Caperucita roja, ¿a quién tienes miedo? (2011)

• Título original: Red Riding Hood. 
• Dirección: Catherine Hardwicke.
•  Año: 2011.
•  Género: Drama, fantástico, romance. 
• Interpretación: Amanda Seyfried, Gary Oldman, Billy Burke, Shiloh Fernandez, Max Irons, Virginia Madsen, Lukas Haas, Julie Christie, Shauna Kain.
• Guion: David Leslie Johnson y Alex Heffes.
•  Producción: Jennifer Davisson Killoran, Leonardo DiCaprio y Julie Yorn.
•  Música: Brian Reitzell. 
• Fotografía: Mandy Walker
• .Montaje: Nancy Richardson y Julia Wong.
•  Diseño de producción: Tom Sanders.
• Vestuario: Cindy Evans.
•  Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

SINOPSIS

Esta nueva versión del clásico cuento de ”Caperucita Roja” nos relata que durante décadas los habitantes del pueblo de Daggerhorn han mantenido un complicado pacto con el hombre lobo. Sacrifican a un animal una vez al mes para saciar el apetito de la bestia que les atemoriza cada luna llena. Pero bajo una luna de color rojo sangre, el lobo se lleva la vida de un ser humano, aumentando así el precio del pacto.Los vecinos del pueblo acuden al padre Solomon, un cazador de hombres lobo, para que termine con la bestia de una vez por todas, Pero la llegada de Solomon revoluciona aún más al pueblo cuando les advierte a todos que el lobo adquiere forma humana durante el día y que podría ser cualquiera de ellos. Ahora todos son sospechosos…

CRITICA

Aunque no tenga nada que ver con Crepúsculo (sólo la directora) intenta seguir la estela de la saga con un planteamiento similar, aunque luego el planteamiento a rasgos generales no se parezca nada en absoluto. Sólo son iguales en una cosa: la frialdad de todos los personajes y la poca credibilidad de los mismos.

Dentro de la poca credibilidad del reparto, el guión tiene un buen planteamiento de la historia hasta el final pero, dejando a la vez muchos cabos sueltos y giros inacabados y que no enlazan con la escena siguiente que aparece; por lo tanto el espectador no sabe si se está persiguiendo al lobo o realmente es la historia amor.

Además, la película (desde mi humilde punto de vista) no se realizó para contar una pequeña historia de terror con un pequeño toque "gore", sino más bien para el lucimiento de actores jóvenes con muy poca experiencia en el mundo de la interpretación y que sólo se dedican a "lucir palmito" y a la vez, en la historia sus personajes no saben salir adelante.

Incluso con ciertos actores más veteranos como Gary Oldman o Julie Christie, no muestran su mejor faceta interpretativa y echan a perder toda su experiencia. Lo que se puede salvar de la película es una buena fotografía acompañada con un buen vestuario y contrastes de luz.

La iluminación acompaña a las diferentes situaciones que se dan. Por ejemplo cada vez que aparece el lobo la luz es más oscura, mientras que cuando aparece Caperucita Roja en escena, la luz es más tenue y más clara.

Me esperaba mucho más de esta película, esperaba que fuese mucho más entretenida y aunque el final fuese demasiado obvio, fuese mucho más solvente y la historia no fuese demasiado acelerado y no saber por donde prosigue la historia.


Calificación personal: 5.7

El Padrino (1972)

• Dirección: Francis Ford Coppola
• Año: 1972
• Título Original: The Godfather
• Intérpretes: Marlon Brando, Al Pacino, Diane Keaton, James Caan, Robert Duvall, John Cazale, John Marley, Richard Conte.
• Guión: Francis Ford Coppola, Mario Puzo
• Música: Nino Rota, Carmine Coppolla
• Fotografía: Gordon Willis
• Montaje: William Reynolds, Peter Zinner
• Producción: Albert S. Rudy

SINOPSIS

Don Vito Corleone (Marlon Brando) es el jefe de una de las cinco familias mafiosas más importante de Nueva York en los años 40. Cuando Vito está a punto de morir a manos de las otras cuatro familias, la familia Corleone perpetrará su venganza con ayuda del hijo pequeño ajeno a la mafia (Al Pacino).

CRITICA

¿Quién no ha visto esta película alguna vez?, ¿quien no ha imitado alguna vez la voz de Don Vito Corleone?. Y así podríamos seguir con millones de preguntas sobre está película que marcó un antes y un después en la historia del séptimo arte.

Por donde empezar para analizar esta obra maestra. Muchos dirán que una película que trata sobre la mafia no debe de ser una obra maestra, también la maestría se puede medir acorde a un guión creíble, solvente y con grandes actores interpretativas.

En la época en la que se estrenó, fue toda una revolución porque era la primera vez en la historia del cine que alguien se atrevía a plasmar el mundo de la mafia como era en realidad. Acompañando a esta gran novela de Mario Puzo, fue la elección de un gran reparto que mantuvo el listón muy alto.

Es cierto que, durante ciertos momentos la película puede resultar bastante tediosa, lenta y monótona; lo que puede provocar en el espectador ciertos momentos de desconexión al ver que la película no avanza. Pero lo que te hace seguir enganchada a la película es la estética de la película, la fotografía y el buen hilo argumental que se va desarrollando a lo largo de toda la película.

Por supuesto, todos los detalles que se plasman haciendo referencia al Cosa Nostra italiana, sin faltar un mínimo detalle sobre la práctica de la mafia italiana. Durante la película se mezclan diálogos en inglés con diálogos en italiano, haciendo la película más enriquecedora.

El reparto, es uno de los mejores que he visto en mucho tiempo. Por desgracia el magnífico Marlon Brando ya no vive, pero mucho otros han hechado a perder sus carreras (como es el caso de Al Pacino), pero aún así seguirá siendo una de las mejores películas.

