Perdición (1944)

 

• Título original: Double Indemminty
• Año: 1944
• Género: Suspense
• Dirección: Billy Wilder
• Intérpretes: Barbara Stanwyck, Edward G.Robinson. Fred MacMurray, Porter Hall, Jean Heather, Byron Barr, Richar Gaines, John Philliber
• Guión: Billy Wilder, Raymond Chandler
• Música: Miklos Rózsa
• Fotografía: John F. Steiz
• Montaje: Doane Harrison
• Vestuario: Edith Head
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

En Los Ángeles, un agente de seguros (Fred MacMurray) y una cliente (Barbara Stanwyck) traman el asesinato del marido de ésta para así cobrar el cuantioso cheque de la indemnización. Todo comienza a complicarse cuando entra en juego Barton Keyes (Edward G. Robinson) que empieza a investigar.

CRITICA

La verdad es que llevo bastante (quizás no el suficiente) cine negro y/o de suspense del cine clásico a mis espaldas y la verdad es que es una de las mejores películas de este género que he visto porque, a pesar de que a simple vista se sabe que lo que va a pasar; realmente nada es lo que parece y no se termina por revelar todo hasta el minuto final.

Si seguimos el hilo argumental vemos que es sencillo: una mujer que planea matar a su marido pero aquí tiene el aliciente de que quiere hacerle un seguro de vida (sin que el se entere, claro está) para que cuando el muera pueda cobrar la cuantía y para ello de una forma muy directa el agente de seguros de la compañía con la cual tenían contratado otro seguro, mueve todos los hilos necesarios para que se pueda llevar a cabo no solo la estafa sino que así el pueda estar con ella.

Parece ser que todo se va planeando a la perfección y no quedan cabos sueltos. Es el crimen perfecto y la estafa perfecta. Pero, a pesar de lo que se diga, no existe nunca el crimen perfecto o cualquier acto de maldad que se intente hacer perfecto porque siempre habrá algo o alguien que pueda estar estorbando o que se dedique a indagar. Pero, lo que le llega a ocurrir a nuestro protagonista no es que rebusquen en el accidente sino que el mismo se termina de dar cuenta de que hay algo que no le termina de encajar y que hay un elemento discordante en toda esta ecuación y tiene que averiguar como sea lo que es para solucionar el problema.

No voy a indagar mucho más para no hacer el temido spoiler y así no destripar el desarrollo argumental porque, aunque parece que todo queda resuelto con la muerte del marido de ella, realmente hay elementos (pero sobre todo uno) que hacen que el espectador quiera saber que es lo que ocurre y       además, teniendo a la gran Barabara Stanwyck como femme fatale, ¿qué puede salir mal?

Calificación personal: 9

La flor de mi secreto (1995)

 

• Dirección: Pedro Almodóvar
• Año: 1995
• Género: Drama
• Intérpretes: Marisa Paredes, Juan Echanove, Carmen Elías, Rossy de Palma, Chus Lampreave, Kiti Mánver, Joaquín Cortés, Manuela Vargas, Imanol Arias, Gloria Muñoz.
• Guión: Pedro Almodóvar
• Música: Alberto Iglesias
• Fotografía: Affonso Beato
• Montaje: José Salcedo
• Productora: El Deseo

SINOPSIS

Leo Macías (Marisa Paredes) es una escritora de novela rosa que escribe bajo un pseudónimo. Pero ya no le salen escribir novelas rosas, sino grises y una de las razones es porque su marido Paco (Imanol Arias) está de misión en Bosnia y no resolvieron sus conflictos matrimoniales y eso a Leo le provoca una fragilidad e inestabilidad emocional.

CRITICA

El director manchego desde mi punto de vista ha pasado por diversas etapas y por diferentes géneros pero, para mi en el que siempre ha tenido un buen resultado ha sido cuando ha puesto de protagonista absoluta a una mujer y ha sacado a relucir sus alegrías y sus penas (más sus penas) para poder exponerle al espectador un personaje muy rico con muchos matices y al final sacar a una mujer que resurge de sus cenizas como el ave fénix.

