Al mal tiempo, buen cine...

Queridos lectores y seguidores:

Me permito escribir una líneas para agradeceros a todos (desde todas las partes del mundo) que visitéis mi blog y todo lo que voy publicando. Ante todo comentar que no estoy licenciada en cinematografía pero, doy gracias por haber asistido a cursos y que mis padres me introdujeran al cine con sólo 8 años.

Por eso os animo que escribáis vuestras opiniones sin vergüenza alguna (¡por eso existe la libertad de expresión!) o sugerir cambios o visionados de películas, ya que se convierte en un feedback donde podemos aprender unos de otros.

Para finalizar, gracias una vez más por vuestro tiempo y dedicárselo a mi blog. ¡Seguid disfrutando del cine!

miércoles, 29 de marzo de 2023

Los secretos del corazón (2010)

 



  • Título original: Rabbit Hole
  • Año: 2010
  • Género: Drama
  • Dirección: John Cameron Mitchell
  • Intérpretes: Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Dianne Wiest, Tammy Blanchard, Miles Teller, Sandra Oh, Giancarlo Esposito, Jon Tenney, Mike Doyle.
  • Guión: David Lindsay-Abaire
  • Música: Anton Sanko
  • Fotografía: Frank G. DeMarco
  • Vestuario: Ann Roth
  • Montaje: Joe Klotz
  • Productora: Blossom Films, MWM Studios


SINOPSIS

Becca (Nicole Kidman) y Howie (Aaron Eckhart) son un matrimonio que reflejan la perfección: una casa, amigos, trabajo; pero que realmente lo han perdido todo con la muerte de su hijo. Cada uno intenta afrontar a su manera afrontar esa pérdida. Pero lo que les provoca es un distanciamiento aún mayor.

CRITICA

Cuando en nuestra vida acontece una situación dolorosa, no sabemos como enfrentarnos a ella y muchas veces, la forma de hacerlo es a través de nuestro pensamiento en el cual no sabemos ponerle palabras a nuestro dolor y al final cada uno lo elabora a su manera, aún sabiendo que todo lo que le rodea le va a recordar a ese dolor que siempre estará ahí, por mucho tiempo que pase.

Los secretos del corazón, pasó un poco sin pena y sin gloria por las carteleras, pero consiguió que su actriz principal, Nicole Kidman (está soberbia en el papel de Becca), consiguiera una nominación al Oscar, provocando en cierto modo la curiosidad del espectador por ver esta película y la verdad,  es que no deja indiferente a nadie y merece ser vista.

Desde un primer momento se nos muestra a un matrimonio, que parece que ni siente ni padece por la muerte de su hijo, lo que puede llevar a cierta irritación al espectador, porque les ve fríos antes algo tan terrible. Pero lo que nos quiere decir realmente, es que bueno ver cómo las personas afrontan el dolor. Unas lo manifestarán sin el miedo al que dirán, otras lo encubrirán, otras se podrán una armadura para todo, a otras las protegerán de ese dolor, etcétera. Pero, hay que saber que el dolor está ahí y las diferentes formas de como poder afrontar esas pérdidas y el tiempo que necesitemos y que, cada uno, lleva su proceso y tiene su momento.

Por otro lado, nos enseña que negar la realidad, no quiere decir que no exista. Porque el ser humano se cree siempre poseedor del control sobre todo (personas, emociones, sentimientos), pero qué ocurre cuando es ante la muerte. La respuesta es sencilla: el ser humano no sabe reaccionar. Para ello, muchas veces creamos los mundos paralelos (basado en lo que se conoce como Rabbit Hole, de Alicia en el país de las maravillas, donde la protagonista entra a otro mundo/dimensión), en los cuales hay diferentes versiones de nosotros mismos. Pero la vida, al final es la que nos ha tocado vivir y es la nuestra; no la que imaginamos o deseamos.

En segundo lugar, Becca, tiene que hacer frente a diferentes acontecimientos que le recuerdan aún más a la ausencia de su hijo: su hermana embarazada, su mejor amiga que no la llama porque no sabe que decir, su propia madre que sabe lo que es perder a un hijo (aunque fuese por culpa de las drogas) e incluso un joven, que tiene un papel importante en toda esta historia. Para intentar de alguna forma poder eliminar esos recuerdos, Becca decide tomar una decisión para intentar olvidar a su hijo, que aparecen reflejadas de forma magistral por diferentes planos: la lavadora, las cajas, el contenedor de ropa o incluso el perro que compraron.

