En el umbral de la vida (1958)

• Título original: Nära livet
• Año: 1958
• Género: Drama
• Dirección: Ingmar Bergman
• Intérpretes: Eva Dahlbeck, Ingrid Thulin, Bibi Andersson, Barbro Hiort af Ornäs, Erland Josephson, Max von Sydow, Gunnar Sjöberg.
• Guión: Ingmar Bergman, Ulla Isaksson
• Fotografía: Max Wilén
• Productora: Inter-America Productions

SINOPSIS

Tres mujeres se encuentran en la habitación de una hospital: Cecilia (Ingrid Thulin) ha sufrido un aborto involuntario, Stina (Eva Dahlbeck) le falta un par de días para dar a luz y Hjördis (Bibi Andersson) se ha querido provocar un segundo aborto. En este situación donde la vida y la muerte pasa a través de los no natos, se verá la evolución de estas tres mujeres.

CRITICA

La verdad es que el director sueco no das puntada sin hilo cada vez que rodaba una película o mejor aún, mientras escribía el guión porque, aunque se le tachaba de mujeriego y de hombre bastante infiel; era capaz de describir en cada una de sus películas las diversas situaciones por las que pasaba el ser humano y no sólo eso, sino que era capaz de sacar los sentimientos más "viscerales" y mostrar una realidad (por no decir, la realidad) de lo que es muchas veces el ser humano y las vorágine de sentimientos y la toma de decisiones que llega cometer por tener algo tan simple llamado conciencia.

En esta película, se nos plantea la historia de tres mujeres de las cuáles se va averiguando poco a poco acerca de ellas en el devenir de las horas (que aunque no lo parece, da para mucho) y como el trío que alberga la vida humana en el momento mismo de la concepción, tiene reservadas para cada una de ellas una forma diferente de ver la vida y más concretamente, de traer una vida nueva a este mundo. Por un lado tenemos a Cecilia, que tenía las dudas de tener un hijo porque su marido no quiere y cuando lo pierde, siente esa pérdida pero a la vez también siente que ese "no deseo" de no querer tener hijos es una forma de indicarle que no debe tenerlos por más que ella lo desee. En ese momento ella se ve a si misma como una "mala madre" que por el simple echo de haber dado a luz, no puede ostentar ese título. La segunda mujer que se nos presenta es Stina.

A Stina le faltan pocos días para dar a luz y está completamente emocionada por verle la cara a su pequeño y todo lo que tiene pensado junto con su marido cuando le den el alta y es la que en cierto modo muestra la positividad en esa habitación donde hay tristeza e incluso malestar. Dicho malestar nos lleva a la tercera mujer/joven Hjördis, que se ha quedado embarazada de su novio y ha querido abortar de mil y unas formas pero no lo ha conseguido y la presencia de Stina y de Cecilia no le es muy gratificante porque ella es una joven y un hijo es "algo" que le impide seguir con sus planes o incluso llegar a odiar a todo el mundo y por consiguiente, el espectador acabará averiguando un secreto que la joven guardaba con tanto recelo.

A medida que esas horas y esos poco días van pasando, las mujeres no han creado un vínculo estrecho de amistad pero, de lo que si se han dado cuenta es de la fragilidad de la maternidad y de todas las consecuencias (a priori como a posteriori) del embarazo no solo como acontecimiento biológico sino también emocional y este efecto hace que las mujeres creen un respeto entre ellas que se supone (se deja a la imaginación del espectador) será algo que las deje marcadas tanto para bien como para mal. Y hay que tener en cuenta el papel de la enfermera principal de su habitación, que aunque parece que es impasible a todo lo que sucede en el interior, realmente se preocupa por todas y cada una de esas tres mujeres que a su manera y a su modo de ver, sufren en silencio.

Cada día que voy descubriendo una película del director sueco, me enamoro de esa capacidad que tenía para poder captar la esencia del alma humana en sus múltiples facetas y como de verdad hacía que el espectador reflexionase sobre aquellas cosas a las que muchas veces no les damos importancia pero que realmente, si la tienen. Porque el ser humano no solo es cuerpo y alma también es una maraña de sentimientos que muchas veces afloran, sin que nos demos cuenta.


Calificación personal: 9.5

La otra Missy (2020)

• Título original: The wrong Missy
• Año: 2020
• Género: Comedia
• Dirección: Tyler Spindel
• Intérpretes: David Spade, Lauren Lapkus, Sarah Chalke, Nick Swardson, Molly Sims, Geoff Pierson, John Farley, Rob Schneider, Jorge García.
• Guión: Kevin Barnett, Chris Pappas
• Música: Matt Messina
• Fotografía: Theo Van de Sande
• Productora: Netflix, Happy Madison Productions

SINOPSIS

Tim Morris (David Spade) conoce a la chica de sus sueños en el aeropuerto cuando ambos pierden sus vuelos e intercambian sus números de teléfono. Decide dejarse llevar e invitarla al retiro corporativo de su empresa en Hawaí, al estilo "cita a ciegas". Cuando llega el momento de encontrarse en el avión, la chica que se sube no fue la que conoció en el aeropuerto, sino una cita que salió francamente mal...

CRITICA

Creo que en más de una ocasión he mostrado mi descontento con las comedias americanas puesto que tienden a caer en los tópicos de las comedias que ya están demasiado manidos o que incluso intentan darles una vuelta de tuerca pero no consiguen darle un resultado correcto. He de decir, que en el caso de esta película si que me reí (por el personaje interpretado por Lauren Lapkus) pero me llegó a resultar un tanto cargante y, para recurrir al toque romántico al final optaron por un toque obsceno, en definitiva, se les fue un poco de las manos.

Como idea original y como gancho para crear un ambiente de comedia propicio no está del todo desacertada pero cuando la falta de un guión sólido (aunque sea una comedia) y que tienda a resolver pequeños momentos de aburrimiento como es lógico, lo hace con gracias y/o chistes que realmente no tienen ese cariz cómico, pero como he comentado en el párrafo anterior, lo único que la salva es la gran interpretación de Lauren Lapkus que gracias a su improvisación cómica salva (ligeramente) una película bastante infame.