En este caso nos presenta a una escritora cuya mayor fragilidad y miedo es el no haber podido arreglar su crisis matrimonial antes de que su marido partiese al conflicto bélico, lo que lleva a una obsesión y una inestabilidad que la hacen permanecer siempre encerrada en si misma y en una  melancolía y tristeza absoluta y que todo gire alrededor de su marido y, de esta forma, ella no puede salir de esa angustia que la atormenta y le afecta a su trabajo. Es decir, que en lugar de escribir las novelas rosas bajo el pseuodónimo (Amanda Gris) le salen escritos totalmente melancólicos.

El descubrimiento de determinadas verdades en su vida así como el "pequeño retiro" a su pueblo natal en Extremadura con su madre (grandísima siempre será nuestra adorada Chus Lampreave) rodeada de escenas costumbristas españolas (es una característica muy típica del director español, siempre resaltar aspectos y formas de vivir que se hacían o se siguen manteniendo en España) la harán volver a la capital con energías renovadas y con ganas de ser una mujer nueva y de poder dejar atrás su pasado.

En definitiva, se trata del viaje de una mujer a través de la angustia y el dolor. Pero no de un dolor efímero o irreal sino el que muchas mujeres sufren y que es necesario tener cierto descubrimiento para poder salir de ese dolor y demostrar que somos perfectamente capaces de salir adelante y vivir sin el sustento de un hombre. Y eso, es importante reseñarlo.

Calificación personal: 8

Infiltrados (2006)

 

• Título original: The Departed
• Año: 2006
• Género: Suspense
• Dirección: Martin Scorsese
• Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Vera Farmiga, Mark Wahlberg, Alec Baldwin, Martin Sheen, Ray Winstone, Anthony Anderson, James Badge Dale.
• Guión: William Monahan
• Música: Howard Shore, Harry Gregson Williams
• Fotografía: Michael Ballhaus
• Montaje: Thelma Schoonmaker
• Vestuario: Sandy Powell
• Productora: Plan B Entertainment, Vertigo Entertainment

SINOPSIS

Billy Costigan (Leonardo DiCaprio) es un joven novato de la policía de Massachussets que debe de infiltrase en la banda de Frank Costello (Jack Nicholson) un mafioso irlandés. Por otro lado, un recién licenciado llamado Colin (Matt Damon) asciende rápidamente entre la policía. Pero lo que nadie sabe es que Colin, es un topo de Frank.

CRITICA

Es la segunda vez que veo esta película. La verdad es que han tenido que pasar unos doce años aproximadamente para que la vuelva a ver porque, la primera vez que la vi fue por el simple echo de que por fin a Martin Scorsese le daban su merecido Oscar. En definitiva, antes de empezar a escribir este blog me guiaba más por los premios que recibía una película (o los que había recibido) que por su calidad. En su momento no entendía muy bien nada de la trama y los diálogos me terminaban por desconectarme a trozos de la historia pero ahora, creo que mi análisis puede ser ligeramente mejor.

Desde mi punto de vista no es una película grandiosa como para llevarse el gran premio (como digo siempre, sobre gustos no hay nada escrito) pero, he de reconocer que en cierto modo si que su trama llega a enganchar al espectador aunque su duración un tanto excesiva puede llegara ralentizar el ritmo de la historia, lo que provoca que a mitad de metraje (incluso un poco antes), el espectador pueda llegar a perderse entre tanto disparo y sangre.

En si, la premisa de la historia es bastante sólida: intentar coger al mafioso infiltrando a un policía pero, nadie sabe que el mafioso tiene a su "rata" en la misma. Este pequeño detalle provoca que siempre el mafioso vaya varios pasos por delante e incluso obtenga información privilegiada. Cuando parece ser que solo una parte del cuerpo se percata de esta situación, esa rata hace todo lo posible para revertir el problema y que no le acabe salpicando y lo que intenta hacer es buscar a quien se encuentra dentro de la banda de su jefe.

Realmente es como si fuese un juego del gato y el ratón y esperando a ver cual de los dos infiltrados da un paso en falso para ser pillado por el otro pero, siempre hay intereses comunes que proteger. Por eso, como he comentado antes, es una trama con mucho jugo pero que en determinados puntos la misma situación se repite una y otra vez por lo que hubiese sido mejor acortar.

Pero hay que tener en cuenta un factor por el cual el metraje es tan largo y esto tiene una respuesta y es que estamos ante una película de Martin Scorsese; donde toda la historia debe de ser contada hasta el más mínimo detalle (aunque este sobre) y la sangre, disparos y palabras malsonantes deben de estar ahí para que el filme sea puro espectáculo. Aún así, desde mi punto de vista, no la considero una obra maestra (ni de lejos) y el suspense no está del todo conseguido pero, para gustos, los colores.

