Ahora o Nunca (2015)

• Dirección: María Ripoll.
•  Año: 2015. 
• Género: Comedia romántica. 
• Interpretación: Dani Rovira, María Valverde, Clara Lago, Gracia Olayo, Joaquín Núñez, Jordi Sánchez, Melody Ruiz, Yolanda Ramos.
• Guión: Jorge Lara, Francisco Roncal.
• Fotografía: Pau Esteve Birba.
• Productora: Canal + España, AXN, Atresmedia Cine.

SINOPSIS

Eva y Alex son una pareja que, tras años de noviazgo, decide casarse en el lugar en el que se enamoraron, un pequeño pueblecito de la campiña inglesa, pero una huelga de controladores impide que el novio y los invitados se reúnan con la novia y su séquito. 

CRITICA

A veces, el cine español no aprende ni sabe aprovechar bien las oportunidades que se le brindan y, habiendo mejorado mucho sobre todo en los últimos diez años. Es lo que realmente le ha pasado a esta película, que para desgracia lo pagan hasta los actores.

Esta película intenta seguir el éxito y la estela que empezaron películas como A 3 metros sobre el cielo u 8 apellidos vascos y su actual secuela, 8 apellidos catalanes. Y realmente, el tiro le ha salido por la culata, donde la historia llega a sabotear hasta al reparto. A su vez, muchos de los actores fuerzan la interpretación y los chistes notándose que la historia no fluye.

De esta forma, también intenta emular el estilo de las comedias románticas de Hollywood que no encajan de manera correcta con el estilo de vida español y, donde el término de comedia romántica hacía gracia antaño, pero ahora no.

Un aspecto que queda reflejado, y que ya se vió en películas como Perdiendo el Norte u 8 Apellidos Vascos, es el uso de actores secundarios para poder paliar el error garrafal del guión, como es el caso de Jordi Sánchez, Joaquín Núñez o Yolanda Ramos. Sin embargo, la presencia de actores secundarios, no suple la carencia actoral del reparto principal, que sobre todo gira en los personajes de María Valverde y Dani Rovira, donde su química es totalmente nula y las interpretaciones forzadas.

Esta película está enfocada a un público en concreto, intentando repetir el éxito de predecesoras, pero el pero esto no es bueno para nuestra industria , puesto que el público no es tonto y ve por donde se dirigen este tipo de producciones. Por lo que no recomiendo su visionado y, ésta película pasará a la posteridad.

Calificación personal: 4

Los minions (2015)

• Dirección: Kyle Balda y Pierre Coffin.
• Año: 2015. 
• Género: Animación, comedia. 
• Doblaje original: Sandra Bullock, Jon Hamm, Steve Carell, Michael Keaton, Steve Coogan, Allison Janney. 
• Guion: Brian Lynch. 
• Música: Heitor Pereira.
• Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

SINOPSIS

Los entrañables y divertidos Minions ya tienen su propia película. Su historia se remonta al principio de los tiempos. Siempre han estado al servicio de los amos más despreciables. Ante su incapacidad para mantener a esos amos —desde el T. Rex a Napoleón—, los Minions acaban encontrándose solos. Sin embargo, uno de ellos, llamado Kevin, tiene un plan. Acompañado por el rebelde adolescente Stuart y el adorable Bob, decide lanzarse al mundo en busca de un nuevo amo malévolo a quien puedan seguir. El trío emprende un emocionante viaje para conseguir un jefe a quien servir, en realidad una jefa, la primera supervillana que jamás ha conocido el mundo, la terrible Scarlet Overkill. Pasarán de la helada Antártida, a la ciudad de Nueva York en los años sesenta, para acabar en el Londres de la misma época, donde deberán enfrentarse a su mayor reto hasta la fecha: salvar a la raza Minion de la aniquilación.

CRITICA

¡Los mini monstruos han vuelto! Y la verdad es que lo han hecho a lo grande, ya que siempre que se suele hacer algún spin-off o secuela, suele tener malas pasadas pero esta película sale airosa en su combate particular.

A diferencia de las dos películas de Gru, aquí nos muestra la historia de los Minions antes de conocer a al villano al que posteriormente se unirán. La historia es simple y muy sencilla, para nada sobrecargada pero ante todo, hay que tener en cuenta que es una película enfocada al público infantil, sabiendo que muchas veces en películas de animación no se busca que sea una buena película, sino más bien un éxito comercial.

Hay que tener en cuenta, que no siempre se puede cortar a las películas con el mismo rasero, puesto que el fin es totalmente diferente. Por lo que el fin de esta historia es entretener y que el espectador pase un buen rato, pero sin ser tedioso. Si es cierto que a mitad de película la acción empieza a decaer a mitad de la película, generando un pequeño efecto soporífero.

Sin mucho más que reseñar al respecto, puesto que desde mi punto de vista, este tipo de películas las enfoco al más absoluto entretenimiento y diversión. Desde mi punto de vista, lo va a tener complicado a la hora de ganar premios, puesto que competirá con La oveja Shaun y Del revés (Inside Out).

