Al mal tiempo, buen cine...

Queridos lectores y seguidores:

Me permito escribir una líneas para agradeceros a todos (desde todas las partes del mundo) que visitéis mi blog y todo lo que voy publicando. Ante todo comentar que no estoy licenciada en cinematografía pero, doy gracias por haber asistido a cursos y que mis padres me introdujeran al cine con sólo 8 años.

Por eso os animo que escribáis vuestras opiniones sin vergüenza alguna (¡por eso existe la libertad de expresión!) o sugerir cambios o visionados de películas, ya que se convierte en un feedback donde podemos aprender unos de otros.

Para finalizar, gracias una vez más por vuestro tiempo y dedicárselo a mi blog. ¡Seguid disfrutando del cine!

viernes, 30 de noviembre de 2018

Las bicicletas son para el verano (1984)




  • Dirección: Jaime Chávarri
  • Año: 1984
  • Género: Drama
  • Intérpretes: Amparo Soler Leal, Agustín González, Victoria Abril, Gabino Diego, Marisa Paredes, Alicia Hermida, Patricia Adriani, Emilio Gutiérrez Caba, Miguel Rellán, Carlos Tristancho, Aurora Redondo, Guillermo Marín.
  • Guión: Salvador Maldonado
  • Música: Francisco Guerrero
  • Fotografía: Miguel Ángel Trujillo
  • Producción: Alfredo Matas


SINOPSIS

Luisito (Gabino Diego) le pide a su padre que le compre una bicicleta para el verano, pero al dar comienzo la Guerra Civil, el plan de comprarla se tiene que posponer. Mientras tanto, Luisito junto con toda su familia, se tiene que adaptar a las situaciones que ha traído la guerra consigo.


CRITICA

Basada en la obra de teatro escrita por Fernando Fernán Gómez (polifacético en todo lo que se refiere a la literatura y a la cinematografía), la historia nos presenta una realidad que por desgracia sucedió y que por mucho que intentemos olvidar, la sombra de la Guerra Civil Española siempre nos acechará. Pero, lo que realmente me interesa es la reflexión a la que se llega con esta gran película del cine español, donde ni los buenos eran tan buenos, ni los malos eran tan malos; pero sobre todo, ver como las familias españolas sufrían en una guerra que veían que no terminaba nunca.

La historia se nos plantea a través de una familia de clase media, donde en cierto modo los miembros viven de manera holgada pero tampoco son derrochadores, además de que todos ellos (en concreto los padres) son abiertos en lo que se refiere a ideas políticas y darle a la mujer el papel que se merece.

A través de dicha familia, se va viendo como avanza la guerra y las personas de su propio bloque, ven siempre en ellos la bondad y la esperanza y la generosidad. Un aspecto que me gustaría resaltar es la actitud del padre, que a pesar de no derrumbarse nunca y mantener siempre una entereza, la situación de la guerra la afecta no por él mismo, sino por su hijo adolescente que tiene que vivir esa situación y por su nieto al que necesita sacar adelante. Por otro lado, está la figura de la madre, que a pesar de ser muy conservadora en sus ideas, ve que la situación que están viviendo es insostenible y que en cierto modo mantiene su alegría gracias a sus vecinas.

Destacar también la figura del joven Luisito, que en plena adolescencia debe de vivir los horrores de la guerra, pero en cierto modo se le hace "ameno" puesto que el sueña con tener una bicicleta para poder usarla en verano con sus amigos, además de ser un ávido lector y sobre todo, porque su padre le tiene entretenido llevándole a trabajar con él.

De alguna forma, como conclusión se puede sacar que aquí no ensalza a ningún bando como los buenos, ni tampoco denigra a los que son malos. Sino todo lo contrario, los protagonistas echan la culpa a la guerra producida por ambos y que ha sumido al país en un caos donde el hambre se agudiza y sobrevivir se ha convertido en una lucha constante.

Desde mi punto de vista, me parece una película bastante ligera, puesto que no se centra tanto en la guerra como tal, sino en una familia que sufre los horrores de la misma. Además de ver una evolución en los personajes en su forma de ser, de actuar y como esos tres años les ha cambiado la vida en todos los aspectos. Es una película imprescindible del cine español de calidad, donde se muestra la crudeza de una situación que sacudió al país y como en la actualidad seguimos recordando aquello que dividió a España.

Merece la pena (y que el espectador se encuentre atento) el momento de la reunión familiar sobre las lentejas y, los últimos diez minutos aproximadamente sobre la conversación que tienen padre e hijo al terminar la guerra.


Calificación personal: 9




miércoles, 28 de noviembre de 2018

Amor a medianoche (2018)



  • Título original: Midnight sun
  • Año: 2018
  • Género: Drama, romántica
  • Dirección: Scott Speer
  • Intérpretes: Bella Thorne, Patrick Schwarzenegger, Rob Riggle, Quinn Shephard, Jenn Griffin, Paul McGuillion, Jaeda Lily Miller, Allyson Grant.
  • Guión: Eric Kirsten, Kenji Bando
  • Música: Nate Walcott
  • Fotografía: Karsten Gopinath
  • Montaje: Michelle Harrison, Tia Nolan
  • Productora: Boies, Schiller Film Group, Rickard Pictures.