Con lo que se puede llegar a la conclusión de que en la vida no se tiene que dar respuesta a todo. A veces es mejor guardar silencio, en suspenso, en el aire, y que a veces la mejor respuesta es que va a pasar algo, aunque no sepamos exactamente que es lo que pasará y cuando. Y cuando ocurra, a lo mejor no es algo espectacular y grandioso. Solo hay que estar ahí al lado de esa persona, a veces sin mediar palabra. Simplemente. estar.


Calificación personal: 9

El reino (2018)

 


  • Dirección: Rodrigo Sorogoyen
  • Año: 2018
  • Género: Thriller
  • Intérpretes: Antonio de la Torre, Mónica López, Josep María Pou, Nacho Fresneda, Ana Wagener, Bárbara Lennie, Luis Zahera, Francisco Reyes, Sonia Almarcha, David Lorente.
  • Guión: Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña
  • Música: Olivier Arson
  • Fotografía: Alejandro de Pablo
  • Montaje: Alberto del Campo
  • Vestuario: Paola Torres
  • Productora: Atresmedia Cine, Movistar +, Trianera PC.

SINOPSIS

Manuel (Antonio de la Torre) es un político autonómico influyente y con grandes aspiraciones políticas a nivel nacional, hasta que su nombre aparece en una trama de corrupción junto a su amigo Paco (Nacho Fresneda). A medida que el escándalo se va propagando por los medios, Manuel decide que si el cae, todos caerán con él. La guerra ha comenzado.


CRITICA

Siempre ha habido corrupción política. Muchas veces no sabíamos de la misma porque no se informaba, porque se desconocía o simplemente, se miraba hacia otro lado (esta suele ser la opción más habitual). Y creo que, desde que empecé a ver cine, es la primera vez que he visto plasmada de una forma tan clara y sin miramientos, de esas personas que supuestamente ayudan en pro de la democracia, pero que se forran a nuestra costa: los políticos. El reino es un buen ejemplo.

La trama a medida que avanza, puede hacer que el espectador se pierda un poco, pero lo que no interesa es llegar al quid de la cuestión, sino ver el auge y caída de gente que se dedica a robar. Eso se ve claramente reflejado en toda esa opulencia en la que viven, en creer que saben de política y no saben nada; pero sobre todo, cuando uno de ellos cae; como el resto del gallinero se revoluciona.

Esa revolución, es transmitida con gran pulso por medio de la cámara, la cual quiere reflejar el estado en el que se encuentra Manuel (magistralmente interpretado por Antonio de la Torre) porque ahora que todo se ha descubierto, no quiere caer solo, ya que todos son iguales de culpables que el. Pero Manuel no piensa en la culpabilidad, sino en que no le quiten lo que tienen y que ir a la cárcel no es una opción o incluso, poder rebajar esa condena. Pero eso no es lo que interesa mostrar al espectador, sino realmente la falta de escrúpulos de todos ellos que incluso, en esta situación tan desagradable, todos quieren salvarse sin reconocer su culpa.

Lo que demuestra que la lealtad es una virtud que brilla por su ausencia, porque si te haces rico o te enriqueces, que bien vivimos todos como hermanos pero, en las dificultades somos los primeros en salir huyendo, porque no nos interesa caer. Cuando se tienen riquezas o se empiezan a amasar, se quiere más y más y no hay control ni medida alguna. Para al final, dejar empobrecida a la gente.

Al final, para culminar con toda cadena de persecuciones, intentos de asesinatos, estafas y un largo etcétera; aparecen los últimos nueve minutos con el careo entre Manuel y Amaia, una periodista (como mantiene el pulso la gran Bárbara Lennie) sobre una sinceridad fingida, cuando realmente el político no ha tenido ningún tipo de escrúpulos (os dejo más abajo la secuencia). Se necesitan más historias como estas, grandes guionistas como Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, que crean historias con fuerza y que digan: "esto está pasando, ha pasado o, es muy probable que pase". Una vez más, viva el cine español.


Calificación personal: 7.5



domingo, 19 de marzo de 2023

La duda (2008)

 


  • Título original: Doubt
  • Año: 2008
  • Género: Drama
  • Dirección: John Patrick Shanley
  • Intérpretes: Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Viola Davis, Joseph Foster, Alice Drummond. Lydia Jordan, Bridget Megan Clark.
  • Guión: John Patrick Shanley
  • Música: Howard Shore
  • Fotografía: Roger Deakins
  • Vestuario: Ann Roth
  • Montaje: Dylan Tichenor
  • Productora: Miramax


SINOPSIS

Año 1964. En un colegio católico de el Bronx, el padre Flynn (Philip Seymour Hoffman) intenta cambiar las estrictas normas llevadas a cabo por la directora y religiosa Aloysious (Meryl Streep). Prueba de ello es la aceptación del primer alumno negro. Todo esto cambia cuando la hermana James (Amy Adams), lanza acusaciones sin pruebas contra el padre Flynn, lo que provocará un cambio de dirección en todos los sentidos.