Calificación personal: 6.7

Psicosis (1960)

• Título Original: Psycho
• Año: 1960
• Dirección: Alfred Hitchcock
• Intérpretes: Anthony Perkins, Vera Miles, John Gavin, Janet Leigh, John McIntire.
• Guión: Joseph Stefano
• Música: Bernan Herrman
• Fotografía: John L. Russell
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Marion Crane (Janet Leigh), tras cometer un pequeño robo contra su jefe, decide huir con el dinero para empezar una nueva vida. Tras conducir durante horas y, con una intensa lluvia decide alojarse en un motel de carretera regentado por Norman Bates (Anthony Perkins) y su madre.

CRITICA

Cómo decirlo... ¡Normal que sea unas de las cien películas de todos los tiempos! Realmente soberbia toda ella, desde una interpretación muy solvente por parte de todo el reparto, como de un guión, banda sonora y dirección espectaculares.

Al igual que ya comenté en la crítica de Vampyr, es que Psicosis conecta también con nuestros miedos al mostrarnos en la película de lo que somos capaces de hacer sin importarnos las consecuencias. Y cómo los traumas, o las cosas mal hechas, nos acaban persiguiendo y no podemos huir de ellas.

Es una película que merece ser desmenuzada parte a parte para llevar un análisis exhaustivo. Lo primero es analizar todos y cada uno de los planos, ya que Hitchcock nos va sorprendiendo con planos cenitales, contrapicados unidos a metáforas (por ejemplo cuando aparece un contrapicado enfocando a Anthony Perkins y aparecen las aves disecadas como si le estuvieran observando). Segundo, la famosa escena de la ducha, ésa en la que la protagonista muere y no se le dilatan las pupilas.

En aquella época, no se permitían hacer desnudos en la película y, para poder llevar a cabo la escena de la ducha, Hitchcock iba metiendo elementos sorpresa a lo largo de la película; como la aparición del inodoro, siendo Psicosis la primera que introdujo un urinario. En esta escena también aparece una metáfora, la cual es que ella escribe una carta para confesar el robo, tirando los papeles al retrete y tirando de la cadena, se puede interpretar que "desagua" su culpabilidad y que no hay nada que la vaya a detener.

Explicar muchos de los detalles de manera escrita es complicado ya que, se debería hacer un coloquio después del visionado para así no perder detalle alguno y, saborearla aún más. y así poder unir al diálogo la interpretación de un fantástico Anthony Perkins que borda su papel y, que posteriormente fue una losa para él. Janet Leigh, que después de la escena de la ducha, estuvo más de dos semanas sin ducharse por el miedo que había cogido al rodar la escena. Qué decir de esa banda sonora que mantiene en suspensión al espectador y los muy logrados títulos de crédito del gran Saul Bass (gran colaborador del director)

Desde mi punto de vista, la considero una de las 10 mejores películas de la historia, aunque me entristece que Hitchcock sólo recibiese un triste Oscar honorífico a toda su carrera, siendo el maestro del suspense. Merece realmente la pena, ver esta gran obra maestra.

Calificación personal: 10

Black Mass (2015)

• Dirección: Scott Cooper
•  Año: 2015.
• Género: Biopic, thriller.
• Reparto: Johnny Depp, Joel Edgerton, Benedict Cumberbatch, Kevin Bacon, Jesse Plemons, Peter Sarsgaard, Dakota Johnson, Corey Stoll, Juno Temple, Adam Scott.
• Guión: Mark Mallouk, Jez Butterworth
• Montaje: David Rosenbloom
• Música: Tom Holkenborg
• Fotografía: Masanobu Takayanagi
• Productora: Warner Bros, Cross Creek Pictures

SINOPSIS

En los años 70, en el sur de Boston, el agente John Connolly (Joel Edgerton) convence al gánster irlandés, James “Whitey” Bulger (Johnny Depp), para que colabore con el FBI para eliminar a un enemigo en común: la mafia italiana. Este drama cuenta la historia real de esta alianza infernal, que se volvió incontrolable, permitiendo a Whitey evitar a la ley, consolidar su poder y llegar a ser uno de los mafiosos más implacables y poderosos de la historia de Boston.


CRITICA

No sorprende que unas cuantas veces al año, Holywood realice biopics de personajes relvantes para intentar colarse en los nominaciones de los Globos de Oro y de los Oscars y, donde Black Mass, no intenta ser menos contando la historia del mayor gángster de la historia americana (raro, ya que dejan fuera a Al Capone).

Este película no se queda atrás a la hora de reflejar la historia de uno de sus criminales más famosos como ya pasase con John Dillinger en la película de Enemigos públicos (interpretada también por Johnny Depp) y, que nos quiere mostrar como se mueven los gángsteres y la actuación del FBI ante estas redes criminales.

La historia es interesante si se tiene en cuenta el género que es y no es una historia profunda con la que el espectador se pueda identificar. El guión tiene una cierta solidez pero no llega a alcanzar un clímax con el cual el espectador sienta curiosidad por saber más la historia del protagonista y, a lo mejor hubiese sido bueno intentar conocer más el plan de acción por parte del FBI.

La historia es demasiado lineal que incluso la interpretaciones suelen ser demasiado insulsas para ser un reparto coral y con cierto renombre en la industria cinematográfica intentando tomar en serio una historia que va perdiendo dicha seriedad a medida que avanza la propia historia.

A pesar que Johnny Depp hace esfuerzo ímprovos por recuperar el "caché" de antes, tras los últimos fiascos, no es desdeñable su interpretación. El resto del reparto está muy formal, pero he de reconocer que el actor Joel Edgerton me parece un actor pésimo y, que fuerza demasiado su actuación llegando a parecer a un chulo más que a un agente del FBI.