Calificación personal: 6.8

La angustia de vivir (1954)

 

• Título original: The country girl
• Año: 1954
• Género: Drama
• Dirección: George Seaton
• Intérpretes: Bing Crosby, Grace Kelly, William Holden, Anthony Ross, Gene Reynolds, Jacqueline Fontaine, Eddie Ryder, Robert Kent.
• Guión: George Seaton
• Música: Victor Young
• Fotografía: John F. Warren
• Montaje: Ellsworth Hoagland
• Vestuario: Edith Head
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Bernie Dodd (William Holden) es un director de teatro que para su última obra quiere contar con el actor Fran Elgin (Bing Crosby), el cual lleva diez años sin subirse a un escenario y afectado por el alcoholismo. A pesar de sus inseguridades participará en la obra con la ayuda del director y de su esposa Georgie (Grace Kelly).

CRITICA

Cuando una película trata el tema del alcoholismo es algo bastante duro. En definitiva, siempre que se tratan temas de adicciones o problemas familiares graves es algo complicado de digerir porque suele destruir no solo la vida de un matrimonio y por ende la de una familia sino también a una persona que sufre esa adicción y eso, para quien lo sufre es duro.

Como en toda historia que se precie, nos muestra la vida de un alcohólico para recuperar su vida pero, su miedo ante algo que dejó de hacer hace diez años le impide seguir adelante. Quien ha seguido manteniendo la relación a flote es u mujer, que al principio da la impresión de que es alguien dominante y que es la responsable de haber llevado a su marido a la adicción pero realmente nadie sabe lo que ha debido de padecer ella y de ahí esa fachada de mujer fuerte.

Por otro lado está el director teatral que quiere sacar la mejor versión de Fran y que hará lo que sea posible para ello e incluso para que el propio actor no caiga en sentimentalismos pero que a su vez ve en la mujer de éste a fantasmas de su pasado, lo que le lleva a tratar a Georgie con desdén y desprecio y ver que realmente es un estorbo en la carrera y en el resurgir de su marido.

Pero como se suele decir habitualmente, la profesión va por dentro y muchas veces el ser humano tiende a mentir o incluso a elaborar una vida alternativa para que la que es verdad no resulte tan dolorosa o incluso se pueda soñar con aquello que uno no ha tenido. El ritmo de la película es un poco lento los primeros treinta minutos hasta que se presentan a todos los personajes y se va viendo como la mujer es el blanco de todas las críticas cuando realmente es la única que muestra la verdad y en ningún momento oculta su dolor y no por ello, deja de luchar.

Calificación personal: 7.2

Un lugar en el sol (1951)

 

• Título original: A place in the sun
• Año: 1951
• Género: Drama
• Dirección: George Stevens
• Intérpretes: Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Shelley Winters, Anne Revere, Keefe Brasselle, Fred Clark, Raymond Burr, Herbert Heyes, Shepperd Strudwick, Frieda Inescort.
• Guión: Michael Wilson, Harry Brown
• Música: Franz Waxman
• Fotografía: William C. Mellor
• Montaje: William Hornbeck
• Vestuario: Edith Head
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

George Eastman (Montgomery Clift) es un joven sin recursos que consigue un empleo en una fábrica gracias a un pariente lejano adinerado. Ante la imposibilidad de poder entrar en los círculos de la alta sociedad, George empieza a salir con una chica de la fábrica, Alice (Shelley Winters) hasta que conoce a la aristócrata Ángela Vickers (Elizabeth Taylor). Por lo que George tendrá que afrontar un dilema moral.

CRITICA

Siempre me fascina cuando sigo teniendo la oportunidad de que caigan en mis manos películas del cine clásico y poder disfrutarlas y poder transportarme a esa época dorada del cine y disfrutar. Aparte de mostrar (una vez más) mi pasión por el séptimo arte, esta historia va mucho más allá de un hombre que se enamora de dos mujeres sino de la ambición de poder que no se manifiesta de una forma tan clara como en otros personajes sino más bien que subyace en los deseos más profundos del personaje.

