Buenas noches, madre (1986)

 

• Título original: 'Night mother
• Año: 1986
• Género: Drama
• Dirección: Tom Moore
• Intérpretes: Sissy Spacek, Anne Bancroft
• Guión: Marsha Norman
• Música: David Shire
• Fotografía: Stephen M. Katz
• Productora: Universal Pictures, Aaron Spelling Productions

SINOPSIS

Jessie (Sissy Spacek) es una mujer de mediana edad que tras la llegada de su madre (Anne Bancroft) para anunciarle que esa misma noche va a quitarse la vida. La madre no tendrá mucho tiempo para disuadir a su hija de que tome esa decisión.

CRITICA

Por mucho que se diga que la cultura no es un elemento importante en la sociedad, está totalmente equivocado o equivocada; sobre todo, cuando en el crecimiento intelectual nos van cayendo diferentes tipos de literatura y la aparición de películas totalmente desconocidas o que en el año de su estreno, no tuvieron un eco importante pero que años después, son clásicos. Esta forma de descubrir el cine hace que te encuentres con películas como Buenas noches, madre en la cual con una sola frase y dos únicos personajes refleja una conversación sobre el suicidio que muchas veces se ha eludido en el cine.

Desde un primer momento refleja como el estar bien por fuera o no tener ningún tipo de sintomatología, no significa que la persona no se encuentre destrozada por dentro. Esto es lo que le ocurre a Jesse (Sissy Spacek) que decide tomar la decisión de acabar con su vida y para ello se lo cuenta a su madre (Anne Bancroft) y ésta, intenta usar todo tipo de argumentos para hacerla cambiar de opinión. Más allá de esta situación que se prolonga durante un poco más de hora y media, el espectador se puede llegar a preguntar por qué no sigue luchando. Aunque la verdadera pregunta es: ¿qué hacer cuando ya no tienes fuerza para seguir luchando? Lo que nos lleva a intuir que hay que ser muy valiente para elegir acabar con tu vida. 

Realmente es algo que a la madre le choca por completo ya que en más de una ocasión le da motivos a Jesse para seguir viviendo y que, antes de llevar a cabo su decisión es mejor que se lo piense un poco más. Al final lo que está viendo el espectador es la relación entre madre e hija y todo aquello que no se han dicho y también lo ciega que ha estado la madre antes la situación de su hija: su enfermedad, el fin de su matrimonio, falta de estabilidad laboral, un hijo problemático, desprecio social; lo que evidencia que no es feliz y no ve esperanza en su futuro. No sin antes seguir pensando en su madre y facilitarle lo máximo posible lo que puede suceder tras su abrupta salida de este mundo. En todo lo que dura la historia, en más de una ocasión la madre se siente culpable y que ha fallado como madre; pero es mucho más que eso. Es intentar muchas veces poder encontrar el equilibrio entre las alegrías y las penas, en todo aquello que pensamos y no decimos, en cuidarnos a veces nosotros mismos en vez de estar siempre pensando en los demás. En definitiva, poder aferrarse a la vida aprovechando las cosas buenas y poder tener apoyo para los malos momentos.

Buenas noche, madre es una alegato a la vida, a comprender al otro en su dificultad, el saber que cada uno tiene sus problemas y que para esa persona pueden ser un mundo, en mostrar empatía y no ser tan egoísta, el poder hacer feliz a esa persona a la que amamos y que no se encuentre en un mundo y en una vida vacía y sin sentido. Porque cuando esa persona se va de esa forma, duele mucho más que el haberte preparado para un duelo.

