Llévame a la luna (2012)

 

• Título original: Un plan parfait
• Año: 2012
• Género: Romántica
• Dirección: Pascal Chaumeil
• Intérpretes: Diane Kruger, Dany Boon, Alice Pol, Robert Plagnol, Jonathan Cohen, Bernardette Le Saché, Etienne Chicot, Laure Calamy, Malon Lévanna
• Guión: Laurent Zeiton, Yohan Gromb
• Música: Klaus Badelt
• Fotografía: Glynn Speeckaert
• Productora: Quad Productions, Scope Pictures

SINOPSIS

Isabelle (Diane Kruger) decide casarse con su novio de hace más de diez años pero, para ello quiere romper la maldición de su familia: siempre el primer matrimonio acaba en divorcio y el segundo es el definitivo. Por eso busca al pobre Jean-Yves (Dany Boon) para llevar a cabo su plan.

CRITICA

Creo que en más de una ocasión he mostrado mi descontento hacia el género de las películas románticas, pero he de reconocer que los franceses saben sacar el máximo partido a este tipo de filmes con un toque de humor. Aunque, si bien es cierto que muestran un ideal y que no es oro lo que muestran en las historias pero si sacar en el espectador una risa un rato agradable.

En cierto modo, de alguna forma lo que viene a mostrarnos con la historia es que las relaciones perfectas no existen y que muchas veces hay que pasar por rupturas o momentos dolorosos y, por otro lado, el intentar llevar una vida tan cuadriculada y perfecta con todo lo que se debe de realizar cada momento no es nada saludable, puesto que es necesario que las cosas tienen que ir pasando poco a poco o, llevar cierta planificación.

Otro de los aspectos que pretenden mostrarnos con la historia es que ese idealismo romántico de las parejas no es algo que dure siempre eternamente, ya que las relaciones de pareja se construyen no solo de momentos tiernos y gestos bonitos y románticos sino también con acciones diarias que hagan que esa relación de pareja se siga fortaleciendo lo máximo posible. Además, todos los días hay que hacer que la relación florezca un poco más.

Estos pequeños aspectos de alguna forma nos los intenta introducir de una manera subyacente a través de la trama de los dos personajes principales, por un lado en el caso de Isabelle que cree tener su vida plenamente planificada con el hombre perfecto pero que realmente le falta algo y, por otro lado está Jean-Yves que a pesar de ser un trotamundos se da cuenta de que siente un pequeño vacío en su vida que cree que con Isabelle se acabará llenando.

Todo eso se completa con una relación amorosa con los toques cómicos pertinentes que, como he comentado anteriormente, hacen que el espectador pase un rato entretenido y agradable y quiera saber cual es el desenlace de la historia. Pero nada más lejos de ser una película imprescindible.

Calificación personal: 6

Mujeres culpables (1957)

 

• Título original: Until they sail
• Año: 1957
• Género: Drama
• Dirección: Robert Wise
• Intérpretes: Jean Simmons, Joan Fontaine, Paul Newman, Charles Drake, Piper Laurie, Sandra Dee, Wally Cassell, Alan Napier, Ralph Votrian.
• Guión: Robert Anderson
• Música: David Raksin
• Fotografía: Joseph Ruttenberg
• Productora: Metro Goldwyn Mayer

SINOPSIS

Nueva Zelanda, periodo de la Segunda Guerra Mundial. Cuatro hermanas que viven en un pequeño pueblo esperando a que parte de sus seres queridos vuelvan de apoyar al ejército británico. Al final la vida de estas cuatro hermanas quedarán marcadas por el amor, la miseria y el crimen.

CRITICA

Dejando a un lado el tema más que obvio de la traducción al español del título en inglés, es curioso ver (para variar) una película ambientada en la Segunda Guerra Mundial cuya trama no se centre en el conflicto bélico como tal, sino también en una parte de la población mundial que (aunque no luchó activamente) de algún modo quedó relegada a un segundo plano: la mujeres.

En aquella época (y todavía un poco en la actualidad) se pensaba que los hombres eran los que daban la vida por la patria porque luchaban pero, lo que no se valoraba era la otra lucha que hacían las mujeres: esperar al marido o futuro marido, tener que criar solas a los hijos cuando su cónyuge fallecía, intentar conseguir trabajo y (muchas veces) aguantar impertinencias sexuales de los soldados e incluso sufrir vejaciones sexuales de toda índole. Cómo tal, no aparece todo reflejado en la película pero si se ve en cierto modo como las mujeres tenían que estar muy recatadas y eran las que enredaban a los soldados. Claramente un machismo un tanto exagerado pero lo llevan con clase.

Ciñéndome a la historia que nos relatan, claramente se observa como las mujeres sufren diferentes avatares provocados por la guerra y como entre ellas se apoyan mutuamente para poder salir adelante y como en cierta medida, poco a poco sus vidas van recobrando una cierta estabilidad a pesar de que la tercera de las cuatro hermanas, trae de cabeza a la mayor de todas.

Desde mi punto de vista es una trama ligera a pesar de sus tristezas y se ve claramente como cada una de las protagonistas de alguna forma salen adelante. Por otro lado, trata al personaje de la mujer con diferentes puntos de vista y como son muchas veces los hombres los que necesitan a una mujer y no al revés. Para disfrutarla solo/a, en familia o con amigos este filme de cine clásico.

Calificación personal: 8

Hillbilly, una elegía rural (2020)

 

• Título original: Hillbilly Elegy
• Año: 2020
• Género: Drama
• Dirección: Ron Howard
• Intérpretes: Amy Adams, Glenn Close, Gabriel Basso, Haley Bennett, Freida Pinto, Bo Hoopkins, Owen Asztalos, William Mark McCullough.
• Guión: Vanessa Taylor
• Música: Hans Zimmer, David Fleming
• Fotografía: Maryse Alberti
• Productora: Imagine Entertainment, Netflix

SINOPSIS

J.D. Vance (Gabriel Basso) es un joven ex marine que está estudiando derecho en la Universidad de Yale que está a punto de conseguir el trabajo de sus sueños cuando una llamada inesperada, le obliga a ir a su casa. Durante todo el tiempo que dura su viaje, así como su estancia en su ciudad natal, empiezan a aflorar recuerdos y sentimientos sobre su abuela Bonnie (Glenn Close) y sobre su madre (Amy Adams).

CRITICA

Hace bastantes años escuché que Estados Unidos era el mejor país del mundo y por ende el mejor país para vivir por esa famosa frase de ser "el país de las oportunidades" ya que te venden un modelo de vida que el resto de la humanidad añora. Y, realmente no es así. No es solo por todos los temas políticos (que no creo que vengan al caso para hacer la crítica) y las últimas revueltas sino porque, al igual que en el resto del mundo, las desigualdades sociales en Estados Unidos, también existe.