Calificación personal: 8.5

La Casa Rusia (1990)

• Dirección: Fred Scheipisi
• Año: 1990
• Título Original: The Russia House
• Intérpretes: Sean Connery, Michelle Pfeiffer, James Fox, Roy Scheider, John Mahoney, Klaus Maria Brandauer.
• Guión: Tom Stoppard
• Música: Jerry Goldsmith
• Fotografía: Ian Baker
• Producción: Peter Honness
• Distribuidora: MGM

SINOPSIS

Barley Blair (Sean Connery) es un editor británico aficionado a la bebida que publica libros de autores rusos durante la URSS. Un agente británico le interrumpe sus vacaciones en Lisboa para implicarle en una trama de espionaje: el servicio secreto ha descubierto que un intermediario de Blair ha recibido un paquete de una editora rusa llamada Katya (Michelle Pfeiffer), que contiene información detallada de un diario escrito por un científico ruso apodado "Dante".

CRITICA

La historia trata un tema interesante y controvertido: la etapa posterior a la URSS. Pero en este caso uno no se acaba de ubicar exactamente en que punto de la historia nos encontramos y cual es el objetivo fundamental de la historia.

Por desgracia, la historia que está basada en un libro del mismo título del gran autor John Le Carré, no acaba de captar el espíritu de este tipo de novelas suspense o intriga en las cuales el lector (en este caso espectador) quiere llegar hasta el final de la trama y averiguar el entramado de los personajes.

El ritmo monótono, lineal y un tanto aburrido hace que el espectador no sepa exactamente cual es el objetivo principal de la historia y a que puerto llega la historia. Y siendo un tema tan candente en aquella época (fue la caída del bloque comunista ruso), la historia nos demuestra como los americanos en su lucha contra el comunismo, a la vez quieren conseguir el control a nivel armamentístico.

Esto se ve reflejado cuando intentan averiguar un manuscrito sobre la URSS, ya que evitan que vuelva a caer en mano de los rusos con la doble vertiente que he mencionado anteriormente: luchando contra la URSS y a la vez queriendo hacerse con el control y estar en la cima del mundo.

El caso es que la película se va desinflando a medida que pase el metraje y la historia va perdiendo credibilidad al igual que la interpretación de los actores (sobre todo de aquellos que hacen de rusos y realmente no lo son). 

Muy a mi pesar, está historia escrita por John Le Carre no tuvo su adaptación merecida. No sólo es que carezca de todo cariz interpretativo, sino que dentro de la intriga de la historia no hay un ápice de sentimientos ni de lucha por aquello en lo que crees y amas (eso se refleja en el libro/película El jardinero fiel).

En cuanto a la ficha técnica comentar que la fotografía es lo único que se salva en esta historia. Desgraciadamente, un actor con tanto registro interpretativo como es Sean Connery a partir de la década de los 90, fue bajando su caché. Y en cuanto a Michelle Pfeiffer, carece de toda expresión debido a una utilización excesiva de bótox.

Calificación personal: 5.3

Las aventuras de Tadeo Jones (2012)

• Dirección: Enrique Gato. 
•  Año: 2012. 
•  Género: Animación, aventuras,comedia, familiar.
•  Doblaje: Óscar Barberán, José Mota,Michelle Jenner, José Corbacho.
• Guion: Javier Barreira, Gorka Magallón, Ignacio del Moral, Jordi Gasull y Neil Landau. 
• Producción: Jordi Gasull, Nicolas Matji y Edmon Roch.
•  Música: Zacarías M. de la Riva. 
• Dirección artística: Juan Jesús García Galocha.
•  Distribuidora: Paramount Pictures Spain.

SINOPSIS

Debido a una confusión, Tadeo, un albañil soñador, será tomado por un famoso arqueólogo y enviado a una expedición a Perú. Con la ayuda de su fiel perro Jeff, una intrépida profesora, un loro y un buscavidas, intentarán salvar la mítica ciudad perdida de los incas de una malvada corporación de cazatesoros.

CRITICA

Es una película sencilla, amena y familiar. En ningún momento pretende emular las películas de animación hechas en Hollywood; sino que pretende crear un personaje ajeno a personajes habituales, pero con un tema muy recurrente.

Es cierto que el guión flojea en ciertos momentos del metraje llegando a perder el hilo de la historia y, llegando a desconectar e intentando sacar la historia adelante con ciertos guiños, chistes y comentarios jocosos sin encontrar un final adecuado y cayendo en el chiste fácil.

Aunque la película está enfocada a un público más pequeño (aunque no pasa nada si la película es visionada por un público más adulto) no acaba de enfocar el argumento principal de la historia, encubriendo el carácter de Tadeo Jones con toques de personajes como Indiana Jones o Lara Croft sin llegar a captar cierta ironía de estos personajes.

Pero a pesar de la escasez de la historia, si plantea momentos divertidos y graciosos que puede distraer a los más pequeños y pasar un buen rato; en concreto con el perro Jeff y el pájaro que se comunica mediante carteles.

Incluso los personajes que hacen de malvados no tienen ni un ápice de credibilidad ante las situaciones en las que tienen que enfrentarse y siendo inverosímiles las respuestas a las que los personajes se enfrentan; siendo demasiado obvias que es lo que deben de realizar los personajes frente a los diferentes acontecimientos a los que se enfrentan.

Hay que tener en cuenta, que al ser la segunda película de animación más famosa del cine español (después de Planet 51) hay que darle un poco de tiempo a nuestra factoría para que poco a poco se vaya desarrollando y vaya creando historias grandiosas y con buena trama.


Calificación personal: 6.3

Tomates verdes fritos (1991)

• Dirección: Jon Avnet
• Año: 1991
• Guión: Fannie Flagg, Carol Sobieski
• Interpretación: Kathy Bates, Jessica Tandy, Mary Stuart Masterson, Mary-Louise Parker, Chris O'Donnell, Stan Shaw, 
• Música: Thomas Newman
• Fotografía: Geoffrey Simpson

SINOPSIS

Evelyn (Kathy Bates) es una mujer cuya vida es realmente aburrida y no siente ninguna pasión por hacer algo (ni siquiera con su marido). Un día, al visitar a la tía de su marido en el asilo donde se encuentra, conoce a una adorable anciana (Jessica Tandy). Empieza a contarle una historia sobre una joven llamada Idgie.