Queridos espectadores, el crimen no compensa. Al menos a la larga, porque aquí nos siguen invitando para ver como se vive al margen de la ley. Y con aspiraciones. Por lo que si no tienen estas aspiraciones, pueden pasar sin verla.


Calificación personal: 5.9

Vampyr (1932)

• Dirección: Carl Theodor Dreyer
• Año: 1932
• Intérpretes: Julian West, Maurice Schutz, Rena Mandel, Sybille Schimtz, Albert Bras, Jane Mora, Henriette Gerard, Georges Boidin.
• Guión: Christine Jul, Carl Theodor Dreyer
• Música: Wolfgag Zeller
• Sonido: Hans Bittman
• Fotografía: Rudolph Maté
• Montaje: Carl Theodor Dreyer, Tonka Taldy.
• Producción ejecutiva: Carl Theodor Dreyer, Julian West, Christine Jul.

SINOPSIS

Un joven granjero llamado Allan Gray, se aloja en un misterioso castillo en el cual empieza a tener constante pesadillas hasta que, descubre a una joven que ha sido atacada por un vampiro con forma de bruja. Desde ese momento, intenta ayudar a la joven para que no sucumba a la oscuridad.


CRITICA

Espeluznante película que muestra los verdaderos miedos del ser humano, que es lo que de verdad nos acaba produciendo terror donde, no deja indiferente al espectador y provoca su inmersión total en la trama de la película.

Dentro de la filmografía de Dreyer, en su época fue muy infravalorada lo que llevo al director a retirarse durante 9 años hasta que rodó su siguiente gran película. En esta película lo que intenta es que el ser humano ahonde en sus mayores miedos y tormentos que es lo que realmente no le deja avanzar. Esto se ve reflejado a medida que avanza la película, pero sobre todo en un plano subjetivo que nos muestra como el protagonista está despierto y consciente pero no puede hacer nada por "despertar".

Hoy en día se suelen asociar a las película de terror estigmas sobre fantasmas, espíritus o monstruos pero, la esencia verdadera radica muchas veces en emplear dichos hechos para mostrar aquello que tenemos realmente oculto.

Dreyer, gran pionero del cine danés venía de rodar dos obras como El amo de la casa (habla sobre el maltrato a la mujer) y La pasión de Juana de Arco lo que supuso que con Vampyr tocara fondo (de manera injusta) y volviendo en 1943 con Días de ira, culminando su segunda etapa con la fabulosa Ordet y Gertrud. Reconocido como uno de los mejores directores europeos de la historia aunque sólo filmase seis películas.

Recomiendo a aquel espectador que le guste el cine de terror, que revise esta gran película no sólo por la historia sino, por el contexto que hay detrás de todas y cada una de las imágenes las cuales, nos transmiten aquello que más tememos y no queremos que se descubra.


Calificación personal: 8

(No hay trailer disponible)

Lava (2015)

Otra vez un corto de Pixar que se exhibe antes de ver su nueva película Del revés (Inside Out). Muestra el deseo de un volcán por conseguir el amor. Lo que suena como una historia de amor, para muchos es considerada como el peor corto de Pixar hasta la fecha (por estar demasiado"edulcorado"). Además de que, según su director, la moraleja del corto viene a decir: "ten cuidado con lo que deseas". Aunque por otro lado está inspirada en la música de un famoso cantante hawaiano llamado Iz Kamakawiwo'ole.

Magical Girl (2014)

• Dirección y guion: Carlos Vermut. 
•  Año: 2014. 
• Género: Drama.
• Interpretación: José Sacristán, Bárbara Lennie, Luis Bermejo, Lucía Pollán, Israel Elejalde , Elisabet Gelabert, Miquel Insúa, Teresa Soria Ruano, David Pareja, Eva Llorach.
• Producción: Álvaro Portanet Hernández, Amadeo Hernández Bueno y Pedro Hernández Santos. 
• Fotografía: Santiago Racaj.
• Montaje: Emma Tusell. 
• Diseño de producción: Montse Lacruz.
•  Vestuario: Iratxe Sanz.
• Distribuidora: Avalon

SINOPSIS

Alicia, una niña enferma, sueña con el vestido de la serie japonesa Magical Girl Yukiko. Luis, su padre, hará todo lo que esté en su mano para conseguirlo. Su destino se cruza con el de Bárbara, una atractiva joven con desórdenes mentales, y con el de Damián, un profesor retirado de todo menos de su tormentoso pasado. Todos ellos quedarán atrapados en una red de oscuros chantajes en la que instintos y razón se debatirán en una trágica lucha.



CRITICA

Realmente cuando la vi, me quede sin palabras. Más que nada, no sólo porque la película en sí es impactante sino; también por el efecto sinérgico que provocan las relaciones entre los diferentes personajes que (de manera indirecta) les hace aflorar lo más vil y retorcido de su interior.

Como ya pasó igual que La soledad de Jaime Rosales, Magical Girl pasó sin pena ni gloria por las carteleras españolas pero que su reivindicación en los premios Goya, la resurgió un poco de sus cenizas. Fascinada yo por dicho resurgimiento, decidí ver la película a ver con lo que me podía encontrar. Y la verdad es que me encontré una historia llena de recovecos tanto a nivel narrativo como a nivel fotográfico, sumergiéndome después en una reflexión.

