Señor, dame paciencia (2017)

• Dirección: Álvaro Díaz Lorenzo
• Año: 2017
• Género: Comedia
• Intérpretes: Jordi Sánchez, Megan Montaner, Silvia Alonso, Eduardo Casanova, David Guapo, Salva Reina, Paco Tous, Andrés Velencoso, Boré Buika, Rossy de Palma
• Guión: Álvaro Díaz Lorenzo
• Fotografía: Valentín Álvarez
• Música: Julio de la Rosa
• Vestuario: Saioa Lara
• Montaje: Verónica Callón
• Productora: Atresmedia Cine, Canal Sur, Maestranza Films, DLO Producciones

SINOPSIS

Cuando la mujer de Gregorio (Jordi Sánchez) fallece repentinamente, éste se ve obligado a cumplir la última voluntad de ella: esparcir sus cenizas en el Guadalquivir junto a sus tres hijos, con lo que casi no se habla, y sus respectivas parejas.

CRITICA

Cómo bien sabrán los lectores que leen mi blog, muchas veces critico películas de un género en el que tengo puestas muchas esperanzas para que pueda salir a flote pero, como casi siempre que veo una película, esas expectativas van disminuyendo con el paso del tiempo, puesto que no es como esperaba. Y, al igual que puedo criticar las películas de Hollywood, también sé hacer lo propio con el cine patrio (si corresponde), ya que con Señor dame paciencia me esperaba una comedia que me hiciese pasar un buen rato, pero realmente es más bien un drama.

Cómo ya me pasó con la comedia española Es por tu bien, se intentan hacer chistes y gags de los tópicos que hay en la actualidad española hoy en día y que en lugar de hacer una situación "ligeramente" chistosa, acaba siendo incómoda puesto que se muestran los prejuicios que se tienen ante determinados temas, generando en cierta medida (desde mi punto de vista) ciertos momentos de angustia y desasosiego.

Además, si el espectador ve antes el tráiler de la película, en la escena de protagonista con la Guardia Civil, se resumen todos lo clichés de la película y te describe de que pie cojea cada uno de los personajes, por lo que uno no se puede encontrar con ninguna sorpresa. Parte de esos clichés son la rivalidad Madrid-Barça, la derecha frente a la izquierda, el españolismo frente al independentismo y un largo etcétera.

El reparto es muy habitual de la pequeña pantalla y que van haciendo su salto al cine, pero en determinados momentos no muestran ni siquiera una chispa de química entre ellos y se palpa bastante en los fotogramas e incluso ciertas interpretaciones parecen un poco forzadas. Si se quieren ver todos los clichés españoles, esta es su película pero si por el contrario no quiere, no se pierde nada si no ve esta película.

Calificación personal: 3.5

Mi pie izquierdo (1989)

• Título original: My left foot
• Año: 1989
• Género: Drama
• Dirección: Jim Sheridan
• Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Brenda Fricker, Ray McAnally, Fiona Shaw, Kirsten Sheridan, Hugh O'Connor, Alison Whelan, Cyril Cusak
• Guión: Jim Sheridan, Shane Connaughton
• Música: Elmer Bernstein
• Fotografía: Jack Conroy
• Montaje: J. Patrick Duffner
• Productora: Ferndale Films, Granada Television, Radio Telefis Érieann

SINOPSIS

Christy Brown (Daniel Day-Lewis) es un pintor, poeta y escritor irlandés que padece parálisis cerebral, nacido en una familia pobre. Con la ayuda de su madre Bridget (Brenda Fricker) y una profesora, derribó todas las barreras que le impedían integrarse en la sociedad.

CRITICA

En un principio he tenido mis dudas si clasificar esta película en la lista de libros o de historia reales, al final me he inclinado por la segunda opción por el simple echo de que tiene más fuerza contada más desde el punto de vista de una vivencia que como una autobiografía como tal. Lo que más me ha llamado la atención es el nivel de superación y lucha no sólo del joven Christy Brown sino también el de su madre, que a pesar de todo siempre le trató como una persona normal y luchó para que su hijo pudiese sacar todo su potencial con la única parte de su cuerpo que movía: su pie izquierdo. Y no solo eso, sino que también hizo que el resto de sus hermanos le quisiesen y siempre estaba pendiente de las necesidades de todos sus hijos.

Si es cierto destacar que gracias al tesón y a la fe del protagonista (acontecimiento que se deja un poco de lado en la película) lo que más destaca por encima de todo es la creencia de la madre en su hijo y que a pesar de su enfermedad le ayudó a ser una persona "independiente" y a elevarle la autoestima y a que el pudiese cambiar el concepto que tenía sobre sí mismo. Por otro lado está la figura del padre, que no sale muy bien parada puesto que rechaza en todo momento a su hijo con parálisis cerebral, sin embargo la madre está siempre ahí para que el resto de los hijos no desprecien al padre por no aceptar a su hermano.