CRITICA

Gran película e imprescindible en la lista de las vistas por el espectador. Muestra como la edad no es ninguna barrera para poder forjar una amistad y cuya durabilidad en el tiempo es infranqueable. Donde también se demuestra que quienes están a tu lado son aquellas personas que te quieren y aprecian de verdad.

A pesar del paso del tiempo, la amistad perdura entre las dos protagonistas y a su vez sus vidas dan un giro completo y se ayudan mutuamente para que sus vidas cobren sentido y cuya función es ayudar a aquellos que necesitan de más ayuda.

Aunque en ciertos momentos la película puede resultar un poco tediosa, lenta y puede generar desconexión por parte del espectador. A pesar de que la historia es profunda, su ritmo demasiado agotador no estimula a seguir el guión, pero si puede estimular a cambiar nuestra forma de vida y encontrarle un sentido sin necesidad de recurrir a lo material.

También demuestra la bondad de la gente y como ante las adversidades se apoyan unos a otros sin necesidad de recurrir a la violencia, proteger y ocultar a las personas a las que más se quiere guardando la integridad de las personas. Y que luchar por llevar una vida mejor y ser mejor persona es posible a pesar de las adversidades.

Imprescindible en nuestra filmografía.

Calificación personal: 7.3

El inocente (2011)

•  Dirección: Brad Furman.
•  Año: 2011. 
• Género: Drama, thriller.
• Interpretación: Matthew McConaughey, Marisa Tomei, Ryan Phillippe, William H. Macy, Josh Lucas, John Leguizamo, Margarita Levieva, Frances Fisher, Bryan Cranston, Michael Peña.
• Guion: John Romano
• Producción: Gary Lucchesi y Tom Rosenberg. 
• Música: Cliff  Martinez. 
• Fotografía: Lukas Ettlin. 
• Montaje:Jeff McEvoy.
•  Diseño de producción: Charisse Cardenas. 
• Vestuario: Erin Benach.
• Distribuidora: Aurum

SINOPSIS

Mick Haller (Matthew McConaughey) es un joven abogado criminalista que dirige su negocio desde el asiento trasero de su Lincoln, con el que recorre las calles de Los Ángeles. Entre su clientela figura gente de todo tipo, desde motoristas a artistas, pasando por conductores borrachos o traficantes de droga. Todo se complica cuando Haller es contratado por un playboy ricachón de Beverly Hills (Ryan Phillippe) arrestado por atacar a una joven. Lo que al principio parece un caso en apariencia sencillo, termina por convertirse en un verdadero infierno para Haller en su búsqueda de la verdad.

CRITICA

El tema que se trata en esta película, está relacionado con la película Antes de la tormenta, en tanto en cuanto se habla de la integridad de las personas y que al final, toso ser humano se acaba moviendo por su propio interés sin mirar a quien tiene delante.

Esta sería una idea general del planteamiento del guión reflejado en otro tema delicado, como es si realmente la persona acusada en un juicio es realmente culpable de los diferentes cargos de los que se le acusa (aunque  el título original, y su correcta traducción, suscitaría en el espectador un entendimiento mayor. El título original es The Lincoln Lawyer).

Con El Inocente, se recupera la esencia de aquellas película de abogados que generan una intriga en el espectador, introduciéndose él mismo en la película. Y que, a pesar de tener un argumento sin demasiadas complicaciones, no hace perderle al espectador ni un sólo minuto y estar pendiente de cada acontecimiento que se va desarrollando.

La película nos muestra a un abogado con un único objetivo: cumplir su trabajo. Es decir, a él le da igual si realmente su cliente es inocente o no, mientras posea todas las pruebas necesarias para cumplir su cometido y (por supuesto) cobrar el salario que le corresponda sin tener ningún tipo de escrúpulos a la hora de mentir mientras el cliente cuente su propia verdad.

Pero en un momento determinado, el guión sufre un punto de inflexión; en el cual al abogado empieza a "remorderle" la conciencia y se da cuenta de que no ha sido un buen abogado, sino un sacacuartos que se regalaba a sí mismo los oídos pensando que era el mejor abogado del mundo y que todos sus clientes resultaban inocentes, menos uno que será el que de otro giro a la historia.

En ese momento, refleja quienes son de verdad las víctimas y quienes los inocentes; de esta forma el abogado antepone la honestidad frente a la falta de ética que ha llevado en todos sus juicios, enfrentándose de esta forma a sí mismo.

La película posee una buena puesta en escena (a pesar tener escenarios muy poco variables), un guión bien planteado desde el principio, que aunque el espectador pueda intuir por donde se va a encaminar la historia; le acaba sorprendiendo. Y a pesar de todo, un elenco no muy brillante pero que realizan unas interpretaciones bastante aceptables.

Calificación personal: 7

Antes de la tormenta (2000)

• Dirección: Reza Persa
• Año: 200
• Género: Drama
• Interpretación: Emil Odepak, Per Graffman, Maria Lundquist, Sasha Becker, Mina Azarian.
• Guión: Reza Persa, Mikael Bengtsson
• Montaje: Louise Brattberg
• Fotografía: Eigil Bryld
• Música: Peter Lundback

SINOPSIS

Leo, es el adolescente hijo de una policía. Acosado por sus compañeros de colegio, traba amistad con una familia de origen árabe. Cuando el padre de esta familia recibe un dedo cortado en un paquete, comienza una espiral de miedo y violencia.

CRITICA

Creo que esta película muestra la simbiosis equivocada que tiene el ser humano sobre su conciencia, es decir, el fin justifica los medios. Sobre todo en lo relativo a la maldad y el hacer daño a otro ser humano que siembra maldad y que se merece lo que el mismo siembra.

Esta apología se ve reflejada a la perfección en el niño y con sus acciones su pasado le perseguirá de por vida. Sin embargo, en el padre persa se ve todo lo contrario que, intentando escapar de su angustioso pasado y tener una vida mejor no lo consigue; porque su pasado le atormenta.

Pudiendo hacer una comparación, se podría decir que el padre persa sería el futuro del niño. Me explico, si bien el hombre persa quiere dejar atrás su vida como terrorista, ya que cuando empezó no tenía remordimiento de conciencia. El niño, a la hora de usar el arma, no tiene ningún reparo en hacerlo pero luego le sopesa la acción que ha cometido.