Aunque para la mayoría de los espectadores les parezca lenta, aburrida y sin ningún tipo de fundamento. A veces hay que mirar un poco más allá y entender o analizar las imágenes y los planos que suelen hablar por si solas y que las apariencias engañan. Y no sólo eso, sino una gran cantidad de metáforas visuales que en un principio no causan ningún efecto, pero que después si se analizan, dan que pensar. Fue lo que me pasó a mi la verdad.

Más que nada, yo invitaría al espectador que no haya visto Magical Girl, que la viese y que intentase analizarla al cabo de unos días, a ver cual sería su impresión. Pero si es cierto, que la cinta es un poco larga y que a lo mejor se podría haber acortado un poco el metraje.

En cuanto a la ficha técnica, para mi era un completo desconocido el director Carlos Vermut y pienso que hace un buen trabajo. En cuanto al reparto coral, destacar al siempre impecable José Sacristán que deja su huella de calidad. Bárbara Lennie, que no tengo nada en contra de ella, pero sigo pensando que el Goya a la mejor actriz se lo tenía que haber llevado Macarena Gómez por Musarañas, pero su actuación está bastante correcta.

Como dato curioso, la película ha tenido mucho más éxito en Francia que en España. Por lo que se debería valorar un poco más nuestro cine y, apreciar el buen cine; donde muchas veces el éxito no tiene que estar reñido con la cantidad de dinero que se recauda, sino con la calidad.


Calificación personal: 8

Ant Man (2015)

• Dirección: Peyton Reed. 
• Año: 2015.
• Género: Acción, ciencia-ficción. 
• Reparto: Paul Rudd, Evangeline Lilly, Michael Douglas, Bobby Cannavale, Michael Peña, Corey Stoll, Hayley Atwell, Judy Greer, Jordi Mollà. 
• Guion: Joe Cornish y Edgar Wright.

SINOPSIS

Scott Lang (Paul Rudd) es un ladrón que sacará a la luz el héroe que lleva dentro para ayudar a su mentor, el Dr. Hank Pym (Michael Douglas) , a proteger el secreto que esconde su espectacular traje de Hombre Hormiga de una nueva generación de peligrosas amenazas. Dotado con la fascinante habilidad para encoger de tamaño pero aumentar la fuerza y a pesar de los obstáculos que parecían invencibles, Lang ayudará a Pym a planear y llevar a cabo un atraco que salvará al mundo.

CRITICA

Es cierto que aunque tengo alguna que otra entrada sobre críticas a películas basadas en cómics, no es un género que especialmente me entusiasme y me pierda por ir a ver una película. Pero ya que me dieron dos entradas y para el prestreno, no iba a desaprovechar la oportunidad.

Desde mi punto de vista, y con pocos conocimientos sobre los cómics, considero que es una película con mucho entretenimiento, que evita que el espectador se pierda y no se aburre gracias a los giros de guión, acompañados con ligeros toques de tensión así como muchos "gags" que mantienen esa línea de buen rollo que fluye de la película.

Además, dados a ver surperhéroes que tienen poderes o que han sufrido alguna trasformación que le ha acabado dando poderes, en el caso de Ant Man se puede ver con claridad que el protagonista aunque adquiere un tamaño diminuto no va tener superpoderes, seguirá siendo un humano más.

La verdad es que este tipo de historias no tienen demasiado trasfondo y a veces no es necesario hacer demasiado hincapié. Comentar a modo de curiosidad, que cuando se comenzó el rodaje, antes de llegar al guión y al director definitivo, se despidieron dos directores (que también eran los guionistas) provocando una restructuración de toda la historia, llegando incluso a que el protagonista (Paul Rudd) escribiera parte del guión. En definitiva, la película ha salido bastante bien parada, con buenos actores, guión sólido y momentos graciosos, que hará que el espectador pase un rato entretenido.

Calificación personal: 7

Te querré siempre (1954)

• Título Original: Viaggio in Italia
• Año: 1954
• Dirección: Roberto Rossellini
• Género: Drama
• Intérpretes: Ingrid Bergman, George Sanders, Maria Mauban, Paul Muller, Leslie Daniels, Anna Proclemer.
• Guión: Roberto Rossellini, Vitaliano Brancati, Antonio Pietragienli.
• Música: Renzo Rossellini.
• Fotografía: Enzo Serafin
• Productora: Seveva Film, Italia Film

SINOPSIS

Un matrimonio inglés viaja a Italia con el fin de vender una casa heredada. Esto les sirve para olvidar el ajetreado mundo inglés, pero al mismo tiempo empezarán a surgir sentimientos que creían olvidados.

CRITICA

Siempre había oído hablar de Roberto Rossellini, pero nunca había visto ninguna de sus películas. Y la verdad es que invita a tener una verdadera fe en la humanidad y en las segundas oportunidades e intentándolo hacer de manera trascendental.

Más allá de una historia de amor, llega a mostrar de una forma casi "real" lo que muchas veces puede llegar a ocurrir en una relación, y eso es lo que vislumbra la historia; aquellas pequeñas cosas que pensamos que son irrelevantes pero que a lo largo del tiempo alcanzan importancia y por las que, muchas veces nos acabamos lamentando y pensamos que podríamos haber hecho las cosas mejor.

