundidad todo aquello que se nos desea contar. Y gracias a Libres, podemos conocer aún más, la vida de estas personas. En concreto, sus vidas fascinantes.

En todo momento, el documental quiere apartar esa idea preconcebida que se tiene sobre la vida monástica y, sobre esas personas que deciden tomar los hábitos pero, en un monasterio. Estas múltiples historias no dejan al espectador indiferente, acompañada por una hermosa fotografía que, a modo de metáfora, nos indica la paz y el amor de estas personas. Por otro lado, parece que el que vivan alejados del mundanal ruido, parece que van a llevar una vida más sencilla y tranquila, cuando en realidad no es así. Porque, aunque no tengan el estrés diario del trabajo, de las prisas, de pagar una hipoteca y un largo etcétera; tienen que hacer otro tipo de labores que no se realizan en las grandes ciudades y además, procurarse el cuidado del alma. Por otro lado, muchas de esas personas han encontrado un descanso corporal y espiritual, porque sus vidas no estaban llenas o simplemente, porque estaban atrapadas en un sufrimiento y complicaciones terribles, y son ellas mismas las que deciden tomar esa decisión.

Ante todo, son personas con una libertas increíble porque, no solo han dejado toda su vida, sino porque se han fiado de la llamada de Dios y han empezado otra nueva vida. Destacar también que, aunque hacen vida monástica, no todo se reduce simplemente a estar ellos solos, sino también el poder realizar actividades dentro de su ámbito con el resto de los hermanos de comunidad. Porque, ¿Quién dice que ser religioso o religiosa no llena o no es interesante? Quizás, para todos aquellos que tenemos una vida ajetreada, nos interesaría pararnos un poco a poder meditar, pensar y reflexionar en todos y cada uno de los ámbitos de nuestra vida; y no dejar que simplemente pase de largo, sin poder admirar la belleza, la bondad y todo lo bueno, que tenemos ante nosotros. Porque, todos y cada uno de los días, siempre lo que primero que nos tiene que salir es agradecer.

Aunque no sintamos la llamada, siempre necesitamos un momento para contemplar. Contemplar aquello que nos incomoda, contemplar aquello que nos hace feliz, contemplar para encontrarnos con nosotros mismos. En definitiva, poder contemplar para poder encontrarnos con Dios en la cotidianeidad de nuestra vida y que sigamos siendo nosotros mismos.

 

Calificación personal: 10

Super Mario Bros. La película (2023)

 

• Título original: The Super Mario Bros movie
• Año: 2023
• Género: Animación
• Dirección: Aaron Horvath, Michael Jelenic
• Doblaje original: Chris Pratt, Jack Black, Anya Taylor-Joy, Seth Rogen, Keegan Michale-Key, Fred Armisen, Sebastian Maniscalco, Charles Martinet
• Guión: Matthew Fogel
• Música: Brian Tyler, Koji Kondo
• Montaje: Eric E. Osmond
• Productora: Illumination Entertainment, Nintendo, Universal Pictures

SINOPSIS

Mario deberá emprender una épica misión para encontrar a Luigi. Con la ayuda del champiñón local Toad y unas cuantas nociones de combate de la guerrera líder del Reino Champiñón, la princesa Peach, Mario descubre todo el poder que alberga en su interior.

CRITICA

Para todos aquellos que critican esta película, bien se puede deber a dos motivos. El primero de ellos es que, no siempre las películas que se estrenan tienen que se obras maestras y pasar a la posteridad y, en segundo lugar, es que lo más seguro nunca han jugado a lo videojuegos de Mario Bros y, desconocen lo que esta gran saga de videojuegos ha hecho con una generación.

También, por otro lado, he comentado en más de una ocasión que para que una película sea apetecible, debe de tener multitud de factores y uno de ellos a la par que fundamental, es el guión. Puesto que sin historia pero, sin saberla contar bien, la película puede resultar bastante aburrida. Lo bueno que tiene este filme es que, ha sido capaz de captar toda la esencia de todos los videojuegos de esta legendaria saga. Juegos desde sus comienzos (Super Mario Bros. 2), hasta los actuales (Super Mario Odyssey, Luigi Mansion, Super Mario Kart) y hacer un buen cóctel que recuerde esa nostalgia.