La película muestra sin ningún tipo de tapujos que de algún modo se debería de parar a toda persona que genera el mal, sólo para conseguir sus objetivos y sin importarle a quien se lleva por delante o si pisotea a alguien por el camino, sin importar las consecuencias. Con esta premisa, los dos protagonistas se toman la justicia por su cuenta. En el caso del joven adolescente, con un intento de homicidio. En el caso del hombre persa, decide no cometer el asesinato para no empañar su felicidad, pero a la vez no evita que gente de su vida pasada tenga un mejor porvenir.

Es en este instante de la película, en el cual el espectador se realiza una serie de preguntas; todas ellas encaminadas a un mismo punto: el fin justifica los medios... ¿o no?. ¿Realmente estamos dispuestos a ayudar a los demás, a cambio de nuestra felicidad?, ¿ alguna vez distinguimos lo que realmente está bien y lo que está mal?, ¿nos creemos conocedores de nuestra verdad?

Pero ante tanta inmundicia, horror, desgracias, penas, tristezas...; hay algo bastante claro que nos deja la película. A pesar de los malos momento y de lo miserables que podamos ser, siempre hay algo que prevalece por encima de todo: LA FAMILIA. Es el pilar fundamental de toda persona, y que sin ese pilar, nuestra vida se desmoronaría por completo.

Merece realmente la pena, no se arrepentirán de ver una película que no sea americana.


Calificación personal: 8.5

Mi mapa del mundo (1999)

• Dirección: Scott Elliott
• Año: 1999
• Intérpretes: Sigourney Weaver, Julianne Moore, David Strathairn, Airliss Howard, Chloe Sevigny, Dara Perlmutter.
• Guión: Peter Hedges, Polly Platt.
• Música: Pet Metheney
• Fotografía: Seamus McGarvey
• Distribuidora: Manga Films.

SINOPSIS

Alice Goodwin (Sigourney Weaver) es madre de familia, con dos hijos. Quiere a su marido y su trabajo como enfermera marcha bien. Aunque la integración de los Goodwin en el cerrado medio rural cuesta, su amistad con una familia vecina ayuda mucho. Un día, los hijos de esta familia quedan al cuidado de Alice. Los niños van a bañarse a un río cercano, Alice esta atareada con las cosas de la casa. Un despite, un niño de los vecinos se ahoga. La desgracia enfría las relaciones de amistad, y también las de Alice y su esposo. Por si fuera poca desgracia, ella sufre en la escuela una acusación injusta: abusos sexuales a un niño.

CRITICA

El guión trata problemas peliagudos y la forma de escabullirse de ellos creando un lugar en "nuestro mapa del mundo", pero en este caso la historia se queda en un mapa de vidas diferentes, sin un rumbo fijo y sin un destino al final del trayecto.

Cuando la historia llega a un punto en el que se puede observar el conflicto personal de los personajes, se queda a medias y no sabes si realmente aclaran sus problemas o si el espectador se ha enterado realmente de ellos.

Si bien es cierto que frente a diferentes desgracias, las reacciones de las personas frente a situaciones extremas (un fallecimiento en este caso) puede llegar a ser fría e inamovible. Aunque es este caso es la impasibilidad llega a ser demasiado inexpresiva y carente de toda afectividad.

A pesar de haberse enfriado la relación entre Alice y su marido, que se observa en los fotogramas en los que aparecen juntos se visualiza la separación entre ellos por medio de las diferentes actividades que realizan por separado; donde los recuerdos que habían establecido entre ellos se han roto y no saben si reconstruirlos o dejan que se quiebren para siempre.

Desde mi punto de vista, a pesar de que se traten temas profundos y que ahonden en la miseria del ser humano, la historia carece de cualquier tipo de emoción o de cariz que haga que el espectador salga con ciertas reflexiones que le hagan pensar en los problemas que pueda surgirle a cualquier persona.

Lo lógico sería que ante las situaciones que acechan a la familia, se observasen conflictos familiares y que se expusiesen los problemas para sacar a flote la familia. Y en esta película hay una monotonía en las relaciones sin saber si la historia avanza, es estática o realmente no tiene sentido.

En este caso, recomiendo la película Historia de lo nuestro, donde los protagonistas buscan una solución a la crisis y luchan por conseguir de verdad un lugar en su mapa del mundo.

Calificación personal: 5.5

(No hay vídeo del trailer en internet)  

Amanecer (Parte I) (2011)

• Dirección: Bill Condon. 
• Año: 2011.
• Género: Drama, fantástico, romance.
•  Interpretación: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner,Dakota Fanning, Michael Sheen, Maggie Grace, Ashley Greene, Nikki Reed, Jackson Rathbone, Billy Burke, Kellan Lutz , Anna Kendrick, Peter Facinelli, Lee Pace, Elizabeth Reaser, Julia Jones, Jamie Campbell Bower. 
• Guion: Melissa Rosenberg
• Producción: Wyck Godfrey, Karen Rosenfelt y Stephenie Meyer.
• Música: Carter Burwell. 
• Fotografía: Guillermo Navarro. 
• Montaje: Virginia Katz. 
• Diseño de producción:Richard Sherman. 
• Vestuario: Michael Wilkinson. 
• Distribuidora: Aurum.

SINOPSIS

En este nuevo capítulo, los protagonistas Bella Swan y Edward Cullen tendrán que hacer frente junto a sus seres queridos a la cadena de acontecimientos ocasionados por su boda, su romántica luna de miel y el nacimiento de su primera hija… que trae consigo una imprevista y sorprendente consecuencia para Jacob Black.

CRITICA

El final de la saga es inminente (de hecho, los espectadores pueden disfrutar del final de la saga en los cines) y puede observarse que ligeramente el guión ha mejorado a medida que se han realizado las entregas; pero aún así la película sigue perdiendo credibilidad frente al libro.

Tengo que resaltar que, como fan de los libros y amante del cine, una adaptación cinematográfica de un libro siempre resulta bastante desastrosa y decepcionante y; llega a dejar indiferente al espectador sin llegar a pensar nada acerca de la película.