Pero no sólo es aplicable en el tema de las relaciones de pareja, sino también en las decisiones que vamos tomando a lo largo de nuestra vida y que pueden muchas veces, condicionar nuestro futuro; o incluso afectar a nuestro presente.

Rossellini era muy dado ha contar historias directas, veraces y expresivas desde el punto de vista en el que se imaginaba su vida y la de los demás. También es cierto que su narrativa se veía influenciada casi en su totalidad por las experiencias personales, siendo un canto a la vida. Pero ese giro lo dio años antes cuando realizó Alemania año cero (de la que habrá una crítica más adelante) en el año 1945 tras perder a su hijo, mostrando una imagen negativa de la vida y del mundo.


Cómo último detalle Ingrid Bergman que fue musa de Rossellini hasta su divorció y que la encumbró al éxito; y considerada como una de las mejores actrices de la historia, su expresividad en esta película no pasa desapercibida llegando el espectador a mimetizarse con ella.


Te querré siempre es no sólo un canto al amor, sino a la reconciliación, al perdón y a la existencia de las segundas oportunidades.


Calificación personal: 7.2

Doce hombres sin piedad (1957)

• Título Original: 12 Angry Men
• Año: 1957
• Género: Drama
• Dirección: Sidney Lumet
• Intérpretes: Henry Fonda, Lee J. Cobb, Ed Begley, Jack Warden, Martin Balsam, John Fiedler, Billy Nelson, John Savoca, Rudy Bond, James Kelly.
• Guión: Reginald Rose
• Fotografía: Boris Kauffman
• Música: Kenyon Hopkins
• Productora: MGM, Orion Nova Productions

SINOPSIS

Doce miembros de un jurado, tienen que dictaminar que un chico ha matado a su padre. A la hora de concluir el veredicto, uno de ellos dice que es inocente. Lo que parecía un juicio fácil, se acabará convirtiendo en un intento cambio de voto llegando a sacar a la luz sus más dolorosos recuerdos y miedos.

CRITICA

Esta película pone en entredicho el sistema judicial, no sólo el americano, sino a nivel mundial. Planteando de esta manera una cuestión: ¿son realmente culpables todos los reos? o ¿se aplica de verdad la frase: "eres inocente hasta que se demuestre lo contrario"?

Son preguntas morales totalmente válidas, incluso cuando se vislumbran indicios claros de haber cometido una atrocidad. Pero esta historia, nos intenta mostrar que hay que usar el raciocinio antes que los sentimientos, puesto que nos pueden jugar una mala pasada. Es lo que les pasa a 11 de los 12 miembros del jurado que, arrastrados por sus sentimientos, se inclinan hacia la culpabilidad.

Cada uno de los miembros muestra su opinión por la culpabilidad (inclinado por el personaje de Henry Fonda que está sublime) por aquel que piensa que no es culpable. A medida que cada uno de ellos muestra "su verdadera" opinión. El espectador se da cuenta de que los sentimientos personales interfieren en el veredicto, lo que lleva a un trepidante desarrollo de la trama.

En esta película, mi crítica es muy escueta puesto que si sigo escribiendo más, puede que acabe destripando la película y quite el sentido de la misma y no sea una gran obra maestra del siglo XX.

Calificación personal: 9.2

Millenium 2: La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina (2009)

• Título original: Flickan som lekte med elden. 
• Dirección: Daniel Alfredson.
• Año: 2009. 
• Género: Thriller.
• Interpretación: Michael Nyqvist , Noomi Rapace, Annika Hallin, Per Oscarsson, Lena Endre, Peter Andersson, Sofia Ledarp, Tanja Lorentzon, Yasmine Garbi, Georgi Staykov, Sven Ahlström. 
• Guión: Jonas Frykberg.
• Producción: Søren Stærmose. 
• Música: Jacob Groth.
• Fotografía: Peter Mokrosinski. 
• Montaje: Mattias Morheden. 
• Vestuario: Cilla Rörby.
• Distribuidora: Vértigo Films.

SINOPSIS

Lisbeth Salander es la mujer más buscada del país. Dos colaboradores de Millennium, a punto de sacar a la luz un escándalo sobre el comercio sexual en Suecia, han sido brutalmente asesinados y las huellas de Lisbeth están en el arma homicida. Sin embargo, nadie puede encontrarla. Mientras, Mikael Blomkvist, editor jefe de Millennium, no cree lo que se dice en las noticias y sabiendo que Salander es feroz cuando se siente amenazada, está desesperado por encontrarla antes de que la acorralen. A medida que encaja las piezas del puzzle, Blomkvist se enfrentará a peligrosos criminales. Blomkvist saca también a la luz algunos datos desgarradores sobre el pasado de Salander. Puesta en manos de instituciones psiquiátricas desde los 12 años y declarada legalmente incapacitada a los 18, es una joven deshecha y confundida producto de un sistema injusto y corrupto. Sin embargo, Lisbeth es más un ángel vengador que una víctima indefensa, y arremete con ira sobre los que la han herido.


CRITICA

Como fiel seguidora de la saga (especialmente de los libros) he de decir que han pasado bastantes años desde que me leí los libros y vi la primera película, pero aún así, el impacto que me causó antes y ahora sigue siendo el mismo.