No siempre se acierta a la hora de escoger una película. He de romper una lanza en mi favor puesto que en mi casa cada miembro de la familia tiene un turno para escoger una película y yo, no elegí esta pero, siempre escribo la crítica de todas aquellas que veo, porque a veces la visión cinematográfica va un poco más allá y aunque nos guste cierto tipo de cine, no ha todo el mundo le gusta el mismo que a mi y cuando no es mi turno de elección, a veces me llevo estos disgustos.

Calificación personal: 3.5

Rebeca (1940)

• Título original: Rebecca
• Año: 1940
• Género: Suspense
• Dirección: Alfred Hitchcock
• Intérpretes: Joan Fontaine, Laurence Olivier, Judith Anderson, Reginalg Denny, George Sanders, Nigel Bruce, Gladys Cooper, C. Aubrey Smith.
• Guión: Robert E. Sherwood, Joan Harrison
• Música: Franz Waxman
• Fotografía: George Barnes
• Montaje: Hal C. Ken
• Productora: Selznick International Pictures

SINOPSIS

Una joven señorita (Joan Fontaine) conoce al Lord inglés Maximiliam de Winter (Laurence Olivier) que está traumatizado por la muerte reciente de su mujer Rebeca. Tras pasar unos días juntos en la ciudad francesa, deciden casarse y se van a vivir a la mansión de Manderlay. La nueva Señora de Winter tiene dificultades para adaptarse a su nueva vida sobre todo con la ama de llaves, la señora Danvers (Judith Anderson) que no para de mencionar a la antigua señora.


CRITICA

Si no recuerdo mal, cuando mi madre empezó a introducirme en el mundo del cine clásico y sobre todo en las películas del maestro del suspense, esta fue de las primeras películas que vi y es que me fascinó desde principio y la he visto solo dos veces pero es como si la hubiese visto por primera vez porque pude apreciar todos sus matices y me mantuvo pegada a la pantalla con ese suspense sobre esa famosa "Rebeca" y que revuelos provocaba allá donde iba incluso estando muerta.

Ante esa estela que sobrevuela ante todos los conocidos del la antigua señora de Winter, la nueva dueña de la mansión Manderlay entra a ese mundo con una sensación de angustia y miedo que en su mayor parte fueron sentimientos reales llevados perfectamente por la versátil Joan Fontaine a la pantalla puesto que para que su personaje a esa desazón, su coprotagonista y el director le hicieron el rodaje "imposible" para que su personaje pudiese tener una mayor credibilidad. Volviendo a lo que nos atañe, esa sensación que da la nueva señora de Winter como si fuera una muñeca frágil y que no sabe bien qué hacer para no borrar la memoria de la difunta la acaba desconcertando un poco. Lo que por otro lado acaba desconcertando un poco a la joven es la actitud de su marido por esa actitud a veces cercana y a veces como de recordatorio de estar viendo cosas de su pasado. Casos más concretos cuando su mujer se cambia el pelo, se cambia el estilo de ropa o incluso no es aquella chica a la que conoció en el sur de Francia. Si a todos estos aspectos se les une a la ama de llaves de la mansión, la famosa señora Danvers a la que todo espectador le acaba cogiendo una "tirria" inmensa, el suspense se va apoderando aún más del clima de la película. junto con el paisaje y con la banda sonora que acompaña de manera espectacular todos y cada uno de los momentos.

Cuando los minutos del filme van avanzando poco a poco se va desenmarañando toda la verdad acerca de ese personaje fallecido pero que a la vez parece que está muy viva (como es lógico no haré ningún tipo de spoiler) y como a medida que se van desarrollando los acontecimientos y se acerca el desenlace, no solo se descubre la verdad sino también que era esa "aura" que fascinaba a algunos y que atormentaba a otros de la famosa Rebeca de Winter.

Antes de terminar la crítica sobre la película, me gustaría destacar un par de peculiaridades: la primera de ellas es que fue la primera producción que Hitchcock rodó en Hollywood convirtiéndose ya en el gran maestro del suspense y para los que son un tanto mayores (y a lo mejor no tanto), esa famosa frase que nos decían nuestras abuelas y nuestras madres de "cógete la Rebeca por si hace frío por la noche" hace referencia a esas chaquetillas de punto que lleva Joan Fontaine en la película.


Calificación personal: 10

Te quiero, imbécil (2019)

• Dirección: Laura Mañá
• Año: 2019
• Género: Comedia romántica
• Intérpretes: Quim Gutiérrez, Natalia Tena, Alfonso Bassave, Alba Ribas, Patricia Vico, Francesc Albiol, Ernesto Alterio, Núria Valls, Vanessa Castro.
• Guión: Abraham Sastre, Iván José Bouso
• Música: Javier Gimeno, Luc Suárez
• Fotografía: Sergi Gallargo
• Productora: Yo hombre la película AIE, Brutal Media

SINOPSIS

Marcos (Quim Gutiérrez) acaba de perder su trabajo y su novia le ha dejado tras ocho años de relación y ha tenido que irse a vivir a casa de sus padres. Su vida se ha vuelto un desastre y quiere convertirse en un hombre del siglo XXI para poder atraer a las mujeres pero no quiere perder su esencia y para ello estará una vieja amiga del instituto Elena (Natalia Tena).

CRITICA

Lo primero que he de decir es que no es nada del otro mundo pero si que hace que el espectador pase un rato entretenido y, aunque no lo parezca también hace una crítica un tanto mordaz sobre como la tecnología en la actualidad en el tema de las relaciones (aunque sea para una simple relación sexual), provoca que aún más el ser humano se siga obsesionando con su apariencia o el querer verse reflejado en cómo son los demás, porque así ellos también llamarán la atención.

Al principio se nos presenta a Marcos como un personaje un poco patético que no encaje en el prototipo de hombres de siglo XXI para las chicas que buscan aunque sea un rollo de una sola noche a través de las múltiples aplicaciones que hay, por lo que intenta ponerse un poco "al día" no solo en esa materia sino también en otras materia como en la forma de vestir, en el cuidado de la piel o incluso estar perfectamente "cuadrado". Pero claro el no sabía que se iba a encontrar con vieja amiga de su infancia con la que hace todas esas cosas pero sin tener que mostrar una doble cara, es decir, que sigue siendo el mismo, porque aunque uno cambie unos pequeños aspectos exteriores; interiormente puede seguir siendo el mismo y como es lógico, lo es con aquellas personas que lo son de verdad.