Al igual que la última entrada que hice (Iris), las biografías son complicadas de adaptar pero a veces hay que pillarle un poco el punto ya que no siempre agrada a todo el mundo, como le ha pasado a Hillbilly, una elegía rural; donde ha recibido críticas mixtas puesto que la sobreactuación de los protagonistas a la hora de contar la historia, es un poco exagerada. Pero como siempre, vamos a centrarnos en lo que nos interesa que es el trasfondo de la historia.

A simple vista parece que se nos muestra una familia humilde que está realmente unida. Pero, a medida que se va desarrollando la historia se va viendo de una manera muy clara que en todas las familias hay problemas y que a veces, esos problemas son bastante serios como para que a largo plazo pueda afectar para bien o para mal ya que no todo el mundo puede reaccionar ante diferentes situaciones dramáticas. Dada las situaciones violentas que vive el adolescente J.D, se ve claramente como a pesar de la infancia tan triste y abrumadora, no guarda rencor alguno con su familia, sino todo lo contrario, está ahí en los momentos más duros. En esos momentos en el que el espectador viaja a la par que lo recuerdos del protagonista, observamos claramente como el problema viene de muy lejos y que de alguna forma todos los miembros han intentado olvidar de alguna forma.

Siendo sinceros y lo que lo más seguro que crease una división en las críticas es por mostrar una situación tan dramática y por otro lado porque lo más seguro es que no se quiera mostrar una realidad que también existe en "el país de las oportunidades" y que muchas población sufre. Y por otro lado, a ver si ya reconocen de una vez a Amy Adams y Glenn Close, ya que ambas se hacen una réplica excepcional y metiéndose de lleno en los personajes.

Calificación personal: 7.5

Iris (2001)

 

• Dirección: Richard Eyre
• Año: 2001
• Género: Drama, biográfico
• Intérpretes: Judi Dench, Kate Winslet, Jim Broadbent, Hugh Bonneville, Penelope Wilton, Eleanor Bron, Juliet Aubrey.
• Guión: Richard Eyre, Charles Wood
• Música: James Horner
• Fotografía: Roger Pratt
• Montaje: Martin Walsh
• Vestuario: Ruth Meyers
• Productora: Miramax

SINOPSIS

Iris Murdoch (Judi Dench), una escritora famosa en Inglaterra junto a su marido John Bayley (Jim Broadbent) revolucionaron la literatura inglesa así como su matrimonio, hasta que a Iris le diagnostican la enfermedad de Alzheimer.

CRITICA

Siempre me llamaban la atención las películas que estaban basadas en la biografía de algún personaje famoso puesto que a veces (no siempre pasa con todos) parte de su vida resulta bastante interesante. Pero, hay veces que cuando te desarrollan la vida de esa persona en un filme, se quedan un poco cortos puesto que no han llegado a centrarse del todo en el aspecto que querían desarrollar. En el caso de esta película me ha pasado algo por el estilo. Es decir, me falta parte de como la escritora desarrolló toda su obra o parte del proceso creativo.

Pero no siempre hay que ver el lado de lo que no nos muestran, sino que también de alguna forma el espectador pueda hacerse un poco a la idea de la vida de esa persona y como desarrolló parte de ese proceso creativo o como llegó a ser famoso/a. Aunque claramente en este caso la historia se cuenta a partir del libro que escribió el marido de Iris, John Bayley, por lo que su punto de vista y la perspectiva con la que el vivió parte de su vida y sobre todo sus últimos momentos.

En definitiva, lo que en cierto modo la historia nos quiere mostrar es como una enfermedad no entiende de fama, sexo o ideologías y que muchas veces llega cuando menos te lo esperas y que hay que intentar enfrentarse a ella o como las personas que tienes a tu alrededor te tratan. En este caso se ve claramente como el marido de la escritora tiene sus momentos de debilidad y de no aceptación pero como a pesar de todo lo que ha vivido con ella, el sigue ahí y no la abandona.

Para concluir, no imbuye completamente en la vida de la escritora pero si sitúa un poco al espectador en lo que concierne a su vida, un ligero retoque de su proceso creativo y sobre todo sus últimos años. Pero, siempre recordando que a pesar de la enfermedad, fue una gran escritora.

Calificación personal: 6

Guerra y Paz (1956)

 

• Título original: War and Peace
• Dirección: King Vidor
• Año: 1956
• Género: Drama
• Intérpretes: Henry Fonda, Audrey Hepburn, Mel Ferrer, John Mills, Hebert Lom, Anita Ekberg, Vittorio Gassman, Oscar Homolka, Helmut Dantine, Barry Jones
• Guión: King Vidor, Bridget Boland, Mario Camerini, Ennio de Concini, Ivo Perilli, Robert Westerby
• Música: Nino Rota
• Fotografía: Jack Cardiff
• Montaje: Leo Catozzo
• Vestuario: Maria De Matteis
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

En 1805, Napoleón Bonaparte prepara la invasión de Rusia. En esta contienda está Pierre (Henry Fonda) que decide mantenerse al margen, Natasha (Audrey Hepburn) una joven aristócrata enamorada del príncipe Andréi (Mel Ferrer) que lucha en la contienda. En momento de incertidumbre que vive el país, verán las realidades de la guerra desde diferentes puntos de vista.

CRITICA

Adaptar siempre una novela es algo extremadamente complica, salvo si se hace una adaptación libre que no sería tal, pero lo es aún más cuando consiste en llevar a la gran pantalla una de las mejores novelas que se ha escrito en la historia con bastante maestría. El único inconveniente es que intentar llevar mil páginas a dos horas y media de duración provoca que se queden cosas en el tintero.

Lo que si destaco de forma bastante acertada es el haber centrado bien la historia en torno a los tres personajes principales pero sin desviarse demasiado  de sus vivencias en el momento de la contienda y las experiencias de los tres. Pero, cuando va pasando el tiempo o en determinados momentos se centra en un personaje, se sabe perfectamente que hay lagunas en la historia no por invención, sino porque tuvieron que recortar por la duración y se sabe perfectamente que algo ocurre cuando pasa tanto tiempo durante el transcurso de la contienda.

Desde mi punto de vista, uno de los momentos para mayor gloria del director fueron los momentos de lucha así como la retirada de las tropas de Napoleón como parte histórica bien documentada y entender como uno de los grandes conquistadores del mundo acabó siendo derrotado por las inclemencias meteorológicas más que por la guerra en si.

