Este blog está dedicado a todos aquellos amantes del buen cine. En este blog encontraréis aquellas películas (tanto antiguas como recientes) que más interés han suscitado en mí y mi calificación personal acerca de las mismas. También podeís dejar vuestros comentarios, opiniones o cualquier tipo de información que creáis relevante.
¡Disfrutad cinéfilos!
Al mal tiempo, buen cine...
Queridos lectores y seguidores:
Me permito escribir una líneas para agradeceros a todos (desde todas las partes del mundo) que visitéis mi blog y todo lo que voy publicando. Ante todo comentar que no estoy licenciada en cinematografía pero, doy gracias por haber asistido a cursos y que mis padres me introdujeran al cine con sólo 8 años.
Por eso os animo que escribáis vuestras opiniones sin vergüenza alguna (¡por eso existe la libertad de expresión!) o sugerir cambios o visionados de películas, ya que se convierte en un feedback donde podemos aprender unos de otros.
Para finalizar, gracias una vez más por vuestro tiempo y dedicárselo a mi blog. ¡Seguid disfrutando del cine!
Productora: Lionsgate UK, Hulu, Searchlight pictures
SINOPSIS
Nancy Stokes (Emma Thompson) es una mujer viuda y jubilada que contrata los servicios de Leo Grande (Darryl McCormack), ya que nunca ha tenido un orgasmo en toda su vida. En esa búsqueda sexual, entre ambos empezarán a mostrarse poco a poco como realmente son, sin identidades flasas.
CRITICA
No sé por donde empezar con esta película. Más que nada porque tengo una serie de pensamientos encontrados con lo que pretende predicar esta historia. Por un lado tenemos al personaje de Nancy (maravillosa Emma Thompson) que está luchando contra todos esos estereotipos que se les impone a las mujeres cuando llegan a una determinada edad y como ella intenta romper con esos estereotipos. Y por otro lado está Leo Grande, que encarna lo que muchas mujeres desean pero, promueve la prostitución aunque sea de una forma voluntaria.
El paso del tiempo es algo que todo ser humano experimenta a lo largo de su vida y que suele costar bastante aceptar, sobre todo si se trata de una mujer, ya que a veces está más condicionada por el paso del tiempo y, a nivel sexual no se siente deseada y piensa que ha perdido mucho el tiempo y quiere volver a sentirse mujer en ese sentido. Pero la gran pregunta que planteo es: ¿era necesario que recurriese al sexo del pago para sentirse mujer, sobre todo si ella estaba totalmente en contra de los servicios sexuales? Al final se acaba convirtiendo en una especie de "terapia sexual" en la cual se van intercalando diálogos sobre aspectos sexuales y otras veces sobre la vida personal de ambos.
Por desgracia, a medida que van avanzando los minutos de la película se va haciendo bastante previsible, no solo por el final que está bastante claro, sino también por esos momentos de reflexión íntima en los cuales quieren mostrarse como son y lo que sienten realmente pero, necesitan preservar parte de su intimidad para no sentirse expuestos a la verdad que el otro le está revelando.
El cambio que dan ambos personajes y que muestran la fragilidad de sus corazones es un reflejo que en parte han sido ellos mismos los que han decidido elegir su vida, en parte por su pasado que les han hecho pensar que no merecen nada más que lo que son en realidad, cuando lo que importa es poder cambiar y ser alguien mejor y siempre poder sacar la mejor versión de uno mismo.
A pesar de intentar sacarle aspectos grandiosos a esta película, se me queda a mitad de camino sin poder explicar realmente aspectos profundos de la historia que me hayan llamado la atención. Si que es verdad que Emma Thompson llena la película y rompe con todos esos estereotipos en los cuales dictaminan que una mujer pasados los cuarenta, no merece la pena. Pues en eso, se equivocan.
Doblaje original: Tom Hanks, Tim Allen, Don Rickles, Jim Varney, Wallace Shawn, John Ratzenberger, Annie Potts, John Morris, Laurie Metcalf, Erik Von Detten.
Guión: Andrew Stanton, Joss Whedin, Joel Coen, Alec Sokolow
Música: Randy Newman
Montaje: Robert Gordon, Lee Unkrich
Productora: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures
SINOPSIS
Los juguetes de Andy (un niño de seis años) temen que su final esté cerca con los nuevos regalos que le hagan a Andy por su cumpleaños. A pesar de los miedos, el vaquero Woody (Tom Hanks) les tranquiliza, hasta que aparece Buzz Lightyear (Tim Allen). Entre ambos se generará una rivalidad que irá cambiando hacia una amistad.
CRITICA
La llegada de Toy Story en el año 1995 a los cines cambió por completo la forma de hacer cine de animación. No solo por la tecnología sino también por dejar atrás determinados estereotipos a los que Disney nos tenía acostumbrados. De esta forma, los que crecimos con esta película nos abrieron el mundo a lo que pensábamos cuando éramos pequeños.
Cuando he vuelto a ver de nuevo esta película pensaba que le había hecho la crítica en el blog y cuando revisé que no la había hecho y la verdad es que me produjo mucha ilusión poder plasmar lo que he sentido al volver a verla. Lo primero ha sido poder transportarme de nuevo a mi infancia y como me montaba mis historias con mis juguetes e incluso me llegaba a imaginar que ocurriría si realmente cobrasen vida. Pero, más allá de ese sueño, la película transmitía una serie de valores a los más pequeños.
Se observaba claramente a través de los sentimientos que iban expresando cada uno de los juguetes de Andy que es como nos sentíamos a la larga cuando nosotros éramos niños: un juegue nuevo, dejar de lado a nuestros otros juguetes, comprarnos todo aquello que estaba relacionado con nuestro nuevo juguete, preocuparnos por la pérdida de ese juguete e incluso juntarlos a todos y jugar con aquellos que nos han acompañado a lo largo de nuestra vida y los nuevos. En definitiva, como nos acompañan a lo largo de todo nuestro crecimiento y los buenos recuerdos que tendremos. El contrapunto a todo es el personaje de Sid, el vecino malvado de Andy que se dedica a maltratar juguetes de mil maneras diferentes, un fiel reflejo de la maldad y de como no se valora lo que uno tiene y maltratar aquellas cosas que muchos niños desean: tener un único juguete.
Para concluir, Toy Story no solo nos transmite un mensaje de como cuidar nuestros juguetes y aprovechar esa infancia, sino también de esas amistades que son de verdad y basadas en la sinceridad y en el cariño y en permanecer siempre unidos. Porque al final, tus amigos se terminan convirtiendo en tu familia sin esperarlo.
Intérpretes: William Holden, Sophia Loren, Trevor Howard, Oskar Homolka, Kieron Moore, Bernard Lee, Noel Purcell.
Guión: Carl Foreman
Música: Malcolm Arnold
Fotografía: Oswald Morris
Montaje: Bert Bates
Productora: Open Road Films, Highwoods productions
SINOPSIS
Stella (Sophia Loren) es una mujer que vive en el Londres de la Segunda Guerra Mundial. Con el paso de los años la llave de su casa ha ido de mano en mano con varios amantes, aunque la relación con ellos ha sido fría y distante. Un día llega su vida el capitán David Ross (William Holden) con el que volverá a recuperar la ilusión.
