El último duelo (2021)

•  Título original: The last duel
• Año: 2021
• Género: Drama histórico
• Dirección: Ridley Scott
• Intérpretes: Matt Damon, Jodie Comer, Adam Driver, Ben Affleck, Harriet Walker, Nathaniel Parker, Marton Csokas, Michael McElhatton, Zeljko Ivanek
• Guión: Matt Damon, Ben Affleck, Nicole Holofcener
• Música: Harry Gregson-Williams
• Fotografía: Dariusz Wolski
• Montaje: Claire Simpson
• Vestuario: Janty Jates
• Productora: Scott Free Productions, Pearl Streat Films

SINOPSIS

Francia siglo XIV, Marguerite de Carrouges (Jodie Comer) le cuenta a su marido Jean (Matt Damon) que en su ausencia ha sido violada por un antiguo amigo de su esposo, Jacques Le Gris (Adam Driver). Al no ser creído por nadie, Jean acusa a su antiguo amigo ante el rey Carlos VI y pide un duelo a muerte. Basada en hechos reales sobre el último duelo a muerte que tuvo lugar en Francia.

CRITICA

He de reconocer que no tenía muchas esperanzas de que esta película llegase a la cartelera, puesto que su grabación se inició justo un mes antes de la pandemia mundial del año 2020, posteriormente se retomó en septiembre de ese mismo año sin muchas garantías (puesto que todo el rodaje se realizó en Europa, ya fuese en exteriores o estudios) y no sabiendo como iba a ser su distribución. Por otro lado, al director británico le tenía bastante atravesado, lo que no me ofrecía garantías pero, es de las pocas veces que viendo el trailer, salgo con plena satisfacción de la proyección.

Lo primero de todo, siempre digo que hay que tener una historia (lo correcto sería decir, un buen guión) y saber plasmar los elementos y puntos claves que se quieren contar sin parar de forma excesiva en las florituras para no sobrecargar al espectador y que, la historia no le parezca aburrida, tediosa o que termine por perderse. En el caso de El último duelo no ocurre porque, a pesar de contar con tres puntos de vista diferentes, en los cuales van a converger los tres, solo se centra en los detalles que son importantes para el espectador aprecie los matices y que parezca que se aplica la técnica pictórica del trampantojo, así se pregunta: "hay un error en este plano con el gesto del actor...", pero se dará cuenta rápidamente y pensará: "no es su versión de los acontecimientos". 

Lo que se ha comentado mucha a colación del estreno de este filme es que ha aparecido en plena ola del movimiento del MeToo. Pero yo planteo una pregunta al aire: ¿es necesario un movimiento para ver como a lo largo de toda la historia, se ha denigrado y se sigue denigrando a la mujer? Dejándolo de una forma clara, tratándola como un pedazo de carne de la cual los hombres pueden disponer de ella cuando quieran y donde quieran, para satisfacer sus necesidades, es decir, sin poner en tela de juicio sus acciones, sin embargo, a las mujeres hay que juzgarlas por su actos; como se refleja claramente en la película (y no hace falta, en los libros de historia aparece) que si una mujer no llegaba al clímax sexual y por ende no concebía era por su culpa u, observar que la mujer llegaba virgen al matrimonio mientras que el hombre se habría acostado ya con varias mujeres. Y que al final, lo que les tocaba era resignarse ante su situación y que si las forzaban (es decir, violaban), se dejasen, no eran nada ni nadie sin un hombre y ellas siempre eran las culpables de todo.

De ahí que se reflejen los tres puntos de vista reflejando que era lo que pensaba cada uno. Lo poco que he podido leer, se recogió todo el juicio, así como parte de los testimonios de los tres en disputa antes del duelo pero, imagino que se habrán tomado algunas licencias artísticas. Aunque al final uno puede plantearse: ¿Cuál de los tres decía la verdad? Solo por ver la desproporción de los castigos, claramente se ve una clara ganadora, a pesar de que algunos críticos cinematográficos comentan que es un poco pretencioso poner directamente que el punto de vista de Marguerite es "La verdad". Ahí puede haber debate sobre si ponerlo o no.