Cuando sale de los encuentros con esa vieja amiga de la infancia, debe de adoptar otra pose totalmente diferente cara a los demás para así poder ser "más visible" sobre todo al mundo. Es una crítica en cierto modo en como dejamos que el entorno nos influya para tomar decisiones importantes en nuestra vida o simplemente para poder ser aceptados. Hay un pequeño personaje que aparece, que es la "típica amiga gorda" que cuando ve que su amiga se va a acostar con el amigo de Marcos y ela no se va a acostar con él como por "protocolo", como si fuese una obligación y la verdad es que esa actitud me parece bastante importante y a tener en cuenta.

Para no alargarme mucho más, el toque cómico y romántico lo consigue perfectamente pero a la vez nos quiere demostrar que uno mismo puede cambiar para gustarme o para sentirse cómodo o de alguna forma saludable, no porque haya sido algo establecido por la sociedad o por normas autoimpuestas porque sino no serás nadie o no tendrás amigos o no "follarás" pero, acabarás perdiendo tu propia esencia y eso, si que cuesta que vuelva.


Calificación personal: 5.8

El hoyo (2019)

• Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia
• Año: 2019
• Género: Thriller
• Intérpretes: Iván Massagué, Alexandra Masangky, Zorion Eguileor, Antonia San Juan, Emilio Buale, Eric Goode.
• Guión: David Desola, Pedro Rivera
• Música: Aránzazu Calleja
• Fotografía: Jon D. Domínguez
• Montaje: Haritz Zubillaga, Elena Ruiz
• Productora: Basque Films, Mr Miyagui Films

SINOPSIS

En el futuro, las cárceles son de forma vertical donde hay dos personas por nivel donde los niveles van creciendo de arriba abajo.  Y una plataforma con comida que se para en todos los niveles durante un tiempo determinado pero, dicha comida no llega a todos los niveles. Cada mes, los presos van cambiando de nivel, a veces se está arriba y a veces más abajo... ¿cómo saldrás de "El hoyo"?

CRITICA

La premisa de la película es realmente espectacular puesto que trata diversos temas sobre la propia condición humana, no solo a nivel de la supervivencia, sino también de la capacidad de ponernos a veces en la piel del otro o si somos capaces de ayudar al prójimo en situaciones realmente adversas y extremas e incluso, desagradables. Pero, cuando la historia se va desarrollando, el filme va perdiendo "fuelle" y al final provoca que el espectador se acabe perdiendo en lo que realmente se quiere mostrar y cual es el fin que se pretende evocar con esta distopía. Pero, vamos a pararnos en algunos de los puntos importantes de la película.

Desde el primer momento, El hoyo  presenta una crítica clara de como está dividida la sociedad en la actualidad y de como lo ha estado dividida siempre, es decir, siempre ha habido un establishment en el cual ha habido gente muy rica a la que le ha importado muy poco la gente necesitada pero que; por avatares de la vida hay veces que las tornas han cambiado y los de abajo han ido hacia arriba y viceversa, de ahí que los presos puedan encontrarse en los niveles superiores y pode disfrutar de la suculenta comida y otras veces encontrarse en niveles tan bajos que solo les llega la cristalería. La pregunta es, ¿qué ocurre en esos niveles tan bajos en los que no llega la comida?, ¿qué pasa por la mente humana?, ¿cómo actúa el ser humano por la supervivencia? Son momentos en los cuales, cada individuo no para de pensar por lo que ocurrirá tanto en los niveles superiores e inferiores. En esos momentos donde la incertidumbre nos invade y nos acaba generando una angustia de no saber lo que hará el otro, lo que nos lleva a pensar como la ley de Darwin sobre la "selección natural" donde solo sobrevive el más fuerte. Y por mucho que se diga, que la bondad y la solidaridad en algo innato en el ser humano, el egoísmo está mucho más arraigado.

Otro de los aspectos que me llamó la atención fue que de una manera constante, de alguna forma, se culpa a la Administración (como a la que gestiona El hoyo) como la culpable de lo ocurrido pero, aunque muchas veces loas que tienen el poder son los grandes culpables de las situaciones de un país, no lo son de las situaciones personales de cada uno que toma a nivel de individuo porque sino, a fin y al cabo ninguno de nosotros seríamos responsables de nuestros actos y eso, tampoco es; porque como decía el gran filósofo José Ortega y Gasset: "Yo soy yo y mis circunstancias, si no se salvan ellas, no me salvo yo". En definitiva, somos dueños de nuestros actos.

Todos estos temas que se pueden ir descubriendo (y unos cuantos más) a medida que el filme va avanzando, se van diluyendo cuando (desde mi punto de vista) la metáfora de la salida de "El hoyo" no es algo fácil pero, establece una especie de comparativa con una especie de mensaje y mostrando el lado más salvaje del ser humano aunque se quiera realizar la acción más bondadosa y aunque a duras penas, el final se pueda entender. Pero, lo que si llega a quedar claro es que la avaricia del ser humano no conoce límites y que no importa cuanto tengas a nivel material  o la importancia de tus logros o éxitos porque hay algo que todos tenemos en común y a lo que no somos inmunes: el miedo, la supervivencia, la muerte, el olvido y el hambre.


Calificación personal: 6.2

Indiscreta (1958)

• Título original: Indiscreet
• Año: 1958
• Género: Romántica
• Dirección: Stanley Donen
• Intérpretes: Cary Grant, Ingrid Bergman, Cecil Parker, Phylis Calvert, David Kossoff, Megs Jenkins.
• Guión: Norman Krasna
• Música: Richar Bennett
• Fotografía: Fredie Young
• Vestuario: Christian Dior 
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

Anna Kalman (Ingrid Bergman) es una actriz exitosa que tiene su vida en Londres, una noche y debido al trabajo de su suegro, conoce a Philip Adams (Cary Grant) y ambos sienten atracción pero, hay un pequeño problema: que el está casado y está con los trámites del divorcio. A pesar de eso, deciden empezar una relación lejos de miradas indiscretas.