También destaca el papel de los hermanos y de los amigos, que le pasean en una silla improvisada y le hacen sentirse bien, lo que hace que el joven Christy sonría y disfruta y se siente como un joven totalmente normal. Eso también se ve reflejado en una de las escenas más emotivas, cuando en un partido de fútbol, su equipo decide que él tire el penalti y, aunque nervioso, consigue marcar y lo celebra con el resto. Por otra parte se ve como al salir de la zona de confort se altera y se pone nervioso porque el no se siente un chico raro y quiere vivir su vida normal con su familia.

 Dicha zona de confort se rompe unas cuantas veces cuando va a la galería a presentar su colección o incluso cuando tiene que ir a diferentes eventos, mostrando cierta inmadurez. Incluso tras experimentar el desamor (y haberse recluido en casa) decide escribir su autobiografía con ilustraciones pintadas por el y ayudado por uno de sus hermanos.

A pesar de la dureza de la película, nos deja muchas enseñanzas. Donde el humor constituye una parte importante y vital en la vida de las personas, así mismo demuestra que una incapacidad física para nada va asociada con una incapacidad intelectual y como cualquier persona "normal" sufre las decepciones sociales, familiares, profesionales e incluso amorosas. Por lo tanto, es un proyecto que invita a luchar por vencer las barreras ajenas y propias.

Calificación personal: 8

El año más violento (2014)

• Título original: A most violent year. 
• Dirección y guion: J.C. Chandor.
• Año: 2014.
• Género: Drama. 
• Interpretación: Oscar Isaac, Jessica Chastain, David Oyelowo, Alessandro Nivola, Albert Brooks, Catalina Sandino Moreno. 
• Producción: Neal Dodson y Anna Gerb. 
• Música: Alex Ebert. 
• Fotografía: Bradford Young. 
• Montaje: Ron Patane. 
• Diseño de producción: John P. Goldsmith. 
• Vestuario: Kasia Walicka-Maimone. 
• Distribuidora:Vértigo Films. 

SINOPSIS

 Nueva York 1981. Abel Morales (Oscar Isaac), un emigrante hispano que intenta regentar un negocio honesto en una ciudad asolada por la corrupción y la decadencia. Pero por mucho que intenta mantenerse firme en sus convicciones morales, todo lo que rodea a su pequeño imperio y su familia se irá desmoronando en una espiral de traición y violencia sin control hasta desembocar en una carrera por la propia supervivencia.

CRITICA

El tono narrativo de la película por parte del director (que ejerce al mismo tiempo de guionista) recuerda en cierto modo a las historias de mafiosos que tras una máscara que llevan de legalidad, en realidad sus negocios siguen siendo igual de turbulentos. Aunque lo que realmente me ha llamado la atención, es que en esos negocios turbios, las mujeres también tienen algo que decir.

Desde un primer momento, la película mantiene el interés y la atención al espectador pero, en el transcurso de la historia, se va viendo como la misma zozobra. Es decir, acaba por centrarse en personajes secundarios perdiendo de algún modo la perspectiva porque realmente, no aportan mucha luz sobre la corrupción en el negocio del petróleo del protagonista y, no se sabe tampoco el porqué de la investigación federal ni porqué se van produciendo tantos robos de camiones cisternas.

Yo confieso, que cuando empecé a ver El año más violento espera en cierto modo una pequeña historia de corrupción de un empresario y los entramados y entresijos que esconde tras una apariencia decente. Pero, esa sensación positiva se va diluyendo cuando a medida que va avanzando el metraje, me doy cuenta que realmente lo que se pensaba transmitir con esta historia era la época donde la violencia (según parece) era mucho más acentuada y lo que solía hacer muchas gente para sobrevivir: robarles a aquellos que tenían una gran fortuna (muy al estilo Robin Hood). Y, cuando hay siempre dinero de por medio, se produce una lucha encarnizada por tener el control y ser el mejor.

Lo que si veo con bastante claridad y donde el director lo refleja a la perfección es el estudio de la avaricia, la competencia, el afán de tener poder y la relación de pareja en el mundo de los negocios, donde muy pocas veces se ve reflejado en las películas. Si bien es cierto que la gran mayoría de la entereza dramática y de su sentido trágico descansan en las grandes interpretaciones de Oscar Isaac y de Jessica Chastain como el matrimonio morales, demostrando que tienen buena química y complicidad entre ellos.

Tras haber visto Margin Call (crítica en este blog) del mismo director, el prefiere contar la historia no desde el punto de vista del personaje, sino de todo aquello que le rodea y que le hace estar en situaciones de cierto peligro. Pero al final, acaba creando una confusión donde realmente no se sabe muy bien cual es el objetivo que tiene a la hora de contar la historia, ni como la desarrolla sin crear ese halo de confusión

Calificación personal: 6

Cuenta conmigo (1986)

• Título original: Stand by me
• Año: 1986
• Género: Drama, aventuras
• Dirección: Rob Reiner
• Intérpretes: Will Wheaton, River Phoenix, Corey Feldman, Jerry O'Connell, Kiefer Sutherland, Richard Dreyfuss, John Cusack.
• Guión: Bruce A. Evans, Raynold Gideon.
• Música: Jack Nitzsche
• Fotografía: Thomas Del Ruth
• Montaje: Robert Leighton
• Productora: Columbia Pictures

SINOPSIS

En un pequeño pueblo de Oregón, cuatro adolescentes se lanzan a la aventura de buscar a un muchacho desaparecido. Jugando a ser héroes, el inteligente Cornie (Will Wheaton), el rudo y sentimental Chris (River Phoenix), el extravagante Teddy (Corey Feldman) y el miedoso Vern (Jerry O'Connell) se adentran en un ambiente hostil en el que deberán valerse por sí mismos.