Desde el principio se nos plantea a un joven humilde que gracias a un pariente multimillonario consigue trabajo en una de sus fábricas y no le importa empezar desde abajo. Lo que demuestra que por tener parentesco no te da derecho a ocupar siempre un alto cargo en una compañía. El joven parece sentirse cómodo con su situación (a pesar de no ser muy holgada) y ver que de alguna forma ha conseguido prosperar en su vida, cosa que no había conseguido con sus padres. Y empieza a salir con una compañera de su empresa, aunque según las normas de la misma eso queda terminantemente prohibido.

De momento parece que todo va bien en la vida del joven George hasta que su tío le hace partícipe de su primera fiesta y ahí conoce a Ángela, la cual pone su mundo del revés. En este caso, se nos quiere dar la visión al espectador de que es la mujer la que interfiere en la vida tranquila del joven pero, realmente se descubren poco a poco cuales eran las intenciones de Charles, sobre todo a raíz de una breve (pero eficaz) conversación telefónica con su madre, la cual parece ser el elemento perturbador en la vida del joven y que el lo ha sabido llevar muy bien en secreto.

A medida que se van desarrollando los acontecimientos y se observa que la vida de Charles ha mejorado notablemente, no le importa nada del pasado ni de lo que fue. Este echo da que pensar porque, si bien es cierto que el pasado hay que dejarlo atrás, a veces nos ayuda a recordar quienes somos o quienes hemos sido para no tener que perder el rumbo de nuestra vida. Y, eso es lo que Charles no termina de ver ni de hacer, que sigue viviendo una doble vida sin enfrentarse a las consecuencias ni a sus responsabilidades. Porque cuando uno consigue poder, riqueza, fama, reconocimiento o todas aquellas cosas materiales que no poseía antes, el resto de personas que no forman parte de su círculo no existen porque no están a su altura. Pero, siempre la sombra de tu pasado te persigue sobre todo si todo lo que uno hace son contraproducentes para los demás y cuando el egoísmo es el centro de la vida de uno.

Todos estos aspectos que he ido mencionando a lo largo de la crítica me llamaron la atención sobre todo por el inmutismo (gran interpretación de Montgomery Clift) para guardar las apariencias e intentar ser aceptado en la aristocracia. Sin ir más lejos, todos alguna vez en nuestra vida de alguna u otra forma nos hemos querido sentir integrados y a lo mejor hemos hecho cosas que no queríamos hacer solo para sentirnos aceptados. Así actúa a veces el ser humano, por desgracia.

Como planteamiento final, comentar que al personaje se le presentan dilemas morales (aunque desde mi punto de vista, yo no los llamaría así) y no sabe cual es la dirección a tomar aunque en el fondo de su ser, realmente si lo sabe porque el conformismo siempre estará por encima de la verdad. Que la disfruten.

Calificación personal: 8.5

Las tres noches de Eva (1941)

 

• Título original: The lady Eve
• Año: 1941
• Género: Comedia
• Dirección: Preston Sturges
• Intérpretes: Henry Fonda, Barbara Stanwyck, Charles Coburn, Eugene Pallette, William Demarest, Eric Blore, Melville Cooper, Janet Beecher.
• Guión: Preston Sturges
• Música: Sigmund Krumgold
• Vestuario: Edith Head
• Fotografía: Victor Milner
• Montaje: Stuart Gilmore
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Durante un viaje trasatlántico, Charles Pike  (Henry Fonda) un soltero millonario experto en serpientes que ha vuelto de una expedición se enamora de Jean Harrington (Barbara Stanwyck) una jugadora profesional que, junto a su padre, hace trampas a las cartas. Cuando Charles descubre el secreto de Jean, decide romper su relación y ella queda dolida e intentará vengarse. Esto ocurrirá cuando un amigo suyo es invitado a una fiesta de los Pike, por lo que Jean aprovechará para hacerse pasar por su sobrina y así comenzar una venganza un tanto peculiar.

CRITICA

En el cine clásico había un género que se denominaba las screwball comedies, que no eran realmente comedias románticas sino más bien una "comedia alocada" en donde los personajes principales sufrían infortunios de todo tipo en situaciones bastante extrañas para darle un toque ligero a la relación amorosa de los personajes y así, se escribía también una historia en base a esas situaciones de enredo.

Como gran amante del cine clásico, siempre estoy abierta a que me ofrezcan nuevas películas y poder ahondar en esos género que habitualmente suelo desconocer (como es el que acabo de mencionar) y de paso sacar algún que otro detalle porque, a pesar de ser una comedia si que resaltaría unas cuántas cosas para destacar.