CRITICAS

 Al igual que en puede ocurrir con el cine actual, en la época del cine clásico se hacían películas para que el espectador pudiese pasar un rato entretenido mientras veía el filme y los elementos románticos eran aspectos que tenían que estar presentes en la historias sin necesidad de tener que introducir ningún tipo de connotación sexual. Lo bueno que tiene esta película romántica es que a pesar de ser una historia de amor, lleva al espectador por toda la relación entre ambos protagonistas, haciéndoles partícipes de su relación poco convencional.

Lo de poco convencional lo mencionan es porque el personaje de Cary Grant (haciendo siempre de dandy y seductor) está casado pero en trámites de divorcio y sus continuas visitas a la capital inglesa no debe de levantar sospechas para que nadie sepa que mantiene una relación con la famosa actriz, puesto que la imagen pública de una persona si no es tratada de una manera adecuada puede dañar su reputación (que es una paradoja, puesto que algo parecido le pasó a Ingrid Bergman cuando mantuvo su relación con el director italiano Roberto Rossellini que le supuso un verdadero calvario).

Cuando ella acaba descubre un pequeño secreto del galán Philip Adams, como gran actriz que es, decide "tomarse la justicia por su mano" y hacer su pequeña venganza personal contra el para causarle todos los celos posibles y así poder desairarle y eso en parte le desconcierta; y en esta parte de la película entra una parte cómica que da el toque definitivo para que el público pueda disfrutar de un buena historia romántica con tintes cómicos y así demostrar una vez más, que el cine clásico nunca pasará de moda.

Clasificación personal: 7

Blue Valentine (2010)

• Dirección: Derek Cianfrance
• Año: 2010
• Género: Drama, romance. 
• Interpretación: Ryan Gosling, Michelle Williams, Faith Wladyka, John Doman, Mike Vogel, Marshall Johnson, Jen Jones, Maryann Plunkett, James Benatti, Barbara Troy. 
• Guion: Derek Cianfrance, Joey Curtis y Cami Delavigne
• Música: Grizzly Bear. 
• Fotografía: Andrij Parekh. 
• Montaje: Jim Helton y Ron Patane.
• Vestuario: Erin Benach. 
• Distribuidora: Karma Films.

SINOPSIS

Dean (Ryan Gosling) y Cindy (Michelle Williams) llevan seis años de apasionada historia de amor. Han tenido una hija juntos y han decidido casarse. Pero su amor empieza a desmoronarse. Cindy ha perdido interés por la relación y en un intento por recuperarla, Dean propone ir a un hotel y coger una habitación donde la temática es el futuro. Desde ese futuro, se conocerá el pasado de la pareja.


CRITICA

Esta película, llegó a las carteleras españolas con cuatro de retraso puesto que no encontraba distribuidora en nuestro país (algo que muchas veces suele ser bastante habitual, por desgracia) y, muchos críticos expertos la alababan tras haberla visto en el festival de cine independiente de Sundance en el año 2010 y, hace como una semana la pude ver a través de la plataforma de Filmin (que la verdad es que ofrece un amplio catálogo y muy variado) y, las esperanzas que tenía puestas en una historia sobre como una relación empieza a desmoronarse; yendo más allá de temas banales, me acabó decepcionando bastante y creo, que lo voy a intentar mostrar de la manera más clara posible a través de esta crítica.


El tema que trata la historia es muy interesante: un matrimonio que ve como su amor empieza a desmoronarse queriendo mostrar al espectador la cara y la cruz de toda relación humana en la cual se tienen que resolver situaciones complejas para poder ver si la pareja está fortalecida ante situaciones que a veces pueden ser pequeñas nimiedades o como seres humanos que somos, luchamos pero anímicamente las situaciones en la relación de pareja, nos acaban sobrepasando. Pero aquí se van entremezclando momentos buenos con momentos malos pero sin llegar a ningún elemento clarividente mediante el cual, se pueda establecer ese desmoronamiento de la relación. Es decir, que trata temas profundos y que merecen ser analizados pero con demasiadas pinceladas sin detenerse en algún momento para intentar hacerle entender al espectador porque los personajes han llegado a esa situación y el porque de un vacío en su vida marital. En otro orden de cosas, la planificación de los flashbacks es algo descuidada y no termina de centrarse del todo lo que termina por desconcertar un poco al espectador y no se sabe bien a donde quiere ir a parar el director.

Otro de los aspectos que me pareció un tanto decepcionante de la película es la cierta banalidad  la forma en la que la pareja tiene que enfrentarse a la crisis que está viviendo, no solo por esa pérdida del amor al más puro estilo romántico, que muchas veces no tiene porque ser el factor determinante de la relación sino otros aspectos que la definen como la comunicación entre la pareja es nula desde el comienzo y donde todo se reduce a encuentros sexuales (que para ser sinceros, hay escenas de sexo en la película que llegan a aburrir soberamente y que están de absoluto relleno y que además son excesivamente largas).

Al filme le falta dar alguna de las claves para entender esa ruptura afectiva y esos bruscos cambios emocionales, para comprender sobre todo al personaje de Cindy, porque no se sabe lo que realmente busca y que va dando tumbos en las decisiones que va tomando. Desde mi punto de vista, discurre con un tiempo demasiado pausado y excesivamente lento provocando un aburrimiento extremo en el espectador, sin saber exactamente que es lo que pretenden intentar o si pretenden repetir sus errores para buscar un atisbo de esperanza. En definitiva, me dejó de una manera bastante fría e insípida y con un tema tan delicado y profundo con el que se podría haber tratado mejor y así haberle dado un análisis más profundo.


