Historia de lo nuestro (1999)

 

• Título original: The story of us
• Año: 1999
• Género: Románticas
• Dirección: Rob Reiner
• Intérpretes: Bruce Willis, Michelle Pfeiffer, Rob Reiner, Rita Wilson, Julie Hagerty, Tim Matheson, Lucy Webb, Bill Kirchenbauer, Colleen Rennison, Jake Sandvig.
• Guión: Alan Zweibel
• Música: Eric Clapton, Marc Shaiman
• Fotografía: Michael Chapman
• Montaje: Alan Edward Bell, Robert Leighton
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

Ben (Bruce Willis) y Katie (Michelle Pfeiffer) no hay día que no discutan tras quince años de matrimonio. Ante esta situación, deciden separarse de forma temporal mientras sus hijos están de campamento de verano. Para analizar si pueden sobreponerse a la crisis por la que atraviesan.

CRITICA

Desde mi punto de vista, el tema del matrimonio está en los últimos años un tanto banalizado, es decir, que no se le da toda la importancia que realmente merece y, es algo que hay que tomarse bastante en serio. Y, para una película que es de hace más de dos décadas, no trata con la suficiente profundidad un tema tan importante como la crisis de pareja y, los diversos factores que la pueden trabajar, no termina de profundizar en ellos y se quedan en aspectos y conversaciones sin importancia.

Inicialmente nos pone al espectador en situación para mostrar como fue el momento en el que se conocieron y como han ido evolucionando en su relación marital y como actúan delante de sus hijos para que estos no sientan que son los culpables de su separación. Es decir, que deciden "descansar el uno del otro" para ver como han llegado a esa situación. En esa pausa, ambos empiezan a recordar los buenos y malos momentos por los que pasaron. Pero, hay un momento en el que la profundidad de la historia termina por desvirtuarse cuando cada uno de ellos están comiendo con sus amigos y empiezan a hablar de infidelidades, de aspectos sexuales, etcétera; cuando realmente ellos no están interesados en ninguno de esos aspectos, sino en algo más profundo.

Justo en ese momento, todo lo  que realmente relaciona lo que ha provocado la crisis queda en un segundo plano, ya que, cuando ambos intentan hablar de lo ocurrido, no intentan analizar lo que les ha pasado. Es como si todo hubiese sido indiferente y nada hubiese pasado en el matrimonio entre Ben y Katie. Al final deja indiferente y si que se ven pequeños retazos de esas pequeñas cosas que hacen que a veces uno saque lo peor del otro. Pero, sin encontrar del todo la raíz del problema y lo que hace que muchos matrimonios, se replanteen si seguir o no.

Calificación personal: 5.5

Que el cielo la juzgue (1945)

 

• Título original: Leave her to heaven
• Año: 1945
• Género: Drama
• Dirección: John M.Stahl
• Intérpretes: Gene Tierney, Cornel Wilde, Jeanne Crain, Mary Philips, Vincente Price, Ray Collins, Darryl Hickman, Chill Wills, Gene Lockhart.
• Guión: Jo Swerling
• Música: Alfred Newman
• Fotografía: Leon Shamroy
• Montaje: James B. Clark
• Vestuario: Kay Nelson
• Productora: 20th century studios

SINOPSIS

Richard Harland (Cornel Wilde), un joven escritor, conoce en un tren a Ellen Berent (Gene Tierney). Se hospedan en la misma casa y se casan pocos días después. La vida parece irles bien, pero Ellen es posesiva y demasiado celosa. Hará todo lo que está en su mano para tener a Richard para siempre.

CRITICA

Tras finalizar la Segunda Guerra Mundial, el rol que tenían las actrices, a la hora de interpretar eran sobre todo mujeres sumisas, es decir, sirviendo al marido y que este, fuese el único que llevase el dinero a casa y sobre todo, el cuidado de los hijos. Al principio, en esta película, parece que va a jugar con esta baza, desde el momento en el que se conocen en el tren y el espectador ya sabe que van a acabar juntos. Pero, a medida que se va viendo la verdadera cara de Ellen, reflejaba lo que muchas mujeres sentían en aquella época y se reprimían a mostrarlo en público pero que privado si aceptaban.

Realmente, lo que de verdad llama la atención del carácter de Ellen es que ha adquirido un comportamiento totalmente masculino (en referencia a esa época) y como solo quiere tener a su marido en exclusiva para ella si con ello consigue que nada ni nadie enturbie su matrimonio. Pero, ese amor que ella siente por el, realmente no lo es; ya que son todos los celos y obsesiones de ella por el y su afán de poseerlo. Lo que la lleva a ella a transformar esa serie de sentimientos en algo enfermizo.