La verdad, es que la fui a ver con un gran amigo que me reintrodujo en el mundo de los videojuegos y que la verla, ambos llegamos a la misma conclusión: esta película está hecha para aquellos que han disfrutado con las diferentes videoconsolas que ha ido sacando Nintendo y, a los cuales nos sigue fascinando el mundo de Mario Bros. Y que a veces, aunque el guión sea de lo más sencillo, basta con hacer un historia ligeramente atractiva y entretenida (sin necesidad de adornos) para que, en este caso, el espectador recuerde su adolescencia con estos personajes. Un verdadero disfrute y deleite para todo gran amante de los videojuegos.

Calificación personal: 8

Todos lo hacen (2022)

 

• Dirección: Hugo Martín Cuervo
• Año: 2022
• Género: Comedia
• Intérpretes: Salva Reina, Kira Miró, Carlos Santos, Mariam Hernández, Julián López, Andrea Duro, Toni Acosta, Macarena Gómez, Víctor Palmero, Pablo Carbonell.
• Guión: Marta Sánchez, Irene Niubó.
• Música: Iván Valdés
• Fotografía: Pablo Bürmann
• Productora: Álamo Producciones, A contracorriente Films.

SINOPSIS

Cuatro parejas reciben una invitación para pasar un fin de semana en el hotel donde se casaron. Lo que no saben es que el anfitrión quiere chantajearles. Y mucho menos que, al día siguiente, aparecerá́ muerto.

CRITICA

Esta película pasó desapercibida por los cines. De hecho, a la semana de estrenarse iba al cine para verla y solo había una sesión a última hora de la noche. Y ahora, está teniendo éxito en HBO Max. Y la verdad es que, a pesar de no ser una comedia en la que no pares de reírte pero, si tiene puntos bastantes buenos y los actores dan muy bien el pego.

La trama está bien hilada de principio a fin, donde todos los personajes tienen sus secretos y que intentan guardar lo mejor posible. Todo esto en un ambiente donde se ha cometido un asesinato y como también entre ellos intentan culparse para que el muerto (literalmente) no caiga sobre ellos.

Se podría decir que es una versión cómica de el juego de "El cluedo" pero con un toque cómico y particular según la personalidad de cada uno de ellos. Tampoco es que haya que decir mucho sobre la película, porque realmente se disfruta y se pasa un rato entretenido. La esperanza ha vuelto a resurgir ligeramente en lo que se refiere al género de la comedia.

Calificación personal: 7

¡Este cuerpo no es el mío! (2002)

 

• Título original: The hot chick
• Año: 2002
• Género: Comedia
• Dirección: Tom Brady
• Intérpretes: Rob Schneider, Anna Faris, Rachel McAdams, Matthew Lawrence, Eric Christian Olsen, Michael O' Keefe, Melora Hardin, Alexandra Holden, Maritza Murray.
• Guión: Tom Brady, Rob Schneider
• Música: John Debney
• Fotografía: Tim Suhrstedt
• Montaje: Peck Prior
• Vestuario: Alix Friedberg
• Productora: Touchstone Pictures, Happy Madison Productions.

SINOPSIS

Una joven adolescente, muy popular y atractiva pero mala, se despierta un día dentro del cuerpo de un hombre. Mientras intenta descubrir qué ha pasado y cómo volver a su estado anterior, se da cuenta entonces de lo cruel y maligna que ha sido con los demás hasta ese momento. 

CRITICA

Creo que en contadas ocasiones he comentado que el género de la comedia está para hacer reír y pasar un rato entretenido pero, para ello debe de tener un buen guión. Si que es verdad que ¡Este cuerpo no es el mío! no es una comedia grandiosa porque cae en demasiados tópicos pero es, ligeramente disfrutable.

Digamos que esta película se puede categorizar como humor adolescente y los tópicos de las películas americano en las cuales la más popular del instituto es una preciosidad, tiene unas esbirras y, es mala persona. Puesto todos estos aspectos se unen en el filme y se traducen en lo que conocemos como karma: si solo haces cosas malas, te pasarán cosas malas. Eso exactamente le pasa a la protagonista pero, por medio de unos pendientes y se levanta al día siguiente siendo un hombre. Y, a partir de esa experiencia pues observa que no ha sido buena persona y piensa en todo lo que tiene.

Si soy sincera, la verdad es que no hay mucho más que decir sobre la película. Se pasa un rato entretenido pero al final, se empieza a enrocar en las mismas situaciones una y otra vez solamente para rellenar. Que se le va hacer, las apariencias de las películas engañan y a veces, picamos.