CRITICA

Cuando la película se estrenó en su día, nadie sabía que iba a ser un gran éxito de taquilla sobre todo si se basó en una novela de Stephen King (que tan pronto escribía novelas de terror psicológico, como melodramas como La milla verde) donde a pesar de que el objetivo en sí no sea la búsqueda del culpable de un asesinato, sino más bien la conexión entre varios amigos y la entrada a la adolescencia.

El sueño de estos cuatro jóvenes es no sólo vivir una aventura en los últimos días de las vacaciones de verano, sino poder despertar de sus anodinas vidas donde su mayor deseo es no ser juzgados por el origen y la situación de sus familias, sino por tener un futuro más allá de su pueblo. Eso se va notando a medida que transcurre la historia, donde los chavales en algunos momentos abren su corazón y muestran realmente cuáles serían sus aspiraciones y que es lo que les gustaría hacer con su vida, aunque saben que es muy complicado.

En determinados momentos de la película se ve como los niños con sus comentarios y su forma de hablar, poco a poco han ido entrando en la adolescencia pero, en su fuero más interno quieren seguir siendo niños (eso se palpa sobre todo cuando tienen la pequeña conversación sobre los personajes Disney como Mickey Mouse o el Pato Donald). Pero el que más es consciente de dejar esa etapa de la vida atrás es Chris que se da cuenta como son sus amigos y como les sería su futuro pero sobre todo, sabe del potencial de Cornie a la vez que sabe el buen corazón que tiene. Y no sólo eso, también se conoce a sí mismo porque detrás de ese carácter rudo le gustaría poder triunfar en la vida. Por otro lado está Teddy que sueña con ser militar por la admiración que siente por su padre ya que luchó en la guerra, aunque realmente le atormenta el destino fatal que ha tenido su progenitor. Y Vernon, será simple y sencillo a lo largo de su vida.

Hay que saber que Cuenta conmigo no solo funciona, como ya he comentado antes, como una película de aventuras de cuatro chicos durante el final del verano, sino que es un relato de iniciación diáfano que logra capturar el momento previo al salto al mundo adulto. Las conversaciones de estos cuatro amigos primero giran alrededor de bromas y chancas cotidianas, pero cuando acaban descubriendo el cuerpo muerto del joven que habían ido a buscar, y tras un viaje repleto de pruebas (por ejemplo cuando pasan por la ciénaga y se les pegan las sanguijuelas), confesiones (las que tienen Gordi y Chris) y unas cuantas carreras, saben, de un modo u otro, que tras esa experiencia con la muerte han dejado atrás la niñez para siempre.

En el momento en el que encontraron al cadáver, los cuatro saben que sus vidas se van a tener que separar (aunque ellos digan que se seguirán viendo en el colegio) y cada uno va a tener que seguir su camino. Por eso, al final de la película es que uno de los protagonistas recuerda ese acontecimiento de su vida y haciendo una reflexión que más de una vez todos nos hemos preguntado: "Nunca tuve amigos como los que tuve a los 12 años. ¿Dios, acaso alguien más los tuvo alguna vez?".

Desde mi punto de vista, es una película sencilla donde lo que importa en la historia es lo que sienten realmente esos jóvenes, lo que ronda por sus cabezas y los sentimientos que tienen y que, muchas veces no han sido capaces de expresar y los han escondido bajo unas corazas para no sufrir.

Calificación personal: 8.6

Columbus Circle (2012)

• Dirección: George Gallo
• Año: 2012
• Género: Suspense
• Intérpretes: Selma Blair, Amy Smart, Jason Lee, Beau Bridges, Giovanni Ribisi, Kevin Pollak, Jason Antoon, Robert Guillaume.
• Guión: George Gallo, Kevin Pollak
• Música: Bryan Tyler
• Fotografía: Anastas Michos
• Montaje: Anastas Michos
• Productora: Oxymoron Entertainment, G4 Pictures

SINOPSIS

Abigail (Selma Blair) padece agorafobia y vive en su lujoso apartamento de Columbus Circle. Una noche oye como la vecina de enfrente (Amy Smart) es maltratada por su marido. Decide abrirla la puerta y ayudarla. A pesar de que ambas mujeres descubren que tienen mucho en común, la vida de Abigail comienza a ser una auténtica pesadilla.