Calificación personal: 8

Eternamente comprometidos (2012)

 

• Título original: The five-year engagement
• Año: 2012
• Género: Romántica
• Dirección: Nicholas Stoller
• Intérpretes: Jason Segel, Emily Blunt, Chris Pratt, Alison Brie, Rhys Ifans, Mindy Kaling, Kevin Hart, Dakota Johnson, Mimi Kennedy, Jacki Weaver, David Paymer, Brinan Posehn,.
• Guión: Jason Segel, Nicholas Stoller
• Música: Michael Andrews
• Fotografía: Javier Aguirresarobe
• Montaje: William Kerr
• Productora: Universal Pictures, Apatow Productions, Relativity Media

SINOPSIS

Tom (Jason Segel) tras un año de noviazgo con Violet (Emily Blunt) le pide matrimonio en Nochevieja.  Decididos a casarse  y con los preparativos casi completados, deberán de posponer su futura boda debido a la oportunidad que le ha surgido a Violet en Michigan. Por lo que la pareja deberá de mudarse y seguir comprometidos.

CRITICA

De forma habitual, en las películas románticas cuando se muestra una relación de pareja, pueden acabar de dos maneras: una de ellas es que la pareja ha superado todos los obstáculos y consigue ser feliz y, la segunda, no consiguen superar esos obstáculos y cada uno sigue su camino a pesar de tenerse mutuamente en el recuerdo. Mezclando parte de estas dos alternativas habituales nace Eternamente comprometidos pero con la novedad de encontrarse en el punto intermedio: están comprometidos pero no deciden dar el paso para casarse.

Aunque la idea sea innovadora (poniendo la palabra ligeramente para no crear confusión) antes de llegar a la mitad de la duración, ha ido introduciendo elementos que no aportan ningún tipo de frescura a la trama: desde chistes fáciles, infortunios que les van sucediendo a la pareja, las dudas que surgen en la relación, personajes secundarios que intentan tener sus momentos cómicos y un largo etcétera que se va desinflando poco a poco y que se alarga demasiado, para llegar al final que el espectador sabe que habrá en el filme.

Por otro lado, intenta mostrar con cierta normalidad los elementos más importantes que suelen aparecer en una relación de pareja y que no se deberían pasar por alto. Desde dejar tu empleo para mudarte a otra ciudad, no discutir alegando que "todo está bien" y posponiendo su casamiento hasta que llegue el momento idóneo, pero esa opción no siempre es la correcta. Digamos que los personajes no sufren ningún cambio ni ninguna evolución que hagan que su relación vaya a mejor. O incluso, que a veces a la hora de realizar las cosas es mejor hacerlo por impulsos. Pero no siempre en la vida real eso funciona ni es la vía más correcta.

No hay que pedirle mucho más a una película de este género que, claramente, se haya en completa decadencia a pesar de tener un elenco de actores con cierto renombre en la industria. La gran pregunta es: ¿en algún momento el género romántico volverá a ser lo que era antes? Pues la verdad, es que nunca lo sabremos si se sigue con esta tendencia.

Calificación personal: 4

Indiana Jones y el dial del destino (2023)

 

• Título original: Indiana Jones and the Dial o destiny
• Año: 2023
• Género: Aventuras
• Dirección: James Mangold
• Intérpretes: Harrison Ford, Phoebe Waller-Bridge, Mads Mikkelsen, Antonio Banderas, Toby Jones, Ethann Isidore, Olivier Richters, John Rhys-Davis.
• Guión: James Mangold, David Koepp, Jez Butterworth, John Henry Butterworth.
• Música: John Williams
• Fotografía: Janusz Kaminski
• Montaje: Michael McCusker, Andrew Buckland
• Productora: Walt Disney Pictures, Lucasfilm Ltd.

SINOPSIS

El arquéologo Henry Jones (Harrison Ford) en su último día de trabajo dando clase acompañado de su ahijada Wombat (Phoebe Waller-Bridge) para conseguir la Anticitera de Arquímides y evitar un desastre para la humanidad.