Calificación personal: 4

Una vida en tres días (2013)

•  Título original: Labor Day. 
• Dirección: Jason Reitman.
• Año: 2013
• Género: Drama, romance. 
• Interpretación: Kate Winslet, Josh Brolin, Gattlin Griffith, Tobey Maguire, Tom Lipinski, Clark Gregg, Brighid Fleming, Maika Monroe, Alexie Gilmore, Lucas Hedges, James Van Der Beek, J.K. Simmons. 
• Guion: Jason Reitman.
• Música: Rolfe Kent.  
• Fotografía: Eric Steelberg. 
• Montaje: Dana E. Glauberman.
• Vestuario: Danny Glicker. 
• Distribuidora: Paramount Pictures Spain.

SINOPSIS

Henry Wheeler (Gattlin Griffith) es un niño de 13 años que se esfuerza por ser el hombre de la casa y cuidar de su solitaria madre (Kate Winslet) en pleno torbellino de la adolescencia. Un día, ambos conocen a un hombre necesitado de ayuda (Josh Brolin) que les convence de que le lleven a casa, donde descubren que es un convicto fugado. El interminable fin de semana del Día del Trabajo les marcará para el resto de sus vidas.

CRITICA

Cuando alguna persona oye hablar sobre esta película, como es lógico la desconoce por completo porque muchas veces son de esos filmes que pasan sin pena ni gloria por las carteleras y luego a los que forman parte de la ficha técnica prácticamente ni se sabe que han participado en ella. Pero, para no andarme por las ramas, voy a centrarme en lo que realmente me ocupa en esta entrada.

Independientemente de estar basada en una novela (la cual no me he leído) la historia desde un principio no resulta desde el principio casi nada creíble: en primer lugar, porque se intenta mostrar a un adolescente en una etapa un tanto confusa y convulsa que ve como su madre está sumida en una espiral continua de depresión (nada que reseñar de forma negativa de la interpretación de Kate Winslet, que hace muy bien el papel de madre sufridora y con razón) pero que a la vez tiene a veces unas actuaciones un poco irracionales pero que no son fruto ni de la edad, ni de la etapa, ni de la inmadurez; sino que no se entiende su comportamiento. En segundo lugar, ese retorno constante de flashback para intentar entender el pasado del preso huido y esa actitud demasiado parsimoniosa y con cara de poco amigos que parece que en un fin de semana ha encontrado la redención que más de media vida en la cárcel.

Y, se podría decir que un tercer punto sería el intento de inyectar a la audiencia la credibilidad de que en esa circunstancia tan extraña se ha dado una nueva familia feliz y que no ha pasado nada fuera de lo normal y que han podido vivir "aislados" de esas noticias que iban transmitiendo acerca del preso huido y también, utilizar una historia de amor tan insulsa e insustancial que aniquila casi cualquier posibilidad de empatía con lo que está sucediendo. La utilización el adolescente como cabo suelto que podría dar pie a infinidad de problemas solo pretenden ser trascendentales (como las cicatrices emocionales entre él y su padre, el descubrimiento de su primer amor...), pero a veces puede llegar a resultar un tanto tedioso.

Con esta película se puede demostrar una vez más que muchas veces lo que puede funcionar sobre el papel (es decir, libros, cómics, novelas gráficas...) no siempre tiene porque funcionar en pantalla. Por eso, otra película más que pasa sin pena ni gloria por el recuerdo.

Calificación personal: 5.5 

De la vida de las marionetas (1980)

• Título original: Aus dem Lebem der Marionetten
• Año: 1980
• Género: Drama
• Dirección: Ingmar Bergman
• Intérpretes: Robert Aztorn, Christine Buchegger, Martin Benrath, Rita Russek, Lola Müthel, Walter, Schmindinger, Heinz Bennet.
• Guión: Ingmar Bergman
• Música: Rolf Wilhelm
• Fotografía: Sven Nykvist
• Montaje: Petra Von Oelffen
• Vestuario: Charlotte Flemming
• Productora: Personafilm

SINOPSIS

Peter Egerman (Robert Aztorn) comete un horrible crimen: viola y estrangula a una prostituta. Del caso se ocupa el psicoanalista Mogens Jensen (Martin Benrath), pues en una consulta Peter ya le había confesado en su consulta su deseo de cometer un crimen pero, a la persona a la que deseaba asesinar era a su mujer.

CRITICA

Desde hace relativamente poco a poco, he ido descubriendo la filmografía de uno de los directores más famosos del mundo a los que muchos cineastas de hoy en día le tienen como referente. No solo por la capacidad narrativa a la hora de contar sus historias y de mantener un primer plano de un personaje para que nos cuente algo relevante sino también, porque en todas y cada una de su películas no dejaba títere con cabeza y ponía sobre la palestra todos los temas que se fraguaban por aquel entonces y sobre todo, los que más atormentaban al ser humano y que muy pocos cineastas trataban (e incluso hoy en día casi no se hace) por resultaban ser temas escabrosos o que avergonzaban la imagen de uno mismo. Pero al final, el director quería mostrar lo que todo ser humano tiene y no puede huir de ella: el gran poder de la mente humana.

Al inicio de esta película, el director nos va planteando una serie de frentes que al espectador les cuesta ubicar sobre todo porque se plantea una única pregunta: ¿a dónde quiere llegar? Esa pregunta, se resuelve prácticamente al final pero, en el transcurso de toda la trama nos permite ver el verdadero yo del personaje, no como algo etéreo sino, realmente como persona que es que no ha podido ser el mismo y que se ha tenido que llevar por una serie de convencionalismos sociales: un trabajo, una madre, un matrimonio con una mujer dominante, una promiscuidad semi-oculta para los buenos ojos... Pero, decide acabar con todo eso al querer tener relaciones sexuales con una prostituta, como una metáfora de querer perder la virginidad; la cual realmente no ha llegado ha perder.

Todos esos deseos, miedos e inseguridades los plasma en la idea de sueños recurrentes en los cuales quiere matar a su esposa, como si ella fuese la culpable de encontrarse encerrado en una cárcel; pero, ¿cuál es esa cárcel y por qué contra su mujer y ese tipo de sueños que describe? Cómo es lógico, el director sueco se quiere alejar por completo de propio psicoanálisis en sí, para centrarse más en el entorno del personaje para entender que es lo que le lleva a cometer la violación y el asesinato.