Calificación personal: 4.5

Una mujer bajo la influencia (1974)

 

• Título original: A woman under the influence
• Año: 1974
• Género: Drama
• Dirección: John Cassavetes
• Intérpretes: Gena Rowlands, Peter Falk, Fred Draper, Lady Rowlands, Katherine Cassavetes, Matthew Laborteaux, Matthew Cassel, Christina Grisanti, Eddie Shaw.
• Guión: John Cassavetes
• Música: Bo Harwood
• Fotografía: Mitch Breit, Al Ruban
• Montaje: David Armstrong
• Productora: Faces International Films

SINOPSIS

Nick (Peter Falk) es un capataz de la construcción, que ve como su vida se desmorona, al ver que su mujer Mabel (Gena Rowlands) tiene una desestabilidad emocional. A largo plazo, afecta a su matrimonio, a sus hijos y a la vida que llevaban juntos.

CRITICA

De sobra es conocido, que el máximo exponente del cine independiente es John Cassavetes, lo que le permitió poder realizar sus películas al margen de los grandes estudios y, que nos dejase grandes obras cinematográficas. Y, una de las más destacadas de su filmografía, fue Una mujer bajo la influencia que provoca en el espectador un halo de desasosiego, que le deja pensando en lo que ha querido transmitir.

Lo que quiere transmitir a lo largo de toda la película es las diferentes trabas que se encontraba una mujer en aquella época (aunque hoy en día, sigue habiendo pero de formas diferentes) y como la falta de libertad y esa soledad profunda que lleva a la protagonista a un estado mental relacionado con la locura e incluso, ser la propia locura en sí misma. Al final, Mabel es una mujer que genera inseguridad entre todos aquellos que la rodean. Como es lógico, Nick, el marido, es el que parece el héroe, el conciliador, el que se le justifica todo, el que siempre está cansado; pero en realidad es el gran causante de ese desequilibrio en Mabel, debido a que está más centrado en lo que opinan los demás (lo que lleva a actuar en varios momentos de forma violenta, e incluso contra su mujer) sin parar ni siquiera un segundo en estar con su mujer, cuidarla o dedicarle un tiempo a ella. Porque, para más inri, Nick es un completo inútil en la casa porque, si no fuese por su mujer, esa casa sería un desastre.

Cabe destacar varios escenarios y situaciones que se dan en la película que muestran ese gran abismo entre ambos. Una de las escenas, es cuando Nick invita a desayunar espaguetis a su casa; para que tengan una buena opinión de él como patrón, sin reparar en Mabel y, por lo tanto, ella actúa de forma incontrolada humillándole. En otra escena, cuando Mabel invita al vecino  y ve a los niños desnudos corriendo por la casa, ve que todo está fuera de control, sacando su lado violento. Ese lado violento, se traslada también en su ámbito laboral e incluso con su madre. A partir de ese momento, se ve claramente como Nick ha perdido el control de su familia y el ser el cabeza de la misma y, se acrecienta aún más cuando Mabel vuelve cambiada y Nick no le para de decir: "Sé tu misma", "sé natural", "di lo que decías antes", haciendo que Mabel se sienta incómoda, porque ella ya no quiere ser así.

A modo de conclusión, el título siempre me ha llamado la atención, hasta que he visto la película y lo entendí. Una mujer bajo la influencia... ¿Cuál?, ¿de qué?, ¿de quién?; mostrando en todo momento que la perspectiva de esta historia es de aquella persona que sufre la inadaptación, que es Mabel. Quien mejor para reflejarlo que la gran Gena Rowlands que está espectacular. Por eso hacía tan buen tándem con su marido, el director John Cassavetes y que, a pesar de ser un verdadero alcohólico (murió de cirrosis) y de mostrar lo mal que trataban los hombres a las mujeres, estuvo felizmente casado con Rowlands y nunca, le puso una mano encima. Y para terminar, el cine de este director americano es muy visceral y con mucha dureza. Por lo que recomiendo ir poco a poco viendo sus películas.