CRITICA

La premisa con la que parte el argumento de la película es bastante solvente e incita, en cierto modo, al espectador a que se involucre de lleno en la historia y a descubrir el entramado y los entresijos de la vida de la protagonista que no conoce el mundo más allá de su apartamento, ya que la agorafobia se lo impide. Pero, a medida que la historia va tomando un cierto cariz, se ve que el argumento va teniendo fugas bastante importantes.

A priori la historia parte con cierto halo de misterio: ¿por qué la protagonista tiene agorafobia?, ¿qué fue lo que le pasó para producirla esa enfermedad? Pero, cuando van apareciendo personajes o poco a poco con pequeños flashbacks se va descubriendo el pasado y conoce a una mujer que ha sufrido lo mismo que ella, se empiezan a notar los vacíos en el guión en torno a personajes que no acaban de encajar bien en la historia, de como el suspense se ha ido perdiendo poco a poco hasta pasar a una situación poco creíble y los fallos continuos que cometen los personajes, así como el papel de los detectives que no parece tener mucho sentido.

Las interpretaciones, además, se muestran poco creíbles y demasiado forzadas en las situaciones más peliagudas de la película, así como la química entre los actores resulta bastante fría y muy distante. Y si mencionamos también la poca credibilidad del personaje de Selma Blair con la agorafobia y como "milagrosamente" la consigue superar al final de la historia y todo se resuelve sin incidentes, deja bastante que desear.

Mi entusiasmo por ver una película de suspense que me mantuviese pegada a la pantalla, se ha quedado en agua de borrajas, porque al final no produce para nada esa sensación e invita a quitarla. Por eso se agradece que la película se estrenase directamente en DVD.

Calificación personal: 3

La caída de la casa Usher (1960)

• Título original: House of Usher
• Año: 1960
• Género: Terror
• Dirección: Roger Corman
• Intérpretes: Vincent Price, Mark Damon, Myrna Fahey, Harby Ellerbe
• Guión: Rcihard Matherson
• Música: Les Baxter
• Fotografía: Floyd Crosby
• Productora: American International Pictures

SINOPSIS

Philip Whintrop (Mark Damon) viaja desde Boston hasta la mansión Usher donde se encuentra su prometida Madeline Usher (Myrna Fahey) y llevarla de vuelta a Boston. Sin embargo el hermano de Madeline, Roderik (Vincent Price) se opone a la relación y a que su hermana abandone la casa puesto que tiene la certeza de que ella está enferma.

CRITICA

Ésta no fue la primera adaptación que se hizo al cine del cuento del escritor Edgar Allan Poe, ya que en el año 1928 se rodó una en blanco y negro en la época del cine mudo. Pero (incluso la antigua está muy lograda) a pesar de ser una segunda adaptación, la esencia de esta película radica no solo en la historia que se cuenta que causa cierto pavor, sino en cierto modo que el actor del género de terror por antonomasia fuese Vincent Price.

Desde el principio se muestra la caída y la entrada en desgracia de una familia pudiente que por sus fechorías en el pasado, los descendientes sufren una maldición donde no sólo los sentidos están agudizados más de lo normal, sino que no tienen derecho a "redimirse" y poder llevar una vida lo más normal posible.

Es una historia gótica donde los demonios del pasado acechan a la familia y a todos los que se acercan a ella. También se ve reflejado en el estado de la casa, la cual está abandonada, llena de polvo, llena de telarañas y los muros resquebrajándose, como si se rompiese el alma de los hermanos y no pudiesen hacer nada para salvarse y que el peso de las culpas de sus antepasados, tendrían que recaer sobre ellos.

El tándem formado por el director Roger Corman y el actor Vincent Price mostrando la oscuridad de los personajes y el ambiente que creó el escritor en su momento. Además de los efectos especiales que a pesar de notarse bastante en la película, si que acaba creando cierta atmósfera de siniestralidad. Como curiosidad, en el año 2005 se declaró a la película de interés cultural por la National Film Registry gracias al impacto que tuvo sobre las películas de serie B de aquella época y por su contribución al mundo del cine.

Calificación personal: 7

Tres anuncios en las afueras (2018)

• Título original: Three billboards outside Ebbing, Missouri
• Año: 2018
• Género: Drama
• Dirección: Martin McDonagh
• Intérpretes: Frances McDormand, Sam Rockwell, Peter Dinklaje, Woody Harrelson, John Hawkes, Abbie Cornish, Lucas Hedges
• Guión: Martin McDonag
• Música: Carter Burwell
• Fotografía: Ben Davis
• Montaje: Jon Gregory
• Productora: Film4 Productions, Fox Searchlight Productions

SINOPSIS

Mildred Hayes (Frances McDormand) vive en las afueras de Ebbing, un pueblo de Missouri. Un día decide alquilar las vallas publicitarias que se encuentran a las afueras del pueblo y poner anuncios contra la policía al no haber encontrado al asesino de su hija. Desde que el pueblo se hace eco de los anuncios, Mildred luchará para mantener a flote esas vallas publicitarias.