Lo que al principio refleja una historia de amor que parece que va a llegar a buen puerto, se tuerce cuando Charles descubre el secreto de Jean. En aquella época que una mujer tuviera un secreto era un motivo de escándalo para el hombre y su reputación porque la de la mujer poco importaba. Pero claro, Jean no se iba a quedar de brazos cruzados a que Charles siguiese como si nada y ella usa sus armas de mujer. Esta expresión siempre se ha usado para hacer referencia a los encantos "femeninos" de las mujeres y conquistar a los hombres pero en este caso, esas armas hace referencia a lo que muchos hombres no veían (y aún siguen sin ver): la inteligencia y la astucia. De esta forma lleva al joven Charles a un despiste tal que no sabe si está teniendo visiones o no.

Aunque no lo parezca, la fuerza del personaje femenino en esta película es bastante fuerte no solo por su trabajo (aunque no es algo como tal) sino porque llega a tener el control sobre los hombres en cuanto a manipulación y movimiento (se ve claramente reflejado en la relación con su padre y en su venganza particular contra Charles). Pero, al final acaba descubriendo una innegable verdad y es que el ser humano somos de carne y hueso y no somos inmunes; lo que en cierto modo hace de la película una historia entretenida donde las apariencias engañan.

Calificación personal: 8

Jumanji (1995)

 

• Dirección: Joe Johnston
• Año: 1995
• Género: Aventura
• Intérpretes: Robin Williams, Bonnie Hunt, Kirsten Dunst, Bradley Pierce, Jonathan Hyde, Bebe Neuwirth, David Alan Grier, Patricia Clarkson, Adam Hann-Byrd, Laura Bell Bundy
• Guión: Greg Taylor, Jim Strain, Jonathan Hensleigh
• Música: James Horner
• Fotografía: Thomas Ackerman
• Montaje: Robert Dalva
• Productora: Interscope Communications, Teitler Film

SINOPSIS

Alan Parrish (Robin Williams) queda atrapado durante veinticinco años en un juego de mesa mágico muy antiguo llamado Jumanji. Para poder recuperar su vida tendrá que seguir jugando con los niños que viven en su casa, Judy (Kirsten Dunst) y Peter (Bradley Pierce) y con su amiga de la infancia Sara (Bonnie Hunt).

CRITICA

Recuerdo la primera vez que vi esta película. Me generó diversos miedos por los insectos y ese tono aventurero al que estaba poco acostumbrada a ver cuando era una niña pero, al verla con mi padre y ver  que le había entusiasmado tanto me sentí muy reconfortada.

Hace unos días la vi en una de las plataformas de vídeo bajo demanda y la tenía agregada en mi lista desde hacía más de un año y, buscando ver algo entretenido, decidí volver a mi infancia y recordar que pasasen los años que pasasen, esta película seguiría envejeciendo estupendamente. A pesar de observar que los efectos especiales están obsoletos, por aquel entonces era algo revolucionario.

Si dejamos a un lado las características técnicas y nos centramos en la esencia de la película, tiene todos los elementos que se esperaban de una película de aventuras sobre un juego de mesa del que cada vez que lanzas los dados, salen criaturas u ocurren situaciones extrañas y con un toque de humor.

En resumen, este tipo de películas no tienen una trascendencia que permita analizar la película de principio a fin pero, si es bueno de vez en cuando poder evadirse con algún film que nos haga sentir bien y que mejor forma de hacerlo que con una de esas historias que llenaron tu infancia.

Calificación personal: 7

El renacido (2015)

 

• Título original: The Revenant
• Año: 2015
• Género: Drama
• Dirección: Alejandro G. Iñárritu
• Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Will Poulter, Forrest Goodluck, Lukas Haas, Duane Howard, Arthur Redcloud, Grace Dove.
• Guión: Alejandro G. Iñárritu, Mark L. Smith
• Fotografía: Emmanuel Lubezki
• Música: Alva Noto, Ryuichi Sakamoto
• Montaje: Stephen Mirrione
• Vestuario: Jacqueline West
• Productora: Regency Enterprises, RatPac Entertainment, New Regency Pictures

SINOPSIS

En 1823, Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) guía a un grupo de tramperos de vuelta a un fuerte tras sufrir una emboscada por parte de los indios arikaras. En el camino de regreso, Hugh es atacado brutalmente por un oso grizzly quedando al borde de la muerte y se queda al cuidado de su hijo Hawk, del joven Bridger (Will Poulter) y de Fitzgerald (Tom Hardy), el cual intentará acabar con la vida de Glass para no tener que cargar con el hasta que se recupere.