SINOPSIS

Katie (Bella Thorne) sufre la enfermedad de XP, si le da una mínima cantidad de luz solar ésta puede ser mortal. Un día de las vacaciones de verano conoce a Charlie (Patrick Schwarzenegger) que hará que su vida por la noche, no sea tan aburrida.


CRITICA

El momento de películas románticas está alcanzando cotas altas en mis últimas visualizaciones y hasta cierto punto es preocupante (es un sarcasmo) puesto que estoy viendo películas que veía en mi adolescencia y que al final se convierten en las típicas películas empalagosas románticas e idílicas que hacen a todas suspirar por un amor de verano.

Desde mi punto de vista, que la película (y la novela en la que se basa la misma) bebe mucho de Un paseo para recordar de Nicholas Sparks y cuya adaptación cinematográfica se realizó en el año 2001. Donde se refleja el amor de instituto y como la enfermedad no tiene porque ser ningún impedimento para que el amor pueda fluir. Por otro lado, el papel del progenitor de la protagonista que hace todo lo posible para proteger a su hija del sufrimiento de la enfermedad.

También se puede comparar el protagonista masculino, que se encuentra en una situación delicada y que anda sin mucho rumbo fijo y que al encontrarse con la joven, ésta le cambia su vida en todos los sentidos y le hace ser una mejor persona y el recuerdo de ella estará siempre presente.

La verdad es que la trama no plantea nada nuevo que ya no se haya visto antes en el cine. Además, se nota que los protagonistas no acaban de tener una gran química así como sus actuaciones son demasiado forzadas, pero no pasa nada porque si siguen en el mundo de la interpretación, se tendrán que ir curtiendo poco a poco.

Yo pienso (desde un punto de vista humilde) que no es una película que sea necesaria tener escrita en una lista de películas pendientes. Pero, si se está de bajón o si se quiere ver un drama un tanto pegajoso, éste filme podría ser una solución.


Calificación personal: 4


martes, 27 de noviembre de 2018

Hermanísimas (2015)





  • Título original: Sisters. 
  • Dirección: Jason Moore.
  • Año: 2015. 
  • Género: Comedia.
  • Interpretación: Tina Fey, Amy Poehler, Maya Rudolph, Ike Barinholtz, John Leguizamo, Dianne Wiest, John Cena, James Brolin. 
  • Guion: Paula Pell.
  • Fotografía: Barry Peterson
  • Producción: Jay Roach, Tina Fey y John S. Lyons.
  • Música: Christophe Beck
  • Montaje: Lee Haxall
  • Distribuidora: Universal Pictures International Spain.


SINOPSIS

Dos hermanas, ya adultas y distanciadas desde hace tiempo, deciden pasar un último fin de semana en la casa de su infancia, antes de que sus padres la pongan a la venta.


CRITICA

Siempre digo que cuando una comedia te hace pasar un buen rato, a pesar de no tener un guión profundo, no hace falta analizar todo al mínimo detalle e intentando ver los errores que hay o incluso detenerse en la duración del metraje. Porque cuando estas dos actrices están juntas, todo saldrá a pedir de boca.

La premisa es muy sencilla, el retorno a la infancia y/o adolescencia de dos hermanas que para recordar los viejos tiempos, deciden montar la fiesta de su vida con sus compañeros de instituto, con alcohol por todos los lados y, sobre todo con el tema escatológico a flor de piel.

Por otro lado demuestra que todo en la vida tiene su etapa y que se debe de pasar por cada una a la vez que se debe madurar al llegar a una edad adulta, pero de vez en cuando no está de más pasar un buen rato aunque se tenga que volver a la inmadurez más absoluta.

La verdad es que no tengo mucho más que decir, salvo que como siempre tanto Tina Fey como Amy Poehler se bastan y se sobran con su enorme talento cómico (sin caer en el ridículo), así como su gran química y sobre saliendo por encima del resto (que pena que lleven un par de años sin presentar los Globos de Oro). En definitiva, se pasa un buen rato, hay carcajadas aseguradas y el espectador se relajará lo máximo posible.


Calificación personal: 7


lunes, 26 de noviembre de 2018

Cómo perder a un chico en 10 días (2003)




  • Título original: How to lose a guy in 10 days
  • Año: 2003
  • Género: Comedia romántica
  • Dirección: Donald Petrie
  • Intérpretes: Kate Hudson, Matthew McConaughey, Kathryn Hahn, Annie Parisse, Adam Golberg, Thomas Lennon, Michael Michel, Shalom Harlow, Robert Klein, Bebe Neuwirth.
  • Guión: Kristen Buckley, Brian Regan, Burr Steers
  • Música: David Newman
  • Fotografía: John Bailey
  • Montaje: Debra Neil-Fisher
  • Productora: Paramount Pictures


SINOPSIS

Andie Anderson (Kate Hudson) es una columnista de una importante revista femenina a la que le proponen "Cómo perder a un chico en 10 días" a través de los errores que se cometen en una relación. Por otro lado, Benjamin Barry (Matthew McConaughey) trabaja en una empresa de publicidad y quiere conseguir un gran contrato, para ello deberá enamorar a una mujer y llevarla a un evento. Los caminos de Andie y Benjamin se cruzarán.