En lo que se refiere al guión, el tádem Damon-Affleck (acompañada de una gran Nicole Holofcener, que hizo un gran guión y dirección de Sobran las palabras) muestran con claridad la evolución de los tres personajes desde sus inicios (se podría decir así) y toda la evolución que sufren para centrarse en lo que realmente importa que son los puntos conflictivos en los que ambos amigos se van a ver siempre las caras unidos con el punto justo de violencia y vísceras y con un duelo final espectacular. Eso si, la mejor perspectiva la de Marguerite, puesto que la ponen de mala malísima cuando es la que ha sufrido el agravio. En este papel está la gran Jodie Comer que ensombrece a sus compañeros de reparto y, que despegó con la serie Killing Eve (yo ya la descubrí en Doctora Foster) y a la que no hay que perder la pista; al igual que a Adam Driver que repetirá dupla con Ridley Scott en La casa Gucci y que muestra ser un titán de la interpretación y, Matt Damon soberbio como ha sabido reinventarse y Ben Affleck, resurgir de las cenizas cual ave Fénix.

Disfrutable y recomendable al cien por cien. Eso si, aviso que es un poco extensa y a lo mejor puede generar un poco de ansiedad puesto que se espera que el principal acontecimiento ocurra al principio pero, tal y como nos muestra a los personajes y, para cerrar la trama con las perspectiva de ella a través de ella, es la mejor forma de completar una de las mejores películas de lo que llevamos de año, desde mi punto de vista. Aunque aún me quedan por ver. Que la disfrutéis. 

Calificación personal: 9

Salomón y la reina de Saba (1959)

 

• Título original: Solomon and Sheba
• Año: 1959
• Género: Drama histórico
• Dirección: King Vidor
• Intérpretes: Yul Brynner, Gina Lollobrigida, George Sanders, Marisa Pavan, David Farrar, John Crawford, Finlay Curie.
• Guión: Anthony Veiller, Paul Dudley, George Bruce
• Música: Mario Nascimbine
• Fotografía: Freddie Young
• Montaje: Otto Ludwig
• Productora: United Artists

SINOPSIS

Salomón (Yul Brynner) sucede a su padre el rey David como el futuro rey de Israel. En contra de su hermano Adonías (George Sanders). Por otro lado, el rey de Egipto tampoco está a favor de que Salomón sea el nuevo rey de Israel, para ello manda a la reina de Saba (Gina Lollobrigida) para poder seducirlo y perder el favor de Dios.

CRITICA

Es bien conocido, que en los años cincuenta, Hollywood se dedicó ha grabar películas basadas en relatos bíblicos o en grandes conquistadores históricos, era algo habitual, por lo que las producciones eran fastuosas y se cuidaban al milímetro todos y cada uno de los detalles para dar una mayor verosimilitud al relato. Y como no iba a ser menos con Salomón y la reina de Saba.

De todos es bien sabidos la historia de Salomón, antes de conocer a la famosa reina de Saba (que por cierto, era un país en el que la dinastía había sido gobernada única y exclusivamente por mujeres, todo un hito en la época antes de Jesucristo), que era un rey recto y sabio y que respetaba a los otros gobernantes con otras religiones pero, al conocer a esta reina estuvo a punto de hundir en todos los sentidos al pueblo de Israel simplemente por una mujer; aunque ya se encargaban las malas lenguas de decir que si Yavhé no estaba con Salomón era por la reina. O, ¿no sería realmente el propio Salomón el que llevó la ruina a Israel y no la reina? Esos aspectos de la Biblia en los que siempre se culpa a la mujer de las desgracias del pueblo hebreo.

Centrándonos más en el relato histórico-bíblico si que supuso su relación el principio del fin del fin del ultimo rey de Israel, así como la conversión de la reina a la religión judía y el posterior mito que esta suscitó a lo largo de toda la historia. Aunque realmente, todo esto no se plasma en la película, sino más bien esa seducción y la atracción que se da entre ambos gobernantes. Lo que acaba ocurriendo es que acaban "estirando demasiado el chicle" y provoca que la duración sea un tanto excesiva, se pierda la historia o incluso, que no se sepa realmente lo que se quiere transmitir al espectador; y se quede simplemente en una superproducción romántica, como lo fue posteriormente Cleopatra.