En el caso de Amanecer: Parte I, si tengo que destacar que la película es "bastante" fiel al contenido del libro. Como siempre sobra algún que otro fotograma que los guionistas añaden partiendo de un diálogo o frase que aparece en el libro, dando a entender que en éste si aparece; aunque en realidad no aparece.

Pero lo que más me llama la atención, es que todas y cada una de las película carecen totalmente de emoción y sentimientos; los personajes siguen siendo fríos con interpretaciones demasiado forzadas (sin comentarios con respecto a Kristen Stewart que cada vez más me da más grima y es antinatural en las interpretaciones).

Parece que los fotogramas no siguen un orden , es decir, cómo si estuvieran sueltos, no tuvieran ningún tipo de relación, etc; sin saber exactamente en que punto de la película se está y si la imagen que viene a continuación tiene algo que ver con la anterior.

Menos mal que esta paupérrima adaptación llega a su fin, porque entre el elenco de actores, el guión y la falta credibilidad en todos los aspectos técnicos y no técnicos han hecho de una saga, una mera imagen comercial de actores sin calidad.

Calificación personal: 5

Piratas (2012)

• Dirección: Peter Lord.
•  Co-dirección: Jeff Newitt. 
• .Año:2012. 
• Género: Animación, aventuras. 
• Doblaje original: Hugh Grant, David Tennant, Imelda Staunton, Martin Freeman , Jeremy Piven, Salma Hayek , Anton Yelchin. 
• Guion: Gideon Defoe. 
• Producción: Julie Lockhart, Peter Lord y David Sproxton. 
• Música: Theodore Shapiro. 
• Montaje: Justin Krish. 
• Diseño de producción: Norman Garwood. 
• Distribuidora:Sony Pictures Relasing de España

SINOPSIS

El capitán pirata, al mando de una desaliñada e improvisada tripulación, y aparentemente sin percatarse de los insalvables obstáculos a los que se enfrenta, se centra en su único sueño: vencer a sus eternos rivales Black Bellamy y Sablazo Liz y conseguir el ansiado premio de Pirata del Año en una odisea que conducirá a nuestros héroes desde las orillas de la exótica Blood Island hasta las brumosas calles del Londres victoriano. Durante el transcurso de su viaje, lucharán contra una reina diabólica y formarán equipo con un joven y perdidamente enamorado científico, pero jamás perderán de vista lo que más le apasiona a un pirata: ¡la aventura!

CRITICA

¡Qué ha sido de la factoría Aardam!, que película más floja. La verdad es que nada es igual en el mundo del stop-motion desde Wallace & Gromit.

Aunque la película intenta de mil y una formas, crear carcajadas a cada minuto de película; realmente no consigue su propósito. Es cierto que enfocado desde el punto de vista de los más pequeños, a estos les resultará un pasatiempo muy agradable. Pero para los que no somos tan pequeños, echaríamos de menos una buena película de animación.

Cuando Disney creó su factoría, fue toda una revolución. Años más tarde aparecerían unos dibujos de plastelina llamados Wallace & Gromit que auguraban para este género un nuevo enfoque. Pero luego surgió Pixar y desbancó a estos dibujos de plastelina. Así que, la factoría Aardam decidió sacar una nueva película titulada Ratónpolis.

Esta pequeña historia, la cuento porque con la película Piratas, no acaban de encandilar al público (aunque sean los estudios más que respetados) y no renuevan las historias o intentan volver a las andanzas de antes para poder gustar a todos los públicos. Ya que, ante la falta de buenas películas para adultos, éstos tienden a irse a ver una filmografía más infantil.

La verdad, es que me quedé con un mal sabor de boca. Ya que esperaba una película con un guión más jugoso, con mayores toques de humor.... Pero esa espera no llegó a cumplirse.

Aunque mi crítica no coincida con aquellos que han estudiado cine, para mi gusto ha sido una película demasiado decepcionante y que no alcanza las expectativas que tenía depositada en ella. Lo que si sé, es que las película en stop-motion seguirán triunfando debido a su gran esfuerzo artístico pero, necesitan una fuerte revisión en las historias.

Calificación personal: 5

El Gran Dictador (1940)

• Dirección: Charles Chaplin
• Año: 1940
• Género: Comedia
• Intérpretes: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie, Reginald Gardinel, Henry Daniell, Billy Gilbert.
• Guión: Charles Chaplin
• Música: Charles Chaplin, Meredith Willson
• Producción: Charles Chaplin
• Sonido: Percy Townsed, Glen Romynger
• Maquillaje: Ed Voight
• Montaje: Willard Nico

SINOPSIS

Un barbero judío tiene un gran parecido con el dictador de Tomania, un tirano que culpa a los judíos de la situación crítica por la que pasa su país. Un día confunden al barbero con el dictador y viceversa.

CRITICA

Que hay que decir sobre Charles Chaplin que no se sepa. Fue un genio inconfundible del cine mudo, con sus sátiras y con su visión personal (y a la vez realista) del mundo, es decir, fue un Charles Dickens del el lenguaje cinematográfico; con el cual rompió barreras haciendo del cine lo que fue y lo que es hoy.

Aunque la película se estrenó antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, la película hace una crítica mordaz sobre las dictaduras; no sólo de aquel momento, sino las que también siguen en pie hoy día. 

Aunque en este caso mi crítica vaya a ser escueta, sólo decir que la genialidad de este gran maestro nos dio la oportunidad de entender el cine y de ver cómo el hombre es el arma de destrucción masiva más fuerte.

Antes de acabar, me gustaría comentar dos cosas: la primera es que Hitler vio esta película (nunca se supo que opinó de ella) y la segunda, os dejo con un fragmento de la película que pone los pelos como escarpias; ya que por muy duro que sea, nos refleja nuestra realidad.

"Lo siento, yo no quiero ser emperador. Ese no es mi oficio. Yo no quiero mandar ni conquistar, quiero ayudar a todos, a ser posible a judíos, gentiles, negros, blancos... Todos nosotros queremos ayudarnos unos a otros.