CRITICA
Hay periodos de la historia que marcan profundamente a la humanidad y también, a la hora de hacer cine. Sobre todo si se trata del periodo de la Segunda Guerra Mundial, los americanos supieron sacarle un buen partido (y hoy en día lo siguen explotando). También lo hicieron los británicos para sacar partido a sus producciones. Es lo que ocurre con La llave y con su argumento que no puede ser más misógino desde el principio.
Como suele ser habitual en esas producciones de época, el "elemento" débil es la mujer y como necesita del soporte masculino para salir adelante. Todo esto enmascarado de una forma demasiado sutil a través de un romance un tanto imposible y melodramático. Para poder rellenar gran parte del metraje se introduce en el metraje la labor de los barcos remolcadores de otro y mostrar la peligrosidad de dicho trabajo. Pero no me quiero parar en esa minucia, sino en el triángulo amoroso que se genera. Y en concreto en el personaje de Stella (interpretada por una contenida Sophia Loren).
Realmente ninguno de los dos marineros que conforman ese triángulo con Stella realmente está muy mal enfocado ya que parece que ella es una especie de viuda negra y cada hombre que ha estado con ella termina por fallecer cuando sale a alta mar. La muestran también como una pobre desgraciada que para sobrevivir siempre necesita la compañía de un hombre (si bien es cierto, que en esa época las mujeres eran más vulnerables) y que para que ella no esté sola y sentirse realizada, el amante actual debe de dejarle la llave del apartamento al siguiente.
Desde mi punto de vista no es una película que me aporte algo nuevo en el cine clásico y que se quede en mi retina para recomendársela a alguien. Tampoco es el estilo del director Carol Reed (si, el que hizo El tercer hombre) y a pesar de tener tres actores de gran relevancia, no termina por impactar en el espectador y simplemente es una película más.
Intérpretes: Kristen Bell, Kelsey Grammer, Paul W. Downs, Zach Appelman, Seth Rogen, Leonard Ouzts, Mary Looram, Bret Gelman.
Guión: Lauren Miller
Música: Roger Neill
Fotografía: Seamus Tearney
Montaje: Mollie Goldstein
Productora: Netflix, aBard Production
SINOPSIS
El día de su boda, Rachel (Kristen Bell) es plantada en el altar y allí se encuentra a su padre, Harry (Kelsey Grammer) al que no veía hace veinticinco años. Juntos realizan el viaje de la luna de miel de Rachel y será el momento perfecto para encontrarse de nuevo.
CRITICA
Gran parte de los beneficios que va adquiriendo Netflix con el paso del tiempo es gracias a producciones propias, especialmente en pequeñas películas con una tendencia melodramática o de comedia romántica que le permite posteriormente hacer grandes inversiones en otros proyectos. De esta forma, estrenan película semanalmente y son siempre de un corte entretenido, como es el caso de Hija de su padre.
Además de realizar este tipo de películas pretenden mandar algún tipo de mensaje a través de las historias que cuentan. En el caso de este filme se observa de forma clara como el paso del tiempo ha marcado a un padre y a su hija tras veinticinco años sin verse y que, por circunstancias dolorosas para ambos, se van juntos en un crucero.
En ese viaje se encontrarán un poco a sí mismos y el poder establecer de nuevo vínculos. Pero, ¿qué es lo que realmente pasa con esta película? Pues que ya hemos visto en múltiples ocasiones este tipo de historias y de múltiples formas. Por lo tanto, no reflejan nada nuevo, salvo que en este caso ambos personajes están obsesionado con su trabajo de tal manera que no terminan de disfrutar de la familia, de un viaje o que no son capaces de desconectar y terminan por alejar a las personas más importantes de su vida y eso a la larga pasa factura.
Como ocurren con muchas películas que sacan en las plataformas de vídeo bajo demanda, es una más del catálogo que se puede ver si se quiere pasar un rato entretenido sin tener que pensar demasiado y poder despejar la mente pero tampoco es una película grandiosa. Solo una más de Netflix.
Doblaje original: Sam Rockwell, Marc Maron, Anthony Ramos, Awkwafina, Craig Robinson, Richard Ayoade, Zazie Beetz, Alex Bornstein, Lilly Singh.
Guión: Etan Cohen
Música: Daniel Pemberton
Montaje: John Venzon
Productora: DreamWorks Animation
SINOPSIS
El señor Lobo, el señor Serpiente, el señor Tiburón, el señor Piraña y la señora Tarántula, son cinco delincuentes que tienen una oportunidad de transformarse en tipos buenos con la ayuda de una adorable cobaya. ¿Podrán conseguirlo?
CRITICA
En los últimos diez años (aproximadamente) la tendencia que tenían las películas de animación estaba más enfocada al público infantil pero, lo que buscan al final es que sirvan para entretener a los más pequeños y a los no tan pequeños y centrarse sobre todo en mostrar una serie de valores que son necesarios en los seres humanos. Pero en este caso lo hacen a través de personajes infantiles cuya trayectoria nunca ha sido positiva.
Lo que intenta transmitir con esta película es que la gente mala puede cambiar y convertirse en alguien bueno pero, también la gente buena no siempre lo es realmente y puede tener sus momentos de maldad. Esta premisa que se plantea en el guión viene marcada con momentos cómicos entre los diferentes personajes para hacer esa conversión de la maldad a la bondad. También destaca la famosa frase "las apariencias engañan", ya que no siempre todo el mundo es quien dice ser en realidad. Es decir, que ni el malo es realmente tan malo ni el bueno es realmente bueno.
Aunque no es una película grandiosa, si que es verdad que sale un poco de los estándares habituales de la animación y parece ser que le da un soplo de aire fresco a la productora DreamWorks. Es entretenida y con algunos momentos cómicos. Ideal para pasar el rato en familia.
Atticus Finch (Gregory Peck) es un abogado viudo con dos hijos. Un día, el juez del pueblo de la ciudad sureña en la que vive, le pide que defienda a un hombre negro acusado de violar a una mujer blanca. Atticus acepta el caso, lo que va a provocar un cambio en su vida y en la de sus hijos.
CRITICA
Esta película está catalogada como una de las mejores de la historia, y la verdad es que, debido a todo lo que relata, merece estar en esa categoría. Por un lado, no solo es una de las mejores adaptaciones al cine, sino que en la época en la que se estrenó reflejaba muy bien la denuncia racial, los derechos civiles, la igualdad, la amistad y la empatía. Todo esto se refleja a través de un viudo con dos hijos y todo lo que les va sucediendo.
Aunque parece que la historia que pretende contar es a través de los ojos de Scout (la hija del abogado Atticus Finch), lo que nos muestra son historias cruzadas en donde las apariencias físicas es lo que cuenta y lo que realmente determina la identidad de un hombre. A pesar de ser una película que se estrenó hace más de sesenta años su esencia sigue perdurando al igual que el libro en el que se basa.
Parece que trata temas sociales pasado pero realmente siguen estando vigentes hoy en día. A raíz de que a Atticus Finch le asignan la defensa de un hombre negro acusado de violación, empiezan a salir a la luz los verdaderos "yoes" de la gente que vive en el pueblo sureño. Comienzan a despreciar a Atticus, le amenazan a el y a su familia e incluso al acusado. Todo esto ocurre sin perder de vista a Scout y a su hermano Jem, que a pesar de ser unos niños han visto obrar a su padre de una forma recta y darse también cuenta de que la bondad de una persona no viene definida por el color de la piel. Ese aspecto se observa de una forma clara en el momento en el que ambos hermanos se suben al primer piso del juzgado que es donde se encuentran todos los hombres de raza negra, lo que demuestra esa segregación racial y el hacer de menos a otros seres humanos.