La película no cuenta sólo la historia de una joven con un tormentoso pasado, que todo el mundo cree que tiene que ser incapacitada; también cuenta la historia de miles de mujeres que sufren la explotación sexual y que son tratadas como mercancías. Es decir, la trata de blancas.

Es un tema que me repugna enormemente, y al que no hay que darle la espalda en ningún momento. Porque eso ocurre aquí y ahora. Cómo último dato antes de la crítica, Suecia es el país con mayor trata de blancas.

En el momento de su estreno, mucha gente la vapuleaba por como se manifiesta en la película (y en el libro) los casos de violaciones llevados al extremo. Si bien, se puede decir al respecto que la gran mayoría de las películas de Hollywood están faltos de escrúpulos en cuanto a violencia, sexo, violaciones, sangre, etc... Pero suele ocurrir, que muchas veces esa representación, introduce al espectador en la película empatizando con la victima, y odiando al agresor. Esto se ve reflejado claramente en el personaje de Lisbeth Salander y de las diferentes historias secundarias que surgen en las tres películas.

De hecho no deja indiferente al espectador, pero no es apta para estómagos sensibles. Gracias a que el público europeo, se ha hecho un poco más receptivo a películas de su continente, no debió de ser un fracaso, ya que su protagonista (Noomi Rapace) empezó a trabajar en Hollywood con Prometheus, Dead Man Down (críticas hechas en este blog), y así sigue.

Muchas veces, el cine nos muestra (de una manera un poco "edulcorada") la realidad que nos rodea y, de la cual queremos huir. Pero a veces, es necesario tener los ojos bien abiertos porque ningún ser humano, vive en un cuento de hadas.


Calificación personal: 7.3

El cazador (1978)

• Título Original: The Deer Hunter
• Año: 1978
• Género: Drama. Bélico
• Dirección: Michael Cimino
• Intérpretes: Robert De Niro, Christopher Walken, Meryl Streep. John Savage, John Cazale, George Dzundza.
• Guión: Deric Washburn
• Música: Stanley Myers
• Fotografía: Vilmos Zsigmond
• Productora: EMI Films

SINOPSIS

Tres amigos, amantes de la caza y que trabajan en una fábrica de fundición, pasan su últimos días juntos antes de embarcarse como voluntarios para luchar en la guerra de Vietnam. Acontecimiento que les cambiará sus vidas para siempre.

CRITICA

Ya sabemos de antemano que este tipo de películas son duras por el tema que tratan y que muchas veces es complicado darle un enfoque adecuado. Pero, bajo mi punto de vista esta película no debía haberse merecido todo el reconocimiento que cosechó en su día.

Ya comentaba en la crítica de Dos días, una noche que la película se caracterizaba por los tiempos de espera haciendo que las imágenes hablasen por si solas. Pero, el exceso del que peca El cazador con los tiempos de espera, son demasiado largos y llegan a despistar al espectador en andanzas que no son relevantes para la historia. Y en el momento en el cual llega lo interesante, la historia se queda en el "limbo" sin ver que alcanza un punto fijo.

Si bien es cierto que todas estas carencias de guión, son en mayor medida suplidas por unas interpretaciones sólidas, que intentan sacar la historia adelante, pero quedándose en el intento. Además, de determinados puntos sobre la amistad que pueden hacer reflexionar al espectador.

Detalles curiosos sobre la película, destacar el juego de miradas entre los actores donde se ve una gran complicidad. De echo, John Cazale y Meryl Streep eran pareja cuando rodaron esta película hasta la muerte de él, un año más tarde.

Aunque muchos la consideran imprescindible, desde mi humilde punto de vista yo la considero bastante prescindible y sin haberme aportado nada nuevo ni novedoso en lo que se refiere al guión. Pero si en fotogramas, que pueden llegar a dejar una huella imborrable.

Calificación personal: 5.9

Dos días, una noche (2014)

• Título original: Deux jours, une nuit.
• Dirección y guion:Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne.
• Año: 2014.
•  Género: Drama
• Interpretación: Marion Cotillard , Fabrizio Rongione , Pili Groyne , Simon Caudry.
• Producción: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne y Denis Freyd.
• Fotografía: Alain Marcoen. 
• Montaje: Marie-Hélène Dozo. 
• Diseño de producción: Igor Gabriel. 
• Vestuario: Maïra Rameddhan-Levi. 
• Distribuidora: Wanda Visión.

SINOPSIS

Sandra (Marion Cotillard), con la ayuda de su esposo, tiene sólo un fin de semana para ir a ver a sus colegas y convencerles de que renuncien a su paga extra para que ella pueda conservar su trabajo.

CRITICA

Madre mía... ¡Qué película! Sólo con el guión, se puede ver la fuerza tan grande que desprende la historia. Que de hecho, por su contesto, no nos queda nada alejada debido a los tiempos convulsos en los que vivimos. En los cuales, un soplo de aire fresco a nivel económico, nos resuelve la mayoría de nuestros problemas.

Pero la película va más allá. No sólo pretende mostrar el apego de los personajes al dinero (incluso se refleja en el papel de la protagonista, sino también los diferentes puntos de vista de los trabajadores que deciden apoyarla, como los que no están dispuestos a renunciar su paga extra. En ese desencuentro, podemos decir que es muy parecido al esquema de la película Doce hombres sin piedad, en donde se hace visible la miseria humana y cómo se dejan de lado los sentimientos de los demás.