Esta es una de las películas más desconocidas del director pero que de alguna forma puede acercarse a cierta angustia vital que el ser humano puede llegar a padecer en algún momento de su vida cuando siempre tiende a satisfacer al otro y los deseos de otros, en lugar de a veces poder llegar a satisfacer los suyos propios para al menos sentir un poco de libertad y por ende, llegar a tener un cierto atisbo de felicidad que el ser humano ansía.

Calificación personal: 8

                    

George de la jungla (1997)

• Título original: George of the jungle
• Año: 1997
• Género: Comedia
• Dirección: Sam Weisman
• Intérpretes: Brendan Fraser, Leslie Mann, Thomas Haden Church, Abrahan Benrubi, Greg Cruttwell, John Cleese, Holland Taylor, John Bennett Perry.
• Guión: Jay Ward, Dana Olsen
• Música: Marc Shaiman
• Fotografía: Thomas E. Ackerman, Annie McEveety
• Montaje: Kent Beyda, Roger Bondelli, Stuat H. Pappé
• Productora: Buenavista

SINOPSIS

En lo más profundo de la selva africana, los gorilas han criado a un humano: a George (Brendan Fraser) que acabará convirtiéndose en el rey de la jungla. Pero cuando una bella mujer llamada Úrsula (Leslie Mann), irrumpe en el mundo de George, éste perderá definitivamente el control.

CRITICA

Ya transcurridos unos años (por no decir bastantes), cuando echo la vista atrás esta película marco un antes y un después en mi infancia y me pareció muy entretenida y que me hizo pasar un buen rato y la historia de amor tan bonita que se fraguaba (obviamente, cuando tenía siete años esa palabra no existía en mi vocabulario) y que un mono hablase era algo emocionante y a la par que gracioso pero, cuando la he vuelto a ver para recordar esos viejos tiempos, pues la sensación que me ha dado es que la historia es un tanto ridícula y por ende, la interpretación de Brendan Fraser llega a la ridiculez extrema llegando a sobrecargar.

Se puede pensar que es una película enfocada al público infantil y que no hay que hacer grandes esfuerzos por elaborar una historia demasiado sofisticada pero tampoco hay que tratarles como si fuesen tontos, porque yo tengo recuerdo de buenas películas (La bruja novata, Flubber....) que hacían que los niños pasasen un buen rato pero no se nos tratasen como "estúpidos". En el caso de George de la Jungla, se nota que la estupidez está de una manera un tanto más manifiesta y pone un poco más nerviosa si la ve un adulto; aunque según mi madre, ella se rió mucho cuando la vio con mi hermano y conmigo en el cine.

La verdad es que he de reconocer que este tipo de películas que han marcado una época de nuestra vida, no nos deben de avergonzar ahora porque, aunque no lo parezca, nos hicieron pasar un buen rato y nos permitían disfrutar de una pequeña parte de nuestra infancia y a pesar de todo, me ha gustado poder retroceder aunque sean unos noventa minutos en el tiempo.

Calificación personal: 5

Johnny English: De Nuevo en acción (2018)

• Título original: Johnny English Strikes Again
• Año: 2018
• Género: 2018
• Dirección: David Kerr
• Intérpretes: Rowan Atkinson Emma Thompson, Ben Miller, Olga Kurylenko, Jake Lacy, Adam James, Miranda Hennessy, David Mumeni, Tuncay Gunes.
• Guión: William Davis
• Música: Howard Goodall
• Fotografía: Florian Hoffmeister
• Montaje: Tony Cranstoun
• Productora: Studio Canal, Working Title Films

SINOPSIS

Un ataque cibernético desvela la identidad de los agentes secretos del MI7, para ello el agente al mando de la organización debe de reclutar a aquellos que ya se encuentran retirados y uno de ellos es Johnny English (Rowan Atkinson) que ahora se dedica a dar clase en un colegio pero, que muy a su pesar sigue recordando su vida de antaño.

CRITICA

Creo que ya he comentado en más de una ocasión la falta de ideas que tiene la industria del celuloiude les hace resucitar clásicos o rodar secuelas para recaudar más dinero en taquilla y, como suele ser habitual, este resurgir salva a nivel económico pero rompe las ilusiones de los espectadores que un día se divirtieron (y mucho) con el espía más torpe del mundo del cine.

De alguna forma es una crítica al paso que se dio en la tecnología, es decir, como en pocos años se paso de la época analógica a la digital y como ha habido tanto avance tecnológico y como año tras año van saliendo nuevos smartphones, nuevas tablet y todas las nuevas tecnologías posibles que, de alguna forma lo compara con los agentes secretos que ya no están en el servicio activo pero que se siguen fiando de todos aquellos artilugios que utilizaban en su época de espionaje. En esta trama en la que se mezcla lo viejo y lo nuevo, se une la torpeza y la falta de tacto del agente Johnny English que, una vez más, allá donde va mete la pata y no da una en la misión aunque siempre consigue salir airoso de las situaciones más embarazosas.

Claro está, que a pesar de recuperar la esencia del personaje que tuvo su fama allá por el año 2003, su explotación más allá de la segunda entrega no era para nada necesaria, a pesar de provocar muy pequeñas carcajadas pero que se ven un tanto forzadas por las diferentes situaciones e incluso por los propios protagonistas que parecen que actúan por obligación más que por gusto. Desde mi punto de vista, me da la sensación de que ya nos hemos reído de todas estas situaciones antes y que parece que ahora son ellos los que se ríen de los espectadores. En fin, cuando piensas que la nostalgia permitirá pasar un buen rato y ver que te acabas equivocando.

Calificación personal: 4

El precio del poder (1983)

• Título original: Scarface
• Año: 1983
• Género: Acción
• Dirección: Brian De Palma
• Intérpretes: Al Pacino, Steven Bauer, Michelle Pfeiffer, Robert Loggia, Paul Shenar, Mary Elizabeth Mastrantonio, Ángel Salazar, Michael P. Moran, Arnaldo Santana.
• Guión: Oliver Stone
• Música: Giorgio Moroder
• Fotografía: John A. Alonzo
• Vestuario: Patricia Norris
• Montaje: Gerald B. Greenberg, David Ray
• Productora: Universal Pictures

SINOPSIS

Antonio "Tony" Montana (Al Pacino) es un exiliado cubano que llega a Estados Unidos a finales de 1980 junto con su amigo Manny (Steven Bauer) y son recluidos en un campo con más refugiados cubanos. Un día reciben el encargo de un magnate cubano que vive en Miami de matar a un preso, su vida empezará a cambiar y formarán parte del mundo de la droga.