CRITICA

He de reconocer, que esta película la vi en mi adolescencia en el cine con mi madre y claro, por aquel entonces yo solo veía una historia de amor con final feliz. Pero al volverla a ver quince años después, me llamaron la atención una serie de cosas que (a pesar de ser una comedia romántica) rompe moldes y esquemas en una relación de pareja cuando hay intereses de por medio.

Lo que refleja la historia (además de los objetivos de los protagonistas) es poner al descubierto los errores que suelen cometer ambos para que una relación se venga abajo. Pero, realmente de una forma un tanto indirecta, refleja como el ser humano antes una relación, no soporta lo más mínimo los errores o las manías del otro o incluso anteponen muchas veces el que no toquen su espacio vital.

Tampoco es que el guión tenga un análisis demasiado profundo de lo que les ocurre a los protagonistas, pero se refleja con bastante claridad que cuando son ellos mismos sin pensar en sus apuestas, la relación es más natural y menos forzada.

Como ya he debido comentar en alguna otra entrada, no sé porqué estoy entrando en una etapa de ver película románticas cada vez que tengo una oportunidad (debe de ser una señal o algo); pero para pasar un rato entretenido y agradable, si el guión es ágil y hace que el espectador pase un rato entretenido, no está de más ver géneros que relajen la mente.


Calificación personal: 6.5




domingo, 25 de noviembre de 2018

La luz entre los océanos (2016)



  • Título original: The light between oceans
  • Dirección: Derek Cianfrance
  • Año: 2016
  • Género: Drama
  • Intérpretes: Michael Fassbender, Alicia Vikander, Rachel Weisz, Caren Pistorious, Florence Clery, Anthony Hayes, Emily Barclay, Leon Ford, Thomas Unger.
  • Guión: Derek Cianfrance
  • Música: Alexandre Desplat
  • Fotografía: Adam Arkapaw
  • Montaje: Jim Helton, Ron Patane.
  • Producción: DreamWorks SKG, Heyday Films, Participant Media.


SINOPSIS

Australia, 1926. Un bote encalla en una isla remota y a su encuentro acuden el farero Tom Sherbourne (Michael Fassbender) y su joven esposa Isabel (Alicia Vikander). En el interior del bote yacen un hombre muerto y un bebé que llora con desesperación. Tom e Isabel adoptan al niño y deciden criarlo sin informar a las autoridades. Todo se complica cuando años más tarde conocen en el pueblo a Hannah (Rachel Weisz), una mujer atormentada por un trauma del pasado.


CRITICA

Desde mi perspectiva, siempre he sido muy crítica con las adaptaciones que se han llevado al cine con respecto a los libros, donde muy pocas veces he salido "contenta" con la adaptación. Bien porque se habían quitado partes importantes de la historia, porque se inventaban tramas o subtramas que no pertenecían a la obra y un largo etcétera que no terminaría nunca. Pero, con esta película, me ha pasado todo lo contrario: lo más importante se ve reflejado, subtramas que harían la historia más larga han sido eliminadas y, para mi desgracia (cómo suele ocurrir con buenas películas) pasó sin pena ni gloria por la cartelera.

A lo largo de la película, lo que atrapa al espectador es la sublime belleza de las imágenes que se vuelve avasallante. También la inmensidad del mar como la isla virgen donde se encuentra el faro y el conmovedor encuentro amoroso que se produce entre ambos protagonistas. Pero sobre todo, es la reflexión profunda de los diferentes dilemas morales que se van planteando a lo largo de la trama y que no produce por parte del espectador, ningún odio hacia la pareja protagonista; sino todo lo contrario, aunque no lo parezca una reflexión sobre el amor de verdad. Puesto que por un lado de forma muy clara se muestra la razón y, por otro lado, se muestra el corazón (junto con los sentimientos y el amor).

Parece que desde un principio, al espectador se le plantea una historia de amor "perfecta" donde el encuentro de los personajes harán de su vida marital una delicia hasta el final de sus días. Pero, dos acontecimientos marcarán un antes y un después en sus vidas, sobre todo la vida de Isabel que ve como su mayor deseo se ve frustrado y acaba por tender a la depresión. Pero cuando parece que sus plegarias son escuchadas, se encuentra con la reticencia de su marido Tom, el cuál tiene un moral férrea y un cumplimiento estricto de las normas, debe renunciar a todos sus principios porque prometió proteger a su mujer siempre y que nunca le pasaría nada.

Con el paso del tiempo, parece ser que la vida del joven matrimonio ha despertado de nuevo esa luz que se había apagado hasta que al pobre Tom, cuando es conocedor de la verdad decide actuar de la forma más correcta posible y no pensar en su bienestar y en la felicidad que ha encontrado por y para su mujer, sino hacer lo que es correcto a pesar de que este tipo de decisión le acabe destrozando a él por dentro pero, que a su vez protege a lo que más quiere: su mujer.