La verdad, es que la película da para un análisis muy extenso en diferentes aspectos; pero yo voy a intentar ceñirme a unos pocos puntos y con la mayor brevedad posible. Pero espero saber reflejar lo que ha sido para mí esta película y, que me ha robado el corazón.

El análisis primordial es el de la protagonista y su marido, se ve claramente como a ella la situación le supera dando todo por perdido y cómo él, la sustenta la apoya y está con ella a su lado y que en lo bueno y en lo malo es donde se ve la solidez de una relación. Y no que a la mínima, se deje a la otra persona por diferentes problemas.

Segundo análisis, recae sobre cada uno de los compañeros de la protagonista. En los cuales, en la mayoría de los casos están condicionados por la decisión de su superior y eso, unido a sus problemas económicos, les supone un total rechazo hacia la renuncia de la paga extra. Y, otros compañeros, ante la coacción del superior y su dilema moral complejo, deciden recular y deciden despegarse de su paga extra para que así, vuelvan a readmitir a su compañera.

Todo esto, unido a una nula banda sonora (no la necesita) y unos planos que hablan por si solos, muestran una realidad agónica que los hermanos Dardenne saben llevar muy bien hasta el extremo, introduciendo de lleno al espectador en la trama. Aunque, muchos de los espectadores llegarán a pensar que es un película lenta, aburrida y sin un avance claro. Pero, la ausencia de estos adjetivos, permiten detenerse en los tiempos muertos para hacer un análisis profundo.


Si a todo esto, le unimos el talento de los Dardenne, su capacidad de llegar al espectador y la gran interpretación de la sublime Marion Cotillard; nos encontramos ante un película exquisita y llena de matices digna de recordar.



Calificación personal: 9.5

La oveja shaun: La película (2015)

• Título original: Shaun the sheep: The movie.
• Dirección: Mark Burton y Richard Starzack.
•  Año: 2015. 
• Género: Animación, comedia, familiar. 
• Música: Ilan Eshkeri. 
• Distribuidora:Universal Pictures International Spain. 

SINOPSIS

Shaun es una oveja muy lista y muy traviesa que vive con sus compañeras de rebaño en la granja de Mossy Bottom bajo la “supuesta” supervisión del Granjero y de Bitzer, un perro pastor con muy buenas intenciones, pero bastante despistado. A pesar de los esfuerzos de Shaun, la vida en la granja es bastante monótona, y nuestra oveja idea un ingenioso plan para tener un día libre.

CRITICA

¡Quien no se puede resistir al encanto de la oveja muda Shaun! No sólo por ser un bóvido, sino por la inteligencia que desprende y las carcajadas aseguradas sin apenas diálogos. Esa es la sensación que me causó a mi, rememorando mi juventud/adolescencia cuando me ponía la televisión por las mañanas y veía sus capítulos.

Cómo ya he comentado, a pesar de ser una película sin diálogos (y encima infantil) hace que el espectador esté totalmente entretenido y que suelte alguna que otra carcajada, provocada sobre todo por el rebaño que acompaña a la oveja protagonista.

Me sorprende bastante, lo bien que ha sabido levantar la compañía de animación "Aarman" con el fracaso sonado de Ratónpolis, y volver a su esencia inicial que le hizo famoso con la serie Wallace & Gromit (y su posterior película Wallace & Gromit: La maldición de las verduras).

En definitiva, esta película hará las delicias de los más pequeños y los no tan pequeños; puesto que todos en nuestro interior seguimos albergando algo de niñez. Yo la veo como una firme candidata al Oscar a la mejor película de animación, pero lo tendrá complicado al luchar con Los Minions (de la que haré una crítica más adelante).



Calificación personal: 8.9

Efectos secundarios (2013)

• Título original: Side effects. 
•  Dirección: Steven Soderbergh. 
• Año: 2013.
• Género: Drama, thriller. 
• Interpretación: Jude Law ,Rooney Mara, Catherine Zeta-Jones ,Channing Tatum , Vinessa Shaw. 
• Guion: Scott Z. Burns.
•  Producción: Scott Z. Burns, Lorenzo di Bonaventura y Gregory Jacobs. 
• Música: Thomas Newman.
•  Fotografía: Peter Andrews. 
• Montaje: Mary Ann Bernard. 
• Diseño de producción: Howard Cummings. 
• Vestuario: Susan Lyall. 
• Distribuidora: eOne Films Spain.

SINOPSIS

Emily y Martin son una próspera pareja neoyorkina cuyo mundo se desmorona cuando Emily intenta suicidarse. Incapaz de superar su depresión, Emily acepta seguir una nueva medicación recetada por su psiquiatra, el Dr. Jonathan Banks, pensada para calmar la ansiedad. Pero el fármaco comienza a tener inesperados efectos secundarios que amenazan con destruir las vidas de todos los implicados.

CRITICA

Tengo que reconocer que esta película la vi de manera accidental, ya que haciendo "zapping" vi que la echaban y empecé a verla. A medida que transcurría la película, pensé que iba a ser un drama más; pero la verdad es que me sorprendió gratamente.