Otro de los aspectos que también se mencionan es la figura que representa Atticus Finch. Es David luchando contra miles de Goliat y donde él, sigue luchando con el arma más poderosa que tiene, que son sus principios. Por eso, el juez del pueblo va a visitarle y le pide que defienda al acusado porque conoce la nobleza de sus actos y es el único que va a actuar sin ningún tipo de prejuicio. Esto provoca que tanto Scout como Jem estén orgullosos de su padre porque nunca pierde la compostura.
Para evitar hacer spoiler, el espectador sabrá como terminará la película o más directamente todo aquello relacionado con el juicio. Por lo que nos viene a decir que la justicia no es sorda ni ciega, pero que muchas veces se mueve hacia el lado que más le interesa y le conviene para evitar cualquier tipo de problema. Lo que se puede resumir en que los que menos tienen siempre se ven más perjudicados y los que más tienen, beneficiados.
A modo podemos concluir que esta película enseña valiosas lecciones de vida: integridad humana, el sentido del deber, la honestidad, ser fiel a unos principios, saber vivir en comunidad y evitar los prejuicios. Sabemos que hay mucha maldad en el mundo y que siempre la habrá pero, entre tanta zarza siempre crece una espiga de trigo.
Intérpretes: Pablo Chiapella, Carlos Santos, Fran Perea, Esther Acebo, Jorge Cremades, María Botto, Carlos Areces, Paulo Pires, Kira Miró.
Guión: Antonio Mercero, Juana Macías, Daniel Corpas.
Música: Carolina Fontecha, Aida Ten
Fotografía: Alfonso Segura.
Productora: Pecado Films, La Claqueta PC, Sony Pictures España.
SINOPSIS
Tres amigos que se acercan a la cuarentena tienen que viajar a Río de Janeiro para reconocer el cuerpo de un viejo amigo. Pero cuando llegan a la ciudad brasileña, la situación se complica al descubrir que el muerto no está realmente muerto.
CRITICA
De vez en cuando al espectador le gusta pasar un rato entretenido y evadirse con una película cómica pero muchas veces, las comedias puedan resultar un poco aburridas o empiezan bien y su ritmo gracioso va decayendo a medida que pasan lo minutos. Por otro lado el intentar hacer una copia de un éxito americano o intentar emularlo, no es la mejor opción, sobre todo porque se pierde la esencia del verdadero cine español.
En el caso de esta película a medida que pasan los minutos va perdiendo fuerza y al final, todos y cada uno de los chistes que aparecen no hacen gracias o los meten con calzador para hacer la historia más ligera, pero realmente cuesta. A pesar de que la elección del reparto es muy certero, el guión es bastante flojo y no consiguen sacarlo adelante.
Al igual que me ha pasado en otras películas hay veces que cuando una películas no te dice gran cosa o no hay una gran profundidad en ella, dedicarle unas líneas de más en mi crítica puesto que ha pasado por mi retina sin pena ni gloria y no creo que se la recomiendo a nadie en un futuro.
Intérpretes: Bette Davis, Ernest Borgnine, Debbie Reynolds, Barry Fitzgerald, Rod Taylor, Robert Simon, Madge Kennedy, Rick Stricklyn.
Guión: Gore Vidal
Música: André Previn
Fotografía: John Alton
Montaje: Gene Ruggiero, Frank Santillo
Productora: Metro Goldwyn Meyer
SINOPSIS
Jane Hurley (Debbie Reynolds) le anuncia a sus padres Agnes (Bette Davis) y Tom (Ernest Borgnine) que se va a casar y que desea una ceremonia íntima. A pesar de los pocos recursos económicos, Agnes querrá darle a su hija la boda que se merece.
CRITICA
Aunque el anuncio de un compromiso matrimonial siempre debe de ser motivo de alegría pero a veces, esa emoción muestra la realidad de una familia y la importancia de mantenerse unido y que demostrar a los demás la grandeza de un evento, no te hace ser mejor persona. Por eso, todos y cada uno de los personajes que aparecen en la película, no tienen ni un desperdicio y por eso es interesante poder analizarlos uno a uno y ver la esencia. Habla sobre diferencias generacionales, el amor y la realidad de enfrentarse al día al día.
Por un lado está Jane (Debbie Reynolds) que comunica a sus padres que se va a casar y que desea que su boda sea sencilla y algo muy íntimo pero, está su madre Agnes (Bette Davis) que desea que la boda sea grandiosa ya que los padres de su futuro yerno piensan que el amor que se tienen se debe de mostrar con un evento grandioso. Ante este acontecimiento, su marido Tom (Ernest Borgnine) está agobiado por el dinero y pensar que todo el esfuerzo de ahorrar durante mucho tiempo para tener un taxi propio y ver como su mujer está descontrolada porque no le escucha a el ni a su hija. Esto provoca que Jane termine por ceder a los deseos de su madre, pero también está siendo infeliz. Por otro lado, Agnes piensa que el ser una familia es realizar un banquete fastuoso. Todo esto se traduce en que Agnes tiene un miedo terrible a la soledad porque nunca ha estado sola y da a entender que el que sus hijos se vayan y se queden ella y su marido, es símbolo de que la familia se rompe o pensar que si no le da a sus hijos todo lo que ella no pudo tener, su hija no será feliz en su matrimonio.
En el momento en el que Jane le deja a Agnes las cosas claras y su marido le recuerda que el también cuenta y que el sigue ahí a pesar de que sus hijos no estén y que a lo mejor es el momento de que puedan estar solos ya que nunca lo han estado y puede ser que ese sea su momento. Porque también lo necesitan y eso es importante.
Lo que al final nos quiere transmitir las película es que los progenitores tuvieron una vida dura y el que no hayan podido darles estudios a los hijos, no significa que hayan sido malos padres. Siempre han estado pendientes de todo el mundo y han acogido a todo aquel que lo ha necesitado y que no hace falta hacer cosas muy fastuosas para demostrar cuanto vales. La valía está asociada con el valor humano, no con cuantas cosas hay que tener.
Intérpretes: Jordi Sánchez, Carlos Areces, Silvia Abril, Loles León, Carmina Barrios, Pilar Bergés, Saturnino García.
Guión: Jordi Sánchez, Pep Antón Gómez
Música: Isabel Royán.
Productora: Feel Good Media, Kowalski Films, Movistar +, RTVE.
SINOPSIS
Carlos (Carlos Areces) y Paco (Jordi Sánchez) son dos hermanos que se acaban de unir pensando que su madre se había muerto, pero al ver que no es cierto intentan urdir un plan para poder cobrar la herencia. Si no se lo impiden las tres y únicas vecinas que viven en el edificio.
CRITICA
Si no recuerdo mal, en muchas ocasiones defiendo a capa y espada el cine español reconociendo su valía y su calidad pero, al igual que el cine americano hay veces que algunas películas patinan bastante y no consiguen sacarle todo el potencial que merecen. Es el caso de Alimañas, cuya vertiente cómica no termina de despegar del todo y va desinflándose poco a poco a medida que va avanzando el metraje.