De alguna forma se podría decir que se desarrolla un paralelismo con el "complejo de Electra" pero sin llegar a su culminación. Esto se debe a que esa pasión enfermiza que tenía por su padre, la termina trasladando a la figura de su marido. Arruinando incluso la vida de su marido.

Este estado psicótico de una mujer que se cree que va a ser reemplazada y ver como sus niveles de paranoia son máximos y como planifica todos y cada uno de los pasos, merece realmente la pena ver como acaba esta relación de amor tóxico.

Calificación personal: 8

Una noche en la ópera (1935)

 

• Título original: A night at the opera
• Año: 1935
• Género: Comedia
• Dirección: Sam Wood
• Intérpretes: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Kitty Carlisle, Allan Jones, Margaret Dumont, Sig Ruman.
• Guión: James Kevin McGuinness, George S. Kaufman, Morrie Ryskind
• Música: Herbert Stothart
• Fotografía: Merrit B. Gerdstat
• Montaje: William LeVanway
• Vestuario: Dolly Tree
• Productora: Metro Goldwyn Mayer

SINOPSIS

Otis B. Driftwood (Groucho Marx) para evitar perder su trabajo como administrador para una viuda rica, decide introducir como polizones a tres hombres llevarlos hasta la ópera de Milán. En el transcurso de todo el trayecto, se van sucediendo una serie de desafortunados acontecimientos, a la cual más calamitoso.

CRITICA

He de reconocer, que el cine cómico actual tendría que aprender bastante de su época dorada y con grandes rostros interpretativos, que de verdad hacían que el espectador pasase un buen rato. Situaciones inverosímiles pero que causaban grandes carcajadas y, no era necesario tener que recurrir a bromas escatológicas o pseudopornográficas para provocar la risa en el espectador.

Es cierto, que en el caso de esta película, su función principal es garantizar la risa al espectador pero, para ello necesita de un hilo conductor para poder introducirlas. El contesto es sencillo: un joven cantante que no quiere separarse de su amada, que es la cantante principal de la compañía y, para ello van urdiendo un plan (bastante descabellado) para que ambos puedan cantar como los protagonistas.

En todo este entramado, los tres hermanos Marx se las ingenian para provocar situaciones rocambolescas (la lectura del contrato, la ocupación del camarote y sobre todo, la parte de la ópera). De esta forma, se pasa un rato entretenido y agradable y con más de una risa. Y a pesar de que pasen los años, nunca pasará de moda. Porque el cine de calidad, siempre estará ahí.

Calificación personal: 8

No matarás (2020)

 

• Dirección: David Victori
• Año: 2020
• Género: Thriller
• Intérpretes: Mario Casas, Milena Smit, Elisabeth Larena, Fernando Valdivieso, Javier Mula, Aleix Muñoz, Andreu Kreutzer, Óscar Pérez.
• Guión: David Victori, Jordi Vallejo, Clara Viola
• Música: Adrián Foulkes, Federico Jusid
• Fotografía: Elías M. Félix
• Montaje: Alberto Gutiérrez
• Vestuario: Irantzu Campos
• Productora: Filmax, Movistar +, RTVE.

SINOPSIS

Daniel (Mario Casas), tras la muerte de su padre al que ha cuidado los últimos años, decide retomar su vida. Cuando decide realizar un viaje, conoce a Mila (Milena Smit), la cual es sensual a la par que algo inestable pero, terminará por convertirse en la peor pesadilla de Daniel la noche en la que la conoce.

CRITICA

La verdad es que la película no ha estado del todo mal pero, si que he encontrado varios fallos importantes (desde mi punto de vista) en lo que se refiere al desarrollo de los acontecimientos de la trama, así como Mario Casas no termina de convencerme totalmente como actor y, que la música sobresalga por encima de los diálogos, lo que provoca que muchas veces no se entienda lo que los actores hablan. Pero, eso ya son problemas técnicos.