Calificación personal: 5.6

No serás un extraño (1955)

• Título original: Not as a stranger
• Año: 1955
• Género: Drama
• Dirección: Stanley Kramer
• Intérpretes: Olivia de Havilland, Robert Mitchum, Frank Sinatra, Gloria Grahame, Charles Bickford, Lee Marvin, Broderick Crawford, Lon Chaney Jr.
• Guión: Stanley Kramer
• Música: George Antheil
• Fotografía: Franz Planer
• Productora: Stanley Kramer Productions 

SINOPSIS

Lucas (Robert Mitchum) es un estudiante de medicina que ve como su sueño se puede ver truncado al quedarse sin recursos decide casarse con Kristina (Olivia de Havilland) una enfermera del hospital en el que realiza las prácticas. Ella lo ama, pero el a ella no. Incapaz de abrirse a los demás y de ver más allá de su profesión, descubrirá la otra cara de la medicina cuando le destinen a una pequeña población rural.

CRITICA

La diferencia de los actores del Hollywood clásico de los de los años 80, 90 y de los 2000 hasta la actualidad, es que prácticamente todas sus películas no solo tenían mucho eco sino que, aquellas que eran prácticamente desconocidas o, que no eran malas pero habían pasado desapercibidas y muy pocas veces las películas que rodaban eran fracasos. Esto se debía también en mayor medida a que los guiones eran bastante sólidos y construían una historia con cierto trasfondo por muy pequeño que fuese. Es lo que le ocurre a No serás un extraño.

Con esta película no solo nos muestra los entresijos de la medicina (más bien los inicios) en una época donde había muchos avances tras haber salido de dos guerras mundiales, sino también la ambición por convertirse en médico como elimina la perspectiva humana de una profesión en la que no solo hay que desempeñar un trabajo, sino que hay que dar tu vida por amor a los demás y que no son un trozo de papel o un trozo de carne con el que poder practicar y conseguir tus objetivos. Este aspecto se ve claramente reflejado cuando los alumnos tienen como proyección conseguir buenos coches con los que destacar y que cuando les vean pasar, la gente les diga: "esos de ahí son médicos".

En el caso del protagonista, tiene esa disyuntiva que no se termina de difuminar del todo y que trae de cabeza al espectador puesto que actúa y habla con el aspecto humano pero también, a veces el componente racional va haciendo mella en la relación con su mujer que termina dejando de lado su brillante carrera como mujer (como siempre, tiene que terminar por servir al marido en pos de que el obtenga un mejor reconocimiento y eso que tanto ansía) por amor. Lo que termina por intoxicar la relación entre ambos y se muestran las verdaderas intenciones del protagonista y, como una vez más se sabe que toda persona que decida su futuro laboral debe de tener vocación pero hay tres que (desde mi punto de vista) deben de tener una extrema vocación sin querer obtener como objetivo final fama, ni dinero, ni prestigio (este último, que sirva para ayudar): todo lo relacionado con la medicina, profesor/a y ser sacerdote.

Lo que veo que no termina por "arrancar" de la película (por poder utilizar algún término) es que todos esos elementos aparecen pero no terminan por unirse y hacer cierres entre los personajes que rematen por completo la historia. También observé que el casting puede que no fuese el más correcto para esta trama, quitando eso si a la gran Olivia de Havilland que siempre llenaba la pantalla y cuyo personaje femenino tenía peso y fuerza. No es una gran película, pero hay aspectos destacables.

Esto me recordó a un vídeo que encontré en una gala de los Oscar del año 2003 donde ella hizo una presentación y estaban varios actores de la época dorada (lo dejo a continuación) y recuerda que el cine sigue siendo un noble arte y que deben de recuperarse buenas historias.

Calificación personal: 6

Bienvenidos a Zombieland (2009)

 

• Título original: Zombieland
• Año: 2009
• Género: Ciencia ficción, comedia negra
• Dirección: Ruben Fleischer
• Intérpretes: Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Emma Stone, Abigail Breslin, Bill Murray, Amber Heard.
• Guión: Paul Wernick, Rhett Reese
• Música: David Sardy
• Fotografía: Michael Bonvillain
• Vestuario: Magali Guidasci
• Productora: Columbia Pictures

SINOPSIS

En un mundo plagado de zombis, Columbus (Jesse Eisenberg) es un joven que vive aterrorizado hasta que conoce a Tallahasse (Woody Harrelson) un cazazombies obsesionado con los Twinkies. En su camino se cruzan dos hermanas: Wichita (Emma Stone) y Little Rock (Abigail Breslin), que intentan sobrevivir o unirse a Columbus y Tallahasse.