CRITICA

Hay películas que han marcado una generación o una época del cine y que cuando las vuelven a poner en televisión una y otra vez, es como si el espectador las viese por primera vez. Pero creo que en más de una ocasión he comentado la falta de ideas en la meca del cine hollywoodiense provocan que los guionistas se reinventen de mala manera, es decir, escribiendo precuelas y secuelas que no tienen sentido de sagas que fueron cerradas o porque los grandes estudios necesitan recaudar cantidades ingentes de dinero para un megaproyecto futuro pero, terminan por arruinar personajes o sagas míticas.

Esto es algo que ha ocurrido con el personaje de Indiana Jones con el que creció una generación (si bien es cierto que yo nací en los noventa, mi padre me transmitió el buen cine de aventuras) ver como intentan explotar a este personaje para enrocarse una y otra vez en los mismos tópicos de sus predecesoras pero ya no sorprende a nadie a pesar de tener rostros conocidos e intentar darle un protagonismo importante a una mujer que rompe los esquemas anteriores y vuelven a coger a los nazis como los malos de esta nueva entrega (unidos a la aplicación de la tecnología del CGI para rejuvenecer a algunos de los actores). Si que hay que comentar que la Anticitera si que existió y se construyó, pero ni mucho menos sirve para viajar en el tiempo.

A pesar de intentar recuperar la esencia de esa maravillosa trilogía con la que crecimos muchos de nosotros y que el tiempo no pasa en balde para nadie y que hay veces que es mejor no tocar para mantener la esencia de esas historias.

Calificación personal: 5

Midnight in Paris (2011)

 

• Dirección: Woody Allen
• Año: 2011
• Género: Romántica
• Intérpretes: Owen Wilson, Marion Cotillard, Rachel McAdams, Corey Stoll, Kathy Bates, Michael Sheen, Kurt Fuller, Mimi Kennedy, Tom Hiddleston, Alison Pill, Adrien Brody, Léa Seydoux, Carla Bruni.
• Guión: Woody Allen
• Música: Stephane Wrembel
• Fotografía: Darius Khondji
• Montaje: Alisa Lepselter
• Vestuario: Sonia Grande
• Productora: Mediapro, Versátil Cinema, Gravier Productions

SINOPSIS

Gil (Owen Wilson) viaja con su novia Inez (Racheal McAdams) a Paris con los padres de ella. Gil por otro lado, se encuentra en una crisis vital sobre su vida y en la época en que le hubiese gustado vivir. Un día mientras vaga por las calles parisinas y sueña con los felices años 20, le cae un hechizo que le hace revivir esa época una noche tras otra y conoce a artistas que nunca se imaginaba.

CRITICA

Hay una frase típica que dice así: "Cualquier tiempo pasado fue mejor". Es decir, que el ser humano tiende a ver que en los años en lo que está viviendo no son los mejores con respecto a épocas pasadas. Aunque se podría decir que no es verdad realmente puesto que cada siglo o cada etapa de la historia ha tenido momentos buenos, momentos malos y grandes avances para la humanidad. Sin embargo, a pesar de que este concepto se aplique a esta película, si se lee un poco más en profundidad refleja otros conceptos diferentes.

En esta historia lo que nos muestra es una carta de amor del pasado, presente y futuro. ¿Por qué? Al pasado porque nos hubiese gustado conocer a personajes ilustres pero que también vivieron sus tormentos correspondientes o querían vivir en otras épocas anteriores. En cuanto a la carta de amor al presente, porque permite descubrir que el tiempo en el que vive el personaje no era lo que el deseaba para su vida pero, al poder haber visto el pasado, enfocar su presente y tener decisión para hacer y poder vivir realmente como le gustaría. Y por último, en cuanto al futuro nos ayuda a que nos sorprenda y así aprovechar todos y cada uno de los días.