En definitiva parte de este deleite consiste no solo en seguir la historia (aunque falten ciertas partes relevantes, pero no se puede meter todo) sino también en el devenir de uno de los momentos más importantes de la historia de Rusia así como unas grandes interpretaciones que llenan por completo la pequeña pantalla y recuerdan a un país en su momento de resplandor y de incertidumbre.

Calificación personal: 7

Flubber y el profesor chiflado (1997)

 

• Título original: Flubber
• Año: 1997
• Género: Comedia
• Dirección: Les Mayfield
• Intérpretes: Robin Williams, Marcia Gay Harden, Christopher McDonald, Ted Levine, Clancy Brown, Raymond J. Barry, Wil Wheaton, Jodi Benson
• Guión: John Hughes, Bill Walsh
• Música: Danny Elfman
• Fotografía: Dean Cundey
• Montaje: Harvey Rosenstock
• Productora: Walt Disney Pictures, Great Oaks Entertainment

SINOPSIS

Philip Brainard (Robin Williams) es un despistado científico que trabaja en una universidad que está a punto de cerrar por falta de liquide, hasta que hace un gran descubrimiento: Flubber. Una sustancia voladora de color verde que produce una gran energía y se mueve a velocidades supersónicas.

CRITICA

De vez en cuando, al estar viendo películas entra un pequeño punto de nostalgia y recordamos aquellos filmes que veíamos en nuestra infancia o adolescencia y nos gustaría volver a ver. Al igual que me pasó con Jumanji, lo mismo me ha pasado con esta película que, claro está a la hora de revisionarla se hace con otros ojos pero sin olvidar esos momentos felices.

La película no va más allá para poder indagar en una intrahistoria y ver la profundidad de la misma ya que el argumento es sencillo y se basa principalmente en el descubrimiento de la masa verde y todo lo que hace el protagonista para salvar a la universidad y recuperar a su prometida. En medio de toda esta trama esos momentos graciosos y gags producidos por Flubber pero que no llegan a más.

Por lo que mi crítica no va mucho más allá que la de pasar un rato entretenido y agradable y poder transportarnos la infancia. Tengo un buen recuerdo de cuando se estrenó esta película porque causó tal sensación que se fabricaron muñecos de Flubber y hasta una masa verde viscosa del mismo nombre a la que le podías dar ligera forma pero ni mucho menos se parecía al de la película. Infancia, divino tesoro.

Calificación personal: 5

Ausencia de malicia (1981)

 

• Título original: Absence of malice
• Año: 1981
• Género: Suspense
• Dirección: Sydney Pollack
• Intérpretes: Paul Newman, Sally Field, Bob Balaban, Melinda Dillon, Luther Adler, Barry Primus, Josef Sommer, Don Hood, Wilford Brimley
• Guión: Kurt Luedtke, David Rayfil
• Música: Dave Grusin
• Fotografía: Owen Roizman
• Montaje: Sheldon Kahn
• Productora: Columbia Pictures Corporation, Mirage Enterprises

SINOPSIS

Una joven y ambiciosa periodista escribe en el periódico en el que trabaja un artículo en el que acusa a Michael Gallagher (Paul Newman), el hijo de un gánster ya fallecido, la muerta de un activista sindical. Ante esta situación, Michael quiere demostrar su inocencia ante una acusación falsa.

CRITICA

Entre finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Hollywood era muy común la realización de película sobre periodismo y sobre escándalos que se producían (como es lógico, todos ellos ficticios) basados un poco en la estela que había dejado el escándalo del "Watergate" con el expresidente Richard Nixon. Esto suponía que la industria iba a tener muchas tramas dando importancia a la labor periodística y creando un clima de suspense. En esta época apareció Ausencia de malicia que a pesar de partir de una buena premisa no termina de enganchar con el espectador.

Con lo comentado anteriormente, me refiero a que el hilo argumental acaba siendo un tanto lioso por la aparición de varios personajes a los cuales no se les introduce de alguna forma para que así el espectador pueda seguir la trama; lo que puede resultar un tanto tediosa la película.

Lo que voy a reconocer es que hasta los últimos quince minutos del final no me enteré realmente de lo que iba toda la trama, puesto que ya se empieza a vislumbrar de alguna forma el porque de ciertos personajes y la relación establecida entre ellos. Y siendo honesta, se acaba perdiendo toda la esencia de la historia y el entramado que conlleva.

Si bien es cierto que a lo largo de toda mi vida cinéfila no he visto (a lo mejor) muchas película sobre periodismo, si que es cierto que se puede realizar una buena trama. Centrándome en la historia lo que se puede sacar en claro es que a partir de una noticia falsa con el fin de ampliar lectores o que se de una voz de alarma falsa, se empieza a destrozar la reputación de un hombre y por ende acaba afectando a todos los de su alrededor solo por conseguir una primera plana y/o también que las fuerzas del orden se vean implicadas trastocando la vida de una persona solo por conseguir objetivos y llamar la atención sin importar que, cuando se mancha la reputación o la vida de una persona con algo falso, quitar esa losa de encima es demasiado costoso.

Calificación personal: 6

Escrito sobre el viento (1956)

 

• Título original: Written on the wind
• Año: 1956
• Género: Drama
• Dirección: Douglas Sirk
• Intérpretes: Rock Hudson, Lauren Bacall, Robert Stack, Dorothy Malone, Roberth Keith, Grant Williams, Harry Shannon, Edward Platt
• Guión: George Zuckerman
• Música: Frank Skinner
• Fotografía: Russell Metty
• Montaje: Russell F. Schoengarth
• Productora: Universal Pictures

SINOPIS

Kile Hadley (Robert Stack) es un magnate del petróleo que ha vivido siempre a la sombra de su padre y a la de su amigo Mitch Wayne (Rock Hudson) y ambos se enamoran de Lucy Moore (Lauren Bacall). La diferencia entre ellos es que Kyle es un alcohólico y Mitch sabe que esa boda no es conveniente para su amigo ni para Lucy. Pero parece que las cosas empiezan a ir mejor hasta que una noticia destroza por completo la sobriedad de Kyle.

CRITICA

Al igual que en la crítica anterior no había mucho trasfondo para sacar algo en claro de la historia, en este caso se nos presenta un melodrama pero, no para que produzca empalagosidad sino para reflejar (en cierto modo) como el mundo de una persona se puede tambalear con un simple gesto, una palabra sencilla del pasado y como puede llegar a condicionar el resto de su vida.

A simple vista, se ve a un joven rico que por el simple hecho de serlo su comportamiento produce cierto rechazo al espectador pero, a medida que se va desarrollando la trama e incluso se va descubriendo más acerca del personaje, se observa como el pasado es una losa que no le ha permitido seguir adelante e incluso desde muy joven hizo que su afición por la bebida se fuera acrecentando. Y parece que de alguna forma ese mismo patrón se acabó repitiendo en la hermana por lo que cuando iba viendo la película, me preguntaba: ¿por qué los dos eran alcohólicos empedernidos?