CRITICA

Muchas veces me pregunto el porqué una película se le da tanta publicidad (ya sea positiva o negativa) que la final, con el paso del tiempo se termina convirtiendo en un filme de culto por diversos motivos (por su extrañeza, por sus momentos "bizarros", por salirse de determinados estándares cinematográficos, etcétera...). Creo que Bienvenidos a Zombieland se ha convertido en una de esas películas a las que el marketing le funcionó de forma soberbia pero, cuando termina, me quedé como al principio: no me ha dicho nada y cinematográficamente hablando, no me ha cambiado en nada.

Digamos que las expectativas con las que iba a la hora de ver esta película era una comedia negra muy gamberra pero, al final me terminé topando con el clásico tópico de ciencia ficción sobre el fin del mundo con los zombis de por medio con una sucesión de diálogos absurdos y donde la única salvaguarda que tiene la historia es la obsesión del personaje de Woody Harrelson por conseguir el último Twinkie de la Tierra (irónica la situación, puesto que ese tipo de bollo industrial solo se comercializa en Estados Unidos) como elemento absurdo para intentar atrapar al espectador pero, termina por quedarse en un vacío existencial.

Es cierto que muchas gente la compara como si fuera una nueva Scary Movie pero realmente no tiene nada que ver, ya que la temática es totalmente diferente, ya que no se alimenta de parodias para poder elaborar su propia historia. Pero, para no dilatar más la crítica en algo que se cae por su propio peso, a pesar de tener una segunda parte (Zombieland: Mata y Remata) no creo que la vea debido a esta decepción y a gastar mi tiempo para dedicarle unas palabras.

Calificación personal: 4

El príncipe y la corista (1957)

 

• Título original: The prince and the showgirl
• Año: 1957
• Género: Comedia romántica
• Dirección: Laurence Olivier
• Intérpretes: Laurence Olivier, Marilyn Monroe, Sybil Thorndike, Richard Wattis, Jeremy Spenser, Esmond Knight, Paul Hardwick
• Guión: Terence Rattigan
• Música: Richard Addinsell
• Fotografía: Jack Cardiff
• Montaje: Jack Harris
• Vestuario: Dario Simoni
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

En el año 1911, varios reyes de Europa acuden a Londres para la coronación del rey de la ciudad. Uno de los enviados es el regente de Carpatia (Laurence Olivier) y acaba conociendo a una bailarina de cabaret (Marilyn Monroe) de la que se acaba enamorando.

CRITICA

No siempre las comedias románticas incluso de la época del cine clásico, resultaban ligeramente cargantes por lo enrevesado de su historia. En este caso, lo que ocurre (desde mi punto de vista) es que la química entre el dúo protagonista es prácticamente inexistente para mostrar el desarrollo de la relación, puesto que se ve de forma muy clara como la interpretación de Laurence Olivier es forzada.

Habitualmente, las películas que he visionado de uno de los mejores intérpretes europeos, queda completamente eclipsada por la actuación de la rubia más famosa del celuloide, sabe exprimir el papel al máximo y hace de la naturalidad su mejor arma, llegando incluso a superar al actor británico y que parece estar un poco a disgusto compartiendo planos con su compañera.

Centrándome en la trama, se evita en cierto modo caer en determinados tópicos románticos en los cuales es siempre la mujer la que cae rendida a la primera, por los encantos del hombre. En este caso, ella aclara desde el principio como el hombre suele actuar cuando ha tenido alguna cita con ellos. Eso pone de manifiesto lo previsible que muchas veces son los hombres y por otro lado, como ella no se conforme con ese "rol" y como ella actúa de forma natural y el, termina cayendo en sus redes.