CRITICA

A primera vista, el espectador se puede encontrar con una película en la cual, se va a ir desgranando poco a poco todos los abusos que ha sufrido el niño, pero no es así. El objetivo de la historia no es contar ese acontecimiento sino el momento en el que se empieza a difundir un rumor o una verdad y como afecta a la integridad de la persona. Con este filme se pretende ahondar en la búsqueda de la verdad que está basada en sospechas y prejuicios, a la par que son personajes complejos.

Indagando cuando me disponía ha realizar el cinefórum de esta película, me topé con que la obra de teatro en la que se basa, lleva el sobrenombre de "La parábola", lo que permite entender al espectador toda la simbología que aparece y que pueda plantearse y albergar esa duda. Inicialmente parece que se nos va a introducir en temas de religión o de política, pero se tratan temas mucho más complejos y de mayor envergadura. La acción de la película hace que lleve al espectador a límites para prestar atención en todo tipo de detalles, que están relacionados con cada uno de los planos secuencia que aparecen.

Estos simbolismos aparecen sobre todo cuando los pensamientos turban a los personajes. Destacando varios de ellos. Cuando en la primera secuencia el sacerdote da el sermón acerca de la duda (un ejemplo claro, cuando muchas veces no notamos la presencia de Dios en los momentos más complicados de nuestra vida) uno de los monaguillos mira hacia la cúpula y hay una película; una clara referencia a la presencia del Espíritu Santo (que insufla la paz de Dios). Otros simbolismos presentes: el gato que caza ratones (más concretamente una gata, ya que son mejores cazadoras que los machos), las tormentas y las lluvias que atormentan a los personajes (momento clave cuando la hermana James, no puede dormir por estos elementos y se levanta a cerrar la ventana), las bombillas que se funden haciendo referencia a la oscuridad del corazón; el momento en el que el padre Flynn les comenta a los alumnos que no deben de tener las uñas sucias, haciendo a una clara referencia a la suciedad del alma. En definitiva, una serie de detalles que destacan como es en verdad cada uno de los personajes; sobre todo, cuando el padre Flynn da el sermón sobre lo que ocurre por chismorrear. Simplemente, maravilloso.

En todo el dilema moral que va apareciendo de forma progresiva en toda la película, si que es verdad que su ritmo lento y excesivamente pausado, produzca en el espectador un efecto de somnolencia que haga que se pierda entre tanta vorágine de imágenes. Todo este efecto lo palia (con creces) todos y cada uno de los duelos interpretativos que provoca en el espectador un posicionamiento según van hablando cada uno de ellos, sobre todo entre Meryl Streep y Philip Seymour Hoffman (el cual falleció tristemente en el año 2014).

En conclusión con respecto a esta película, es complicado decir si el acontecimiento ocurrió en cuestión o no, de ahí que siembre esa duda directa. Porque al final si se cree, se duda. Por otro lado, el ser humano es un sujeto, por lo que su percepción será siempre subjetiva; si fuese objeto, su perspectiva sería objetiva. Porque como dice la hermana Aloysious, "era lo que yo creía que era".


Calificación persona: 7.5

miércoles, 15 de marzo de 2023

Piel de serpiente (1960)

 


  • Título original: The fugitive kind
  • Año:  1960
  • Género: Drama
  • Dirección: Sidney Lumet
  • Intérpretes: Marlon Brando, Ana Magnani, Joanne Woodward, Victor Jory, Maureen Stapleton, R.G. Armstrong, Madame Spivy, Joe Brown Jr.
  • Guión: Tennessee Williams
  • Música: Kenyon Hopkins
  • Fotografía: Boris Kaufman
  • Montaje: Carl Lerner
  • Vestuario: Frank Thompson
  • Productora: United Artists


SINOPSIS

Val Xavier (Marlon Brando) es un joven músico de Nueva Orleans que tras una trifulca, decide abandonar la ciudad y establecerse en otro lugar para empezar de nuevo. Acaba en la ciudad de Two Rivers en donde Lady (Ana Magnani) le da trabajo a la vez que se enamora de el y siente que su vida vuelve a tener sentido. También, la joven alcohólica Carol Cutrere (Joanne Woodward) se siente atraída por el joven Val.