CRITICA

Sabemos que cuando se acercan las época de premios Hollywood tiende a realizar películas que deslumbran mucho visualmente pero, donde su calidad de guiones no es muy buena; o incluso hay historias que no llegan a calar hondo en el espectador. Pero lo que ocurre con Tres anuncios en las afueras es que cada línea de diálogo es una "pedrada" continua a una realidad que muchas veces no somos capaces de afrontar y que es capaz de mezclarlo con un humor negro porque es (a veces) la vía de escape que puede tener el ser humano.

Desde el principio, se nos plantean una serie de personajes cuyo carácter hace entender que no les importa lo más mínimo la ayuda a los demás o incluso, están carentes de sentimientos y parecen unas personas frías. Pero poco a poco, a medida que va avanzando la historia descubrimos que ese "pasotismo" es solo una simple fachada de dureza frente a una sociedad que solo se preocupa cada uno de sí mismo y también es una forma de poder mitigar el dolor. Porque en realidad, la película simplemente se deja llevar por el caos no tanto de la situación como de la propia vida.

De alguna forma los personajes quieren encontrar su hueco en el mundo y poder ser escuchados o incluso no reprimir sus propios sentimientos y además es importante tener a alguien al lado con el quien contar y sobre todo, lo más importante es que uno debe responsabilizarse de lo que dice y de lo que hace y nunca es demasiado tarde para poder rectificar.

Aunque puede resultar complicado cuando de una forma u otra, en tu vida han ido apareciendo piedras en el camino y no has parado de tropezarte o simplemente ver que un acontecimiento tan doloroso (y brutal al fin y al cabo) de un ser querido, en demasiadas ocasiones es difícil de asimilar y no consigues dar una salida a tu dolor.

Sin ningún miramiento la historia es clara desde el principio y no necesita andar con formalismos o eufemismos para llegar al espectador; ya que muestra una América profunda donde determinados aspectos sociales no han evolucionado y se han quedado anquilosados en el pasado (el tema del racismo, falta de recursos policiales, puestos de trabajo más cualificados...) y donde todos los ciudadanos del pueblo se conocen entre ellos y no quieren que nada ni nadie les altere su vida.

A pesar de que mucha gente no vea una historia con cierta profundidad, realmente hay pequeños detalles que reflejan como el ser humano puede actuar ante la muerte, el dolor, el sufrimiento o incluso el propio pasado, que de alguna manera puede condicionar tu modo de actuar.

No me sorprende nada que el director sea capaz de hacer historias tan completas, cerradas, irónicas, con tintes de humor y dotando a los personajes con cierta humanidad, como ya hiciese con Escondidos en Brujas y con Siete psicópatas. En cuanto al reparto, vemos que hay una gran complicidad entre todos ellos haciendo interpretaciones cercanas; sobre todo la de la estoica y fría Mildred Haynes de Frances McDormand que sabe elegir de manera cuidadosa los personajes.

El espectador no debe de ir a ver la película con la idea de encontrarse con un final feliz donde todo el mundo pueda resolver sus problemas, sino verla como que a veces el ser humano puede redescubrirse a si mismo y que a veces todos necesitamos un descanso del alma.

Calificación personal: 8.3

Redención (2015)

• Título original: Southpaw. 
• Dirección: Antoine Fuqua.
• Año: 2015. 
• Género: Drama. 
• Reparto: Jake Gyllenhaal, Rachel McAdams, Forest Whitaker, 50 Cent, Rita Ora, Beau Knapp, Naomie Harris. 
• Guion: Kurt Sutter.
• Música: James Horner, Eminen
• Fotografía: Mauro Fiore
• Montaje: John Refoua
• Productora: Fuqua Films, Escape Artists, Richie Productions

SINOPSIS

Billy “El Grande” Hope, campeón del mundo de los pesos semipesados de boxeo lo tiene todo: una impresionante carrera, una hermosa y enamorada esposa Maureen Hope (Rachel McAdams), una hija adorable (Oona Lawrence) y un estilo de vida con todo tipo de lujos. Pero cuando su mánager y amigo de toda la vida Jordan (50 Cent) le abandona, Hope toca fondo y se presenta ante un inusual salvador en un decadente gimnasio local: Tick Willis (Forest Whitaker), un bombero retirado y entrenador de los boxeadores amateur más duros de la ciudad.

CRITICA

El boxeo en la primera parte de la película se presenta como un espectáculo deportivo de gran repercusión mediática controlado por hombres de negocios que gestionan el capital de estas estrellas de orígenes humilde. En este aspecto, el boxeo no se encontraría tan lejos del hip-hop, en tanto industria del entretenimiento que permite a chavales de barrio alcanzar un estatus que su condición social les niega.

El personaje, por tanto, abraza su condición de millonario sin olvidar sus orígenes. Su equipo los forman amigos de su adolescencia que al igual que él, se criaron en un centro de acogida. Es un boxeador que disfruta del dinero que ha ganado en cada combate pero, evitando que el éxito y la fama se le suban a la cabeza. Para controlar la situación, se encuentra su mujer que no solo se preocupa por la carrera de él, sino también por el futuro cuando pueda existir una posibilidad de que sus amigos le abandonen. Todo eso ocurre tras un fatídico accidente, en el cual pierde todo lo que había conseguido y necesita empezar de nuevo.