La respuesta se ve claramente y tiene nombre y apellidos: Mitch Wayne. El mejor amigo que es acogido por el padre Kile y que le ofrece las mismas oportunidades que sus hijos y le trata como un igual sin distinción. Ante esta situación, Mitch ha visto la oportunidad de poder crecer con privilegios y poder aprovecharlos al máximo: estudiando y trabajando. Y por ende, agradeciendo todo lo que han hecho por el. Ese aspecto, no lo han tenido ni Kile ni su hermana, puesto que han tenido una vida de desenfreno y solo les importaba sus comodidades y lujos. Este comportamiento se ve claramente reflejado en la hermana (interpretada de manera magistral por Dorothy Malone) que actúa sin importarle nada ni nadie aunque eso implique llevarse a su hermano por delante.

Al final todos y cada uno de los personajes acaban sacando a la luz sus sentimientos más profundos puesto que las diferentes situaciones que van aconteciendo a la familia, hacen inviable que esas emociones queden encerradas porque todos están conectados no solo por los lazos familiares propiamente dichos, sino porque las acciones de unos acaban repercutiendo duramente en los otros.

La conclusión final a la que se puede llegar es que el pasado es una losa que para muchos termina pesando y no permite avanzar no porque uno no quiera sino porque no ha tenido la ayuda suficiente como para poder realizar ese avance tan importante. Otros lo han logrado porque han tenido ayuda o simplemente han creado un armazón alrededor de todo ese pasado para evitar que le aplaste. Pero, no hay que olvidar que el ser humano no es de piedra y a veces nos podemos derrumbar.

Calificación personal: 7.5

La senda de los elefantes (1954)

 

• Título original: Elephant Walk
• Año: 1954
• Género: Drama
• Dirección: William Dieterle
• Intérpretes: Elizabeth Taylor, Dana Andrews, Peter Finch, Abraham Sofoaer, Noel Drayton, Abner Biberman, Barry Bernard, Philip Tonge, Leo Birtt.
• Guión: John Lee Mahin
• Música: Franz Waxman
• Fotografía: Loyal Griggs
• Montaje: George Tomasini
• Vestuario: Edith Head
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Ruth (Elizabeth Taylor) se casa con John Wiley (Peter Finch) un rico propietario de una plantación de té en Ceylán. Tras su viaje de novios se trasladan a vivir a dicha ciudad donde el marido de Ruth tiene su casa y la plantación. Con el paso de los días, Ruth descubre que su marido y sus amigos tienen unas costumbres extrañas y adulan al padre fallecido de John, el cual construyó la casa sobre la senda que permitía a los elefantes ir al pantano a beber agua.

CRITICA

Creo que en más de una ocasión he mostrado mi admiración por el cine clásico y el descubrimiento de películas totalmente desconocidas para mi pero, al igual que en la actualidad no siempre (por no decir casi nunca) las películas son de una calidad exquisita, antiguamente pasaba algo parecido. Es decir, que no siempre todas las historias atrapan al momento.

Desde mi punto de vista, creo que esta crítica se va a quedar un poco corta por el simple echo de que no hay una gran historia detrás pero, si tengo algunos elementos destacables con los que poder escribirlas. Por un lado está las dos caras que muestra el marido y que su mujer (Ruth) termina por descubrir al reconocer que cuando la estaba conociendo se comportaba de una manera muy amable pero, cuando establecieron su residencia en Ceylán el se transformaba en la figura de su padre, del cual el espectador tiene un pleno desconocimiento puesto que está muerto pero todos los personajes hablan de el como una magnífica persona pero solo a nivel empresarial y esa sombra del progenitor sigue planeando sobre la casa y es algo que Ruth no tolera puesto que está muerto.

La segunda cuestión es que esa imagen idealizada que tienen del antiguo dueño la verdad es que resulta un poco falsa puesto que su propia ambición le llevó a intervenir en el transcurso habitual que tenían los elefantes para ir a beber agua y por ende, crea una imagen negativa sobre estos animales y parece que van en contra de los humanos cuando son realmente estos últimos los que han invadido su espacio en lugar de haberse adaptado al entorno y haber convivido con ellos.

Estos dos son los aspectos que destacaría sobre la ambición de un hombre que se termina de expandir y que al final el ser humano es el animal que todo lo que toca lo acaba destruyendo. Por lo demás, intentan meter un poco con calzador una relación a tres bandas que no termina de cuajar y que realmente no llega a tener mucho sentido e intentar poner a la mujer como un ser débil que no sabe vivir sin el nombre. Y que en definitiva, el espectador se queda como al principio: igual que estaba.

Calificación personal: 5.7

Perdición (1944)

 

• Título original: Double Indemminty
• Año: 1944
• Género: Suspense
• Dirección: Billy Wilder
• Intérpretes: Barbara Stanwyck, Edward G.Robinson. Fred MacMurray, Porter Hall, Jean Heather, Byron Barr, Richar Gaines, John Philliber
• Guión: Billy Wilder, Raymond Chandler
• Música: Miklos Rózsa
• Fotografía: John F. Steiz
• Montaje: Doane Harrison
• Vestuario: Edith Head
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

En Los Ángeles, un agente de seguros (Fred MacMurray) y una cliente (Barbara Stanwyck) traman el asesinato del marido de ésta para así cobrar el cuantioso cheque de la indemnización. Todo comienza a complicarse cuando entra en juego Barton Keyes (Edward G. Robinson) que empieza a investigar.

CRITICA

La verdad es que llevo bastante (quizás no el suficiente) cine negro y/o de suspense del cine clásico a mis espaldas y la verdad es que es una de las mejores películas de este género que he visto porque, a pesar de que a simple vista se sabe que lo que va a pasar; realmente nada es lo que parece y no se termina por revelar todo hasta el minuto final.

Si seguimos el hilo argumental vemos que es sencillo: una mujer que planea matar a su marido pero aquí tiene el aliciente de que quiere hacerle un seguro de vida (sin que el se entere, claro está) para que cuando el muera pueda cobrar la cuantía y para ello de una forma muy directa el agente de seguros de la compañía con la cual tenían contratado otro seguro, mueve todos los hilos necesarios para que se pueda llevar a cabo no solo la estafa sino que así el pueda estar con ella.