CRITICA

En el siglo pasado, ver una película basada en una obra del escritor americano o una adaptación llevada a cabo por el mismo, es sinónimo de entrar en la propia vida del escritor, de sus tormentos e incluso como vivía mucha gente de mediados de los cincuenta en el considerado el país de los sueños. Con esto quiero decir que a pesar de no ser una obra culmen, no deja al espectador indiferente. Sobre todo, porque es capaz de mostrar la debilidad de la mujer cuando esta ha sido usada como un trapo viejo y que, no tenía ni voz ni voto en lo que se refería a su vida, pero que al final resultaban ser las grandes heroínas en todos los sentidos.

Al igual que en el resto de las adaptaciones del escritor, el elemento discordante siempre es la figura masculina, la cual juega el papel que siempre le ponían a la mujer: el hombre objeto. En el cine clásico de Hollywood, en muchas ocasiones, el papel de la mujer era siempre el de ama de casa, cuidar de los ojos e incluso a veces vivir bajo el yugo y la infelicidad provocada por el marido; por eso el escritor siempre cambiaba las tornas, con el contrapunto de que la mujer era una ser desgraciado. Esto era el reflejo de la lobotomía mal realizada a su hermana, que le marcó para siempre y también, que su madre viviese siempre callada bajo la mirada de su padre.


En esta historia se nos presentan a dos mujeres enganchadas al atractivo de un hombre, que parece ser el salvador de su vidas pero, realmente está igual de atormentado que ellas y el que se tenga una imagen suya que no le corresponde y que revuelve la vida de ambas féminas. Por otro lado, se van reflejando las miserias de las dos mujeres y como sus vidas se han vuelto anodinas y a su vez, están siendo juzgadas por todos los habitantes de la ciudad. Sin necesidad de entrar de lleno en sus vidas, a medida que van transcurriendo los minutos, el espectador intuye esas miradas inquisitivas: porque han tenido demasiado libertinaje. Parece ser que la llegada de Val va a ser un bálsamo para ellas pero lo que ocurre, es que el pueblo piensa que va a ser un elemento discordante y para ello es necesario eliminarlo de alguna forma y eso a ellas, no les parece lo mejor.

En casi la dos horas de duración y de tener un reparto estelar, peca un poco de exceso de dramatismo y de extenderse en elementos secundarios de la historia, que hace que el espectador pierda por completo el interés y que no sepa realmente, a donde va a ir la historia y difuminando también el carácter de los personajes. Para concluir que en este caso, las que salen mal paradas son las mujeres.


Calificación personal: 6.8


El cielo no puede esperar (2023)

 



  • Dirección: José María Zavala
  • Año: 2023
  • Género: Documental
  • Guión: José María Zavala
  • Música: Luis Mas
  • Fotografía: Miguel Gilaberte
  • Montaje: Rod Reego
  • Productora: European Dreams Factory


SINOPSIS

En octubre de 2006, el joven Carlo Acutis fallece a causa de una leucemia. Un joven de 15 años que amaba a Cristo y que disfrutaba de las pequeñas cosas del mundo. Tanto es así, que en octubre de 2020 fue beatificado. Su testimonio, sigue resonando entre los jóvenes de la Iglesia.


CRITICA

El género documental, está cogiendo fuerza en la última década, puesto que es la forma más fidedigna de contar un acontecimiento real y, poder focalizarse en lo que realmente importa de lo que se quiere contar sobre una persona o un acontecimiento. Pero a veces no se suele aprovechar la oportunidad de contar todo con más pelos y señales.

Lo atractivo que tiene este documental sobre el joven Carlo es, como ha influido sobre la vida de muchas personas (tanto jóvenes como adultos) pero, si que echo de menos profundizar un poco más en su vida o incluso el haber preguntado a gente de sus círculos más cercanos para que contasen desde su vivencia, como era el joven Carlo. No con esto quiero decir que los testimonios de la gente no sea válida pero, si que es verdad que intenta recalcar que lo que se necesita es ser como el joven beato y que tenemos que acudir siempre a el como fuente de fe.

En el caso del catolicismo, los santos, las santas, los beatos, las beatas y la Virgen son intercesores entre el ser humano y Dios, no por ello el pedirles cosas es algo negativo, pero mostrarles como una vía para acercarse a Dios.  También, da un poco a entender que solo puedes conseguir lo que anhelas si veneras a Carlo Acutis, yo le hubiese dado otra perspectiva para que la gente pudiese entender eso. Si que es verdad que a través de la figura de este joven es posible ser santos en nuestro día a día: respetando a los demás, ayudando a nuestros compañeros de trabajo, dándole un café a un mendigo; en definitiva, con nuestros actos de amor día a día. En definitiva, en los pequeños actos de amor, también se puede ver a Dios y estar con Él.


Calificación personal: 6.5