La premisa con la que pretende enganchar al espectador es muy potente pero cuando van apareciendo todos los personajes y compartiendo escenas, se nota a simple vista la falta de química entre el elenco e intentar forzar situaciones cómicas que no generan ni una sola carcajada. En definitiva, arriesga poco. No intenta llegar a ser una comedia negra como las que suele hacer el director Álex de la Iglesia o incluso las tres vecinas deberían de sacar su vena maligna para evitar quedarse sin su casa.
En todo ese ir de venir en el que los dos hermanos quieren heredar los bienes de su madre, las vecinas que no quieren perder su casa y los dos ocupas se entremezclan en una comedia sin mucho fuelle y sin tener mucho más que decir por mi parte. Salvo que a veces no es oro todo lo que reluce en el cine español (aunque hay que seguir apoyándolo).
Intérpretes: Jane Fonda, Donald Sutherland, Charles Cioffi, Roy Scheider, Dorothy Tristan, Rita Gam, Nathan George, Vivian Nathan.
Guión: Andy Lewis, Dave P. Lewis
Música: Michael Small
Fotografía: Gordon Willis
Montaje: Carl Lerner
Vestuario: Ann Roth
Productora: Gus Productions, Warner Bros Pictures
SINOPSIS
El agente Klute (Donald Sutherland) sigue las pistas de unas cartas de un amigo suyo que ha desaparecido en Nueva York. Una de esas cartas le lleva hasta Bree (Jane Fonda) una prostituta que intentará ayudarle en la búsqueda de su amigo.
CRITICA
Desde hacía mucho tiempo deseaba ver esta película, sobre todo por la fama que la precedía a la interpretación de Jane Fonda. Más allá de esa fama, lo que viene a demostrar es el control sobre las mujeres por medio de la explotación sexual en mujeres simplemente por buscar un momento de placer.
La historia comienza por la búsqueda de un hombre de negocios que ha desaparecido y lo último que se sabe de el es que estuvo con una mujer. A la hora de ir haciendo averiguaciones, el detective que ha sido contratado para ello busca la ayuda de una prostituta cuyos clientes son hombres de buena posición económica. A pesar de ser un thriller, desea mostrarle al espectador el mundo que hay realmente detrás de la prostitución y cual es el destino de muchas mujeres al introducirse en ese mundo.
Se ve claramente reflejado en el personaje de Bree (magistralmente interpretado por Jane Fonda) la cual intenta salir de esa vorágine intentando llevar un trabajo más honrado pero, intentar sobrevivir la hace recurrir a la prostitución, siendo ella consciente que diciéndoles cuatro palabras bonitas a los hombres caen realmente rendidos ante sus encantos; y otros simplemente quieren su compañía sin tener que recurrir al sexo como moneda de cambio. Bree es consciente de todo esto e intentar dejarlo es algo difícil puesto que desea algo mejor para ella y ser algo más en la vida.
De una forma no tan clara, el director convierte al espectador en un auténtico voyeur (pero sin la connotación sexual) al observar todos y cada uno de los escenarios en los que Bree aparece y termina por se el deseo sexual de todos los hombres que aparecen en la pantalla rompiendo por completo todo momento de intimidad para la protagonista; la cual intenta huir de su vida pero que al final la acaba persiguiendo. Por lo que su intimidad termina por ser perseguida y está en peligro constante. Y al final es una reclamación política de la vulneración de la privacidad.
Intérpretes: Deborah Kerr, Hayley Mills, John Mills, Edith Evans, Felix Aylmer, Elizabeth Sellars, Lally Bowers.
Guión: John Michael Hayes
Música: Malcolm Arnold
Fotografía: Arthur Ibbetson
Productora: Universal Pictures, Ross Hunter Productions
SINOPSIS
La señora Maugham (Edith Evans) busca institutriz para su nieta Laurel (Hayley Mills), la cual es una adolescente rebelde y consentida; hasta que llega la señorita Madrigal (Deborah Kerr). Por lo que, para intentar seguir con su vida, Laurel hará todo lo posible para descubrir el pasado de la señorita Madrigal.
CRITICA
Hay películas que desde el principio tienen una atmósfera extraña, la cual es difícil de disipar a medida que van pasando los minutos y hace que al espectador le cueste entrar en la historia y no sepa realmente cual es el propósito de lo que se desea contar y que al final la ambigüedad de los personajes se quede en un punto muerto sin retorno.
Entrando ya en materia, la idea que se le quiere reflejar al espectador es el idílico lugar en donde se va a desarrollar la trama. Sin embargo, el jardín está yermo y a pesar de los intentos de la dueña por que crezca algo, sirve como metáfora para reflejar que todas y cada una de las personas que viven en esa casa, tienen algo muerto en su vida (hablando de forma metafórica) y que evita que puedan crecer a nivel humano. Se ve reflejado claramente en los tres personajes femeninos. En primer lugar estaría la joven Laurel que se revela ante todo y ante todos debido al abandono de su madre, o eso es lo que le ha hecho creer su abuela (la segunda en cuestión) para la cual el prestigio y el buen nombre es lo más importante en la vida de toda mujer. Para evitar también que haya un futuro enfrentamiento entre ambas está la señorita Madrigal cuya función será la de ejercer de institutriz de la joven Laurel, puesto que ve en ella un reflejo de su juventud y sabe que el camino que está tomando no es el correcto.
Las diferentes situaciones que se van abordando a lo largo de la película, muestran las fragilidades de tres mujeres en diferentes etapas de la vida y que al no tener amor en sus vidas, intentar mostrar indiferencia ante cualquier situación para así evitar reflejar la vulnerabilidad de no sentirse amadas en el pasado. Por eso, la señorita Madrigal intente que Laurel no llegue a ese punto sabiendo que realmente su madre si la quiere pero que su odio que se ha enraizado en su interior, es más fuerte que el ver la realidad.
En definitiva, Mujer sin pasado es un melodrama donde todos y cada uno de sus personajes están rodeados por un halo de misterio el cual no termina por resolverse; acompañado de las emociones mostradas por los personajes así como la atmósfera extraña mencionada anteriormente. Para al final no saber que es lo que ocurrió en la mansión, que ocurre realmente y que les ha ocurrido a los personajes para que actúen de la forma en la que actúan.
Intérpretes: Glenn Close, Mila Kunis, Stephen Root, Joshua Leonard, Sam Hennings, Michael Hyatt, Carlos Laccamara, Rebecca Field.
Guión: Rodrigo García, Eli Saslow
Música: Edward Shearmur
Fotografía: Igor Jadue-Lillo
Montaje: Laura Connelly
Productora: Productivity Media, Indigenous Media, Oakhurst Entertainment
SINOPSIS
Tras diez años consumiendo opioides, Molly (Mila Kunis) recurre a su madre Deb (Glenn Close) para que la ayude a desintoxicarse, pero Deb le pone una condición: que vuelva cuando esté limpia. Cuando parece que la situación va bien, Molly debe de estar siete días sin drogarse para que la pongan una inyección. En estos días, la relación madre e hija se pondrá a prueba.
CRITICA
Siempre que descubro una película que no ha tenido mucha repercusión en taquilla y no se le ha hecho una promoción justa, me gusta darle su hueco correspondiente en mi blog. De ahí que al ver la película 4 días me haya impactado el dúo femenino interpretativo y tratar un tema que siempre es un tanto peliagudo: la drogadicción.