Calificación personal: 8.5

Desencantada: Vuelve Giselle (2022)

 

• Título original: Disenchanted
• Año: 2022
• Género: Románticas, fantasía
• Dirección: Adam Shankman
• Intérpretes: Amy Adams, Maya Rudolph, Patrick Dempsey, Idina Menzel, Yvette Nicole Brown, Jayma Mays, James Marsden, Gabriella Baldachinno, Óscar Núñez.
• Guión: Adam Shankman, Brigette Hales, Richard LaGravenese, Scott Neustadter, Michael H. Weber.
• Música: Alan Menken
• Fotografía: Simon Duggan
• Montaje: Emma E. Hickox, Chris Lebenzon
• Productora: Walt Disney Pictures, Sonnefeld Productions

SINOPSIS

Quince años después de su felices para siempre, Giselle (Amy Adams) cuestiona su felicidad, sin darse cuenta, cambiando la vida de los del mundo real y de los habitantes de Andalasia.

CRITICA

Creo que es de sobra conocido que este tipo de películas están enfocadas a un simple y puro entretenimiento y que el espectador no piense mucho en el argumento. Pero, lo que suele ocurrir en este tipo de películas es que si se alarga en demasía la trama, puede resultar algo pesada y asfixiante. Sobre todo, si se trata de una segunda parte. En este caso, es un poco más desastrosa que la anterior.

Si bien es cierto que gran parte del público (ojo, que no el total) reclamaba una segunda parte y en este caso, lo que refleja es si Giselle vuelve a recuperar ese mundo mágico del que provenía para encontrar esa felicidad que tanto anhela y da como resultado, algo nefasto. Es decir, el mundo al revés de los finales felices.

Tampoco es que haya que decir mucho más. El vestuario y toda la ambientación es maravillosa y, como siempre Amy Adams está espectacular, ya que es capaz de moverse en diferentes registros interpretativos. Destacar sobre todo la presencia de una gran cómica como lo es Maya Rudolph, que está inmensa; sin desmerecer a Idina Menzel cuyo solo de su canción es el único que merece la pena (¡menudo chorro de voz tiene esta mujer!). En definitiva, como película para desconectar y rememorar esa película de nuestra infancia y/o adolescencia; es ligeramente pasable.

Calificación personal: 5.5

Mass (2021)

 

• Dirección: Franz Kanz
• Año: 2021
• Género: Drama
• Intérpretes: Jason Isaacs, Martha Plimpton, Ann Dowd, Reed Birney, Breeda Wool, Kagen Albright, Michelle N. Carter.
• Guión: Franz Kanz
• Música: Darrezn Morze
• Fotografía: Ryan Jakcson-Healy
• Montaje: Yang Huan Hu
• Productora: 7 Eccles Street, Circa 1888, 5B Productions

SINOPSIS

Años después de que el hijo de Richard (Reed Birney) y Linda (Ann Dowd) causase una enorme tragedia, Jay (Jason Isaacs), y Gail (Martha Plimpton) están por fin dispuestos a hablar en un intento por tratar de seguir adelante con sus vidas.

CRITICA

Realmente no tengo palabras para describir esta película. Es tal el impacto que me ha causado, que realmente no sabría por donde empezar. Son de ese tipo de películas que después de haberla visto, estás un tiempo hablando y pensando en ella ya que, no deja para nada indiferente al espectador, al abordar temas como el vacío existencial, el dolor y la esperanza.

No es la primera vez que en el cine, se utiliza el recurso de realizar una película en un único espacio para generar una mayor carga emocional. Puesto que al final, lo que realmente interesa es que el espectador pueda mimetizarse (en cierto modo) con la situación que acontece a los personajes. Aunque hoy en día parece que vende más las historias con efectos especiales. Pero, para generar una buena historia, no se necesita muchas veces estos efectos.

Desde el principio es un drama intimista donde dos parejas desnudan su alma ante la muerte de sus hijos. Por un lado están Jay y Gail, que buscan encontrar consuelo al intentar entender la muerte de su hijo causada por el hijo de Richard y Linda; los cuales no solo deben de lidiar con la muerte de su hijo, sino también por todo el rechazo social que les ha supuesto. Provocando de esta forma una disyuntiva en el espectador: entender a las cuatro partes sin crear ningún juicio precipitado. Porque aquí no hay buenos ni malos, sino padres agotados por el dolor de perder a sus hijos y que, necesitan encontrar a algún culpable en toda esta historia, aunque esa culpabilidad no les aliviaría ese dolor horrible. Hasta que, entre ellos cuatro se den cuenta de que, lo que buscan es realmente la comprensión, el perdón y poder pasar página en el libro más amargo de sus vidas.