La historia en si no da para mucho más, puesto que es la típica comedia romántica sin ningún tipo de profundidad. Si bien es cierto que resulta entretenida, es ligeramente larga para contar lo mismo una y otra vez pero de diferente forma. Realmente es un clásico de clásicos. Pero los hay mucho mejores.

Calificación personal: 6

The guilty (2018)

 

 

• Título original: Den skyldige
• Año: 2018
• Género: Thriller
• Dirección: Gustav Möller
• Intérpretes: Jakob Cedergren, Jessica Dinage, Omar Shagarwi, Johan Olsen.
• Guión: Gustav Möller, Emil Nygaard Albertsen
• Música: Carl Coleman, Caspar Hesselager
• Fotografía: Jasper Spanning
• Productora: Nordisk Film

 

SINOPSIS

Holm (Jakob Cedergren) es un policía que tras un altercado trabaja ahora respondiendo las llamadas del servicio de emergencia. Al responder a una llamada telefónica a una mujer, descubre que es un secuestro. Lo que le hace poner en duda su integridad moral.

CRITICA

Cuando en el cine aparece un teléfono o algo relacionado con el, es que nos quieren contar algo o, lo que nos van a contar va a producir angustia y tensión al espectador lo que produce una intriga constante y el estar con el corazón en un puño a merced de lo que pase. Ya ocurrió con La cabina con José Luis López Vázquez o Última llamada de Joel Schumacher (el resto de filmes, mejor ni nombrarlos), puesto que los elemento de la trama se reducen a un único espacio y/o elemento y eso reduce aún más las posibilidades de que es lo que va a ocurrir realmente.

En esta película, una llamada de teléfono en torno a un policía de emergencias es lo que hace de este thriller danés una asfixia constante en donde se pone al límite todos los sentidos del espectador puesto que, a través de esa llamada telefónica (que van desencadenando otras tantas), la mente del espectador empieza a imaginar como y cuales son los escenarios y así (de alguna forma) puede vislumbrar lo que está aconteciendo sin llegar a verlo de forma directa.

Estos aspectos se muestran a través del agente Holm (con una interpretación soberbia a la par que rígida de un gran Jakob Cedergren) que no solo quiere demostrar que realiza bien su trabajo, sino que también es un buen policía y que la causa pendiente que tiene (la cual no se descubre hasta el final) no le hace justicia a el pero, que le hace plantearse incluso su propia moralidad a través de una mujer que ha sido secuestrada y a la que intenta salvar por medio de una línea telefónica.

Por otro lado, se genera una claustrofobia continúa que se manifiesta con planos detalle prolongados del rostro del agente Holm como del auricular para así, recalcar la importancia de dos elementos estrechamente relacionados: un teléfono y el oído como transmisor de esa información. Y donde se demuestra, que la música no es un elemento fundamental para contar la trama y para que el espectador se muestre entusiasta por seguir una historia con sonidos de voces.

Todo estos aspectos se ven propiciados por los giros de guión que no llegan a ser del todo necesarios, puesto que la auténtica fuerza de la película está en su tensión perfectamente sostenida y, no en una trama muy sofisticada. Lo que hace olvidar aquella película de Halle Berry denominada La última llamada que tiene un argumento similar o, el reciente remake de Netflix protagonizado por Jake Gyllenhaal que exagera completamente su comportamiento. Lo que demuestra una vez más la potencia del cine europeo y el cual, sabe hacer grandes películas.

 

Calificación personal: 9

Narciso negro (1947)

 

• Título original: Black Narcissus
• Año: 1947
• Género: Drama
• Dirección: Michael Powell, Emeric Pressburger
• Intérpretes: Deborah Kerr, Flora Robson, David Farrar, Sabu, Jean Simmons, Esmond Knight, Kathleen Byron, Jenny Laird, Judith Furse
• Guión: Michael Powell, Emeric Pressburger
• Música: Brian Easdale
• Fotografía: Jack Cardiff
• Montaje: Reginald Mills
• Vestuario: Hein Heckroth
• Productora: The Archer 

 

 

SINOPSIS

Unas monjas son enviadas en medio del Himalaya para fundar un hospital y una escuela para ayudar a las gentes de la zona. En medio de la nueva vida, las monjas empiezan a recordar parte de sus vidas pasadas así como la sensualidad oculta del lugar.