Parece ser que todo se va planeando a la perfección y no quedan cabos sueltos. Es el crimen perfecto y la estafa perfecta. Pero, a pesar de lo que se diga, no existe nunca el crimen perfecto o cualquier acto de maldad que se intente hacer perfecto porque siempre habrá algo o alguien que pueda estar estorbando o que se dedique a indagar. Pero, lo que le llega a ocurrir a nuestro protagonista no es que rebusquen en el accidente sino que el mismo se termina de dar cuenta de que hay algo que no le termina de encajar y que hay un elemento discordante en toda esta ecuación y tiene que averiguar como sea lo que es para solucionar el problema.

No voy a indagar mucho más para no hacer el temido spoiler y así no destripar el desarrollo argumental porque, aunque parece que todo queda resuelto con la muerte del marido de ella, realmente hay elementos (pero sobre todo uno) que hacen que el espectador quiera saber que es lo que ocurre y       además, teniendo a la gran Barabara Stanwyck como femme fatale, ¿qué puede salir mal?

Calificación personal: 9

La flor de mi secreto (1995)

 

• Dirección: Pedro Almodóvar
• Año: 1995
• Género: Drama
• Intérpretes: Marisa Paredes, Juan Echanove, Carmen Elías, Rossy de Palma, Chus Lampreave, Kiti Mánver, Joaquín Cortés, Manuela Vargas, Imanol Arias, Gloria Muñoz.
• Guión: Pedro Almodóvar
• Música: Alberto Iglesias
• Fotografía: Affonso Beato
• Montaje: José Salcedo
• Productora: El Deseo

SINOPSIS

Leo Macías (Marisa Paredes) es una escritora de novela rosa que escribe bajo un pseudónimo. Pero ya no le salen escribir novelas rosas, sino grises y una de las razones es porque su marido Paco (Imanol Arias) está de misión en Bosnia y no resolvieron sus conflictos matrimoniales y eso a Leo le provoca una fragilidad e inestabilidad emocional.

CRITICA

El director manchego desde mi punto de vista ha pasado por diversas etapas y por diferentes géneros pero, para mi en el que siempre ha tenido un buen resultado ha sido cuando ha puesto de protagonista absoluta a una mujer y ha sacado a relucir sus alegrías y sus penas (más sus penas) para poder exponerle al espectador un personaje muy rico con muchos matices y al final sacar a una mujer que resurge de sus cenizas como el ave fénix.

En este caso nos presenta a una escritora cuya mayor fragilidad y miedo es el no haber podido arreglar su crisis matrimonial antes de que su marido partiese al conflicto bélico, lo que lleva a una obsesión y una inestabilidad que la hacen permanecer siempre encerrada en si misma y en una  melancolía y tristeza absoluta y que todo gire alrededor de su marido y, de esta forma, ella no puede salir de esa angustia que la atormenta y le afecta a su trabajo. Es decir, que en lugar de escribir las novelas rosas bajo el pseuodónimo (Amanda Gris) le salen escritos totalmente melancólicos.

El descubrimiento de determinadas verdades en su vida así como el "pequeño retiro" a su pueblo natal en Extremadura con su madre (grandísima siempre será nuestra adorada Chus Lampreave) rodeada de escenas costumbristas españolas (es una característica muy típica del director español, siempre resaltar aspectos y formas de vivir que se hacían o se siguen manteniendo en España) la harán volver a la capital con energías renovadas y con ganas de ser una mujer nueva y de poder dejar atrás su pasado.

En definitiva, se trata del viaje de una mujer a través de la angustia y el dolor. Pero no de un dolor efímero o irreal sino el que muchas mujeres sufren y que es necesario tener cierto descubrimiento para poder salir de ese dolor y demostrar que somos perfectamente capaces de salir adelante y vivir sin el sustento de un hombre. Y eso, es importante reseñarlo.

Calificación personal: 8

Infiltrados (2006)

 

• Título original: The Departed
• Año: 2006
• Género: Suspense
• Dirección: Martin Scorsese
• Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Vera Farmiga, Mark Wahlberg, Alec Baldwin, Martin Sheen, Ray Winstone, Anthony Anderson, James Badge Dale.
• Guión: William Monahan
• Música: Howard Shore, Harry Gregson Williams
• Fotografía: Michael Ballhaus
• Montaje: Thelma Schoonmaker
• Vestuario: Sandy Powell
• Productora: Plan B Entertainment, Vertigo Entertainment

SINOPSIS

Billy Costigan (Leonardo DiCaprio) es un joven novato de la policía de Massachussets que debe de infiltrase en la banda de Frank Costello (Jack Nicholson) un mafioso irlandés. Por otro lado, un recién licenciado llamado Colin (Matt Damon) asciende rápidamente entre la policía. Pero lo que nadie sabe es que Colin, es un topo de Frank.

CRITICA

Es la segunda vez que veo esta película. La verdad es que han tenido que pasar unos doce años aproximadamente para que la vuelva a ver porque, la primera vez que la vi fue por el simple echo de que por fin a Martin Scorsese le daban su merecido Oscar. En definitiva, antes de empezar a escribir este blog me guiaba más por los premios que recibía una película (o los que había recibido) que por su calidad. En su momento no entendía muy bien nada de la trama y los diálogos me terminaban por desconectarme a trozos de la historia pero ahora, creo que mi análisis puede ser ligeramente mejor.

Desde mi punto de vista no es una película grandiosa como para llevarse el gran premio (como digo siempre, sobre gustos no hay nada escrito) pero, he de reconocer que en cierto modo si que su trama llega a enganchar al espectador aunque su duración un tanto excesiva puede llegara ralentizar el ritmo de la historia, lo que provoca que a mitad de metraje (incluso un poco antes), el espectador pueda llegar a perderse entre tanto disparo y sangre.

En si, la premisa de la historia es bastante sólida: intentar coger al mafioso infiltrando a un policía pero, nadie sabe que el mafioso tiene a su "rata" en la misma. Este pequeño detalle provoca que siempre el mafioso vaya varios pasos por delante e incluso obtenga información privilegiada. Cuando parece ser que solo una parte del cuerpo se percata de esta situación, esa rata hace todo lo posible para revertir el problema y que no le acabe salpicando y lo que intenta hacer es buscar a quien se encuentra dentro de la banda de su jefe.

Realmente es como si fuese un juego del gato y el ratón y esperando a ver cual de los dos infiltrados da un paso en falso para ser pillado por el otro pero, siempre hay intereses comunes que proteger. Por eso, como he comentado antes, es una trama con mucho jugo pero que en determinados puntos la misma situación se repite una y otra vez por lo que hubiese sido mejor acortar.

Pero hay que tener en cuenta un factor por el cual el metraje es tan largo y esto tiene una respuesta y es que estamos ante una película de Martin Scorsese; donde toda la historia debe de ser contada hasta el más mínimo detalle (aunque este sobre) y la sangre, disparos y palabras malsonantes deben de estar ahí para que el filme sea puro espectáculo. Aún así, desde mi punto de vista, no la considero una obra maestra (ni de lejos) y el suspense no está del todo conseguido pero, para gustos, los colores.