La verdad es que me gustaría hacer una buena introspección sobre la película y el libro (ya que me lo he leído) y recomiendo encarecidamente que primero se lea el libro, para que uno se haga a la idea de la composición de los personajes y, ver la película puesto que la adaptación es totalmente fiel. De ahí mi tristeza a que determinadas película pasen sin hacer ruido por nuestras salas, mientras se nos sigue bombardeando con blockbusters. Destacar la interpretación maravillosa y extraordinaria de la gran Alicia Vikander que se va consolidando poco a poco como una de las grandes promesas del cine actual por su gran versatilidad interpretativa y llena de sentimientos. Tampoco olvidar a Michael Fassbender que muestra la transformación de su personaje a lo largo de toda la trama. Y también tener en cuenta a la veterana Rachel Weisz, donde los papeles dramáticos siempre son su punto fuerte.

Así, sumidos en una atmósfera plagada de emotividad y drama, transcurre la historia que viene, además, cargada con un subtexto interesante, con temas como el encarar la posguerra, las consecuencias traumáticas de la misma, además de los dilemas morales sobre el hacer lo correcto a costa de la infelicidad propia.



Calificación personal: 8


Tenías que ser tú (2010)




  • Título original: Leap year. 
  • Dirección: Anand Tucker.
  • Año: 2010.
  • Género: Comedia romántica.
  • Interpretación: Amy AdamsMatthew GoodeJohn Lithgow, Kaitlin Olson,Adam Scott, Tony Rohr, Noel O’Donovan, Pat Laffan. 
  • Guión: Deborah Kaplan y Harry Elfont. 
  • Producción: Gary Barber, Chris Bender, Rober Birnbaum, Jonathan Glickman y Jake Weiner. 
  • Música: Randy Edelman
  • Fotografía: Newton Thomas Sigel. 
  • Montaje: Nick Moore. 
  • Diseño de producción: Mark Geraghty. 
  • Vestuario: Eimer Ní Mhaoldomhnaigh.
  • Distribuidora: Universal Pictures International Spain.


SINOPSIS

Anna (Amy Adams) interpreta a una mujer un tanto estresada que viaja hasta Dublín para proponerle matrimonio a su novio el 29 de febrero, siguiendo así una tradición irlandesa. Sin embargo, las complicaciones climáticas desbaratarán sus planes de viaje, y la joven tendrá que pedirle ayuda a un maleducado posadero con el que se embarcará en una travesía por el país para llegar a tiempo a la cita.

CRITICA

Como se describe en la sinopsis, la trama de la película gira en torno a una antigua tradición irlandesa en la que se embarca la protagonista, puesto que ve que su novio no se decide para pedirle matrimonio. En el camino que la llevará a recorrer parte de Irlanda, no solo la acompañará un irlandés que no cree en nada que esté relacionado con el amor, pero que la llevará hasta su destino final.

Yo creo, que a medida que la historia se va desarrollando, el espectador debe de ver con claridad cuál va a ser el final de la historia pero antes de llegar a dicho final, es necesario que la pareja protagonista vaya pasando por diferentes avatares y situaciones y que ambos se dejen encandilar por la personalidad del otro.

Al igual que las comedias, el género romántico es muy desarrollado en la actualidad por Hollywood. Ya sea a través de historias para los adultos como para los adolescentes a través de los libros que posteriormente se adaptan a la gran pantalla. Pero, en cierto modo lo que le da un toque de frescor a la película es el escenario donde se desarrolla: la maravillosa Irlanda, que es una tierra donde las leyendas y las historias de amor medievales tienen mucho peso en la cultura popular.

Por otro lado, se ve claramente el origen de ambos personajes: ella rica y pretenciosa y que lleva una vida de lujo y él, humilde y sencillo cuya vida ha sufrido varios reveses y que ha perdido casi todas las aspiraciones que tenía en la vida. Ambos se van a complementar para mostrarse mutuamente las carencias (de forma delicada) a la par que harán relucir sus virtudes. A todo esto, hay que destacar la versatilidad interpretativa de Amy Adams que (además de su arte por caminar con tacones) sabe moverse a la perfección entre la comedia romántica y el drama.

No es una película que pasará a la historia por ser una de las grandes del género romántico, pero nunca está de más pasar un rato entretenido y afable con una historia sencilla a la par, de disfrutar de una fortografía maravillosa de los paisajes de Irlanda.


Calificación personal: 5.5


Mamá de alquiler (2008)



  • Título original: Baby Mama
  • Año: 2008
  • Género: Comedia
  • Dirección: Michael McCullers
  • Intérpretes: Tina Fey, Amy Poehler, Greg Kinnear, Maura Tierney, Sigourney Weaver, Steve Martin, Dax Shepard, Romany Malco, Holland Taylor.
  • Guión: Michael McCullers
  • Música: Jeff Richmond
  • Fotografía: Daryn Okada
  • Montaje: Bruce Green
  • Productora: Relativity Media

SINOPSIS

Kate Halbrook (Tina Fey) es una exitosa vicepresidenta de una gran cadena de comida orgánica, pero hay algo que falta en su vida: tener un hijo. Tras conocer que no puede gestarlos ella, decide contratar a una madre de alquiler a través de una agencia y conoce a Angie (Amy Poehler) la cual será su madre gestante.