 

CRITICA

Esta historia nos muestra como cinco monjas católicas son enviadas a un sitio recóndito del Himalaya que llevan la religión católica (aunque realmente lo que aparenta es que quieren imponer la religión a la par que el gobernador de la zona ofrece dinero a los habitantes, para que la gente asista al hospital y los niños vayan a la escuela) y de esa forma se enfrentan a nuevos desafíos.

Allí, en un lugar que está apartado de la mano de Dios (nunca mejor dicho) se van a encontrar con el recelo de los lugareños, a la par que la presencia del asistente del gobernador, va a perturbar la espiritualidad religiosas de las hermanas. Produciéndose la instalación de los temores y deseos de las hermanas que nublarán el juicio de todas ellas.

 A priori parece ser que es una historia sencilla (que no simple) a la que se le puede sacar el máximo partido posible. De alguna forma refleja que a pesar de ser un miembro activo de la Iglesia, los que la componen son humanos y como tales, pueden tener sus recaídas o incluso que a veces les aparezca sus dudas en su corazón o, que puedan aparecer deseos que tenían dormidos o reprimidos.

El principal conflicto del filme surge cuando aparece en escena el personaje masculino que enturbiará a las cinco hermanas que pondrá a prueba, sin querer, la estabilidad mental de las monjas que deberán luchar contra sus deseos carnales. Este aspecto se refleja claramente en la hermana Clodagh (una impertérrita Deborah Kerr) que es capaz de reprimir sus sentimientos y en las antípodas está la hermana Ruth (interpretada magistralmente por Kathleen Byron) que deja que sus sentimientos afloren de manera muy brusca llegando a desestabilizar al resto de las hermanas, lo que provoca a la par dudas entre ellas; incluso los pueblerinos producen la dudas.

En definitiva es una película que despierta los sentidos y los altera. Lo que lleva a plantearse al espectador de si a veces es mejor entregarse a los deseos o mejor reprimirlos. La eterna lucha entre el querer o el deber. Esa duda que siempre altera el carácter de uno pero que al final uno consigue reprimirse en pos de sus creencias o mejor, huir de la fuente del conflicto para no caer.

Calificación personal: 7

Horas desesperadas (1955)

 

• Título original: The desperate hours
• Año: 1955
• Género: Suspense
• Dirección: William Wyler
• Intérpretes: Humphrey Bogart, Frederic March, Arthur Kennedy, Martha Scott, Dewey Martin, Gig Young, Robert Middleton, Alan Reed
• Guión: Joseph Hayes
• Música: Gail Kubik
• Fotografía: Lee Garmes
• Montaje: Lee Garmes
• Vestuario: Edith Head
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Tres fugitivos al escapar de la cárcel secuestran a una familia y los mantienen como rehenes en su casa a las afueras de la ciudad. Para poder librarse de los fugitivos, la familia tendrá que actuar como si un día normal en su vida.

CRITICA

En principio parece una historia atractiva de suspense en la cual es necesario dicho elemento para entender la historia. Lo que ocurre desde mi punto de vista es que ese elemento que gira en torno al secuestro de esta familia termina por acabar siendo un conjunto de trucos melodramáticos en donde la intensidad y la intriga se acaban difuminando.

Como a veces comienzo con mis críticas, la premisa de la que parte la película es buena y tiene sentido: los fugitivos entran, les secuestran pero, para evitar sospechas deben de seguir actuando de forma normal para que la policía no llegue a aparecer por la casa. Todos estos aspectos están bien planteados aunque a medida que van pasando los minutos, el tedio acecha a la historia.

Al final termina por enrevesarse toda la historia y alargando aún más el secuestro de la familia y se va viendo como no es necesario alargar el secuestro y poder haber terminado la historia por otros derroteros sin necesidad de alargar lo innecesario. En definitiva, no veo que la película tuviese una extensión mayor así como ver agujeros de guión me dejaron igual que al principio y no es la mejor película de un grande como Humphrey Bogart dos años antes de fallecer.