Calificación personal: 6.8

La angustia de vivir (1954)

 

• Título original: The country girl
• Año: 1954
• Género: Drama
• Dirección: George Seaton
• Intérpretes: Bing Crosby, Grace Kelly, William Holden, Anthony Ross, Gene Reynolds, Jacqueline Fontaine, Eddie Ryder, Robert Kent.
• Guión: George Seaton
• Música: Victor Young
• Fotografía: John F. Warren
• Montaje: Ellsworth Hoagland
• Vestuario: Edith Head
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Bernie Dodd (William Holden) es un director de teatro que para su última obra quiere contar con el actor Fran Elgin (Bing Crosby), el cual lleva diez años sin subirse a un escenario y afectado por el alcoholismo. A pesar de sus inseguridades participará en la obra con la ayuda del director y de su esposa Georgie (Grace Kelly).

CRITICA

Cuando una película trata el tema del alcoholismo es algo bastante duro. En definitiva, siempre que se tratan temas de adicciones o problemas familiares graves es algo complicado de digerir porque suele destruir no solo la vida de un matrimonio y por ende la de una familia sino también a una persona que sufre esa adicción y eso, para quien lo sufre es duro.

Como en toda historia que se precie, nos muestra la vida de un alcohólico para recuperar su vida pero, su miedo ante algo que dejó de hacer hace diez años le impide seguir adelante. Quien ha seguido manteniendo la relación a flote es u mujer, que al principio da la impresión de que es alguien dominante y que es la responsable de haber llevado a su marido a la adicción pero realmente nadie sabe lo que ha debido de padecer ella y de ahí esa fachada de mujer fuerte.

Por otro lado está el director teatral que quiere sacar la mejor versión de Fran y que hará lo que sea posible para ello e incluso para que el propio actor no caiga en sentimentalismos pero que a su vez ve en la mujer de éste a fantasmas de su pasado, lo que le lleva a tratar a Georgie con desdén y desprecio y ver que realmente es un estorbo en la carrera y en el resurgir de su marido.

Pero como se suele decir habitualmente, la profesión va por dentro y muchas veces el ser humano tiende a mentir o incluso a elaborar una vida alternativa para que la que es verdad no resulte tan dolorosa o incluso se pueda soñar con aquello que uno no ha tenido. El ritmo de la película es un poco lento los primeros treinta minutos hasta que se presentan a todos los personajes y se va viendo como la mujer es el blanco de todas las críticas cuando realmente es la única que muestra la verdad y en ningún momento oculta su dolor y no por ello, deja de luchar.

Calificación personal: 7.2

Un lugar en el sol (1951)

 

• Título original: A place in the sun
• Año: 1951
• Género: Drama
• Dirección: George Stevens
• Intérpretes: Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Shelley Winters, Anne Revere, Keefe Brasselle, Fred Clark, Raymond Burr, Herbert Heyes, Shepperd Strudwick, Frieda Inescort.
• Guión: Michael Wilson, Harry Brown
• Música: Franz Waxman
• Fotografía: William C. Mellor
• Montaje: William Hornbeck
• Vestuario: Edith Head
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

George Eastman (Montgomery Clift) es un joven sin recursos que consigue un empleo en una fábrica gracias a un pariente lejano adinerado. Ante la imposibilidad de poder entrar en los círculos de la alta sociedad, George empieza a salir con una chica de la fábrica, Alice (Shelley Winters) hasta que conoce a la aristócrata Ángela Vickers (Elizabeth Taylor). Por lo que George tendrá que afrontar un dilema moral.

CRITICA

Siempre me fascina cuando sigo teniendo la oportunidad de que caigan en mis manos películas del cine clásico y poder disfrutarlas y poder transportarme a esa época dorada del cine y disfrutar. Aparte de mostrar (una vez más) mi pasión por el séptimo arte, esta historia va mucho más allá de un hombre que se enamora de dos mujeres sino de la ambición de poder que no se manifiesta de una forma tan clara como en otros personajes sino más bien que subyace en los deseos más profundos del personaje.

Desde el principio se nos plantea a un joven humilde que gracias a un pariente multimillonario consigue trabajo en una de sus fábricas y no le importa empezar desde abajo. Lo que demuestra que por tener parentesco no te da derecho a ocupar siempre un alto cargo en una compañía. El joven parece sentirse cómodo con su situación (a pesar de no ser muy holgada) y ver que de alguna forma ha conseguido prosperar en su vida, cosa que no había conseguido con sus padres. Y empieza a salir con una compañera de su empresa, aunque según las normas de la misma eso queda terminantemente prohibido.

De momento parece que todo va bien en la vida del joven George hasta que su tío le hace partícipe de su primera fiesta y ahí conoce a Ángela, la cual pone su mundo del revés. En este caso, se nos quiere dar la visión al espectador de que es la mujer la que interfiere en la vida tranquila del joven pero, realmente se descubren poco a poco cuales eran las intenciones de Charles, sobre todo a raíz de una breve (pero eficaz) conversación telefónica con su madre, la cual parece ser el elemento perturbador en la vida del joven y que el lo ha sabido llevar muy bien en secreto.

A medida que se van desarrollando los acontecimientos y se observa que la vida de Charles ha mejorado notablemente, no le importa nada del pasado ni de lo que fue. Este echo da que pensar porque, si bien es cierto que el pasado hay que dejarlo atrás, a veces nos ayuda a recordar quienes somos o quienes hemos sido para no tener que perder el rumbo de nuestra vida. Y, eso es lo que Charles no termina de ver ni de hacer, que sigue viviendo una doble vida sin enfrentarse a las consecuencias ni a sus responsabilidades. Porque cuando uno consigue poder, riqueza, fama, reconocimiento o todas aquellas cosas materiales que no poseía antes, el resto de personas que no forman parte de su círculo no existen porque no están a su altura. Pero, siempre la sombra de tu pasado te persigue sobre todo si todo lo que uno hace son contraproducentes para los demás y cuando el egoísmo es el centro de la vida de uno.

Todos estos aspectos que he ido mencionando a lo largo de la crítica me llamaron la atención sobre todo por el inmutismo (gran interpretación de Montgomery Clift) para guardar las apariencias e intentar ser aceptado en la aristocracia. Sin ir más lejos, todos alguna vez en nuestra vida de alguna u otra forma nos hemos querido sentir integrados y a lo mejor hemos hecho cosas que no queríamos hacer solo para sentirnos aceptados. Así actúa a veces el ser humano, por desgracia.