CRITICA

Cuando yo comencé a escuchar sobre esta película, me esperaba una película de gánsgteres al más puro estilo de Los intocables de Eliot Ness (ver crítica en este blog), puesto que el director era el mismo y dentro de su línea de violencia no se iba a salir mucho de sus cánones. Cuando he tenido la oportunidad de poder ver este filme, digamos que me quedé sin palabras, no porque me pareciese una historia extraordinaria y magnífica sino todo lo contrario, algo con una violencia extrema en cada fotograma donde todos y cada uno de los disparos se te quedan taladrados en el cerebro y no te los puedes sacar en las casi tres horas.

Cómo es lógico, cada uno tiene su opinión y los críticos la ensalzan y la ponen como una de las mejores del director americano pero, siendo bastante sinceros lo único que merece realmente la opinión es las interpretaciones y la ambientación de la gente que se mueve en todo el ambiente de la droga; no solo por la cantidad ingente de dinero que se acaba moviendo sino por la tremenda opulencia en la que que viven y como todo lo que tocan se acaba destruyendo y por ende, terminan destruyendo también la vida de los que les rodean.

Se puede decir que es un fiel reflejo del mundo del tráfico de las drogas a gran escala y movida por grandes narcotraficantes. Esto es gracias al gran trabajo del guionista y otrora director Oliver Stone que siempre en su faceta de escritor se documenta lo máximo posible para que la historia que se va a plasmar en la gran pantalla sea lo más realista posible.

Pero, a pesar de las grandes interpretaciones, del sólido guión, de una inquietante banda sonora y de una solvente dirección, desde mi punto de vista la película me pareció un tanto tediosa donde la violencia es demasiado gratuita a pesar de la situación y el mundo que se está describiendo y la verdad es que terminé acabando con dolor de cabeza. Lo siento para los amantes de este género y de esta película, pero una servidora le da un aprobado por lo pelos.

Calificación personal: 5

Matrix Revolutions (2003)

• Título original: The Matrix Revolutions
• Año: 2003
• Género: Ciencia Ficción
• Dirección: The Wachowskis
• Intérpretes: Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss, Hugo Weaving, Jada Pinkett Smith, Harold Pirrenau, Collin Chou, Mary Alice, Rupert Reid, Nathaniel Lees
• Guión: The Wachowskis
• Música: Don Davis
• Fotografía: Bill Pope
• Montaje: Zach Staenberg
• Vestuario: Kym Barrett
• Productora: Warner Bros

SINOPSIS

Todo lo que tiene un comienzo, tiene un final. Mientras las máquinas se acercan a la superficie de Zion para invadirla, la humanidad resiste a su ataque, mientras tanto, Neo intenta encontrar la forma de poder encontrar el camino de la paz entre las máquinas y la humanidad.

CRITICA

Cuando se estrenó Matrix a finales del siglo pasado, no solo supuso una revolución en el género de la ciencia ficción por haberle dado una vuelta de tuerca en lo que se refiere a la Inteligencia Aritificial, sino por haber creado un mundo oculto, underground y atrayentemente irreal, en definitiva, una idea genial. Pero, esa idea innovadora se fue desvaneciendo en la segunda entrega y ha hecho que en en esta tercera parte ya no exista. De alguna forma se veía venir, puesto que cuánto más dinero hay para hacer una película (y más en la idea de continuar en la explotación de una trilogía), la magia de su predecesora se pierde.

Lo que parecía vislumbrar que su segunda entrega iba a ser una "recarga" o dicho de otra forma, "un soplo de aire fresco", para culminar con una tercera película que cerrase esta trilogía en la que se iban a resolver ciertas dudas sobre los programas que se revelaban, cómo se "creaban" los seres humanos, la creación de un programa dentro de otro, el famoso origen de la pastilla roja y un largo etcétera, se acaban convirtiendo en un sin fin de batallas contra los centinelas, explosiones y disparos continuos que acaban produciendo un dolor de cabeza horroroso; que se acompaña de puñetazos, patadas y ondas expansivas que acaba aburriendo un montón. Si a todo esto le unimos, que el personaje de Neo (no a la interpretación de Keanu Reeves) le unimos que parece un ser convaleciente aquejado de su destino y que parece un alma en pena y que toma decisiones a duras penas y que parece reflejar más a un escritor de la época de los románticos.

Por otro lado, y sin querer alargarme mucho más en la crítica, cuando determinados personajes empiezan a tener diálogos del mundo informático, podrían hacerlo de tal forma que la gente de a pie que puede desconocerlos pudiese entenderlos y compensarlos un poco con demasiadas escenas de acción las cuales no acaban de llegar a ninguna parte y que terminan por aburrir. Esperemos que Matrix 4 (cuyo rodaje se tuvo que parar por la pandemia del Coronavirus) se resarce un poco de lo que esta no pudo hacer.

Calificación personal: 3

 

Ángeles sin paraíso (1963)

• Título original: A child is waiting
• Año: 1963
• Género: Drama
• Dirección: John Cassavetes
• Intérpretes: Burt Lancaster, Judy Garland, Steven Hill, Bruce Ritchey, Lawrence Tierney, Gena Rowlands, Paul Stewart.
• Guión: Abby Mann
• Música: Ernest Gold
• Fotografía: Joseph LaShelle
• Productora: United Artists

SINOPSIS

Jean Hansen (Judy Garland) entra a trabajar como profesora en un colegio infantil para deficientes mentales. Allí conoce a Reuben, un niño que lleva años en la institución y que no recibe visitas de sus padres. Jean le colmará de cariño y atención a pesar de la negativa del director del centro (Burt Lancaster) que ve esta actitud contraproducente.