Los seres humanos somos así, queremos vivir para la felicidad del otro, no su desgracia. No queremos odiarnos o despreciarnos uno al otro. En este mundo hay un lugar para todos y nuestra tierra es rica y a todos puede alimentar.

La vida puede ser libre y hermosa. Pero hemos perdido el rumbo, la codicia ha envenenado el alma del hombre; ha dividido al mundo con barricadas de odio, nos ha sumergido en la desgracia y en un baño de sangre.

Hemos desarrollado velocidad pero nos encerramos en nosotros mismos, la maquinaria que nos da la abundancia nos ha dejado con falta de nuestros conocimientos, nos ha hecho cínicos. Nuestra inteligencia: duros y desconsiderados. Pensamos demasiado y sentimos muy poco, más que maquinaria necesitamos humanidad. Más que inteligencia, cortesía y bondad. Sin estas cualidades la vida será violenta y todo estará perdido.

El avión y la radio nos han acercado entre nosotros. La naturaleza misma de estos inventos clama por lo bueno que hay en el hombre. Clama por la fraternidad universal y por la unión de las almas. Aún ahora, mi voz llega a millones a través del mundo; millones de desdichados, hombres, mujeres y niños. Víctimas de un sistema que lleva al hombre a torturar y encarcelar inocentes.

Para aquellos que puedan oírme, les digo: no desesperéis  La desgracia que nos acecha es tan sólo la muerte de la codicia. El resentimiento del hombre que teme el progreso de la especie humana. El odio del hombre pasará y los dictadores morirán. Y el poder que le arrebataron al pueblo volverá al pueblo, y en tanto los hombres dan la vida por ella, la libertad no ha de perecer.

¡Soldados!, ¡no os sometáis a las bestias! Hombres que os desprecian y esclavizan, que en nada valoran vuestras vidas y os dicen que hacer, que pensar, que sentir; y os martirizan y tratan como ganado. ¡Inútil carne de cañón! No os sometáis a estos engendros: mitad hombre y mitad máquina ¡y corazón de máquina!

¡No sois ganado! ¡Sois hombres!, y en vuestros corazones amáis a la humanidad. No odiáis ni vivís para el odio. El rechazo a todo lo que es natural. ¡Soldados, no peléis por la esclavitud!,¡pelead por la libertad!. En la Biblia está escrito: "El Reino de Dios está dentro del hombre". No de un sólo hombre,, no de un grupo de hombres, ¡sino de todos los hombres!

Y vosotros, el pueblo... Vosotros tenéis el poder. El poder de crear máquinas, el poder de crear felicidad  Vosotros el pueblo tenéis el poder de hacer esta vida libre y hermosa, de hacer de esta vida una aventura maravillosa.

Entonces, en nombre de la democracia... ¡Ejerzamos ese poder!¡A unirnos todos ya! Peleemos por un mundo nuevo, un mundo decente que le de al hombre la oportunidad de trabajar, que os de a todos un futuro y a todas las edades seguridad.

Fueron prometiendo estas cosas cuando las bestias llegaron al poder, pero mienten. No tienen intención de cumplir la promesa, ¡nunca lo harán!. ¡Los dictadores se hacen libres a ellos mismos, pero esclavizan al pueblo!

¡Luchemos nosotros ahora para cumplir la promesa , ¡luchemos para hacer al mundo libre!. Para acabar con las barreras nacionales, para acabar con la codicia, el odio, la intolerancia. Peleemos por un mundo en el que reine la razón, en el que la ciencia y el progreso conduzcan a la felicidad de todos lo hombres. ¡Soldados, en nombre de la democracia: A unirnos todos ya!

A pesar, de que este fragmento se escuche a final de la película, se refleja perfectamente a lo largo de toda la película en forma de metáforas. Las cuales el espectador tendrá que detectar cuales son.

Es una película que debe de estar en nuestra filmografía personal, que la disfruten.

Calificación personal : 8.6

Manhattan (1979)

• Dirección: Woody Allen
• Año: 1979
• Género: Drama
• Interpretación: Woody Allen, Diane Keaton, Michael Murphy, Mariel Hemingway, Meryl Streep, Anne Byrne.
• Guión: Woody Allen, Marshall Brickman
• Fotogafía: Gordon Willis
• Música: George Gershwin
• Productora: United Artists

SINOPSIS

Isaac Davis (Woody Allen) es un escritor neoyorkino que lo tiene todo pero que a la vez odia su vida. Tiene un trabajo que odia, una novia de 17 años a la que no ama y una ex-mujer lesbiana (Meryl Streep) a la que estrangularía por escribir un libro sobre sus intimidades en el matrimonio. Pero todo cambia cuando conoce a Mary (Diane Keaton), la amante de su mejor, la cual le cambiará su estilo de vida.

CRITICA

Con esta película, Woody Allen nos da una versión distinta de sí mismo y de las distintas situaciones que le pueden llegar a atormentar al ser humano, sin reprimirse ni un ápice en sus ambiciones y en la posibilidad de poder abarcar todo.

En esta película, Allen aborda no sólo la inseguridad humana sino también la insatisfacción de la misma y el poco valor y/o aprecio que se le da a las cosas; pero sobre todo a las relaciones humanas y lo frívolas que llegan a ser. Estos aspectos los muestran (sobre todo) el triángulo amoroso que forman los personajes de Woody Allen, Diane Keaton y Michael Murphy.

Los tres personajes muestran inseguridad en sus vidas, por lo tanto les genera una insatisfacción enorme cuando, teniendo de todo y pudiendo ser felices, quieren poseer más para ver si eso les produce satisfacción en sus vidas. Evocando esta insatisfacciones con frases como "no puedo evitarlo", "soy así" o "son mis sentimientos y no puedo controlarlos" Si analizamos los tres personajes del triángulo amoroso, podemos ver que la fotografía (independientemente de que sea en blanco y negro) muestra como son las relaciones entre los tres personajes. 

Si nos fijamos en el personaje de Woody Allen, cuando está con su joven novia la fotografía siempre es clara y nítida; lo que podría tomarse como una metáfora de que junto a ella tiene un futuro claro y prometedor (independientemente de la edad). Mientras que cuando está con Diane Keaton, los lugares tienen una fotografía más oscura sin distinguir bien a los personajes.