CRITICA

Últimamente llevo un par de meses en los cuales no he parado de ver películas románticas o comedias (es como si estuviera pasando una fase o algo parecido), pero cuando este dúo de mujeres se junta para hacer una película juntas, el resultado siempre es espectacular. Las risas siempre están aseguradas puesto que una de las dos siempre llevará la voz cantante en cuanto al personaje cómico.

Además de mostrar una situación cómica de dos mujeres totalmente opuestas en su vida, de alguna forma (aunque sea con sutiles toques cómicos) intenta mostrar lo difícil que suele se para las mujeres tener que compatibilizar la familia con el trabajo, o incluso muchas veces tener que renunciar a alguna de las dos. Por otro lado muestra también la situación (sobre todo actualmente) con las madres de alquiler para parejas que se encuentran en diferentes situaciones; generando el dilema de si es un negocio o una ayuda.

En medio de estas pequeñas reflexiones, con la vis cómica oportuna, se muestran a dos mujeres que a pesar de las diferencias sociales y económicas que las separan, acaban viendo el vacío que tienen en sus vidas y cómo se acaban convirtiendo en grandes amigas a pesar de tener caracteres muy distintos.

Ya saben mis lectores, que en el caso de las comedias, mis críticas no tienden a ser muy extensas porque hay pocas cosas que decir y lo que realmente importa es pasar un rato entretenido y agradable; y si además están Tina Fey y Amy Poehler, la risa está asegurada.


Calificación personal: 7





martes, 20 de noviembre de 2018

Dos rubias de pelo en pecho (2004)




  • Título original: White Chicks
  • Año: 2004
  • Género: Comedia
  • Dirección: Keenen Ivory Wayans
  • Intérpretes: Shawn Wayans, Marlon Wayans, Busy Philipps, Jennifer Carpenter, Jamie King, John Heard, Frankie Faison, Terry Crews, Brittany Daniel, Lochlyn Munro, Eddie Vélez.
  • Guión: Keenen Ivory Wayans
  • Música: Teddy Castellucci
  • Fotografía: Steven Bernstein
  • Montaje: Jeff Gourson
  • Productora: Revolution Studios


SINOPSIS

Los hermanos Kevin y Marcus Copeland (Shawn Wayans y Marlon Wayans) son dos agentes del FBI que no paran de fallar en sus misiones, sobre todo en la última en la que tienen que llevar a las hermanas Wilson a los Hamptons y no lo consiguen. Por lo que se hacen pasar por ellas y así descubrir quien quiere raptar a las verdaderas hermanas.


CRITICA

Hace bastante tiempo ya había visto esta película y en su momento me reí bastante. Pasados los años, el efecto que surtió por entonces también lo ha hecho ahora, no solo por la situación demasiado hilarante, sino también porque los gags aparecen en los momentos más oportunos sin tener que caer en una comedia facilona y aburrida, a pesar de que la trama no sea demasiado compleja.

Al principio la película empieza un poco cuesta abajo porque da la sensación de que todo el "pastel está ya vendido", pero la película tiene un repunte cuando los dos agentes se van transformando y tienen que fingir de forma femenina cuando les sale muchas veces rasgos masculinos; esto ocurre cuando les lanzan piropos y piensan que los están diciendo a ellos y no a las hermanas por las que se hacen pasar realmente.

Cómo ya sabrán los lectores, cuando una comedia entretiene y gusta, no es necesario realizar un análisis muy profundo puesto que la historia no lo permite ya que su objetivo es entretener al público. Al principio lo he comentado, que por más que siga viendo esta película con el paso del tiempo y, aunque me sepa que es lo que va a pasar y cuáles van a ser las gracias, siempre paso un buen rato.



Calificación personal: 7


lunes, 19 de noviembre de 2018

Al diablo con el diablo (2000)



  • Título original: Bedazzled
  • Año: 2000
  • Género: Comedia
  • Dirección: Harold Ramis
  • Intérpretes: Brendan Fraser, Elizabeth Hurley, Frances O'Connor, Orlando Jones, Paul Adelstein, Toby Huss, Miriam Shor.
  • Guión: Harold Ramis, Larry Gelbart, Peter Tolan, Dudley Moore, Peter Cook.
  • Música: David Newman
  • Fotografía: Bill Pope
  • Productora: Regency Enterprises, Twenty Century Fox


SINOPSIS

Elliot Richards (Brendan Fraser) trabaja en un centro de llamadas donde no tiene amigos y sus compañeros de trabajo se burlan de él, además de estar enamorado de una compañera del trabajo. En un bar, Elliot susurra que daría lo que fuera para salir con su compañera de trabajo. El Diablo (Elizabeth Hurley) lo escucha y le propone un contrato: su alma a cambio de siete deseos.


CRITICA

Después de unos meses realizando críticas sobre películas con un mensaje profundo, mi mente necesitaba desconectar un poco y ver alguna comedia que me desconectara. Es cierto que a lo mejor justo esta película no es extremadamente graciosa e incluso puede llegar a irritar un poco, pero el ver sobre todo a Elizabeth Hurley haciendo del demonio con su acento británico, merece totalmente la pena y viendo que es la que lleva la que tiene la sartén por el mango.