En la segunda parte de la película muestra el mundo del boxeo que es menos "glamuroso". Aquel que se desarrolla en gimnasios de barrio de zonas de cierta exclusión social, donde la gente va a entrenar por el simple echo de hacer un deporte y para ello, no necesitan un gimnasio de lujo. O incluso sirve de refugio para chicos con problemas, usándolo como vía de escape (no de forma violenta), sino una forma de hacer deporte. Estos aspectos los encarna el propietario del gimnasio que no desea transmitir la violencia ni la falta de deportividad al boxeo, ya que estos dos aspectos lo han convertido en un simple espectáculo, que le permite a la gente ganar una fortuna. De ahí que el protagonista decide redimirse para restaurar su familia y recomponer su vida pero sin entrar en dilemas morales.

Claramente en la película se muestran las dos caras del éxito: cuando se tiene fama y reconocimiento y, cuando caes en picado y la gente no quiere saber nada más de ti. Por eso, de alguna forma intenta transmitir que esa "redención" está motivada por una cuestión familiar y deje a un lado la ética profesional.

Más que un drama pugilísitco al estilo de Toro salvaje, es más bien un drama paterno-filial con tintes lacrimógenos, puesto que lo que se intenta es que el espectador se identifique con la relación que mantiene el protagonista con su hija; ya que es la única razón por la que el decide volver a boxear.

Tras éxitos destacados como Training Day o The equalizer, el director Antoine Fuqua se desvanece un poco en este drama donde al final acaba en un segundo plano. En el caso de Jake Gyllenhaal (que interpreta a Billy Hope) está acostumbrado ha realizar personajes demasiado expresivos o que conllevan un cambio de físico radical (como ya hizo también con el thriller Nightcrawler, que no llegó a estrenarse en los cines de España) y que al final le conducen ha hacer interpretaciones demasiado forzadas donde no se aprecia el talento con el que empezó inicialmente al realizar película independientes (como Donnie Darko).

En definitiva, es una historia de culpa, redención y superación, sin más. Por lo que, para pasar una tarde viendo esta película, no le produce al espectador ningún cambio de opinión sobre las películas de boxeo.

Calificación personal: 6

Éxito a cualquier precio (1992)

• Título original: Glengarry Glen Ross
• Año: 1992
• Género: Drama
• Dirección: James Foley
• Intérpretes: Al Pacino, Jack Lemmon, Ed Harris, Alan Arkin, Kevin Spacey, Jonathan Pryce, Alec Baldwin.
• Guión: David Mamet
• Música: James Newton Howard
• Fotografía: Juan Luis Anchía
• Montaje: Howard E. Smith
• Productora: New Line Cinema

SINOPSIS

Varios agentes inmobiliarios de Chicago intentan sobrevivir en un mundo altamente competitivo y que está en plena depresión. A pesar de la situación, algunos reaccionarán sin ningún tipo de escrúpulos, mientras que otros lo harán con una solidaridad admirable.

CRITICA

En primer lugar, comentar que he clasificado la película en el apartado de "Libros" del blog, aunque realmente es una adaptación del propio David Mamet sobre su obra de teatro. Pero, centrándonos en el tema que nos ocupa, es una película que por mucho que pase el tiempo tiene importancia y relevancia no solo por la especulación inmobiliaria, sino por las técnicas que se emplean por parte de los diferentes empresarios o jefes por tener más prestigio que por crear un buen ambiente de trabajo y que a la vez éstos puedan rendir sin ningún tipo de presión o amenaza.

Independientemente de su hora y media de duración, desde el principio mantiene al espectador pegado a la pantalla, no sólo para ver a un gran plantel de actores, sino para ver una situación donde te muestra que en cualquier tipo de trabajo se intenta sobrevivir en lugar de disfrutar del mismo y poder aprender cosas que te permitan desarrollarte como persona en tu entorno laboral.

Lo más curioso es que para "motivar" a los empleados mandan a alguien cercano a los jefes que utiliza una frase bastante demoledora: "No les deseo buena suerte, porque ustedes no sabrían que hacer con ella", demostrando una vez más que el ser jefe da derecho a tratar mal a los subalternos. Pero realmente esta persona lo que hace es amenazar con que no van a tener que comer (puesto que solo cobran si venden terrenos o casas) y si no alcanzan los objetivos les echarán a la calle sin ningún tipo de miramientos, lo que genera odio no solo entre los propios trabajadores, sino también con su propia conciencia porque estafan a la gente con terrenos que no son nada productivos.

Por otro lado, se puede observar como los jefes o jefazos están en el puesto en el que se encuentran (en cierto modo por su talento) y con esos sueldo de varias cifras, con una reputación intachable y con todo tipo de lujos porque los de abajo se desloman vendiendo y así consiguen una gran comisión. También de una forma bastante implacable se desmitifica el concepto del sueño americano: mostrando una de las caras más crudas del capitalismo salvaje.