Con el personaje de Diane Keaton, la misma mención cuando está con el personaje de Allen; mientras que cuando está con  Michael Murphy el contraste de la fotografía posee mucha luz o la luz que rodea a ambos siempre es muy fuerte y los alrededores oscuros.

Digamos que a alguien que le guste Woody Allen y su estilo narrativo, sabe encontrar el punto necesario para llegar a comprender sus películas y las metáforas que las representan. A pesar de ser un director querido por muchos y odiado por todos, sólo es para aquellos que les guste el director neoyorkino y para todos aquellos que entiendan sus metáforas visuales y sus geniales guiones.

Calificación personal: 7.9

Brave (Indomable) (2012)

•  Dirección: Mark Andrews y Brenda Chapman. 
• Co-dirección: Steve Purcell. 
• Año:2012.  
• Género: Animación, aventuras, comedia, familiar,fantástico. 
• Doblaje original: Kelly Macdonald, Billy Connolly , Emma Thompson, Kevin McKidd, Robbie Coltrane, Julie Walters , Craig Ferguson. 
• Guion: Brenda Chapman, Irene Mecchi, Steve Purcell y Mark Andrews.
• Producción: Katherine Sarafian. 
• Música: Patrick Doyle. 
• Montaje: Nicholas C. Smith.
• Distribuidora: The Walt Disney Company Spain

SINOPSIS

Cuenta la historia de Mérida, una excelente arquera que es la impetuosa hija del rey Fergus y la reina Elinor. Dispuesta a encontrar su propio camino en la vida, Mérida desafía una ancestral costumbre sagrada de los señores de la guerra (el gigantesco lord MacGuffin, el malhumorado lord Macintosh y el cascarrabias lord Dingwall). El comportamiento de Mérida desencadena sin quererlo el caos y la furia en el reino. Además, la princesa decide pedir ayuda a la excéntrica bruja, quien le concede un deseo que resultará nefasto. Los peligros a los que deberá enfrentarse obligan a Mérida a utilizar todas sus habilidades y recursos para acabar con la terrible maldición antes de que sea demasiado tarde.

CRITICA

Muy pocas veces (entre paréntesis) se considera una película de dibujos animados como una gran película o; son sólo para el divertimento y entretenimiento de los más pequeños. Haciendo que, estas películas son alternativas frente a los bodrios de los adultos, y qué estos se pueden divertir como niños en una película de niños.

Hay que destacar, que es la primera película de princesas de dibujos animados que no trata sobre encontrar a nuestro príncipe azul; sino más bien de encontrarnos a nosotros mismos y saber tomar decisiones correctas sin que sean demasiado egoístas.

Cómo siempre, el guión de películas infantiles muestran valores que los niños puedan comprender, llevar a la práctica y aplicarlos. Para un adulto esta película les parecería totalmente ridícula, pero a más de uno le vendría muy bien aplicarla a su vida.

Cómo ya he comentado anteriormente, la historia es muy sencilla y no posee ningún tipo de complicaciones. Pero a pesar de su sencillez, la historia es dinámica debido a que sus personajes muestran un carácter muy fuerte y por lo tanto no aburren al espectador.

A esos personajes también les acompaña unos paisajes muy bien recreados y dependiendo de la situación en la que se encuentran los personajes, son totalmente idóneos. Muchas de las situaciones que acontecen a la película son hilarantes, divertidas y graciosas y que posee la carcajada asegurada.

Pero lo que al espectador le habrá llamado un poco más la atención es el pelo de la protagonista femenina, Mérida, cuyos movimientos son acompañados a la perfección por el movimiento de su pelo dándole más fuerza al personaje.

Una vez más, Pixar saca adelante otras de sus obras maestras (sin contar Cars 2) que hacen que tanto adultos como niños disfruten de una manera muy entretenida y puedan sacarle provecho a una buena historia. Y cómo siempre... ¡VIVA EL CINE INFANTIL!

Calificación personal: 7.5

Lejos del Cielo (2002)

• Dirección: Todd Haynes
• Año: 2002
• Género: Drama
• Interpretación: Julianne Moore, Dennis Quaid, Dennis Haysbert, Viola Davis, Patricia Clarkson, Celia Westson, James Rebhorn, Michael Gatson, Ryan Hard.
• Producción: Jody Patton, Christine Vachon
• Música: Elmer Bernstein
• Fotografía: Edward Lanchman
• Montaje: James Lyons
• Diseño de producción: Mark Friedberg
• Dirección artística: Peter Rogness
• Vestuario: Sandy Powell

SINOPSIS

Los Whitaker (Julianne Moore y Dennnis Quaid) son una familia modelo en los años 50. Son ricos, destacan en la sociedad, forman una familia feliz y todo el mundo les adora. Pero de puertas para dentro, nada es lo que parece. A raíz de un acontecimiento que tambaleará su matrimonio, la vida de ambos no será la misma; en concreto la de la señora Whitaker.


CRITICA

Es una película totalmente cautivadora. Desde un guión con una historia sólida hasta, una estética y una fotografía bien cuidada. Lo que genera que esta película sea un impacto tanto a nivel emocional como visual. El objetivo principal de la película, es transmitir ciertos acontecimiento de manera ordenada sin caer en lo absurdo ni, en lo aburrido.

Si el espectador ve la película, se observa como nos plantea diferentes temas que estarán relacionados unos con otros. En primer lugar nos muestra la vida de un matrimonio que está construido sobre las apariencias y el cual se ve abocado al fracaso; y esto acrecienta aún más que la vida de este "feliz" matrimonio siga construyéndose sobre las mentiras y la falsedad. Lo que deriva en un cambio de actitud radical en el comportamiento y en la personalidad de la señora Whitaker.

Esta situación provoca que Cathy (Julianne Moore), encuentre consuelo en una persona que era rechazado por la sociedad de aquella época: en su jardinero negro. Lo que acrecienta su popularidad pero de manera negativa, generando en ella un cambio de personalidad y descubriendo que, su vida no la ha vivido de forma "auténtica"; lo que le apesadumbra cada vez más.