Calificación personal: 5.5

Espartaco (1960)

 

• Título original: Spartacus
• Año: 1960
• Género: Épico
• Dirección: Stanley Kubrick
• Intérpretes: Kirk Douglas, Laurence Olivier, Jean Simmons, Charles Laughton, Peter Ustinov, Tony Curtis, John Gavin, John Dall.
• Guión: Dalton Trumbo
• Música: Alex North
• Fotografía: Russell Metty
• Montaje: Robert Lawrence
• Vestuario: Arlington Valles, Bill Thomas
• Productora: Byrna Productions

SINOPSIS

Espartaco (Kirk Douglas) es un esclavo que trabaja en la cantera de Tracia que es comprado por Léntulo Batiato (Peter Ustinov) para su escuela de gladiadores en Capua. Tras una lucha para divertir a Craso (Laurence Olivier), Espartaco inicia una revolución de esclavos e inicia su camino hacia la libertad.

CRITICA

Es la segunda vez que veo esta película y me ha fascinado. Creo que es por apreciar detalles que lo más seguro se me pasaron la primera vez. No solo por la grandiosidad de sus escenas bélicas y su cuidado decorado, sino también por relatar uno de los períodos convulsos de Roma (como lo fue en su momento el quebradero de cabeza con el general cartaginés Aníbal). 

Lo primero que es importante destacar es la propia historia de Espartaco que fue el líder de la última revuelta servil de los esclavos contra el imperio de Roma para luchar por su libertad. La esclavitud ha sido un aspecto muy patente en todas las sociedades del mundo; ya que representaba el derecho de unos pocos por el simple hecho de tener poder de traficar con las vidas humanas y más todavía cuando les ponían a realizar trabajos forzados. Creían por ser esclavos que no pensaban ni tenían sueños ni aspiraciones y era todo lo contrario. Esto supuso para los romanos un miedo atroz puesto que los esclavos estuvieron a punto de derrotarlos.

A pesar de ser una película bélica, muestra los entresijos de uno de los peores "inventos" que ha tenido el ser humano y, aunque no hay una esclavitud del mismo tipo, hay otro tipo de esclavitud hoy en día: el turismo sexual que es igualmente atroz y devastador y que por mucho que evolucione la sociedad, seguimos estancados en aspectos del pasado.

En profundidad la historia no tiene mucho más de lo que refleja y tiene una magnífica puesta en escena en todos los aspectos así como, aspectos curiosos sobre su rodaje (se rodó una gran parte en España, Franco puso muchas pegas, la escena censurada sobre las "ostras" y los "caracoles") y sobre todo, el resurgimiento del guionista Dalton Trumbo tras ser incluido en la lista negra de Hollywood en la famosa "Caza de Brujas". Lo que supone en su cómputo total, un disfrute absoluto y que el espectador se imbuya tanto en la historia que parece formar parte de la revolución de los esclavos.

Calificación personal: 9

El misterio Von Bülow (1990)

 

• Título original: Reversal of fortune
• Año: 1990
• Género: Drama
• Dirección: Barbet Schoroeder
• Intérpretes: Glenn Close, Jeremy Irons, Ron Silver, Annabella Sciorra, Uta Hagen, Christine Baranski, Fisher Stevens, Jck Gilpin, Felicity Huffman.
• Guión: Nicholas Kazan
• Música: Mark Isham
• Fotografía: Luciano Tovoli
• Montaje: Lee Percy
• Productora: Reversal Films, Sovereign Pictures

SINOPSIS

Claus Von Bülow (Jeremy Irons) es acusado de asesinato de su mujer Sunny (Glenn Close) al entrar en coma por un shock hipoglucémico. El profesor Alan Dershowitz (Ron Silver) defenderá a Claus por haber tenido irregularidades en su proceso judicial, aún sabiendo las grandes sospechas que recaen sobre el acusado.

CRITICA

Un caso espeluznante que conmovió a todo Estados Unidos y que fue un precedente para juicios posteriores de gente famosa involucrada en crímenes (como ocurrió posteriormente con el juicio de O.J. Simpson tras haber sido acusado de matar a su mujer) y que demuestra, que a pesar de ser culpable los errores judiciales pueden ser un lastre ya que se repite el juicio y pone en duda la culpabilidad del acusado (o su inocencia) y a veces del propio sistema de justicia.