Por otro lado, es bastante curioso diferentes aspectos que me llamaron la atención. El primero sería la elección de la Iglesia para llevar a cabo la reunión. La respuesta es muy sencilla: la Iglesia es un hogar en el que te sientes protegido, relajado y sin juicios ni prejuicios, lo que de alguna forma les permite a los cuatro progenitores poder hablar más abiertamente. En segundo lugar, cuando ya los personajes han pasado a los gritos y llantos, el encuadre del plano se hace más pequeño, lo que indica que hay un cierto acercamiento por ambas partes y que están listas para realizar el paso que están posponiendo: pedir perdón. En tercer lugar, estaría el plano final entre Jay y Gail (lo siento, pero aquí tengo que hacer un pequeño spoiler), cuando a través de una luz en la escalera y con el coro ensañando, es una salida y una luz en sus vidas, al poder avanzar en sus vidas, a pesar de que siga doliendo.

La película no tiene ningún tipo de desperdicio, sobre todo por ser una montaña de emociones de los personajes, de sus sentimientos encontrados de intentar llegar a una solución. Si bien es cierto, que el personaje de Richard, en ningún momento muestra un atisbo de perdón, ya que el no es "directamente" el culpable de la muerte de Jay y Gail. Destacar también el papel de su vidas para Ann Dowd (algunos la conocerán como tía Lydia en la serie El cuento de la criada), Jason Isaacs (famoso a la hora de interpretar a Lucius Malfoy en las películas de Harry Potter), Martha Plimpton (su éxito empezó en Los Goonies) y de Reed Birney (por aparecer en la multipremiada serie House of Cards). Al final, se demuestra que el cine auténtico, no tiene que ser el comercial, ni con rostros habituales del cine; de esta forma, en la temporada de premios, se olvidan de las mejores películas.

Calificación personal: 9.5

Encantada: La historia de Giselle (2007)

 

• Título original: Enchanted
• Año: 2007
• Género: Romántica, musical
• Dirección: Kevin Lima
• Intérpretes: Amy Adams, Patrick Dempsey, James Marsden, Timothy Spall, Susan Sarandon, Idina Menzel, Rachel Covey.
• Guión: Bill Kelly
• Música: Alan Menken
• Fotografía: Don Burgess
• Vestuario: Mona May
• Montaje: Gregory Perler, Stephen A. Rotter
• Productora: Walt Disney Pictures, Right Coast Entertainment, Sonnefeld Productions

SINOPSIS

Giselle (Amy Adams) es transportada por medio de un hechizo de la malvada reina Narissa (Susan Sarandon), desde Andalasia hasta la ciudad de Nueva York. Perdida en ese mundo, recibe la ayuda de Robert (Patrick Dempsey). Descubriendo así, que no siempre todos los finales, son felices y comiendo perdices para siempre.

CRITICA

Desde mi punto de vista, uno de los errores que ha cometido muchas veces Hollywood, es crear historias de amor con una facilidad, para hacer creer al espectador que todo es fácil y sencillo, a la hora de tener que encontrar a la otra persona. Pero, como bien recalca en cierto modo Encantada: La historia de Giselle, hay que vivir en el mundo real. Con esto no quiero decir, que el espectador no sueñe, imagine o desee tener algo parecido pero, la realidad es otra cosa diferente.

Independientemente de todo esto, de alguna forma conseguía reírse de todos estos clichés y elementos característicos de los cuentos de Disney (de otra forma, también se repetiría con la película de Frozen: El reino de hielo) y así huir de una empalagosidad propia de la casa del ratón. Eso si, teniendo al final, un cuento de hadas para la protagonista. Si que hay que reconocer, que Amy Adams parecía estúpida pero, gracias a su amplio registro interpretativo, nos hace creer realmente en ese tipo de princesas que siempre se nos ha mostrado al espectador.

Destacar también que, a pesar de querer desmitificar esos cuentos de hadas, en si misma, la propia historia tiene ese momento de encontrar a tu "príncipe azul" y que, no hay que casarse tras haber tenido un flechazo. Habrá que ver Desencantada: Vuelve Giselle a ver qué tal está. Pero, hay que recordar, que segundas partes nunca fueron buenas. O no.