Estos cambios de emociones que muestra el personaje, tiene su metáfora en la excelente fotografía. Estas metáforas se observan, por ejemplo, cuando Cathy se reúne con amigos o en concreto con su marido. El contraste de la fotografía es más oscuro, con tonalidades oscuras y el desarrollo de la escena es en lugares cerrados. Otro aspecto sería que cuando piensa en su marido, la oscuridad está muy patente y su tristeza es mayor

Sin embargo, cuando se encuentra con su jardinero, tiene mayor paz y tranquilidad. En este caso la fotografía que acompaña al personaje son colores alegres, claros y que dan luminosidad a la escena. Es cierto que la película se desarrolla en otoño, y que los casi no debería haber colores; pero la aparición de esta estación hacen que los colores sean más notorios. Cuando piensa en el jardinero, se produce un ligero reguero de luz y su cara muestra felicidad.

El vestuario también acompaña a las situaciones mencionadas con anterioridad, utilizando colores más oscuros en el primer caso y colores más vivos en el segundo; reflejando su estado de ánimo.

Muchos espectadores que la vean pueden pensar que la película es muy lenta, demasiado aburrida y que trata los tópicos de siempre (racismo, lucha de clases). Pero a través de esos temas, intentan mostrar la vida que llevaban muchas mujeres de aquella época y veían que no podían cumplir sus sueños ni hacerlos realidad.

Nada más lejos de este tópico, la película desea mostrar también que Cathy intenta encontrar la felicidad por medio de lo prohibido, pero manteniendo una lucha interna consigo misma porque a pesar de todo; quiere mantener su estilo de vida. Aunque este aspecto pueda llegar a costarle su propia felicidad.

En cuanto al reparto, Julianne Moore llega a sacar un poco de las casillas al espectador por su interpretación por lo ridícula que llega a ser; pero aún así dota a su personaje con el carácter de la mujer de esa época. Dennis Quaid se recupera ligeramente en esta película debido a su pasado poco fructífero y problemático, dotando a su personaje de una verdadera tristeza y desolación.

Todo esto, está acompañado por una estupenda banda sonora que refleja también las diferentes luchas internas y conflictos que nos podemos generar a veces los seres humanos. Merece totalmente la pena, la recomiendo de verdad.


Calificación personal: 8

El Legado de Bourne (2012)

• Dirección: Tony Gilroy. 
• Año: 2012. . 
• Género: Acción,thriller. 
• Interpretación: Jeremy Renner, Rachel Weisz, Edward Norton, Joan Allen, Albert Finney, Oscar Isaac, Stacy Keach, Scott Glenn, David Strathairn, Donna Murphy.
•  Guion: Tony Gilroy y Dan Gilroy.
• Producción: Patrick Crowley, Frank Marshall, Ben Smith y Jeffrey M. Weiner. 
• Música:James Newton Howard. 
• Fotografía: Robert Elswit.
•  Montaje: John Gilroy. 
• Diseño de producción: Kevin Thompson. 
• Vestuario: Shay Cunliffe. 
• Distribuidora: Universal Pictures International Spain

SINOPSIS

 Aaron Cross (Jeremy Renner) es uno de los seis agentes secretos creados por el programa Outcome. Los agentes de este programa no pertenecen a la CIA, sino al Departamento de Defensa. No han sido diseñados para asesinar, sino para funcionar en solitario en misiones altamente arriesgadas de larga duración. El estudio del comportamiento que dio pie al programa Treadstone ha avanzado mucho, pero dado que ambos programas comparten el mismo origen, Outcome se convierte en un peligro cuando la historia de Bourne pasa al dominio público.

CRITICA

Yo siempre digo que segundas, terceras y sucesivas partes nunca son buenas, aunque bien es cierto que muchas de esas secuelas se salvan. Pero esto no ocurre con El Legado de Bourne, donde no era necesario explotar una franquicia que había echado el cierre hace cuatro años.

Pero Hollywood no se sacia nunca ni tiene suficiente cuando un personaje a llegado a su fin; porque con tal de conseguir dinero no le importa destruir películas que marcaron un hito. Un ejemplo claro de estas secuelitis, es Indiana Jones y el Reino de la Calavera de cristal; cuya bazofia de guión es un claro ejemplo.

Centrándonos en esta película, la película no llega a presentar ningún tipo de atractivo con respecto a sus predecesoras. Donde el precedente del personaje no es la pérdida de memoria sino la automedicación; dando una imagen de yonki en potencia (no puede vivir sin las pastillas). Perdiendo todo el canto que poseía Jason Bourne/Matt Damon con esa amnesia para averiguar quien es.

Este encanto lo pierde por completo Aaron Cross/Jeremy Renner ya que al ser completamente consciente de todo lo que está sucediendo con la organización, no acaba de enganchar al espectador; porque éste ya sabe lo que va a ocurrir y no resulta nada atractivo.

A pesar de que el guión tenga cierto orden y concierto, carece de esa impulsividad y tensión que poseía la saga de Bourne. Si es cierto, que esta película posee un hilo argumental muy estructurado y que no trae de cabeza al espectador, pero esa impulsividad que he mencionado anteriormente es lo que no produce sensaciones fuertes a lo largo de la película, resultando bastante previsible.

También están los "malos" de la película, donde aquí toman un segundo plano y se dedican a investigar donde se encuentra su fugitivo que preguntarse el porqué. Es decir, al ser el personaje conocedor de su historia (tanto presente como futuro) la búsqueda de respuestas por parte de los perseguidores es casi nula y carente totalmente de sentido.

Si nos centramos en la ficha técnica, la mayoría de todos ellos son actores conocidos pero, no acaban de integrarse por completo en sus personajes. Lo que aminora también el ritmo de la película y no saber exactamente que es lo que te están contando o lo que te quieren contar. Lo siento por el director Tony Gilroy, que aunque haya sido el guionista de las otras películas (y de ésta) y cogiendo la batuta del director; le falta que sus personajes tengan mayor impulsividad.

En resumen, es mejor que esta saga no hubiera despertado nunca después de Bourne ya que cuando empieza la acción, es cuando realmente finaliza.


Calificación personal: 5