CRITICA

Si analizamos la película desde el punto de vista del contenido de la historia, lo que realmente cuenta es la historia de supervivencia de un hombre en condiciones climáticas extremadamente duras para así poder llevar a cabo la venganza por la muerte de su hijo. Pero lo que realmente llama la atención es el gran espectáculo visual que ofrece esta película.

La fascinación que muestra en realidad son todos y cada uno de los planos y el viaje que realiza el protagonista para reflejar todas y cada una de las adversidades que tiene que ir superando y esa fusión que hace con la naturaleza a través de la climatología (la nieve, el viento...), la forma de buscar comida, la propia supervivencia en un territorio tan hostil.

En ese viaje del protagonista para poder alcanzar su ansiado destino, se sumerge al espectador en esos increíbles momentos visuales de los paisajes a la par que se pueda observar como antiguamente los seres humanos con sus propias manos buscaban el alimento y el refugio de cada día. Por otro lado, aunque no se incide de una manera muy clara, se observa como los colonizadores invadieron de una forma bastante brusca el continente americano y como iban diezmando a los nativos americanos.

Como ya he comentado al principio de la crítica, el guión tiene poco diálogo porque muchas veces lo que nos quiere contar radica más en la propia belleza visual que nos quiere transmitir. Desde mi punto de vista, yo disfruté por ver no solo como el personaje lograría llegar a su destino sino por todos los sitios por donde pasaría y, porque me recordaba mucho a la cuidadosa fotografía del director ruso Andréi Tarkovski, cuyo cine expresaba más con las imágenes y las expresiones de sus actores que con las palabras. Porque muchas veces, el cine va más allá de las palabras.

Calificación personal: 7

Socias en guerra (2020)

 

• Título original: Like a boss
• Año: 2020
• Género: Comedia
• Dirección: Miguel Arteta
• Intérpretes: Tiffany Haddish, Rose Byrne, Salma Hayek, Jennifer Coolidge, Billy Porter, Ari Graynor, Karan Soni, Ryan Hansen, Jacob Latimore, Set Rollins.
• Guión: Sam Pitman, Adam Cole-Kelly
• Música: Christophe Beck
• Fotografía: Jas Shelton
• Productora: Paramount Players, Artists Firts

SINOPSIS

Dos amigas con un concepto muy distinto de la belleza deciden fundar una empresa juntas. Una es más práctica, mientras que la otra quiere conseguir dinero para no tener que estar siempre pensando en el y en tener que pagar las facturas.

CRITICA

Más de una vez (y no me repetiré en esta crítica) he comentado mis dudas en cuanto a las comedias y a las películas románticas y con esta no es una excepción, como siempre el trailer te lleva a engaño y parece que en este caso el espectador parece que va a pasar un rato entretenido pero la verdad es que le acaba entrando un tremendo sopor.

La verdad es que la palabra que define muy bien a esta película es incomprensible porque no llega en ningún momento aparece el momento cómico, sobre todo teniendo al frente a una de las grandes promesas de la comedia como es Tiffany Haddish. Por otro lado, la sobreactuación de Salma Hayek roza el histrionismo y resulta bastante patética.

En definitiva, son esas horas de mi vida que no voy a poder recuperar pero no siempre uno acierta con las películas que ve y en este caso cuando busqué algo entretenido para relajar la mente no elegí el mejor filme. Porque nadie es perfecto, incluso para elegir películas.

Calificación personal: 2

La seducción (2017)

 

• Título original: The beguiled
• Año: 2017
• Género: Drama, suspense
• Dirección: Sofia Coppola
• Intérpretes: Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning, Oona Laurence, Angourie Rice, Addison Riecke, Emma Howard
• Guión: Sofia Coppola
• Música: Phoenix
• Fotografía: Philippe Le Sourd
• Montaje: Sarah Flack
• Productora: American Zoetrope, FR Productions

SINOPSIS

Año 1864, durante la Guerra de Secesión Americana, un soldado de la Unión John McBurney (Colin Farrell) herido acaba siendo acogido en un internado solo para chicas que está dirigido por la señorita Farnsworth (Nicole Kidman). Al principio duda en acogerle pero acaba conquistando el corazón de las mujeres que están heridas por la Guerra.