Otra visión puede verse desde el lado de los empleados, que no desean que les echen ni tampoco tener que ir con artimañas a gente de una clase media tirando a baja, para venderles terrenos y/o parcelas; de esa forma a los "futuros clientes" se les va haciendo la boca agua con esas soñadas hectáreas en las que poder invertir y así poder tener un futuro asegurado.

De todos los vendedores se muestra cual es su carácter frente a la situación moral: ser honestos consigo mismos y no estafar a la gente o sobrevivir a toda costa si ello implica tener que robarle a tu propia empresa y no tener que trabajar para tiranos. Aunque uno de ellos solo piensa en sí mismo y vender más que nadie, mientras que los otros tres se plantean un futuro más allá de unas ventas mediocres. En definitiva, quieren conseguir el éxito sin importar los valores y el compañerismo.

El reparto está inconmensurable, sobre todo por la presencia de Jack Lemmon que les come el terreno al resto, en una de sus últimas actuaciones. Ed Harris y Alan Arkin se hacen la réplica mutua como si uno fuera el decidido y el otro corrobora todo lo que dice. Y Al Pacino, cuya interpretación (desde mi punto de vista) es demasiado forzada y se ve también como tiene el ego un poco subido.

Es una película electrizante de principio a fin, que muestra las arenas movedizas en las que se suele mover toda empresa: saltarse la leyes si con ello consiguen más clientes o incluso pueden humillar a sus trabajadores; siendo su único objetivo la venta y las ganancias.

Calificación personal: 8

Destino (2003)

• Dirección: Dominique Mónfery
• Año: 2003
• Guión: Salvador Dalí,John Hench, Donal W. Ernst
• Música: Armando Domínguez
• Montajes: Jessica Ambinder-Rojas
• Productora: Walt Disney Animation Studios, Walt Disney Company

Cortometraje que hicieron de manera conjunta Salvador Dalí y Walt Disney en 1946 pero que hasta el 2003, no pudo terminarse. Un corto con una gran belleza surrealista a la vez que onírica donde Dalí, supo plasmar su obra en un gran corto de animación.

De óxido y hueso (2012)

• Título original: De rouille et d’os.
•  Dirección: Jacques Audiard.
• Año: 2012.
•  Género: Drama, romance.
•  Interpretación: Marion Cotillard , Matthias Schoenaerts , Céline Sallette,  Bouli Lanners, Armand Verduse, Corinne Masiero, Jean-Michel Correia.
•  Guion: Jacques Audiard y Thomas Bidegain
• Producción: Pascal Caucheteux. 
• Música: Alexandre Desplat. 
• Fotografía: Stéphane Fontaine. 
• Montaje: Juliette Welfling. 
• Diseño de producción: Michel Barthélémy. 
• Vestuario: Virginie Montel. 
• Distribuidora: Vértigo Films. 

SINOPSIS

Todo comienza en el norte. Alain (Matthias Schoenaerts) se encuentra con Sam, de 5 años, en los brazos. Es su hijo, al que apenas conoce. Sin domicilio, sin dinero y sin amigos, Alain encuentra refugio en casa de su hermana. Allí todo mejora, ella les aloja en el garaje, se ocupa del pequeño y el clima es agradable. Pero tras una pelea en una discoteca, su destino se cruzará con el de Stéphanie (Marion Cotillard). Alain la lleva a su casa y le deja su número de teléfono. Él es pobre, ella es hermosa y rebosa confianza. Son totalmente opuestos. Una tragedia volverá a reunirlos.

CRITICA

Cada vez que decido ver una película suelo guiarme por tres criterios: el primero de ellos suele ser que he visto alguna película del director y me ha gustado; segundo, la película me la recomienda alguien que suele tener gustos cinematográficos muy particulares, y por último es simple y llanamente la curiosidad de descubrir nuevas películas que me puedan remover por dentro. Y la verdad, es que con De óxido y hueso estos tres criterios me llevaron a verla y la verdad, es que no me arrepiento de haberla visto.

Desde un primer momento se plantea al espectador dos mundos (reflejados en los protagonistas) totalmente diferentes pero harán que éstos se junten tras una tragedia y cómo muchas veces el ver a una persona más allá de sus limitaciones físicas o incluso del estatus social en el que se pueda encontrar, puede abrir los ojos más de una vez para que nos demos cuenta de que todos (insisto en el todos) somos iguales y nada ni nadie nos debe (ni debería) catalogar.

Sin ningún tipo de censura el director dispone y presenta las historias de los personajes que quiere contar, emocionantes y llenas de contenido. En un momento de la trama, se hace una pregunta: "¿Qué soy para ti?", donde no solo se plantea desde el lado emocional entre los dos personajes principales, sino también desde la visión que muchos de nosotros tenemos (o incluso la visión que pueden tener sobre nosotros) frente a la apariencia física o la clase social de una persona que nos condiciona para la sociedad. Sin embargo, cuando alguien muestra un interés más allá de las limitaciones que tenemos, pensamos que solo puede estar con nosotros por compasión, pero a lo mejor está con nosotros porque de alguna forma se siente identificado o incluso, necesita estar con alguien que le haga sentirse uno mismo y no fingir quien realmente no somos.