Desde el minuto uno de la película se trata sin miramientos las consecuencias de la drogadicción (en otras películas nos van mostrando el deterioro progresivo del personaje por el consumo de estupefacientes) y la virulencia de ese rechazo por parte de Deb hacia Molly. Este choque provocado hacia la mirada del espectador puede generar cierto inconformismo, ya que se muestra un cierto rechazo directo a Deb por no ayudar a su propia hija. Pero, en los siguientes minutos del metraje vemos claramente como ha sido Molly la que ha provocado que su propia madre haya puesto determinados límites en lo que se refiere a su relación materno-filial. Sabiendo que se parte de esta premisa, vamos a desarrollar de una forma antropológica lo que realmente reflejan estos dos personajes.
Empezamos por Molly. Mujer joven adicta a los opioides debido a una lesión de rodilla. Su estado físico es deplorable (extremadamente delgada, sin dientes, aspecto desaliñado, falta de higiene personal) que decide recurrir a su madre para desengancharse y como es lógico, su madre no la cree puesto que lo ha "intentado" diecisiete veces (que se dice pronto). Pero parece que esta vez va en serio gracias a una inyección, eso si, debe de estar sin consumir ninguna droga durante siete días, de los cuales cuatro debe de ser en casa con su madre. Molly refleja las ganas de cambiar y progresar, intentar recuperar su vida y no verse a si misma como un despojo humano. Sin embargo, ella reincide en que si consume, no verá lo desastrosa que es su vida; la cual hasta cierto punto ella se ha encargado de destruirla y provocando que su familia se aleje de ella. Al ver todo esto, el espectador se puede preguntar hasta que punto realmente es Deb la culpable de que Molly sea drogadicta o es la propia Molly la que se ha buscado su ruina diecisiete veces seguidas. De esta forma entra Deb, una mujer que a pesar de mostrar una actitud fuerte, el dolor que siente es real.
Deb es una mujer que sigue trabajando a pesar de tener una edad. Parece que tiene una vida tranquila y sencilla hasta que irrumpe su hija Molly, por lo que el mundo de Deb se viene abajo al recordar las contadas ocasiones que su hija le robó dinero, la mintió, las veces que intentó desengancharse, el inicio de Molly en las drogas e incluso su propio pasado; lo cual le hace cuestionarse si realmente ejerció como madre y, si la culpa de que Molly sea una drogadicta es por su culpa. En el transcurso de esos siete días debe de lidiar con su conciencia y con los reproches mutuos que se hacen su hija y ella para que al final el espectador pueda llegar a una conclusión sobre Deb: está sola en todo lo que concierne a Molly y lo ha hecho lo mejor que ha podido y sin darle la espalda a su hija.
Al final, tanto Molly como Deb muestran el lado humano no solo en los momentos alegres, sino también en los momentos extremadamente duros entre ellas dos. Esto es posible gracias a la interpretación magistral de ambas actrices. La grandiosa Glenn Close nos tiene más que acostumbrados a interpretaciones que dejan sin aliento pero, el descubrimiento de la faceta interpretativa de Mila Kunis realmente quita el hipo también en lo que a su aspecto físico se refiere; por lo que me da pena que ambas no obtuviesen el reconocimiento merecido por parte de la Academia de Hollywood en los premios Oscar. Por lo que confirma mi teoría de que los premios no siempre lo son todo.
Es una joya del cine independiente que debe de ser saboreada en todos y en cada uno de sus planos. En todos los matices humanos. En el mundo peligroso de la drogadicción, sobre todo de aquellas personas que se dedican a traficar y vender droga. No solo con esta película se ve el reflejo de ese mundo sórdido, también gracias a la serie de The Wire, vimos la realidad de la destrucción del ser humano.
Doblaje original: Idina Menzel, Kristen Bell, Jonathan Groff, Josh Gad, Alfred Molina, Evan Rachel Wood, Ciarán Hinds, Sterling K. Brown.
Guión: Jennifer Lee
Música: Kristen Anderson-Lopez
Fotografía: Tracy Scott Beattie, Mohit Kallianpur
Montaje: Jeff Draheim
Productora: Walt Disney Pictures, Walt Disney Animation Studios
SINOPSIS
Elsa se ha preguntado siempre de donde provienen sus poderes. Para ello junto a Anna, Kristoff, Sven y Olaf; Elsa realiza un viaje hacia el interior del bosque para evitar que Arendelle pueda ser destruido pensando si sus poderes serán suficientes.
CRITICA
Creo que en más de una ocasión he comentado en alguna que otra entrada del blog, la tendencia de Hollywood de aprovecharse de un éxito de taquilla y de ahí, poder explotar grabando secuelas, cortos y multitud de eventos fílmicos. Lo mismo ha pasado que a raíz de Frozen: El reino de hielo (ver crítica en este blog) hicieran su secuela, la cual no es igual de potente pero si que hay diferentes elementos argumentales que la hacen un tanto interesante.
Como ocurrió en la primera película, los personajes femeninos son los que más carga argumental tienen resaltando de nuevo el valor de la unión entre las dos hermanas y como ponen su relación fraternal por encima de cualquier otra cosa. Este aspecto se ve claramente reflejado en las decisiones que tiene que tomar Elsa para salvar Arendelle y como Anna no depende de Kristoff para tomar una decisión (por mucha relación de noviazgo que tengan).
Al final todo se acaba relacionando con algo tan importante como es la naturaleza. Es decir, el equilibrio que se debe de establecer entre el ser humano y ésta. Se debe principalmente a que el ser humano debe de convivir con la naturaleza y no destruirla ni tampoco a los seres vivos, al igual que el cuidado de las diferentes tribus indígenas que puedan vivir en los entornos naturales y no acabar con ellos. Por lo que al final, el alegato claro de la película es el ecologismo y como el ser humano ha sido (y es) agente de cambio pero para mal. Y que al final, hay que establecer esa convivencia. Aunque este aspecto los quiera relacionar con la responsabilidad, el cuidado y cariño hacia los demás; que lo viene a recordar my bien el personaje de Olaf, que da el punto cómico a esta historia para que los más pequeños la puedan disfrutar.
Título original: R.I.P.D. Rest in Peace Department
Año: 2013
Género: Acción, comedia negra
Dirección: Robert Schwentke
Intérpretes: Ryan Reynolds, Jeff Bridges, Kevin Bacon, Maru-Louise Parker, Stéphanie Szostak, Marisa Miller, James Hong, Devin Ratray.
Guión: Phil Hay, Matt Manfredi
Música: Christophe Beck
Fotografía: Alwin H. Küchler
Montaje: Mark Helfrich
Productora: Dark Horse Entertainment, Original Film
SINOPSIS
Nick (Ryan Reynolds) es un policía que acaba de morir asesinado a manos de su compañero Bobby (Kevin Bacon). Tras su muerte, Nick empieza a trabajar para el Departamento de Policía Mortal, evitando que los muertos invadan el mundo de los vivos. Para ello le asignan a Roy (Jeff Bridges), un policía del viejo Oeste que no ve con buenos ojos la llegada de Nick al cuerpo.
CRITICA
De vez en cuando hay películas de las cuales se tiene mucha expectativa y cuando la terminas de ver, te das un golpe de realidad al saber que has gastado unas horas en ver una auténtica basura. Es exactamente lo que me pasó al ver R.I.P.D. Departamento de Policía Mortal, donde realmente acabas muerto del aburrimiento. En parte porque intenta emular de una forma cómica a la película Ghost (protagonizada por Patrick Swayze y Demi Moore) pero estrellándose de una forma bastante estrepitosa.