Como planteamiento final, comentar que al personaje se le presentan dilemas morales (aunque desde mi punto de vista, yo no los llamaría así) y no sabe cual es la dirección a tomar aunque en el fondo de su ser, realmente si lo sabe porque el conformismo siempre estará por encima de la verdad. Que la disfruten.

Calificación personal: 8.5

Las tres noches de Eva (1941)

 

• Título original: The lady Eve
• Año: 1941
• Género: Comedia
• Dirección: Preston Sturges
• Intérpretes: Henry Fonda, Barbara Stanwyck, Charles Coburn, Eugene Pallette, William Demarest, Eric Blore, Melville Cooper, Janet Beecher.
• Guión: Preston Sturges
• Música: Sigmund Krumgold
• Vestuario: Edith Head
• Fotografía: Victor Milner
• Montaje: Stuart Gilmore
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Durante un viaje trasatlántico, Charles Pike  (Henry Fonda) un soltero millonario experto en serpientes que ha vuelto de una expedición se enamora de Jean Harrington (Barbara Stanwyck) una jugadora profesional que, junto a su padre, hace trampas a las cartas. Cuando Charles descubre el secreto de Jean, decide romper su relación y ella queda dolida e intentará vengarse. Esto ocurrirá cuando un amigo suyo es invitado a una fiesta de los Pike, por lo que Jean aprovechará para hacerse pasar por su sobrina y así comenzar una venganza un tanto peculiar.

CRITICA

En el cine clásico había un género que se denominaba las screwball comedies, que no eran realmente comedias románticas sino más bien una "comedia alocada" en donde los personajes principales sufrían infortunios de todo tipo en situaciones bastante extrañas para darle un toque ligero a la relación amorosa de los personajes y así, se escribía también una historia en base a esas situaciones de enredo.

Como gran amante del cine clásico, siempre estoy abierta a que me ofrezcan nuevas películas y poder ahondar en esos género que habitualmente suelo desconocer (como es el que acabo de mencionar) y de paso sacar algún que otro detalle porque, a pesar de ser una comedia si que resaltaría unas cuántas cosas para destacar.

Lo que al principio refleja una historia de amor que parece que va a llegar a buen puerto, se tuerce cuando Charles descubre el secreto de Jean. En aquella época que una mujer tuviera un secreto era un motivo de escándalo para el hombre y su reputación porque la de la mujer poco importaba. Pero claro, Jean no se iba a quedar de brazos cruzados a que Charles siguiese como si nada y ella usa sus armas de mujer. Esta expresión siempre se ha usado para hacer referencia a los encantos "femeninos" de las mujeres y conquistar a los hombres pero en este caso, esas armas hace referencia a lo que muchos hombres no veían (y aún siguen sin ver): la inteligencia y la astucia. De esta forma lleva al joven Charles a un despiste tal que no sabe si está teniendo visiones o no.

Aunque no lo parezca, la fuerza del personaje femenino en esta película es bastante fuerte no solo por su trabajo (aunque no es algo como tal) sino porque llega a tener el control sobre los hombres en cuanto a manipulación y movimiento (se ve claramente reflejado en la relación con su padre y en su venganza particular contra Charles). Pero, al final acaba descubriendo una innegable verdad y es que el ser humano somos de carne y hueso y no somos inmunes; lo que en cierto modo hace de la película una historia entretenida donde las apariencias engañan.

Calificación personal: 8

Jumanji (1995)

 

• Dirección: Joe Johnston
• Año: 1995
• Género: Aventura
• Intérpretes: Robin Williams, Bonnie Hunt, Kirsten Dunst, Bradley Pierce, Jonathan Hyde, Bebe Neuwirth, David Alan Grier, Patricia Clarkson, Adam Hann-Byrd, Laura Bell Bundy
• Guión: Greg Taylor, Jim Strain, Jonathan Hensleigh
• Música: James Horner
• Fotografía: Thomas Ackerman
• Montaje: Robert Dalva
• Productora: Interscope Communications, Teitler Film

SINOPSIS

Alan Parrish (Robin Williams) queda atrapado durante veinticinco años en un juego de mesa mágico muy antiguo llamado Jumanji. Para poder recuperar su vida tendrá que seguir jugando con los niños que viven en su casa, Judy (Kirsten Dunst) y Peter (Bradley Pierce) y con su amiga de la infancia Sara (Bonnie Hunt).

CRITICA

Recuerdo la primera vez que vi esta película. Me generó diversos miedos por los insectos y ese tono aventurero al que estaba poco acostumbrada a ver cuando era una niña pero, al verla con mi padre y ver  que le había entusiasmado tanto me sentí muy reconfortada.

Hace unos días la vi en una de las plataformas de vídeo bajo demanda y la tenía agregada en mi lista desde hacía más de un año y, buscando ver algo entretenido, decidí volver a mi infancia y recordar que pasasen los años que pasasen, esta película seguiría envejeciendo estupendamente. A pesar de observar que los efectos especiales están obsoletos, por aquel entonces era algo revolucionario.

Si dejamos a un lado las características técnicas y nos centramos en la esencia de la película, tiene todos los elementos que se esperaban de una película de aventuras sobre un juego de mesa del que cada vez que lanzas los dados, salen criaturas u ocurren situaciones extrañas y con un toque de humor.

En resumen, este tipo de películas no tienen una trascendencia que permita analizar la película de principio a fin pero, si es bueno de vez en cuando poder evadirse con algún film que nos haga sentir bien y que mejor forma de hacerlo que con una de esas historias que llenaron tu infancia.

Calificación personal: 7

El renacido (2015)

 

• Título original: The Revenant
• Año: 2015
• Género: Drama
• Dirección: Alejandro G. Iñárritu
• Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Will Poulter, Forrest Goodluck, Lukas Haas, Duane Howard, Arthur Redcloud, Grace Dove.
• Guión: Alejandro G. Iñárritu, Mark L. Smith
• Fotografía: Emmanuel Lubezki
• Música: Alva Noto, Ryuichi Sakamoto
• Montaje: Stephen Mirrione
• Vestuario: Jacqueline West
• Productora: Regency Enterprises, RatPac Entertainment, New Regency Pictures

SINOPSIS

En 1823, Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) guía a un grupo de tramperos de vuelta a un fuerte tras sufrir una emboscada por parte de los indios arikaras. En el camino de regreso, Hugh es atacado brutalmente por un oso grizzly quedando al borde de la muerte y se queda al cuidado de su hijo Hawk, del joven Bridger (Will Poulter) y de Fitzgerald (Tom Hardy), el cual intentará acabar con la vida de Glass para no tener que cargar con el hasta que se recupere.