La película no necesita de una crítica y de una análisis demasiado exhaustivo ya que muestra algo que realmente todo ser humano quiere: hacer cualquier cosa para conseguir aquello que desea y que sus sueños se hagan realidad. Pero aquí se juega con un doble rasero, puesto que cuando el protagonista pide sus deseos, no los especifica con exactitud y eso le hace al demonio jugar en su favor.

Ya es una película con ciertos años (18, que no es poco) y marcó la carrera del protagonista, puesto que estaba en la cresta de la hola tras su gran éxito de La momia y le ofrecían todo tipo de papeles y cómo siempre, sabe hacer de pardillo llegando a ser sus interpretaciones un tanto histriónicas. No es una gran película, pero uno puede llegar a pasar un rato entretenido.

Calificación personal: 5


jueves, 15 de noviembre de 2018

Los palomos (1964)





  • Dirección: Fernando Fernán Gómez
  • Año: 1964
  • Género: Comedia
  • Intérpretes: José Luis López Vázquez, Gracita Morales, Mabel Karr, Fernando Rey, Julia Caba Alba, Manuel Alexandre.
  • Guión: Fernando Fernán Gómez, Alfonso Paso, José María Rodríguez.
  • Música: Daniel White
  • Fotografía: Emilio Foriscot
  • Productora: Estela Films

SINOPSIS

Virtudes (Gracita Morales) y su marido Emilio (José Luis López Vázquez) son invitados el día de los Santos Inocentes por el jefe de él, Alberto (Fernando Rey) a cenar en su chalet. Durante el transcurso de la noche, intentará por todos los medios culpar a los Palomos de un crimen que no han cometido.


CRITICA

El cine español clásico, en determinadas épocas, tampoco tenía que envidiarle mucho al estadounidense; puesto que a pesar de la censura franquista (que como el lector ya sabe, era muy crítica con las películas) siempre había hueco para historias con trasfondo, pero también para comedias divertidas y ligeras, que a pesar de que destripasen el final desde el principio, la risa estaba asegurada por las situaciones inverosímiles que le ocurrían a los personajes.

Desde el principio, se presenta al matrimonio de los Palomos como a gente "estúpida" y que es fácil engañar y poder endosarles un crimen; pero ante esta situación se ve como se comporta cada uno y como muestran sus caras de auténticos "pasmaos" y como van solventando los problemas los mejor posible e intentado poner las excusas más creíbles.


Es cierto que a ratos puede resultar un tanto histriónica y puede provocar los nervios al espectador puesto que no se distingue si los actores están sobreactuando o su interpretación es totalmente espontánea. Pero lo que hay que tener en cuenta, es que es una situación demasiado surrealista y los propios acontecimientos se superpone.

Desde mi punto de vista es una comedia fresca y ligera con dos grandes mitos del cine cómico español cuya compenetración entre ambos es total. Por otro lado, el gran director/actor Fernando Fernán Gómez, dirige con pulso esta historia, además de intentar recuperarse a nivel artístico tras la censura de su gran película El mundo sigue (crítica en este blog) y una vez más alza los valores del cine español.


Calificación personal: 7


lunes, 12 de noviembre de 2018

Amor sin control (2012)



  • Título original: Thanks for sharing. 
  • Dirección: Stuart  Blumberg.
  • Año: 2012.
  • Género: Comedia, drama, romance.
  • Interpretación: Mark Ruffalo, Tim Robbins, Gwyneth Paltrow, Joely Richardson, Josh Gad , Alecia “Pink” Moore, Patrick Fugit. 
  • Guion: Stuart Blumberg y Matt Winston. 
  • Producción: William Migliore, David Koplan, Lelsie Urdang, Dean Vanech y Miranda de Pencier. 
  • Música: Christopher Lennertz. 
  • Fotografía: Yaron Orbach. 
  • Montaje: Anne McCabe. 
  • Diseño de producción: Beth Mickle. 
  • Vestuario: Peggy Schnitzer. 
  • Distribuidora: Karma Films.

SINOPSIS

Adam, Mike y Neil están inscritos en una novedosa terapia que promete curarles de su adicción al sexo en tan solo 12 pasos. Superando una a una las pruebas a las que son sometidos, su único apoyo serán los otros miembros del programa, que se convertirán en amigos fieles para salir todos juntos del bache y recuperar sus vidas.


CRITICA

Cuando muchas veces el espectador tiende a ver una película con la perspectiva de obviar los prejuicios que puede generar en torno a la historia que se nos está contando, aparecen este tipo de películas en donde se mezcla la comedia y el drama para convertirse en una historia que pone sobre la mesa las luces y las sombras de una realidad social, que en este caso es la adicción al sexo en todas sus facetas.

Los atractivos que presenta esta película van más allá de ver a las personas que sufren esta enfermedad como seres de los que hay que alejarse y de los que se siente cierta repugnancia; puesto que nos muestra a tres personajes que se encuentran en diferentes etapas del proceso de autoayuda a su adicción: el más veterano, el que ha superado los doce pasos y el recién llegado al cual le cuesta admitir que tiene una enfermedad.

Poco a poco el espectador irá descubriendo que no por ser más veterano tienes más asumido los problemas que te llevaron a dónde estás, y como siempre en la vida hay que ser humilde y aprender de los que te rodean, porque todos siempre tienen algo que enseñarte, y de esta manera con el apoyo de los demás podrás recuperar tu vida.