La historia es bastante previsible en lo referente al personaje de Nick puesto que quiere redimirse de alguna forma en el más allá lo que no pudo hacer en vida. No le resulta nada fácil ya que le han asignado a un compañero de la época del Oeste, lo que provoca que ambos choquen en sus respectivos caracteres. Pero, esta situación se hace insostenible cuando todas y cada una de las bromas son una copia de la anterior, provocando cierto aburrimiento en el espectador. Si a esto le unimos que los efectos especiales son un desastre manifiesto, la poca química entre la dupla Reynolds-Bridges y que todas y cada una de las acciones se ven bastante forzadas.
En definitiva, todo el guión es muy lineal sin que haya ningún giro que pueda sorprender al espectador y donde los tópicos cómicos se han explotado en todas y cada una de sus vertientes. Para finalizar diría que a ver si dejan de darle este tipo de papeles a Ryan Reynolds, ya que tiene un enorme potencial para poder sacar su lado dramático.
Intérpretes: Joan Crawford, Jack Palance, Gloria Grahame, Bruce Bennett, Virginia Huston, Mike Connors.
Guión: Lenore J. Coffee, Robert Smith
Música: Elmer Bernstein
Fotografía: Charles Lang
Montaje: Leon Barsha
Productora: RKO Pictures, Joseph Kaufmann Productions
SINOPSIS
Myra (Joan Crawford) es una reputada escritora de obras de teatro que triunfa en Brodway. Hasta que un día tiene un pequeño encontronazo con el actor Lester Blaine (Jack Palance). Aunque terminan por resolver sus diferencias y terminan casándose, nada es idílico en la nueva vida de Mayra.
CRITICA
Cada vez que veo una película de cine clásico, me entra un cosquilleo agradable porque se que paso un rato muy entretenido y nunca me decepciona, además de mantenerme en tensión, es que la película es realmente buena. Con Miedo súbito el espectador no queda indiferente ante este noir acerca de una mujer realizada a si misma y como solía ocurrir en historias de este calibre, el hombre no salía muy bien parado. Vamos a profundizar un poco más en toda esta historia.
Inicialmente nos presentan a una mujer (Myra) que a pesar de tener una gran herencia, es también una prolífica escritora de obras de teatro. Pero, la situación se tuerce cuando en el casting de su última obra decide que el actor principal no participe en la obra. Como es lógico, esta situación provoca que el actor se enfurezca con ella por su desprecio. Lo que ocurre al final es que ambos se enamoran y terminan casándose y de alguna forma, están felices con la vida que llevan. Pero nada es lo que parece en ese idílico matrimonio cuando Myra descubre las verdaderas intenciones de su marido. A partir de ese descubrimiento, aparecen los elementos del thriller.
A simple vista puede parecer otra historia simplona o simplemente un melodrama más pero, a cada minuto que pasa de esta historia permite deleitar al espectador con todos y cada uno de los movimientos que realiza Myra para evitar que su marido lleve a cabo su plan. Así, de una forma clara y contundente se observa lo que va ocurriendo y evitando que quede ningún cabo suelto.
En su momento fue una película que pasó un poco desapercibida por las salas de cine, si bien recibió cuatro nominaciones a los premios Oscar; y fue gracias a una restauración unas décadas más tarde por lo que volvió a adquirir popularidad. Independientemente de estos factores, una grandiosa Joan Crawford se mueve como pez en el agua con este papel el cual tiene su parte romántica (a veces melodramática) y su parte terrorífica y que acrecentaba echándose boro en los ojos para darles un aspecto más vidrioso y consiguiendo que el espectador quede hipnotizado. Por todo lo escrito anteriormente, es una historia que no deja indiferente y donde se respira un verdadero ambiente del thriller clásico.
Intérpretes: Cillian Murphy, Emily Blunt, Matt Damon, Robert Downey Jr., Josh Harnett, Jason Clarke, Florence Pugh, Tony Goldwyn, Dane DeHaan, Alden Ehrenreich, Benny Safdie, Kenneth Branagh, Jack Quaid, Josh Peck, Rami Malek, Olivia Thirlby.
Guión: Christopher Nolan
Música: Ludwig Göransson
Fotografía: Hoyte van Hoytema
Montaje: Jennifer Lame
Vestuario: Ellen Mirojnick
Productora: Universal, Atlas Entertainment, Syncopy Inc.
SINOPSIS
Durante la Segunda Guerra Mundial, el físico J. Robert Oppenheimer (Cillian Murphy) lidera el famoso Proyecto Manhattan para poder parar a Hitler creando la primera bomba atómica. Pero los planes cambian cuando Hitler se suicida y se decide aplicar la bomba en Japón.
CRITICA
Desde que hice el blog hace doces años siempre he hecho críticas extensas, pero creo que Oppenheimer se va a llevar la palma. Porque más allá de conocer parte de la vida del creador de la bomba atómica, hay otros elementos muy interesantes en las tres horas de duración. Se observa la corrupción, la carrera armamentística, el abuso de poder y el prestigio por la destrucción. Por otro lado, creo que es recomendable comentar algunos aspectos (aunque sea brevemente) sobre ese periodo de la historia y los conceptos de física que fraguaron la primera arma de destrucción masiva. Y a continuación, trataremos todos los temas morales que plantea la película.
Primeramente, es importante destacar que tras la Primera Guerra Mundial Alemania salió muy tocada y Rusia había realizado la famosa Revolución Bolchevique. Hasta que comenzó la Segunda Guerra Mundial en el año 1939, Japón entraba en conflicto con China en 1937 y Rusia intentaba hacerse un hueco a nivel armamentístico. Ya comenzada la guerra, el miedo del mundo era que Hitler pudiese hacerse con toda Europa (e incluso llegar hasta Asia) y de alguna forma había que pararle los pies. Para ello, el científico Albert Einstein le comentó al presidente Roosvelt que habría que crear una bomba para poder frenar el ataque de los nazis. Hasta que no se vio el avance claro del dictador alemán no pusieron en práctica el crear la bomba y para ello contrataron al científico J. Robert Oppenheimer para llevar a cabo su fabricación. Y en todo esto, ¿qué pintan Japón y Rusia en todo esto? Pues tan sencillo como que Rusia se "aliaba" con Estados Unidos para esa creación de la bomba, y Japón, aprovechó para realizar el ataque a Pearl Harbour, lo que provocaba que Estados Unidos tuviera dos frentes abiertos. Por lo que, si Hitler había caído la otra alternativa era utilizarla contra el país nipón. Y la segunda pregunta, ¿cómo se creaba la bomba atómica? Utilizando elementos radioactivos que mediante la fisión (es la rotura en átomos más pequeños) que con la ayuda de un detonador se generaba al explosión, causando miles de muertos y los que no morían, lo harían más tarde debido a la radiación. Por lo que, con esta explicación nos cuenta todo lo que se llevó a cabo en Estados Unidos y las consecuencias posteriores.