El lo que se refiere a la trama de la película, bien es cierto que tiene todos los elementos de un thriller: tensión, agobio, incertidumbre, etcétera. Por otro lado, hace un buen planteamiento del personaje desde el comienzo mostrando sobre todo su actitud y su forma de ser. Pero, la aparición de Mila de alguna forma le desequilibra de dos formas: una, es que ha estado mucho tiempo cuidando de su padre (lo que hace que de alguna forma desconozca el mundo que le rodea) y la segunda, es la personalidad de Mila lo que hace que la siga, es decir, el riesgo. Y, cómo es lógico, ese riesgo lo acaba sufriendo de verdad cuando las cosas se empiezan a torcer en el apartamento de la joven. Y aquí, es cuando este thriller se vuelve trepidante a la par que inverosímil. Sobre todo porque Daniel sufre una transformación un tanto vertiginosa, en la cual pasa de ser un joven formal a comportarse como un completo animal. Porque puede ser cierto (no siempre) que la noche confunde pero ¿tanto? Voy a explicarlo.

Creo que el propio título de la película hace una alusión perfecta de lo que ha ocurrido. Es decir, ha ocurrido un asesinato y, para evitar toda sospecha Daniel emprende su propia huida para no ser identificado. En el poco margen que tiene para poder maquinar como eliminar su rastro, va cometiendo una serie de errores que le dejan aún más a la "intemperie" de que le terminen por arrestar (limpia lo que ha tocado con una camiseta pero luego abre puertas, toca botones, paredes sin cuidado). Por otro lado actúa con bastante calma pero, realiza acciones sin pensarlas lo más mínimo. Incluso, teniendo una hermana abogada que le da pistas y unas recomendaciones extremadamente sensatas para que al final el, la termine por fastidiar del todo.

Lo que me lleva a la conclusión de que, en el momento en el que el joven Daniel decide irse con Mila y, acaban en el apartamento de ellas, se sabe que algo va a acabar mal en cualquier momento; y cuando eso ocurre, la historia se retuerce de la forma más inesperada, provocando que toda la serie de acontecimientos sean bastante irreales e incluso, demasiado forzados.

A pesar de estos aspectos que podrían ser mejorables (y poner de forma constante la cámara siempre encima de Mario Casas) supone un paso valiente en una película que se estrenó muy cerca después del confinamiento por la pandemia del COVID y que tuvo una buena acogida por parte del público español. Lo que siempre es de agradecer. Y, hace que el espectador no quite los ojos de la pantalla.

Calificación personal: 6

La mujer del cuadro (1944)

 

• Título original: The woman in the window
• Año: 1944
• Género: Suspense
• Dirección: Fritz Lang
• Intérpretes: Edward G. Robinson, Joan Bennett, Raymond Massey, Edmund Breon, Dan Duryea, Thomas E. Jackson, Dorothy Peterson.
• Guión: Nunnally Johnson
• Música: Arthur Lange
• Fotografía: Milton L. Krasner
• Montaje: Gene Fowler Jr. Marjorie Johnson
• Productora: RKO, International Pictures

SINOPSIS

El profesor Wanley (Edward G. Robinson) está obsesionado con la mujer del cuadro que está a la entrada del club de caballeros al que asiste. Un día al salir del mismo, ella aparece y acepta a ir a su apartamento. Pero a medida que transcurre la noche, los acontecimientos no se desarrollan como el esperaba.

CRITICA

Lo que echo realmente de menos del cine actual, es muchas veces la falta de solidez en los guiones, es decir, que me cuenten una historia que realmente me enganche y que me cuestione siempre preguntas acerca de lo que se va a desarrollar. En definitiva, que no sean tan previsibles. Y el cine noir de la época dorada de Hollywood (se que sale mucho últimamente en las entradas que escribo), se echa mucho de menos. Para no andarme por las ramas, voy a centrarme en la trama.

Desde principio hasta el final, hay un hilo conductor mediante el cual nos muestra la situación en la que se han involucrado los protagonistas y, sus diversas reacciones ante algo tan imprevisto: cometer un asesinato. En este caso, no solo es el profesor el que mantiene la calma ante la situación, sino también la mujer que de una forma muy hábil no quiere verse perjudicada ante tal acontecimiento y de forma cautelosa, lleva una serenidad que le impide perder los nervios. Ante esta vorágine, ambos planean deshacerse del cadáver evitando dejar las mínimas pistas posibles y, cuando parece que todo va bien y que nadie sospecha de ellos, aparece un hombre que acecha con desestabilizar todo su plan.