Calificación personal: 6

La llegada (2016)

 

• Título original: Arrival
• Año: 2016
• Género: Ciencia ficción
• Dirección: Denis Villeneuve
• Intérpretes: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Tzi Ma, Mark O'Brien, Frank Schorpion, Christian Jadah.
• Guión: Eric Heisserer
• Música: Jóhann  Jóhannsson
• Fotografía: Bradford Young
• Montaje: Joe Walker
• Vestuario: Renée April
  
• Productora: Film Nation Entertainment, 21 Laps Entertainment, Lava Bear Films

SINOPSIS

Unas naves extraterrestres llegan a diferentes puntos del planeta. En Estados Unidos, piden ayuda a la experta en lingüista Louise (Amy Adams) para que pueda comunicarse con ellos y, descubrir así, si son una amenaza para el ser humano. A medida que pasan los días, se irá descubriendo la intención de estos seres.

CRITICA

Hacía bastante tiempo no disfrutaba viendo una película de ciencia ficción, sobre todo si el tema que abordan es sobre los extraterrestres. Es un género que está un poco vilipendiado a la par que no saben llevarlo con cierta maestría, por lo que el espectador saldrá positivamente extrañado puesto que, no es la típica película de ciencia ficción.

Desde el principio, la importancia de esta película recae sobre todo en la estética visual y, en reducir el desarrollo de los acontecimientos en espacios milimétricamente cerrados para que el espectador se pueda centrar en cada uno de los detalles; de este contacto alienígena. Mención aparte, pero no por ello menos importante, son los extraterrestres. Los cuáles son maravillosos y, como no da por supuesto que, a pesar de ser una vida inteligente, tiene que aprender el lenguaje de los humanos (y viceversa).

Si que es cierto, que en algún momento, el espectador pueda perderse ligeramente, sobre todo en lo que entraña en aspectos científicos, pero se suple de forma maravillosa con ese contacto directo con los alienígenas e incluso con esos momentos de la vida de la doctora Louise Banks (creo que es indiscutible, que Amy Adams es el alma de toda la película).

De esta forma, La llegada termina por ser un relato sobre la comunicación y de las ausencia de la misma en el globo terráqueo. Es una forma de identificar que, ante cualquier situación, el ser humano es capaz de sacar la violencia (en todas sus formas) sin antes haber procedido al diálogo o una conversación, por medio de la comunicación. De echo, hay en un momento de la trama, en la que los propios extraterrestres, ofrecen "un arma"; provocando un caos, mostrando los problemas y virtudes que pueden surgir en torno a esa falta de comunicación; mostrando en segundo plano el contexto sociopolítico, para demostrar que hoy en día se aplica antes la violencia que el diálogo.

En resumen, podemos decir que es una obra culmen de la ciencia ficción, que se sale de todos los esquemas establecidos acerca de "quien es el malo" ante la llegada de los extraterrestres y, combina de una forma excelente elementos más emocionales con, elementos cerebrales.

Calificación personal: 9

Otra ronda (2020)

 

• Título original: Druk
• Año: 2020
• Género: Drama
• Dirección: Thomas Vinterberg
• Intérpretes: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang, Lars Ranthe, Maria Bonnevie, Susse Wold.
• Guión: Thomas Vinterberg, Tobias Lindholms.
• Música: Janus Billeskov Jansen.
• Fotografía: Sturla Brandth Grovlen.
• Montaje: Anne Osterud, Janus Billeskov Jansen.
• Vestuario: Ellen Lens, Manon Rasmussen.
• Productora: Zentropa, Film i Väst, Topkapi Films.

SINOPSIS

Cuatro profesores de instituto se embarcan en un experimento sociológico en el que cada uno de ellos deberá mantener la tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel, durante su vida diaria, intentando demostrar de esa manera que pueden mejorar en todos los aspectos de su vida.

CRITICA

A la hora de ver esta película, el espectador puede quedarse un poco confundido puesto que, le puede asaltar dos cuestiones: ¿hace apología de beber sin límites? o ¿es un canto a la vida? La respuesta es sencilla: es ambas. Refleja por un lado, esa prioridad que el ser humano le da tantas veces al alcohol, como el remedio de pasarlo bien y, como se puede celebrar la vida más allá del alcohol.