Todo esto perfectamente combinado al hacer que el personaje se encontrase con grandes eruditos de la literatura y de la pintura sobre todo, porque a Gil se le ve con la intención de querer aprender de ellos y ver que es lo que le hicieron para ser los grandes genios recordados que son en la actualidad. Al final, el personaje se da cuenta que ha tenido la oportunidad de viajar en el tiempo y poder conocer a esos grandes artistas que provocan que se replantee su vida y apreciar esas pequeñas cosas y también, en encontrar a alguien con el que compartas ciertos gustos porque sino al final uno se anula como persona.

Para concluir, es una película con la que el espectador puede disfrutar (sobre todo si le gusta el arte y la literatura) y descubrir que en esta época actual (un poco loca eso si) hay muchas cosas que podemos apreciar y seguir cultivándonos en todos las artes. En este caso, disfrutar del séptimo arte.

Calificación personal: 8.5

Malicia (1993)

 

• Título original: Malice
• Año: 1993
• Género: Suspense
• Dirección: Harold Becker
• Intérpretes: Nicole Kidman, Bill Pullman, Alec Baldwin, Bebe Neuwirth, Peter Gallagher, Tobin Bell, Duff Griffin, George C. Scott, Anne Bancroft.
• Guión: Aaron Sorkin, Scott Frank
• Música: Jerry Goldsmith
• Fotografía: Gordon Willis
• Montaje: David Bretherton
• Productora: Nelvana, Castle Rock Entertainment, New Line Cinema

SINOPSIS

Endy (Bill Pullman) y Tracy (Nicole Kidman) son una pareja joven que atraviesan un momento complicado por la muerte de varias alumnas en el campus de Endy, así como la aparición de Jed (Alec Baldwin), un antiguo compañero de Endy que es demandado por una mala praxis. Lo que daba la sensación de una vida tranquila, se va complicando.

CRITICA

Un elemento muy habitual en las películas que fue acuñada por el gran director del suspense Hitchcock indicando que un elemento produce suspense que hacen que los personajes avancen en la trama, pero puede tener relevancia o no en el desarrollo de toda la historia. Más tarde se amplió para las situaciones que van apareciendo en la película. ¿Qué tiene que ver esta explicación con esta película? Se debe principalmente a que esa situación se da en este filme y su calidad baja considerablemente.

Inicialmente, parece que la trama de la película va a girar en torno al asesinato de las jóvenes que estudian en el campus donde trabaja Endy, el cual sería el elemento distractor. Pero lo que ocurre es que va mezclando diversas subtramas y de esta forma, no se sabe realmente que es lo que pretenden contarle al espectador y, por otro lado, cuando empieza a ponerse todo un poco más interesante, solo falta media hora para que termine la película.

Al final se van generando agujeros en el guión provocando que el espectador se vaya perdiendo irremediablemente hasta encontrar de nuevo el camino. He de reconocer que a medida que va avanzando la historia se van atando cabos de todas y cada una de las situaciones que han ido ocurriendo y las relaciones entre cada una de ellas y así entender el comportamiento de los personajes.

La verdad es que me encontré con esta película un poco de rebote y me dejé guiar al estar escrita por Aaron Sorkin (uno de los mejores guionistas en la actualidad) y que salva con cierta solvencia el guión (aunque no es suyo al cien por cien). Dicho lo cual, hay mejores películas de suspense y no pasa nada si esta cae un poco en el olvido.

Calificación personal: 6

Las crónicas de Blancanieves: El cazador y la reina de hielo (2016)

 

• Título original: The huntsman: Winter's War
• Año: 2016
• Género: Ciencia ficción, fantasía
• Dirección: Cedric Nicolas-Troyan
• Intérpretes: Chris Hemsworth, Jessica Chastain, Emily Blunt, Rob Brydon, Nick Frost, Charlize Theron, Sheridan Smith, Alexandra Roach, Liam Neeson.
• Guión: Craig Mazin, Evan Spilotopoulos
• Música: James Newton Howard
• Fotografía: Phedon Papamichael
• Vestuario: Colleen Atwood
• Montaje: Conrad Buff
• Productora: Perfect World Pictures, Roth Films, Universal Pictures

SINOPSIS

Antes de ser apuñalada por Blancanieves, la malvada reina Ravenna (Charlize Theron) fue testigo de como su hermana Freya (Emily Blunt) se convirtió en la reina de hielo tras la perdida de su hija. Para superar esa pérdida, creó una fortaleza de hielo con un ejército de cazadores entre los que destaca Eric (Chris Hemsworth) y Sara (Jessica Chastain) cuyas vidas serán separadas por la malvada Freya.