Me parece que es una película que trata de una forma breve y concisa todo lo detallado en el párrafo anterior para que el espectador pueda ubicarse, sino también todas las implicaciones sociales y bélicas que se generó y que al final, Estados Unidos queda como el país heroico y termina por despreciar a todo aquel que le haya ayudado. Porque no usaron a Oppenheimer para la creación de la bomba, sino a muchos otros científicos europeos que habían huido de la guerra y a los que les dieron ciudadanía estadounidense; pero, les tenían completamente controlados con respecto a sus actividades políticas y también, el poder culparles si algo salía mal llegando al extremo del desprestigio más absoluto. El ansia de querer ser el primero en crear un arma de destrucción masiva ha traído consecuencias. No solo la muerte de millones de japoneses sino que en la actualidad haya nueves países con bombas nucleares: Estados Unidos, Rusia, Pakistán, India, Francia, Reino Unido, Corea del Norte, China e Israel.
Por lo que se nos plantea una duda al espectador, tanto Oppenheimer como el resto de científicos que formaron parte del Proyecto Manhattan (la creación de la bomba) que son realmente: ¿héroes o villanos? ¿Hasta que punto podrían tener objeción de conciencia? ¿Sólo estaban poniendo en práctica todos sus estudios? ¿Buscaban el éxito o reconocimiento? ¿Qué pasó después con muchos de ellos? ¿Les utilizaron a todos ellos porque tenían conocimientos sobre física cuántica? Algunas de estas preguntas se responden a medida que se van haciendo los avances. Se ve claramente en comentarios que hace el general Grooves sobre el gasto, las disconformidad de algunos físicos, la persecución a gente que apoyaba a los trabajadores (sin necesidad de pertenecer al Partido Comunista) o el juicio al que someten a Oppenheimer tras haber conseguido lo que necesitaban (manipulando a testigos, falsear documentación y desprestigiarle públicamente) y posteriormente querer arreglarlo. Ni mucho menos, le hace ser un héroe, pero tampoco es un villano. Lo bueno es que, para evitar que la mentira salga adelante, el director de fotografía hace un excelente contraste entre lo que es verdad y lo que es mentira, puesto que cuando los planos hacen referencia a Oppenheimer, son planos a color, mientras que si son planos de los momentos de Lewis Strauss, son el blanco uy negro; lo que podemos interpretar que las mentiras que decía Strauss eran para conseguir el poder y sus movimientos son muy turbios. Sin embargo, en los de Oppenheimer, él comenta todo hasta sus infidelidades, por lo que no oculta nada por muy duro que sea todo.
Para concluir, desde mi punto de vista es increíble la calidad del guión, de los paisajes, la fotografía, los decorados, la rigurosidad histórica y el elenco actoral. Cillian Murphy se mimetiza completamente con su personaje al igual que Robert Downey Jr que está espectacular y que le vemos ya muy alejado del personaje de Iron Man de Marvel, y Emily Blunt que está inmensa; lo que favorece también el ritmo ligero de la película a pesar de su ciento ochenta minutos de duración. Es un película de pleno disfrute pero que provoca que el espectador piense realmente en que el poder en sus múltiples facetas es una de las peores lacras de la humanidad.
Intérpretes: Hugh Jackman, Laura Dern, Vanessa Kirby, Zen McGrath, Anthony Hopkins, Hugh Quarsire.
Guión: Florian Zeller, Christopher Hampton
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Ben Smithard
Montaje: Yorgos Lamprinos
Productora: STX Films, Ingenious Media, Cross City Films, Film 4
SINOPSIS
Peter (Hugh Jackman) lleva una vida ajetreada con su novia Beth (Vanessa Kirby) y su hijo. Un día llama a su puerta su exmujer Kate (Laura Dern) que le comenta que el hijo que tienen en común, Nicholas (Zen McGrath) lleva un mes faltando al instituto y que no se encuentra bien. La vida de todos ellos cambia por completo.
CRITICA
En más de una ocasión en el cine se ha mencionado el tema del suicidio pero de una forma más indirecta. Es decir, que algún personaje que se encontraba en un grupo de apoyo mencionaba que había perdido a su hijo o a su hija por el suicidio, pero nunca se había tratado el tema tan directamente como en esta película y como afecta el que una persona padezca depresión a todos los que están a su alrededor.
Primeramente, hay que comentar que se parte de una situación complicada para un adolescente: el divorcio de sus padres. Y que a pesar de que siempre hay que mirar por los hijos en una separación, los adultos son los que terminan por comportarse de una forma infantil. Pero esto no es lo que interesa, sino que a pesar de esa separación Peter y Kate (sin palabras para describir el increíble trabajo de Hugh Jackman y de Laura Dern) intentan entenderse para poder ayudar al hijo que tienen en común a la vez que intentan lidiar con su vidas por separado. Si que es verdad que todos y cada uno de los personajes reflejan una cierta apatía en sus vidas donde no hay nada que les llene y que intentan cubrir con parches las carencias que tienen todos ellos. De hecho, una forma de reflejar esas carencias y el distanciamiento es cuando todos los personajes se encuentran solos en habitaciones inmensas, lo que refleja claramente una soledad abrumadora y unos recuerdos pasados que no van a volver nunca.
A pesar de tratar de una forma clara y directa la depresión y el suicidio, no termina por aprovechar determinados elementos. Uno de ellos es Kate, el personaje interpretado por Laura Dern la cual no tiene el protagonismo que merece por ser la madre del adolescente y que todo el peso recaiga sobre Peter, cuando ha sido más un padre ausente pendiente de su nueva vida que de mantener a su hijo cerca de él. Otro aspecto que hace que la película decaiga son los diálogos que no terminan de cerrarse sobre todo los que mantiene Peter con el resto de personajes, lo que demuestra que el mismo se encuentra perdido como padre e intenta ejercer cuando ya es demasiado tarde. En tercer lugar destacar el personaje de Beth (interpretado por Vanessa Kirby) que hace de novia sufridora en silencio pero es un personaje totalmente desaprovechado que tiene mucha fuerza pero, se ve enmudecida porque su aportación parece que no es nada relevante. Y por último, el actor que interpreta a Nicholas donde plasma todos sus sentimientos de una forma exageradamente melodramática; lo que al fina provoca le pérdida de la esencia del tema del que trata el filme.
Eso si, a pesar de desaprovechar muchos aspectos cinematográficos, lo que destaca por encima de todo es la conversación entre Peter y su padre (Anthony Hopkins, que vuelve a repetir con el director tras el éxito de El padre un par de años antes), donde claramente se ve ese distanciamiento entre ellos cuando se sientan a comer y decir que ambos se parecen y que ambos no son buenos padres. También los momentos en los que Peter y Kate están solos ejerciendo como padres es lo que hacen que esta película se salve frente a un exceso de drama y sin apreciar el verdadero potencial de la trama del guión.
Intérpretes: Álex García, Alexandra Jiménez, Jordi Sánchez, Adrián Lastra, Diego Martín, Franky Martín, Paula Echevarría, Bárbara Santa-Cruz, María de Nati, Antonio Resines, Gorka Lasaosa, Isabel Ordaz.
Guión: Álvaro Fernández Armero, Ángela Armero, Tom Fernández
Música: Vanessa Garde
Fotografía: Aitor Mantxola
Montaje: Raúl de Torres
Productora: Telecinco Cinema, Mediaset España, Movistar plus
SINOPSIS
Santi (Álex García) es un joven a punto de divorciarse, que vive en una caravana y sin trabajo. Un día, para ver si cambia su suerte decide comprar un número de la lotería y, de la noche a la mañana se vuelve rico. Lo que pasa, es que no se lo puede decir a nadie.