Los guionistas saben centrar en el filme el mundo de las pulsiones y las obsesiones. Al terminar de ver este largometraje uno descubre que en mayor o menor medida tiene sus pequeñas obsesiones (desde una adicción hasta un trastorno obsesivo compulsivo). Lo importante es saberlas reconocer y poder controlarlas. En el caso de los protagonistas se han convertido en pulsiones y para controlarse, han creado su propio mundo con pequeños clichés para evitar recaer.

Además del tema que trata, creo que Amor sin control se merece una oportunidad no solo por su reparto (que está bastante brillante) sino para romper tabúes acerca de temas como es el sexo y ver la adicción al mismo como una enfermedad y tratar a cualquier persona que sufre una adicción como una persona normal, ya que merece las mismas oportunidades.


Calificación personal: 7



Techo y comida (2015)





  • Dirección y guion: Juan Miguel del Castillo.
  • Año: 2015.
  • Género: Drama. 
  • Reparto: Natalia de Molina, Mariana Cordero, Jaime López, Mercedes Hoyos, Gaspar Campuzano, Montse Torrent, Natalia Roig, Manuel Tallafé. 
  • Producción: Germán García y Alfred Santapau.
  • Música: Daniel Quiñones, Miguel Carabante.
  • Fotografía: Manuel Montero, rodrigo Rezende
  • Productora: Diversa Audiovisual, A contracorriente films


SINOPSIS

Rocío es una joven madre soltera y sin trabajo que no recibe ningún tipo de ayuda ni subsidio por lo que no puede hacer frente a los pagos del alquiler del piso en el que vive. Entre la vergüenza y el temor a perder la tutela de su hijo Adrián, de 8 años, Rocío sufre en soledad una situación de precariedad que empeora cada día. La denuncia del propietario, acuciado también por las deudas, precipitará la amenaza de la orden de desahucio.


CRITICA

Hace muchos años, cuando estaba estudiando en secundaria una asignatura que se llamaba procesos de comunicación, la profesora que la impartía decía que el cine español le parecía una "porquería" puesto que mostraba con demasiada crudeza la realidad que suelen vivir los españoles. Tenía razón en cuanto a la crudeza, pero hemos de ser conscientes de todo aquello que nos rodea y no ser inmunes a lo que les puede pasar al resto de españoles y ver su situación.

Me parece una película que no sólo llega al fondo del alma del espectador, no solo por su crudeza, sino por la humanidad (aunque no lo parezca) que desprenden determinados personajes, en contraposición con aquellos que solo miran en su propio beneficio o incluso les avergüenza estar con alguien que vive al extremo de la pobreza.

Mediante una puesta en escena muy realista, intentándose acercar a una estética documental, con planos largos, el director no nos deja ni un respiro en la sucesión de las adversidades por las que va pasando la protagonista (Rocío) Natalia de Molina, cuya interpretación es soberbia y donde su actuación pesa en mayor medida sobre sus gestos y su expresión corporal, que se va volviendo más retraída a medida que va sufriendo los distintos reveses. 


Por otro lado nos muestra a una mujer, Rocío, de la cual no es necesario saber su pasado, porque lo que quiere transmitir al espectador es el presente: una mujer sin recursos económicos, sin trabajo, con un hijo pequeño al que le intenta ocultar por todos los medios la situación de extrema pobreza en la que viven pero al que adora profundamente y al que pone por delante de ella en sus necesidades más básicas y de la preocupación que muestra siempre por él.

Lo que también llama la atención de la película son dos circunstancias que se van solapando. Por un lado, la lucha por la dignidad por parte de la protagonista que va tapando sus carencias de recursos a través de ofertas en los supermercados, el rechazo (con educación) a determinadas invitaciones e incluso remendar constantemente la ropa de su hijo. En segundo lugar, es la sensación de vergüenza que transmite un país donde no se ayuda a los propios españoles y donde las ayudas sociales que se prometen no solamente escasean, sino que también llegan con un retraso que a veces no soluciona la situación de la persona.

Destacar también esa falta de recursos de los que carece la protagonista, no solo por parte del Estado, sino también por parte de familiares o amigos, salvo una vecina que a pesar de saber de su situación, sigue tratando a Rocío como una persona normal con todos sus derechos y que de vez en cuando pide un favor. Porque, cuando alguien se encuentra en una situación bastante complicada, es necesario no recordarle constantemente ese sufrimiento, puesto que ya es muy duro vivirlo.

En definitiva (y bajo mi humilde punto de vista) el cine español va mejorando con creces y va mostrando la calidad que posee; en el caso de esta película, para mí es lo mejor que se ha producido del cine español en los últimos diez años y que además muestra las penurias sin caer en excesos sentimentales. Recomendable para cualquier edad, a pesar de que se le quiera ocultar a los más jóvenes, puesto que esta situación, no se ha acabado.