Como es lógico, no voy a realizar un spoiler de lo que ocurre tras aparecer este hombre misterioso, ya que, el sentido común nos mostraría como ambos protagonistas terminan saliéndose con la suya (¿puede que si o puede que no?). No todo en el buen cine noir tiene que ser blanco o negro o incluso, que no se den ningún tipo de impedimentos; puesto que parte de la esencia es esperar lo inesperado y que cada acción, movimiento u objeto provoca un giro en la historia que provoca que el espectador no se imagine el final (que es lo que ocurre en esta película).

La maestría del director alemán para saber sacar a la luz los deseos, pasiones, sueños en incluso los pensamientos más turbios, provoca un entramado que muy pocas veces se recuerdan. De esta forma, el suspense y la intriga están asegurados y, nunca nadie está libre de sospecha donde los actos más atroces, siempre salen a la luz.

Calificación personal: 8

A cualquier otro lugar (1999)

 

• Título original: Anywhere but here
• Año: 1999
• Género: Drama
• Dirección: Wayne Wang
• Intérpretes: Susan Sarandon, Natalie Portman, Hart Bochner, Eileen Ryan, Bonnie Bedella, Shawn Hatosy, John Carroll Lynch, Ahley Johnson
• Guión: Mona Simpsn, Alvin Sargent
• Música: Danny Elfman
• Fotografía: Roger Deatkins
• Montaje: Nicholas C. Smith
• Productora: 20th Century Fox

SINOPSIS

Adele August (Susan Sarandon) es una mujer excéntrica que decide abandonar la pequeña ciudad de Wisconsin para vivir su sueño de establecerse en Beverly Hills. No lo hará sola, irá con su hija Ann (Natalie Portman) la cual detesta todas las excentricidades de su madre y tener que ir apurando siempre con temas económicos o incluso, que su madre no termine de asentarse.

CRITICA

Las road movies son algo que nunca pasarán de moda, sobre todo porque pone de manifiesto las carencias afectivas, económicas y personales de los protagonistas. Así se reflejan muchos de los comportamientos que se van reflejando a lo largo de toda la trama. En este caso, nos muestra la relación un tanto tirante entre una adolescente con su madre y, como esta última no parece distinguir los sueños de lo que es realmente la realidad, es decir, de como se tiene que enfrentar a los problemas y no huir de ellos y al final, sea la hija la que acabe pagando las consecuencias.

La hija, como es normal, está un poco harta de las idas y venidas de su madre decide abandonarla pero, no llega a cumplir su propósito. En parte, se puede deber a que a pesar de tener cierto rencor y resentimiento hacia su madre, en parte reconoce que tiene que estar con ella y cuidarla hasta que recupere el sentido común de lo que le rodea.

A medida que se va desarrollando la historia, realmente se observa que la película no aporta grandes novedades, es decir, que es una relación madre-hija que se ha contado de mil formas distintas. Pero, a pesar de contar una historia de otra forma, si que se observa una historia con rasgos nítidos y creíbles.

Gran parte del mérito de intentar sacar la película adelante es gracias al tándem formado por Susan Sarandon (que no hace falta que demuestre su gran talento) y Natalie Portman (por aquel entonces estaba un poco "tibia" tras haber protagonizado La amenaza fantasma), donde de una forma clara muestra los matices de la adolescencia, con los síntomas de inseguridad e inmadurez sin caer en una especie de locura. Por lo que podríamos concluir que forma parte de otras muchas relaciones madre-hija pero, contando diferentes aspectos y/o situaciones.

Calificación personal: 6

Resplandor en la oscuridad (1992)

 

• Título original: Shining Through
• Año: 1992
• Género: Drama
• Dirección: David Seltzer
• Intérpretes: Michael Douglas, Melanie Griffith, Joely Richardson, Liam Neeson, John Gielgud, Lisa Orgolini, Francis Guinan
• Guión: David Seltzer
• Música: Michael Kamen
• Fotografía: Jan de Bont
• Montaje: Craig McKay
• Productora: 20th Century Fox

SINOPSIS

Durante la Segunda Guerra Mundial, Linda (Melanie Griffith) una secretaria estadounidense de origen judío-alemán es enviada como espía a la Alemania nazi para cumplir una misión. De la cual está al mando Ed (Michael Douglas), que no ve con buenos ojos mandarla allí.

CRITICA

La verdad sea dicha, menuda sosería de película. A pesar de estar basada en una novela (la cuál no me he leído, por cierto), muchas veces las adaptaciones cinematográficas consiguen atraer al público con su historia (aunque no siempre) y de alguna forma introducirnos en la misma. En este caso, esta trama termina por perder al espectador y al final no se sabe cuáles son los objetivos o las intenciones que se desean transmitir.