CRITICA
En la industria cinematográfica, cuando se estrenaba una película que podía revitalizar un género, en los años sucesivos se estrenaban películas que seguían la misma línea y que, con el paso de los años iban empeorando de una forma escandalosa. Este efecto ocurrió en la comedia española a raíz del estreno de Ocho apellidos vascos, se expandió como un virus para el resto de películas de este género y de esta forma, todas las que se han estrenado hasta la fecha, pierden efectividad. Es lo que le ha ocurrido también a Si yo fuera rico.
La premisa de la que parte es fácil: un hombre un tanto desgraciado que gana un bote de veinticinco millones de euros y no puede decírselo a nadie, sobre todo porque si su casi exmujer se entera, le tiene que dar la mitad del premio. Con la premisa de la que parte, intenta generar situaciones graciosas por parte del protagonista para seguir fingiendo que es un despojo y sigue igual de mal que antes. Pero, con el aliciente de que sigue enamorado de su mujer y quiere lo mejor para ella.
Otro de los elementos que produce que la película no llegue a funcionar es que la química entre los actores y actrices es bastante nula y solo cumplen con su profesión en si que es actuar. Y por si fuera poco, se sirve de elementos dañinos (en este caso, meterse con el físico de una persona) para generar elementos cómicos que no funcionan por más que lo intente. Y como siempre digo que, aunque soy una firme defensora del cine español, no siempre las películas tienen que ser buenas.
Jessie (Sissy Spacek) es una mujer de mediana edad que tras la llegada de su madre (Anne Bancroft) para anunciarle que esa misma noche va a quitarse la vida. La madre no tendrá mucho tiempo para disuadir a su hija de que tome esa decisión.
CRITICA
Por mucho que se diga que la cultura no es un elemento importante en la sociedad, está totalmente equivocado o equivocada; sobre todo, cuando en el crecimiento intelectual nos van cayendo diferentes tipos de literatura y la aparición de películas totalmente desconocidas o que en el año de su estreno, no tuvieron un eco importante pero que años después, son clásicos. Esta forma de descubrir el cine hace que te encuentres con películas como Buenas noches, madre en la cual con una sola frase y dos únicos personajes refleja una conversación sobre el suicidio que muchas veces se ha eludido en el cine.
Desde un primer momento refleja como el estar bien por fuera o no tener ningún tipo de sintomatología, no significa que la persona no se encuentre destrozada por dentro. Esto es lo que le ocurre a Jesse (Sissy Spacek) que decide tomar la decisión de acabar con su vida y para ello se lo cuenta a su madre (Anne Bancroft) y ésta, intenta usar todo tipo de argumentos para hacerla cambiar de opinión. Más allá de esta situación que se prolonga durante un poco más de hora y media, el espectador se puede llegar a preguntar por qué no sigue luchando. Aunque la verdadera pregunta es: ¿qué hacer cuando ya no tienes fuerza para seguir luchando? Lo que nos lleva a intuir que hay que ser muy valiente para elegir acabar con tu vida.
Realmente es algo que a la madre le choca por completo ya que en más de una ocasión le da motivos a Jesse para seguir viviendo y que, antes de llevar a cabo su decisión es mejor que se lo piense un poco más. Al final lo que está viendo el espectador es la relación entre madre e hija y todo aquello que no se han dicho y también lo ciega que ha estado la madre antes la situación de su hija: su enfermedad, el fin de su matrimonio, falta de estabilidad laboral, un hijo problemático, desprecio social; lo que evidencia que no es feliz y no ve esperanza en su futuro. No sin antes seguir pensando en su madre y facilitarle lo máximo posible lo que puede suceder tras su abrupta salida de este mundo. En todo lo que dura la historia, en más de una ocasión la madre se siente culpable y que ha fallado como madre; pero es mucho más que eso. Es intentar muchas veces poder encontrar el equilibrio entre las alegrías y las penas, en todo aquello que pensamos y no decimos, en cuidarnos a veces nosotros mismos en vez de estar siempre pensando en los demás. En definitiva, poder aferrarse a la vida aprovechando las cosas buenas y poder tener apoyo para los malos momentos.
Buenas noche, madre es una alegato a la vida, a comprender al otro en su dificultad, el saber que cada uno tiene sus problemas y que para esa persona pueden ser un mundo, en mostrar empatía y no ser tan egoísta, el poder hacer feliz a esa persona a la que amamos y que no se encuentre en un mundo y en una vida vacía y sin sentido. Porque cuando esa persona se va de esa forma, duele mucho más que el haberte preparado para un duelo.
Intérpretes: Jason Segel, Emily Blunt, Chris Pratt, Alison Brie, Rhys Ifans, Mindy Kaling, Kevin Hart, Dakota Johnson, Mimi Kennedy, Jacki Weaver, David Paymer, Brinan Posehn,.
Guión: Jason Segel, Nicholas Stoller
Música: Michael Andrews
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Montaje: William Kerr
Productora: Universal Pictures, Apatow Productions, Relativity Media
SINOPSIS
Tom (Jason Segel) tras un año de noviazgo con Violet (Emily Blunt) le pide matrimonio en Nochevieja. Decididos a casarse y con los preparativos casi completados, deberán de posponer su futura boda debido a la oportunidad que le ha surgido a Violet en Michigan. Por lo que la pareja deberá de mudarse y seguir comprometidos.
CRITICA
De forma habitual, en las películas románticas cuando se muestra una relación de pareja, pueden acabar de dos maneras: una de ellas es que la pareja ha superado todos los obstáculos y consigue ser feliz y, la segunda, no consiguen superar esos obstáculos y cada uno sigue su camino a pesar de tenerse mutuamente en el recuerdo. Mezclando parte de estas dos alternativas habituales nace Eternamente comprometidos pero con la novedad de encontrarse en el punto intermedio: están comprometidos pero no deciden dar el paso para casarse.
Aunque la idea sea innovadora (poniendo la palabra ligeramente para no crear confusión) antes de llegar a la mitad de la duración, ha ido introduciendo elementos que no aportan ningún tipo de frescura a la trama: desde chistes fáciles, infortunios que les van sucediendo a la pareja, las dudas que surgen en la relación, personajes secundarios que intentan tener sus momentos cómicos y un largo etcétera que se va desinflando poco a poco y que se alarga demasiado, para llegar al final que el espectador sabe que habrá en el filme.
Por otro lado, intenta mostrar con cierta normalidad los elementos más importantes que suelen aparecer en una relación de pareja y que no se deberían pasar por alto. Desde dejar tu empleo para mudarte a otra ciudad, no discutir alegando que "todo está bien" y posponiendo su casamiento hasta que llegue el momento idóneo, pero esa opción no siempre es la correcta. Digamos que los personajes no sufren ningún cambio ni ninguna evolución que hagan que su relación vaya a mejor. O incluso, que a veces a la hora de realizar las cosas es mejor hacerlo por impulsos. Pero no siempre en la vida real eso funciona ni es la vía más correcta.
No hay que pedirle mucho más a una película de este género que, claramente, se haya en completa decadencia a pesar de tener un elenco de actores con cierto renombre en la industria. La gran pregunta es: ¿en algún momento el género romántico volverá a ser lo que era antes? Pues la verdad, es que nunca lo sabremos si se sigue con esta tendencia.