Lo que llama especialmente la atención es como el director guía al espectador de tal forma que éste no puede apartar la mirada de la tragedia que para los protagonistas incluso les puede acercar a la felicidad. Se aprecia sobre todo en momentos concretos cuando Stéphanie se interesa por los combates callejeros (e ilegales) de Alí y permite que vaya con él. Cómo ella se vuelve a reencontrar con aquello que le hizo perder la esperanza, cuando se acerca al acuario y la orca la reconoce. Por otro lado Alí, un hombre desorientado en la vida y perdido porque no encuentra la estabilidad y además, no sabe ser padre va dando bandazos porque no encuentra su sitio en el mundo y piensa que siempre lo mejor es huir o buscar el camino más fácil.

Desde el primer momento, el director trata con mimo a sus personajes (sin condescendencia ninguna, cuidado) convierte a Alí en un tótem en torno al cuál giran todos los acontecimientos de la película, con una Stéphanie como (inesperada) columna de apoyo esencial. Con lo que se llega al trasfondo de la historia que cuando se llega al suelo, hay que volver a levantarnos.

Me impresiona desde el principio la gran capacidad que tienen los actores de la película de transmitir desde los personajes que interpretan, pero sobre todo destacar la increíble e impresionante interpretación de Marion Cotillard que, si me sorprendió gratamente con La vida en rosa y con Dos días, una noche (crítica en este blog) con su interpretación en De óxido y hueso la convierten en una gran actriz versátil y que cuando hace películas en su país, lo hace que da miedo y demuestra el gran talento que hay en el cine francés. Y que decir del director (y también guionista) Jacques Audiard que donde pone el ojo hace grandes película como Un profeta y Dheepan.

Para terminar es que, uno de los mensajes claros que deja la película es que muchas veces hay que pelear desde el suelo, desde el mismo espíritu que convierte el día a día en el triunfo de lo pragmático sin renunciar a la visceralidad de los brutalmente emocional.

Calificación personal: 9

Irma La Dulce (1963)

• Título original: Irma la Douce
• Año: 1963
• Género: Comedia
• Dirección: Billy Wilder
• Intérpretes: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Lou Jacobi, Bruce Jarnell, Herschel Bernardi, Louis Jourdan, Hope Holiday, Grace Lee Whitney, Paul Dubov.
• Guión: Billy Wilder, I. A. L. Diamond
• Música: André Previn, Marguerite Monnot
• Montaje: Daniel Mandell
• Fotografía: Joseph LaShelle
• Productora: Mirisch Company, United Artists

SINOPSIS

Nestor Patou (Jack Lemmon) es un gendarme francés que es trasladado al barrio de Les Halles, donde se concentra la totalidad de las prostitutas. En una de sus rondas conoce a Irma (Shirley MacLaine) con la que traba una amistad un tanto peculiar pero que a la larga, le traerá auténticos quebraderos de cabeza.

CRITICA

Siempre que he realizado una crítica sobre películas del género de comedias románticas, casi nunca (por no decir nunca) salen muy bien paradas, puesto que a este género se le ha dado un mal uso dentro del cine. Pero Irma La Dulce supuso un antes y un después en este género, no solo por la forma cómica de los diálogos, sino porque de una forma abierta se hablaba del tema de la prostitución.

Aunque, si bien es cierto, que cuando se ve la película varias veces hace que se planteé realmente el trasfondo de la historia e incluso, si algún espectador la ve por primera vez, le genere ciertas dudas sobre si realmente el mundo de las prostitutas es así. Y, al final se ve que está todo edulcorado en cierto modo para que el espectador simpatice con la historia de amor que hay detrás y que todo es muy idílico y demasiado bonito. Pero bien se sabe, que ese mundo es demasiado complicado y oscuro, como para hacer una situación cómica.

Es cierto que la historia no deja indiferente a nadie no solo por la historia de amor que se acaba granjeando entre los personajes, sino también por la peculiaridad de muchos de ellos. Pero es verdad que, a medida que va avanzando la historia si que se ven ciertas situaciones un poco irreales que no encajan con lo que realmente produce la prostitución; pero en ningún momento decae el ritmo de la película y si bien es cierto, que en determinados momentos ocurren situaciones de buenas carcajadas.

Si a todo esto le añadimos la gran elección de los actores y su gran compenetración (tanto Lemmon como MacLaine trabajaron juntos en 1960 en otra película de Billy Wilder titulada El apartamento) donde claramente el peso de la historia está llevada por el personaje femenino y también critica (aunque sea de una forma un poco "light") la dependencia que se tiene hacia el hombre a nivel sentimental.

Es una película para pasar una tarde entretenida reírte y disfrutar de una historia (aunque sea sencilla) que permite al espectador meterse de lleno en la misma y recordar el porqué ya no se hacen buenas comedias, como antes.

Calificación personal: 7