La película nos muestra a cuatro amigos profesores que se encuentran estancados en su vida, tanto a nivel personal como profesional y que, uno de ellos comenta que según un filósofo noruego que, para estar completamente plenos, necesitamos tener un porcentaje de alcohol en sangre (concretamente, un 0,05%) para ser un poco más felices. A medida que van pasando los días, los cuatro amigos parecen que se sienten más aceptados por las personas de su entorno (en especial, por sus alumnos). Y que, para poder seguir mejorando en todos los aspectos de su vida, ¿por qué no aumentar un poco más la cantidad de alcohol, si eso les va a ayudar? Esto lo intentan justificar de una forma muy clara al poner de ejemplo a diversos personajes de la historia, como Winston Churchill, Ernest Hemingway y así, poder justificar esa ingesta de alcohol. Pero, lo que es curioso, es que en ningún momento, por medio de esta historia, se pretender juzgar a los personajes ni su actitud pero, tampoco evita mostrar el lado más oscuro de una de las drogas que mata de una forma más silenciosa al ser humano.

Ante todo, no es una película moralista pero, al final el alcohol solo amplifica los anhelos, las angustias, las tristezas, los miedos que están albergadas en nuestro interior. De esta forma, en cada personaje afecta en diferentes momentos vitales y en cada uno de ellos afecta de manera diferente. En definitiva, es la forma en la que cada uno de ellos vuelve a sentirse vivo; sin saber, que esta vitalidad puede transformarse en una gran desgracia.

Es importante reseñar que, en el proceso del rodaje de esta película, la hija del director murió en un accidente de automóvil con tan solo diecinueve años. Por lo que, es una elegía de sentimiento y tristeza que es necesario ser asimilada, para poder saber bailar con ella.

Calificación personal: 9

El bígamo (1953)

 

• Título original: The bigamist
• Año: 1953
• Género: Drama
• Dirección: Ida Lupino
• Intérpretes: Edmond O'Brien. Ida Lupino, Joan Fontaine, Edmund Gwenn, Kenneth Tobey, Jane Darwell, Peggy Maley.
• Guión: Collier Young
• Música: Leith Stevens
• Fotografía: George Diskant
• Montaje: Stanford Tischler
• Productora: The filmakers

SINOPSIS

Harry Graham (Edmond O'Brien) es un comerciante de éxito que decide iniciar los trámites de la adopción de un niño, con su esposa Eve (Joan Fontaine).  Cuando e investigador Jordan (Edmund Gwenn), decide conocer un poco más sobre este matrimonio para iniciar los trámites, descubre que Harry está casado con Phyllis (Ida Lupino), con la que tiene un hijo.

CRITICA

Aunque sea un tópico el que se haya hablado mil veces, hablar de determinados temas en el Hollywood clásico, era un poco complicado; sobre todo por esa doble moral que arrastraban a la hora de mostrar determinados aspectos considerados como pecado. Pero a veces, era necesario para mostrar esa moral americana, cuando eran ellos mismos más pecadores que nadie.

Es lo que se pretende reflejar a partir de estas película, a través de un hombre que está casado con dos mujeres (en diferentes ciudades) y que vive dos vidas distintas en dos ciudades. Demostrando una vez más, esa figura de fortaleza en el sexo masculino  y cuya imagen se veía dañada si la mujer cometía algún acto "impuro". A pesar de eso, siempre eran los hombres los que iban por detrás engañando a sus mujeres y, prometiéndoles el oro y el oro a sus amantes.

Lo curioso del protagonista, es que se había acomodado a esa vida en la que su mujer, al verse incapacitada para tener hijos, se volcaba en el trabajo y en tratarle a él, como un empleado más; y, al poder ver que volvía a sentir algo de nuevo por alguien, provocaba esa tristeza y pena por su mujer; dando como resultado un engaño a dos bandas a dos mujeres, que si sentían algo real por su marido.

Es curioso que la película estuviese dirigida por Ida Lupino (hace de Phyllis en esta película), sobre todo en un Hollywood extremadamente machista (aunque aún lo sigue siendo), donde la dirección era exclusivamente para los hombres y que ella, viese más allá de lo que era una realidad oculta. De echo, fue la primera directora en plasmar en una película, todo aquello relacionado con una violación.

En definitiva, es una buena película que no ha perdido frescura, aunque pasase sin pena ni gloria por las salas en su estreno y, más tarde el espectador ni la conociese. A modo de curiosidad, para terminar, el guionista Collier Young, estuvo casado primero con Ida Lupino (hasta 1951) y después, con Joan Fontaine (la otra fémina de esta película, desde 1952 hasta 1961).

Calificación personal: 7.3