A pesar de partir de una premisa más o menos interesante, es decir, que la protagonista cuenta su vida, como huyó de la guerra y como consigue hacerse un hueco en el mundo del espionaje, la historia termina por tergiversarse por completo y, haciendo poco creíble la intrusión que hace en el mundo del ejército nazi y como va saliendo airosa de todas y cada una de las situaciones peligrosas.

Intentan con esta historia evocar un poco al cine noir de los años cuarenta y cincuenta donde muchas mujeres tenían una gran presencia. Aún así, no llega a ser una historia que cautive del todo e incluso llega a resultar un tanto tediosa y poco creíbles las distintitas situaciones por las que tienen que pasar los protagonistas. Digamos que podría incluirse como una película romántica sin más.

Calificación personal: 5

La cosa (1982)

 

• Título original: The thing
• Año: 1982
• Género: Ciencia ficción, terror
• Dirección: John Carpenter
• Intérpretes: Kurt Russell, Wilford Brimley, T.K.Carter, David Clennon, Keith David, Richard Dysart, Charles Hallahan, Peter Maloney, Richard Masur, Donald Moffat.
• Guión: Bill Lancaster, John W. Campbell
• Música: Ennio Morricone
• Fotografía: Dean Cundey
• Montaje: Todd Ramsay
• Productora: Universal Pictures, Turman-Foster Company

SINOPSIS

En una estación experimental de la Antártida, un grupo de científicos norteamericanos observan como un helicóptero noruego persigue a un perro para matarlo. Tras el accidente del helicóptero, los americanos acogen al perro, lo que no saben, es que esa persecución tenía un motivo: evitar la propagación de "la cosa".

CRITICA

Una de las muchas cosas que me gustaron del cine de los años ochenta (además de revitalizar todos los grandes géneros de la época dorada de Hollywood) es que a las películas de terror sabían sacarle el máximo partido en más de un punto. Es cierto que los efectos especiales no estaban tan desarrollados como ahora pero, eso les permitía jugar con la imaginación y crear increíbles figuras y modelos; que sirviesen como patrones para la elaboración de sus monstruos.

Lo bueno que tiene esta versión de La cosa (hay que recordar que en el año 2011 se hizo una nueva versión, aunque realmente es la precuela) es que cabalga entre el suspense y el terror, provocando de esta forma una tensión desde el principio hasta el final de que es lo que está ocurriendo y como esa "cosa" se irá manifestando. No se sabe exactamente cual es el siguiente paso que va a dar, ni tampoco cual va a ser su transformación. Porque la esencia de toda la trama, es que el terror no tiene forma. Nadie sabe donde está. No se sabe que forma adopta. Solo hay que esperar a su manifestación.

Es curioso que al ser una película del género de terror (el cual no me apasiona mucho, por no decir nada) sabe jugar con el elemento del suspense para mostrarle al espectador todos y cada uno de los pasos de la "cosa", como los miembros de la base norteamericana van entrando en un espiral de desconfianza a la par que paranoica entre todos ellos. Así como el establecer la conexión de como esa cosa llegó hasta ellos y como evitar que salga de ahí (recordemos que siempre, estos tipos de seres son más inteligentes que los propios humanos).

Aunque parece que he hecho spoiler (puedo asegurar que no), creo que es una película que todo buen cinéfilo y/o amante de la ciencia ficción debería ver. Por sus decorados, por los efectos especiales, por la atmósfera; pero sobre todos, porque no sabrás por donde viene la "cosa". El terror, no se ve.

Calificación personal: 9

La condesa descalza (1954)

 

• Título original: The barefoot Contessa
• Año: 1954
• Género: Drama
• Dirección: Joseph L. Mankiewicz
• Intérpretes: Humphrey Bogart, Ava Gardner, Edmund O'Brien, Marius Goring, Valentina Cortese, Rossano Brazzi, Warren Stevens, Elizabeth Sellars.
• Guión: Joseph L. Mankiewicz
• Música: Mario Nascimbene
• Fotografía: Jack Cardiff
• Montaje: William Hornbeck
• Vestuario: Sorelle Fontana, Rosi Gori
• Productora: United Artists

SINOPSIS

María Vargas (Ava Gardner) es una joven que vive en Madrid y que es descubierta por el director y guionista Harry Dawes (Humphrey Bogart). Ella consigue triunfar en Hollywood manteniendo los valores con los que se crio y siempre bien aconsejada por su buen amigo Harry. A pesar de haber conseguido triunfar, ella se siente abandonada en la vida.