CRITICA

Siempre me ha parecido asombrosa la facilidad que se tiene en la industria del celuloide para recordar los grandes éxitos y también para recordar los grandes fracasos. Pero, como muchas veces películas humildes o con historias muy interesantes son desconocidas para el público y no se destacan en la filmografía de los actores o de los directores. Este es el caso de Ángeles sin paraiso, la cual supuso la continuación del estrellato del director John Cassavetes, como de Burt Lancaster, así como la penúltima película que realizase la ex niña prodigio, Judy Garland, antes de su muerte. Por esto y mucho más, merece que el público la conozca y descubra un pequeño diamante en bruto.

Cuando empecé a verla, para nada me imaginaba de que iba la historia y, ni mucho menos, los pequeños protagonistas que contaban con solo su presencia en la película, su vida en una institución de estas características. Pero, lo que pude observar a medida que iban transcurriendo los minutos es que en ningún momento trata a los niños que padecen diversas deficiencias mentales como personas a las que hay que compadecer, sino como futuras personas que de alguna forma pueden encontrar perfectamente su hueco en el mundo y poder llevar una vida lo más normal posible dentro de sus limitaciones que, a veces no son tantas si las comparamos con visión que tenemos los "normales" ante gente que es igual que nosotros pero, que necesita un poco de ayuda.

Es curioso, como en el cine clásico determinados directores se atrevían a contar diversos temas sin tapujos pero sobre todo, con mucho respeto. Porque al final, el supuesto "malo" de esta historia, que sería el director de la institución, es que de muchas formas muestra el cariño y el respeto hacia sus alumnos además de una forma bastante tranquila y sosegada para que puedan ser algo en la vida, por muy pequeño que sea y que la gente les pueda valorar y respetar. Por otro lado, uno de los aspectos que también reflejan es como los padres reaccionan al tener un hijo con deficiencias mentales y como se avergüenzan de ellos por ser objeto de miradas por parte de los demás y, cómo muchas veces se les trata a ellos como si fuesen una carga y que irremediablemente te tienes que quedar con ellos. Porque, como bien dice el director de la institución en un momento de la película, el tener dinero, estudios o educación no te tiene que hacer ser más comprensible con ese niño, puesto que hay una mujer negra que siempre va con sus seis hijos a ver al que está en la institución y lo hace con un cariño y un amor inmenso al igual que el resto de sus hijos. Y el amor y el cuidado máximo no solo es con el dinero.

Otro de los elementos que nos permite reflexionar es la actitud de los padres de Reuben, que repiten una y otra vez que, como le quieren le tienen que dejar en el colegio y por eso no pueden verle. Pero yo pregunto: ¿qué tiene que ver una cosa con la otra?, ¿acaso no es el abandono de un hijo una forma bastante cruel de no querer a un hijo?, ¿acaso se creen que por no verle el niño no les va a echar de menos? Todo lo contrario, Reuben es totalmente consciente del abandono y espera siempre impaciente para ver a sus padre. Pero, como es lógico nadie puede obligar a otra persona ha hacer algo que no desea hacer, aunque a veces suponga una obligación.

En ningún momento cuando estuve viendo esta película me dio la sensación de desesperanza para este tipo de personas sino todo lo contrario. Tienen derecho a vivir, a sentir, a amar y a que de vez en cuando les regalen alguna que otra sonrisa puesto que nadie es inmune a los sentimientos y que por mucho que el ser humano lo quiera negar, todos (y repito: todos) tenemos hueco en este mundo y, por supuesto, todos somos normales.


Calificación personal: 9

Matrix Reloaded (2003)

• Título original: The Matrix Reloaded
• Año: 2003
• Género: Ciencia ficción
• Dirección: The Wachowskis
• Intérpretes: Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss, Hugo Weaving, Harold Perrineau, Jada Pinkett Smith, Gloria Foster, Lambert Wilson, Randall Duk Kim, Monica Bellucci, Helmut Bakaitis, Rupert Reid.
• Guión: The Wachowskis
• Música: Don Davis
• Fotografía: Bill Pope
• Vestuario: Kim Barrett
• Montaje: Zach Staenberg
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

Neo, Morfeo y Trinity y el resto de la tripulación continúan en la lucha contra las máquinas que han estando esclavizando a la humanidad. Por otro lado, más humanos han sido despertados y están empezando a vivir en el mundo real en Sión, la última ciudad de la resistencia.

CRITICA

No sé si en alguna crítica lo he comentado pero, muchas veces cuando una película tiene tanto éxito o ha sido novedosa en lo que se refiere a su género se aprovecha esa fama para crear secuelas, precuelas y/o spin offs para sacarle un mayor partido económico. Pero, lo malo que tiene explotar a la gallina de los huevos de oro, es que cuando se extiende una saga, las sucesivas películas suelen ser de peor calidad (salvo grandísimas excepciones) y esta, no se queda atrás.

La primera entrega deja un muy buen sabor de boca, no solo por ser una distopía futurista sino por la forma que tienen de explicar mediante lenguaje informático la existencia del mundo real y el del mundo virtual. En esta segunda entrega, se plantea la historia de la siguiente forma: como poder destruir a Matrix para así poder salvar a la humanidad. Premisa que se plantea sencilla y que se explica de una forma bastante correcta cuando Neo va a buscar al oráculo para que le ayude. Pero, cuando termina su conversación y realiza una pelea con multitud de agentes Smith, ya la historia empieza ha salirse por otros derroteros y con peleas que se hacen eternas y elementos de relleno que al final acaban aburriendo.

Es cierto que en este tipo de películas hay que introducir elementos de acción para que pueda ser más atractiva visualmente al espectador pero, sin olvidar que el argumento debe de prevalecer, aunque sea con un cierto sentido, sobre el resto. Y cuando llega el momento de ver como Neo puede llegar a la fuente, hay una serie de diálogos con diversos tecnicismos que no terminan de aclararse ni de establecerse relación alguna entre ellos. Si a todo esto le unimos de que en esta entrega priman más los efectos especiales, el hermetismo de diálogos y que Neo parece como una visión de "Jesucristo" moderno en un mundo de tecnología. Desde mi punto de vista no lo acabo de entender mucho y, la esencia de la primera parte se ha diluido en la segunda.

Calificación personal: 6