CRITICA

Creo que en más de una ocasión en este blog he contado que segundas partes nunca fueron buenas (aunque hay muy raras excepciones) sobre todo, cuando durante toda la producción de la película se va cambiando el guión de forma constante, a pesar de tener un reparto de escándalo. También porque ubican a esta película entre el principio y el final de su predecesora. Lo que puede generar un poco de lío sobre los giros de la trama.

A pesar de que su predecesora fue un poco más oscura que esta, la idea original al realizar este filme era para poder filmar posteriormente una tercera entrega pero, debido a sus desastrosos números de taquilla la productora decidió dejar en un cajón la última parte y creo que desde mi punto de vista, hacen lo correcto. A pesar de superar con creces a la película estrenada en 2012, esta se estrella estrepitosamente sobre todo en los momentos más importantes de toda la trama. Por ejemplo, una lucha más encarnizada entre Freya y Ravenna (sublimes Emily Blunt y Charlize Theron, la cual recupera su papel anterior), alguna dificultad a la hora de buscar el espejo, la relación entre Sara (soberbia Jessica Chastain) y Eric; para al final terminar en una historia lineal sin ningún otro tipo de aliciente que ayude a avivar la llama de esta trama.

Aunque se hicieran múltiples intentos por sacarla adelante, lo que al final termina por llamar la atención del espectador es el impresionante vestuario (como no, siempre a cargo de la increíble Colleen Atwood) y los momentos de lucha, que es lo que termina por hacer más llamativa a esta película cuyo error fue alejarse de la estela de Blancanieves.

Calificación personal: 5

Atlantic City (1980)

 

• Dirección: Louis Malle
• Año: 1980
• Género: Drama, suspense
• Intérpretes: Burt Lancaster, Susan Sarandon, Kate Reid, Robert Joy, Michel Piccoli, Hollis McLaren, Al Waxman, Sean Sullivan, Robert Goulet
• Guión: John Guare
• Música: Michel Legrand
• Fotografía: Richard Ciupka
• Montaje: Suzanne Baron
• Vestuario: Françoise Barbeau
• Productora: Selta Films, International Cinema Corporation

SINOPSIS

Lou (Burt Lancaster) es un gánster de poca monta que va consiguiendo dinero con los pequeños trabajos que va realizando. En su mismo edificio vive Sally (Susan Sarandon) una joven camarera que aspira a ser crupier en el casino en el que trabaja. Ambos se encontrarán en una situación inesperada.

CRITICA

Hubo un cine posterior a la época dorada de Hollywood, en la cual se mostraba la decadencia más absoluta de grandes ciudades que antaño eran referencia y, de todas aquellas personas que las habitaban. Dentro de esos habitantes, muchos de ellos ya eran ancianos y evocaban que el tiempo pasado había sido más próspero y generoso con ellos y que ahora, todos los barrios estaban plagados de delincuentes, drogadictos, corredores de apuestas y, gente muy pobre. De alguna forma, es lo que intenta transmitir esta película mezclando con aires del cine negro, pero el tiro no es muy certero que se diga.