CRITICA

Cuando se estrenó esta película recibió críticas mixtas por el ritmo tedioso de su historia. Pero la verdad, es que en el transcurso de la misma se descubren puntos interesantes sobre el comportamiento humano en momentos complicados como puede ser una Guerra y, aún más cuando se tratan de mujeres que en ningún momento han tenido ningún contacto físico ni ningún tipo de intimidad con hombres, más allá de haber cruzado unas simples palabras.

La llegada del soldado al internado supone un elemento tambaleante en la vida de las pocas jóvenes que quedan en el lugar, sobre todo en aquellas donde su despertar sexual está en pleno apogeo, mientras que la directora de la institución ha olvidado por completo esa pasión hacia los hombres pero que se despierta en su interior esa llama que creía extinguida pero que al final, sigue pensando en sus alumnas. Por otro lado, el soldado aprovecha la hospitalidad de las jóvenes y cual serpiente, ataca sus puntos vulnerables no solo para que no le entreguen, sino también para el verse saciado de sus apetencias y apetitos. Estas idas y venidas que no se reflejan de una manera clara, sino más bien a través de miradas, planos, frases y gestos; se acaba convirtiendo en un juego psicológico entre las mujeres y el soldado; donde ambas partes ven atacadas sus pequeños momentos de intimidad pero, que a la vez resulta muy seductor poder sobrepasar esas líneas.

Uno de los aspectos que me llamó realmente la atención es el personaje del soldado, ya que lo que interesa de él es su capacidad para fascinar a todas ellas, todo un hito teniendo en cuenta que las personalidades de las chicas son totalmente diferentes. Quizá por ellos haya momentos en los que parece que se le cosifique. A fin de cuentas, da la sensación de que él cree que se va adueñando de la situación cuando en realidad sigue totalmente a su merced.

Desde el primer momento, se nota que el peso de la película recae totalmente sobre las mujeres, especialmente en el personaje interpretado por Nicole Kidman que, aunque al principio parece que se deja engatusar por los encantos del soldado pero siempre, acaba pensando en sus alumnas; porque aunque no lo aparente, ella es la que más amueblada tiene la cabeza.

En definitiva, este grupo de mujeres resulta mucho más potente y que acabe utilizando aquellos mismos saberes tradicionalmente femeninos que les han inculcado para agasajar a un hombre (la cocina, los cuidados, la costura...) también para destruirlo. Por lo que no es necesario distanciarse de una feminidad clásica para tejer un cuento oscuro en torno a un colectivo de mujeres que unen fuerzas para eliminar al hombre.

 

Calificación personal: 6.8

Padre no hay más que uno 2: La llegada de la suegra (2020)

 

• Dirección: Santiago Segura
• Año: 2020
• Género: Comedia
• Intérpretes: Santiago Segura, Toni Acosta, Luna Fulgencio, Calma Segura, Sirena Segura, Carlos González Morollón, Martina D'Antiochia, Lolés León, Leo Harlem, Silvia Abril, Wendy Ramos, Lorena Berdún, Florentino Fernández.
• Guión: Santiago Segura, Marta González de Vega
• Música: Roque Baños
• Montaje: Fran Amaro
• Productora: Amazon Prime Video, Atresmedia Cine

SINOPSIS

Tras el éxito de la asistente personal "Conchi", Javier (Santiago Segura) es el dueño del chat de madres del colegio. Todo cambia cuando su mujer Marisa (Toni Acosta) le anuncia que está esperando el sexto hijo, lo que pone la vida de Javier patas arriba, porque lo que quiere evitar es que la suegra se instale en su casa para echarles una mano.

CRITICA

Creo que es bien conocido que cuando una película tiene éxito de taquilla, rápidamente se piensa en hacer la secuela (y si me apuras, a veces se llegar a firmar hasta para tres o cuatro películas más en el caso de los cómics) y eso no quiere decir que el filme que llegue tenga el mismo éxito que su predecesora. En el caso de esta película, si que introduce pequeños elementos cómicos nuevos pero intenta explotar los que ya tocó en la primera entrega.