CRITICA

Creo que es de sobra conocido que en la época dorada de Hollywood (ahora menos) siempre se contrataba a una actriz más por el componente sexual que pudiese despertar, que por su talento interpretativo. Por otro lado, en la mayoría de las historiase se plantea también que la mujer es fácil de complacer, un tanto frívola y con facilidad para manipularla. Cuando realmente el haberla minusvalorado, ha provocado que ella misma se considere muchas veces un ser frágil. Es en cierto modo lo que puede representar el personaje de María Vargas, cuyo final es una crónica de una muerte totalmente anunciada.

Se sabe que el director se basó en el cuento de La Cenicienta para desarrollar esta película, pero con tintes más dramáticos reflejando los que comentaba en el párrafo anterior, sobre la forma de conseguir a una mujer sin ver más allá de su físico. Porque no siempre se es solo cuerpo. También se refleja claramente como a base de engaños y mentiras se consigue el fin, perdiendo totalmente la perspectiva honesta de la sinceridad y de mostrarse tal cual uno es. La vida de la protagonista es contada mediante flashbacks por tres hombres, cuyas versiones no son lo que se dice muy fiables como para creerse que la joven tenía más idas que venidas, quedando un poco fragmentada su historia.

En conclusión, se podría decir que, a pesar de no ser una obra cumbre del Hollywood clásico, se puede decir que los personajes femeninos salen muchas veces dañados, sobre todo si lo que se pretende reflejar es que el único objetivo en la vida de toda mujer es querer ser una artista y sentirse deseada. Y se ve, que las mujeres somos mucho más que eso.

Calificación personal: 6

El veredicto (2017)

 

• Título original: The children act
• Año: 2017
• Género: Drama
• Dirección: Richard Eyre
• Intérpretes: Emma Thompson, Stanley Tucci, Fionn Whitehead, Ben Chaplin, Eileen Walsh, Anthony Calff, Jason Watkinks.
• Guión: Ian McEwan
• Música: Stephen Warbeck
• Fotografía: Andrew Dunn
• Montaje: Dan Farrell
• Productora: Film Nation Entertainment, BBC Films

SINOPSIS

Fiona Maye (Emma Thompson) es una prestigiosa jueza del Tribunal Superior de Justicia de Londres que atraviesa una grave crisis matrimonial. Cuando llega a sus manos el caso de un joven Testigo de Jehová, el cual padece leucemia y, no se quiere someter a una transfusión de sangre; supondrá un giro en la vida de la estricta jueza.

CRITICA

Hay actores y/o actrices que con su simple presencia en la película muchas veces consiguen que salga adelante y otros, que además de conseguir eso, son grandes intérpretes y que provocan que el espectador se introduzca de lleno en la historia. Esta es una de ellas. Es decir, Emma Thompson transmite todos y cada uno de los sentimientos que el espectador tiene a medida que se van desarrollando los acontecimientos, provocando simpatía hacia la jueza a la que interpreta. 

Volviendo al tema que ocupa la película, la verdad es que si en nuestra vida cotidiana nos cuesta tomar muchas decisiones, no me quiero ni imaginar cuando lo hace gente con poder. En realidad, cuando esas decisiones la realiza una persona que está comprometida con una causa o que de verdad, desempeña un cargo público con el que realmente se siente identificado/a. En el caso de esta película, hay una situación que llama especialmente la atención. Ocurre cuando la jueza decide conocer porqué el joven no quiere someterse a la transfusión de sangre (aunque el hecho en si mismo es evidente), le provoca en ella la aparición de sentimientos que tenía mermados y, en el joven, la apreciación de la vida y que muchas veces no tiene que estar reñida con la religión.

El conocimiento de ambos y la búsqueda de propósitos personales de ambos para llegar a un fin, provoca que en ambos (en el joven y la jueza) se despierten emociones y sentimientos sobre formas de ver la vida, apreciar pequeños detalles o incluso, poder replantearse su forma de pensar y de intentar no desaprovechar los buenos momentos que esta te ofrece y, junto a grandes personas.

En conclusión, nos ofrece una visión donde la justicia dicta la leyes y nosotros tenemos que acatarla pero también, somos libres de tomar decisiones en pos de lo que creemos que es verdad, siempre y cuando no implique violencia contra otros. Y por otro lado, siempre hay una posibilidad de poder cambiar de opinión y tener una segunda oportunidad.

Calificación personal: 6.5