En cierto modo, con esta película y en concreto con el personaje de Lou, el cual fue un gánster de poca monta y que recuerda lo que era antes Atlantic City y como es en el momento en el vive en su vejez. Solo hace falta observar la oscuridad de la gran mayoría de los planos secuencia y de los colores que abundan en cada uno de ellos, es decir, colores muy fríos y poco esperanzadores. Esa misma sensación que transmite el personaje de Lou, también lo emana el de Sally, una joven que quiere abrirse camino en el mundo de los casinos más allá de ser una simple camarera, pero su vida no es nada sencilla y como se va complicando poco a poco.

Todo el pulso que se manifiesta a lo largo de toda la duración de la película se debe a la mano de Louis Malle, un gran director francés de la afamada ola de la Nouvelle Vague, en donde los directores mostraban la realidad del tiempo en el que vivían y sus propias vivencias personales y es en parte lo que refleja en Atlantic City: reflejar no solo la decadencia de una ciudad, sino también de una sociedad y del propio ser humano como ser individual. Sin olvidar que en este caso, dos de esos seres humanos que se han visto contagiados por la decadencia de la urbe, y por eso se consideran ellos mismos víctimas de su propia resignación existencial que al final se traduce en el reconocimiento y aceptación de sus propias limitaciones personales.

Al final, entre ellos mismos se necesitan no solo por sus carencias afectivas, sino por la necesidad de ver que entre los dos hay un atisbo de esperanza y un rayo de luz que se introduce en sus agrietadas vidas. Y por lo tanto, se dan lo que otros no han sabido darles, ni siquiera a ellos mismos. Lou consigue sentirse de nuevo joven e importante con Sally a su lado y Sally, consigue que alguien más gentil, sabio y mayor pueda prestarla atención y protegerla. Todo esto, mientras que la decadencia de la ciudad sigue avanzando sin remedio.

 Desde mi punto de vista, no la consideraría como una gran obra o simplemente una de cine negro pero si, un reflejo de lo que era Atlantic City en esos año. E incluso, se podría hacer un paralelismo en función de como ha ido avanzando la sociedad (o retrocediendo, según desde que perspectiva lo miremos) para ver que muchas veces la mediocridad, se impone sobre la excelencia.

Calificación personal: 6

La sirenita (2023)

 

• Título original: The little mermaid
• Año: 2023
• Género: Musical
• Dirección: Rob Marshall
• Intérpretes: Halle Bailey, Melissa McCarthy, Jonah Hauer-King, Jacob Tremblay, Daveed Diggs, Javier Bardem, Akkwafina, Art Malik, Noma Dumezweni, Jessica Alexander.
• Guión: Jane Goldman, David Magee
• Música: Alan Menken
• Fotografía: Dion Beebe
• Vestuario: Colleen Atwood
• Montaje: Wyatt Smith
• Productora: Walt Disney Pictures, Lucamar Productions, Marc Platt Productions

SINOPSIS

Ariel (Halle Bailey) es la hija más joven del rey Tritón (Javier Bardem). Ella sueña con conocer a los humanos y poder convivir con ellos. Lo que pasa es que es una sirena y no tiene piernas. Para satisfacer sus deseos está Úrsula (Melissa McCarthy) que le ofrecerá tener piernas a cambio de una cosa: su voz.

CRITICA

Desde el momento en el que se anunció un live action sobre La sirenita pero, quien iba a interpretar a Ariel era una chica negra, la polémica se sirvió en bandeja de plata. A medida que avanzaban las grabaciones y se iban publicando pequeños adelantos de la misma, la polémica seguía creciendo en torno a la película. Y, cuando llegó el tan ansiado momento del estreno, se silenciaron muchas bocas al ver el resultado final.

Con este pequeño prólogo reafirmo que a pesar de que Hollywood ande casi más de una década con falta de ideas, es capaz de reencontrarse con el público que prefiere recordar su niñez que entrar en la polémica por el color de piel de la protagonista y que devuelve a los que crecimos con el clásico de animación de Disney a nuestra infancia. Por otro lado, hay que entender que podría ocurrir que hubiese ligeras modificaciones con respecto a la original  pero sin perder la esencia.