La novedad que se introduce en esta segunda parte es lo que la mayoría de las veces no nos gusta de una relación familiar y es el componente de la suegra, puesto que se piensa que molesta más que ayudar. Pero, las trastadas o el intentar mantener a los hijos a raya, aparecen igual que en la primera película, por lo que la novedad es escasa.

Con lo que se tiene que quedar el espectador es que si va a buscar una película para pasar el rato y relajarse, esta puede ser su película. No es aburrida la verdad, porque saca alguna que otra carcajada sobre todo en el momento en el que llega la suegra ya que es el elemento novedoso de la historia, hasta entonces, todo se parece a la primera entrega.

Lo que voy a comentar a continuación (aunque no es sobre la crítica) fue la primera película española que se estrenó después de la pandemia y es la película española más taquillera del año, lo que me alegra enormemente por apoyar a nuestro cine y poder seguir apoyando el mundo de la cultura poco a poco.

Calificación personal: 6.3

Origen (2010)

• Título original: Inception
• Año: 2010
• Género: Ciencia Ficción
• Dirección: Christopher Nolan
• Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Tom Hardy, Ken Watanabe, Cillian Murphy, Marion Cotillard, Dileep Rao, Tom Berenger, Michael Caine, Lukas Haas
• Guión: Christopher Nolan
• Música: Hans Zimmer
• Fotografía: Wally Pfister
• Montaje: Lee Smith
• Vestuario: Jeffrey Kurland
• Productora: Legendary Pictures, Syncopy Films

SINOPSIS

Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) es un experto de apropiarse, durante el sueño, de los secretos del subconsciente ajeno. Pero su trabajo le ha hecho ser un fugitivo. Un día un cliente le pide una cosa: Origen, es decir, implantar una idea en el subconsciente de una persona.

CRITICA

Muchas veces el ser humano sueña y más de la mitad de las veces ni se acuerda con lo que sueña o incluso se despierta sobresaltado de esos sueños y acaba dándoles vueltas a lo largo de todo el día, pensando porqué ha soñado determinadas cosas. Hay otras veces, que soñamos con cosas o eventos que nos gustaría que nos ocurriesen o con elementos que fuesen mejores para nuestra vida o que es lo que nos ocurriría si eliminásemos ciertos factores que no nos gustan. O incluso, crear esa "vida paralela" pero en nuestra propia mente.

Las películas que hace el director británico son siempre historias que dejan al espectador desubicado puesto que no solo tiene que indagar en su propia mente, sino que en más de una ocasión el ser humano lo ha pensado pero no ha puesto en práctica esos pensamientos. Es decir, al igual que muchas veces tenemos una idea o un proyecto y lo ponemos en marcha, con los sueños podría ser lo mismo pero lo que aquí ocurre es que todo está en nuestro subconsciente y no podemos acceder más allá. Pero que ocurriría si dentro de nuestro sueño, tuviésemos más sueños, al final acabaría siendo una espiral de sueños infinitos en la cual no sabes cuál es el sueño primigenio.

Por otro lado, una de las ideas fascinantes que nos plantea el director es cuando el experimento Dom introduce a la joven Ariadne en el mundo de los sueños, le explica como cada persona puede crear los suyos propios e introducir nuestros recuerdos y mezclarlos con lo que nos gustaría de nuestra vida futra pero, cuando despiertas, te das cuenta de que esa no es tu vida real sino tu vida soñada y no puedes vivir siempre en el mundo de tus sueños; porque al final vives una vida que es imposible vivir. Otros de los aspectos que me llamó bastante la atención es que al fin y al cabo los sueños son pensamientos más profundos de tu mente donde nadie puede entrar, es decir, es "tu lugar", "tu espacio". Pero que ocurriría si ese concepto se rompe y se pudiese penetrar en la mente humana de forma tan profunda, de ahí el trabajo de la gente que se apropia de los sueños, una idea totalmente terrorífica que (¡menos mal!) no es posible o incluso que puedan manipularte en tus propios sueños.

Al espectador que le guste el género de la ciencia ficción, a la hora de ver este filme se puede quedar un poco desconcertado porque no sabe bien que es lo que se nos quiere contar. Por eso, yo recomiendo, volverla a ver (no al día siguiente) para analizar esos pequeños matices que van más allá de la historia y que nos permiten indagar en la mente humana.

Calificación personal: 8