CRITICA

Si analizamos la película desde el punto de vista del contenido de la historia, lo que realmente cuenta es la historia de supervivencia de un hombre en condiciones climáticas extremadamente duras para así poder llevar a cabo la venganza por la muerte de su hijo. Pero lo que realmente llama la atención es el gran espectáculo visual que ofrece esta película.

La fascinación que muestra en realidad son todos y cada uno de los planos y el viaje que realiza el protagonista para reflejar todas y cada una de las adversidades que tiene que ir superando y esa fusión que hace con la naturaleza a través de la climatología (la nieve, el viento...), la forma de buscar comida, la propia supervivencia en un territorio tan hostil.

En ese viaje del protagonista para poder alcanzar su ansiado destino, se sumerge al espectador en esos increíbles momentos visuales de los paisajes a la par que se pueda observar como antiguamente los seres humanos con sus propias manos buscaban el alimento y el refugio de cada día. Por otro lado, aunque no se incide de una manera muy clara, se observa como los colonizadores invadieron de una forma bastante brusca el continente americano y como iban diezmando a los nativos americanos.

Como ya he comentado al principio de la crítica, el guión tiene poco diálogo porque muchas veces lo que nos quiere contar radica más en la propia belleza visual que nos quiere transmitir. Desde mi punto de vista, yo disfruté por ver no solo como el personaje lograría llegar a su destino sino por todos los sitios por donde pasaría y, porque me recordaba mucho a la cuidadosa fotografía del director ruso Andréi Tarkovski, cuyo cine expresaba más con las imágenes y las expresiones de sus actores que con las palabras. Porque muchas veces, el cine va más allá de las palabras.

Calificación personal: 7

Socias en guerra (2020)

 

• Título original: Like a boss
• Año: 2020
• Género: Comedia
• Dirección: Miguel Arteta
• Intérpretes: Tiffany Haddish, Rose Byrne, Salma Hayek, Jennifer Coolidge, Billy Porter, Ari Graynor, Karan Soni, Ryan Hansen, Jacob Latimore, Set Rollins.
• Guión: Sam Pitman, Adam Cole-Kelly
• Música: Christophe Beck
• Fotografía: Jas Shelton
• Productora: Paramount Players, Artists Firts

SINOPSIS

Dos amigas con un concepto muy distinto de la belleza deciden fundar una empresa juntas. Una es más práctica, mientras que la otra quiere conseguir dinero para no tener que estar siempre pensando en el y en tener que pagar las facturas.

CRITICA

Más de una vez (y no me repetiré en esta crítica) he comentado mis dudas en cuanto a las comedias y a las películas románticas y con esta no es una excepción, como siempre el trailer te lleva a engaño y parece que en este caso el espectador parece que va a pasar un rato entretenido pero la verdad es que le acaba entrando un tremendo sopor.

La verdad es que la palabra que define muy bien a esta película es incomprensible porque no llega en ningún momento aparece el momento cómico, sobre todo teniendo al frente a una de las grandes promesas de la comedia como es Tiffany Haddish. Por otro lado, la sobreactuación de Salma Hayek roza el histrionismo y resulta bastante patética.

En definitiva, son esas horas de mi vida que no voy a poder recuperar pero no siempre uno acierta con las películas que ve y en este caso cuando busqué algo entretenido para relajar la mente no elegí el mejor filme. Porque nadie es perfecto, incluso para elegir películas.

Calificación personal: 2

La seducción (2017)

 

• Título original: The beguiled
• Año: 2017
• Género: Drama, suspense
• Dirección: Sofia Coppola
• Intérpretes: Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning, Oona Laurence, Angourie Rice, Addison Riecke, Emma Howard
• Guión: Sofia Coppola
• Música: Phoenix
• Fotografía: Philippe Le Sourd
• Montaje: Sarah Flack
• Productora: American Zoetrope, FR Productions

SINOPSIS

Año 1864, durante la Guerra de Secesión Americana, un soldado de la Unión John McBurney (Colin Farrell) herido acaba siendo acogido en un internado solo para chicas que está dirigido por la señorita Farnsworth (Nicole Kidman). Al principio duda en acogerle pero acaba conquistando el corazón de las mujeres que están heridas por la Guerra.

CRITICA

Cuando se estrenó esta película recibió críticas mixtas por el ritmo tedioso de su historia. Pero la verdad, es que en el transcurso de la misma se descubren puntos interesantes sobre el comportamiento humano en momentos complicados como puede ser una Guerra y, aún más cuando se tratan de mujeres que en ningún momento han tenido ningún contacto físico ni ningún tipo de intimidad con hombres, más allá de haber cruzado unas simples palabras.

La llegada del soldado al internado supone un elemento tambaleante en la vida de las pocas jóvenes que quedan en el lugar, sobre todo en aquellas donde su despertar sexual está en pleno apogeo, mientras que la directora de la institución ha olvidado por completo esa pasión hacia los hombres pero que se despierta en su interior esa llama que creía extinguida pero que al final, sigue pensando en sus alumnas. Por otro lado, el soldado aprovecha la hospitalidad de las jóvenes y cual serpiente, ataca sus puntos vulnerables no solo para que no le entreguen, sino también para el verse saciado de sus apetencias y apetitos. Estas idas y venidas que no se reflejan de una manera clara, sino más bien a través de miradas, planos, frases y gestos; se acaba convirtiendo en un juego psicológico entre las mujeres y el soldado; donde ambas partes ven atacadas sus pequeños momentos de intimidad pero, que a la vez resulta muy seductor poder sobrepasar esas líneas.

Uno de los aspectos que me llamó realmente la atención es el personaje del soldado, ya que lo que interesa de él es su capacidad para fascinar a todas ellas, todo un hito teniendo en cuenta que las personalidades de las chicas son totalmente diferentes. Quizá por ellos haya momentos en los que parece que se le cosifique. A fin de cuentas, da la sensación de que él cree que se va adueñando de la situación cuando en realidad sigue totalmente a su merced.

Desde el primer momento, se nota que el peso de la película recae totalmente sobre las mujeres, especialmente en el personaje interpretado por Nicole Kidman que, aunque al principio parece que se deja engatusar por los encantos del soldado pero siempre, acaba pensando en sus alumnas; porque aunque no lo aparente, ella es la que más amueblada tiene la cabeza.

En definitiva, este grupo de mujeres resulta mucho más potente y que acabe utilizando aquellos mismos saberes tradicionalmente femeninos que les han inculcado para agasajar a un hombre (la cocina, los cuidados, la costura...) también para destruirlo. Por lo que no es necesario distanciarse de una feminidad clásica para tejer un cuento oscuro en torno a un colectivo de mujeres que unen fuerzas para eliminar al hombre.

 

Calificación personal: 6.8