Desde el primer minuto de la película se sabe que la historia se va a centrar en Ariel pero antes, muestra al espectador todos los misterios que ocurren debajo del mar y, todos y cada uno de los personajes. Esa esencia se ve que está maravillosamente lograda por los efectos especiales (no significa que a mayor modernidad, mejores son los efectos) y con todas y cada una de las coreografías que acompañan a esas canciones de nuestra infancia. Es cierto que en este caso se han añadido dos canciones nuevas con respecto a la original (un solo para Eric y otra para el cangrejo Sebastián y Scuttle) y todo gracias al compositor Alan Menken que fue el artífice de las de las bandas sonoras originales y repite de nuevo, acompañado de un gran compositor en ciernes como es Lin Manuel Miranda.

En conclusión que más allá de todo el trabajo artístico que hay detrás (recordamos a la diseñadora de vestuario Colleen Atwood y al director y coreógrafo Rob Marshall), recordar a dos pesos pesados como Javier Bardem y Melissa McCarthy (increíble haciendo de Úrsula) y a la joven Halle Bailey que pueda seguir mejorando a nivel interpretativo y, que sea negra no importa, porque lo importante es mantener la esencia con la que crecimos. Y eso se mantiene sin lugar a dudas.

Calificación personal: 8

¡Esto es la guerra! (2012)

 

• Título original: This means war
• Año: 2012
• Género: Comedia
• Dirección: McG
• Intérpretes: Reese Whiterspoon, Chris Pine, Tom Hardy, Chelsea Handler, Til Schweiger, Abigail Spencer, Angela Bassett, Rosemary Harris.
• Guión: Timothy Dowling, Simon Kingberg
• Música: Christophe Beck
• Fotografía: Russell Carpenter
• Montaje: Nicola De Toth
• Vestuario: Sophie de Rakoff
• Productora: Overbrook Entertainment, Robert Simonds Productions

SINOPSIS

Tuck (Tom Hardy) y FDR (Chris Pine) son dos agentes de la CIA que, además de trabajar juntos son grandes amigos desde hace tiempo. Ambos empiezan a salir con una mujer y descubren que es la misma Lauren (Reese Whiterspoon). Por lo que ambos utilizarán todos los recursos disponibles para que se quede con uno de ellos.

CRITICA

De bien sabido es en Hollywood que, a falta de buenas historias es necesario explotar varios géneros de forma conjunta, o incluso, juntar a varios actores del momento para que rueden una película juntos. De esta forma, intentan romper varios clichés en torno a la comedia romántica. Al final sale algo al estilo "sálvese quién pueda".

La premisa desde la que parte la película al principio parece sencilla pero, cuando a los cinco minutos nos muestra a los dos protagonistas como espías y que, en un futuro muy cercano, van a utilizar todos los recursos para ligar con la misma chica, resulta bastante inverosímil; teniendo en cuenta que hubiesen recibido un toque de atención por parte de la organización gubernamental por uso indebido de material de empresa, nulo rendimiento a nivel laboral, causar daños y, un largo etcétera.

Por otro lado, se muestra al principio al personaje de Lauren como una mujer sin escrúpulos (en el sentido metafórico) que sale con dos hombres a la vez, algo que no está bien pero que, si fuese un hombre no pasaría nada en absoluto. Aunque, a medida que van pasando los minutos de la película, ese tema se va suavizando poco a poco.

Digamos que podemos resumir toda esta historia como algo innecesario en el cine, única y exclusivamente para explotar el filón que en su momento tuvieron (y que actualmente siguen teniendo) tanto Tom Hardy (que volvería a explotar ligeramente su faceta cómica en Venom y su secuela) y Chris Pine (el cual siempre tiene que poner un toque seductor en todos los personajes que interpreta, cosa que no entiendo) y así, poder obtener un buen cóctel Molotov. Pero vamos, película para olvidar.

Calificación personal: 5