Un punto a favor que tiene esta historia es que el guión está basado en el libro que escribió el abogado que defendió a Claus Von Bülow y cuya defensa se basó en buscar pruebas no que exculparan a Claus (puesto que el abogado sabía que era culpable) sino en subsanar los errores que se cometieron en el primer juicio que declaró culpable al barón. Al ir descubriendo el abogado la historia del barón y la frialdad de su actuación durante el juicio y en la apelación no solo se descubre el comportamiento calculador, controlador y manipulador de el. También se descubre la tendencia suicida de Sunny así como su adicción a las pastillas. Lo que puede llegar a sembrar la duda sobre la culpabilidad de Claus.

En toda esta vorágine destaca el abogado de Claus, Adam que decide presentar la apelación aún sabiendo que es culpable pero, alega que lo que realmente la atrae del caso es que el sistema de justicia falla y que muchas veces las diligencias presentadas y las pruebas no son las correctas y, que a pesar de la culpabilidad de su cliente, todo el mundo tiene derecho a un juicio justo. En cierto modo, es lo que puede remover un poco la conciencia del espectador.

Por esta película Jeremy Irons obtuvo su único premio Oscar de su carrera, si bien es cierto que se le da soberanamente bien interpretar personajes fríos, desde mi punto de vista hay personajes dramáticos que merecían estar recompensados. Y como siempre, Glenn Close, soberbia a más no poder con su personificación dramática.

Este acontecimiento, como he comentado en párrafos anteriores supuso un antes y un después en la justicia americana en gente de alta alcurnia y rostros famosos. Porque ser rico o tener fama, no te debe de eximir de tus responsabilidades ante un crimen cometido.

Calificación personal: 7

La cocina del infierno (2019)

 

• Título original: The kitchen
• Año: 2019
• Género: Thriller
• Dirección: Andrea Berloff
• Intérpretes: Melissa McCarthy, Tiffany Haddish, Elisabeth Moss, Domhnall Gleeson, Bill Camp, Margo Martindale, Common, Brian d'Arcy James, James Badge Dale, Jeremy Bobb.
• Guión: Andrea Berloff
• Música: Bryce Dessner
• Fotografía: Maryse Alberti
• Montaje: Christopher Tellefsen
• Vestuario: Sarah Edwards
• Productora: Warner Bros. Pictures

SINOPSIS

Año 1978. Tres mujeres de mediana edad casadas con miembros de la mafia irlandesa se quedan desprotegidas cuando sus maridos son mandados a prisión. Hartas de su situación, deciden tomar las riendas de los negocios de sus maridos y ayudar al vecindario y convertirse en unas mujeres respetadas y con influencia.

CRITICA

Película que fue inédita en España (aunque su tráiler si se llegó a proyectar en las salas españolas) y que se puede ver en diversas plataformas digitales. A pesar de tener un atractivo basado en el trío femenino protagonista, tras visionarla me quedé un poco desconcertada puesto que no llega a enganchar con el público, ya que toda la duración de la película se espera que la trama termine de desarrollarse pero acaba por quedarse en un punto muerto.

Si bien es cierto que muestra el mundo de la mafia irlandesa en un barrio conflictivo de Nueva York (el barrio de Hell's Kitchen) unido al simple hecho de que son mujeres en un mundo de hombres y que toman las riendas de los negocios de sus maridos en un tipo de negocio en donde las mujeres no tienen cabida ya que solo son "las mujeres de...". Al final, obtienen más respeto que sus maridos pero aún así, siguen teniendo cierto rechazo.

Cuando parece que en el momento en el que las mujeres toman el poder, la trama se va desvaneciendo y se pierde el enfoque y un poco más de suspense para saber como se mueven en el mundo de la mafia y no lo termina de conseguir ese toque que se espera, aunque las tres actrices protagonistas tengan peso y fuerza en la historia, sus personajes no terminan de ser potentes.

Al igual que no pasó por las salas españolas, está presente en algunas plataformas pero lo más seguro es que pase sin pena ni gloria hasta que no renueven su derechos de compra. Por casualidad la encontré pero me ha decepcionado para mi desgracia. No quedará en la retina del espectador, tampoco pasará nada. No todas las historias son recordadas.

Calificación personal: 4