Calificación personal: 10


jueves, 8 de noviembre de 2018

Nosferatu: Una sinfonía del horror (1922)



  • Título original: Nosferatu: Eine Symphonie des Grauens
  • Año: 1922
  • Género: Terror
  • Dirección: F.W.Murnau
  • Intérpretes: Max Scchreck, Greta Schöder, Gustav Von Wagenheim, Alexander Granach, George H. Schnell, John Gottowt.
  • Guión: Henrik Galeen
  • Música: Hans Edmarnn
  • Vestuario: Albin Grau
  • Fotografía: Fritz Arno Wagner, Günther Krampf.
  • Productora: Prana-Film GmbH


SINOPSIS

Hutter y su mujer Ellen son un matrimonio joven que viven en la ciudad de Wisborg en 1838. Un día el jefe de Hutter le envía a Transilvania para que atienda un negocio con el conde Orlok. Al día siguiente, Hutter aparece con dos marcas en el cuello creyendo que son unas picaduras de mosquito. Tras firmar el contrato, descubre que en realidad el conde Orlok es un vampiro y Hutter vuelve preocupado por su mujer Ellen.


CRITICA

No hay cosa que más me fascine que ver una película de cine clásico y que a la vez sea muda y así apreciar todos los detalles y los matices, la música y el verdadero ingenio que había a principios del siglo XX a la hora de rodar películas. De estar forma, esta película (maldita) fue uno de los máximos exponentes del expresionismo alemán cinematográfico.

Es lógico que cualquier espectador que la vea la identifique claramente con la novela Drácula de Bram Stoker. De echo, en el momento del estreno se vendió como una adaptación libre de la novela pero realmente lo poco que cambiaba correspondía a los nombres de los personajes así así como la ubicación. Por ello, la viuda del escritor ganó el juicio en cuya sentencia se obligaba a la retirada de todas las copias de los cines y que éstas fueran destruidas; aún así se consiguieron salvar unas pocas copias y por ello podemos disfrutar de esta joya del séptimo arte.

En cuanto al análisis fílmico, mencionar que el trasfondo de la historia no es lo más relevante a la hora de desmenuzarla; realmente lo que atrae realmente es el juego de las luces y las sombras y los "efectos especiales" que ubican al espectador en diferentes momentos (si es de día o de noche) y las sombras para reflejar el "ataque" del vampiro desde la distancia. Así como el aspecto repulsivo del conde Orlok al cual no le hace falta su belleza para perturbar a sus víctimas.

La verdad es que no tengo muchas más cosas que decir acerca de esta película puesto que su belleza radica más en su visualización y el disfrute del transcurso de la historia que en hacer comparativas con la novela o ver sus defectos. Toda una maravilla que merece ser vista por cualquier cinéfilo que se precie.



Calificación personal: 8


lunes, 5 de noviembre de 2018

Kiki: El amor se hace (2016)




  • Dirección: Paco León.
  • Año: 2016. 
  • Género: Comedia
  • Interpretación: Álex García, Natalia De Molina, Paco León, Alexandra Jiménez, Belén Cuesta, Ana Katz, Candela Peña, Luis Bermejo, Mari Paz Sayago, Luis Callejo. 
  • Fotografía: Kiko de la Rica. 
  • Guión: Fernándo Pérez, Paco León.
  • Música: Heren, Marc Peña Rius
  • Vestuario: Javier Bernal, Pepe Patatín
  • Montaje: Alberto del Toro
  • Productora: Vértigo Films, Telecinco Cinema



SINOPSIS

Cinco divertidas historias de amor y curiosas filias sexuales coinciden en un calenturiento verano madrileño. Dacrifilia, Elefilia, Somnofilia y Harpaxofilia son algunas de las particulares formas de obtener placer que descubren los protagonistas, pero para disfrutarlas tendrán que decidir cómo integrarlas en sus vidas. Sus sentimientos, sus miedos y sobre todo su sexualidad se transforman rompiendo tabúes, adentrándose en una etapa nueva, emocionante y libre donde no se reniega ni del placer ni del amor.


CRITICA

A la hora de ver la película, el espectador (hasta cierto punto) puede tener una animadversión por el título o el tema de las filias sexuales que se encuentran al descubierto y aunque no lo parezca puede suponer un sufrimiento para muchas personas ya que no pueden tener una relación de pareja "normalizada".

Lo que destaca de la película es la franqueza, sencillez y espontaneidad con las que trata las diversas filias sexuales, sino también como sobrellevarlas en una relación de pareja y como puede afectar a dicha relación. O incluso, como la compresión de uno hacia el otro puede reforzar aún más la pareja.

Es cierto que tampoco hay que realizar un análisis demasiado exhaustivo y/o demasiado profundo de la historia, pero uno no se debe escandalizar. Porque directamente asocia este tipo de películas o el exceso de sexo al ser una película española; pero perfectamente podría ser de cualquier otra industria cinematográfica. Por otro lado distingue perfectamente la filia sexual con lo que sería un fetiche. El reparto coral de esta comedia nos permite ver a diferentes actores acostumbrados a encasillarlos en un género, a que estén totalmente desinhibidos y que interpreten a sus personajes de la forma más natural posible y cada uno da su toque de humor personal.

No es una película que recomendaría por su temática pero si lo haría desde el punto de vista reflexivo a la hora de desmitificar y eliminar todos los prejuicios acerca de enfermedades o de tópicos que se han ido extendiendo en la sociedad.


Calificación personal: 6