Lo que comienza como la historia de una mujer que entra en una depresión debido al encarcelamiento de su marido y su intento de suicidio, se agrava aún más cuando se pone en tela de juicio el uso de fármacos para diversos trastornos mentales (o simplemente para ayudar a luchar contra la depresión) y muestra como muchas veces los médicos sólo desean un reconocimiento o ganar más dinero a costa de personas enfermas.

A la vez que se desarrolla la trama, mete de manera soslayada (aunque muy directa) el tema de las farmacéuticas, los fármaco y los médicos; relacionándolos en de manera circular para demostrar que sin uno de ellos, el otro no existe. Por eso el director intenta llevar a confusión al espectador con la trama del personaje más la de los medicamentos.

La pena es que la historia no esté firmada por Steven Soderbergh, que hace buenas películas a la vez que guiones fuertes. Pero su pulso con la cámara y la inmersión que provoca al espectador dentro de la película, la hacen bastante aconsejable para visionarla.

En cuanto al reparto, Jude Law que reaparece después de varios años con fracasos (Repo Man, Dom Hemingay) y muestra su faceta como actor de antaño. Rooney Mara que saltó a la fama por La red social y que agrandó su fama por la nominación al Oscar por la versión americana de Millenium. De momento por esta película, le doy la enhorabuena porque su actuación está a la altura. Catherine Zeta- Jones que ya no es lo que era tras serle detectada la bipolaridad, pero que salva bastante su interpretación. Y Channing Tatum que poco a poco se quita el cartel de "sex symbol" y va haciendo papeles más serios.

No quiero destripar nada más, pero aunque no sea una gran película, si que uno se acaba quedando con la sensación de buena película y totalmente disfrutable.

Calificación personal: 7

Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia) (2014)

• Título original: Birdman or (The unexpected virtue of ignorance).
• Dirección: Alejandro González Iñárritu. 
• Año: 2014.
• Género: Comedia dramática. 
• Interpretación: Michael Keaton, Zach Galifianakis, Edward Norton, Amy Ryan, Emma Stone, Naomi Watts, Andrea Riseborough. 
• Guion: Alejandro González Iñárritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris y Armando Bo. 
• Producción: Alejandro González Iñárritu, John Lesher y Arnon Milchan.
• Diseño de producción: Kevin Thompson. 
• Vestuario: Albert Wolsky.
• Fotografía: Emmanuel Lubezki
•  Distribuidora: Hispano Foxfilm.

SINOPSIS

“Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)” es una comedia negra que cuenta la historia de un actor —famoso por dar vida a un emblemático superhéroe— que lucha por montar una obra de teatro en Broadway. En los días que preceden a la noche del estreno se enzarza con su ego y trata de recuperar a su familia, su carrera y a sí mismo.


CRITICA

Aunque ya para el espectador, esta película quede un poco lejana (aunque no demasiada) nos relata un acontecimiento que no forma parte solo del "famoseo" sino de la vida cotidiana de cada ser humano, en donde se confrontan los deseos, pensamientos y avatares de la vida.

Muchos espectadores pueden decir que el guión se asemeja bastante a la vida del protagonista, Michael Keaton, donde de un día para otro su carrera entró en declive tras haber interpretado a Batman en la película de Tim Burton. Pero realmente, la esencia de la película va mucho más allá de la similitud, sino realmente de la propia ignorancia que tiene la gente sobre la vida de los demás. Si a eso le unimos la lucha interna que cada uno de nosotros tenemos con nuestra alma y, sobre todo aquello que nos atormenta.

Aunque resulta un tópico la historia que cuenta, si muestra el reflejo de diferentes personalidades y acontecimientos que nos pueden llevar a un "caos" en nuestra vida. Eso sí, saber identificar aquellas personas que están a tu lado para ayudarte.

Dentro de la ficha técnica, un elenco más que conocido con el resurgimiento de Michael Keaton que pensando que iba a ganar el Oscar, lo perdió en favor de Eddie Redmayne por La teoría del todo (muy justo vencedor por cierto). Si embargo, no era la merecedora de tantos premios cuando había películas mucho más rompedoras y conmovedoras como Boyhood (me reconozco fan de Richard Linklater) o Whiplash. Pero a veces, los premios están demasiado sobrevalorados.

A pesar de todo, no es una película que disguste y que además el espectador puede pasar un rato entretenido y poder entretenerse con un único plano secuencia que comienza desde principio hasta el final de la película. Por cierto, merece mucho más la pena verla en VOS, que doblada.


Calificación personal: 7.7

La parada de los monstruos (1932)

• Título original: Freaks
• Año: 1932
• Género: Terror
• Dirección: Tod Browing
• Reparto: Wallace Ford, Leila Hyams, Olga Baclanova, Roscoe Ates, Henry Victor, Harry Earles, Daisy Earles, ROsie Dione, Frances O'Connor.
• Guión: Willis Goldbeck, Leon Gordon, Al Boasberg
• Música: Richard Wagner
• Fotografía: Merrit B. Gerstad
• Productora: Metro Goldwyn Mayer

SINOPSIS

En un circo lleno de deformes, tullidos y personas con diversas amputaciones; el enano Hans hereda una fortuna. La circense que hace de Cleopatra, junto al que hace de Hércules, intentarán por todos los medios hacerse con la herencia del enano Hans.


CRITICA

Lo que realmente me impactó de esta película, es la naturalidad con la que refleja a personas con diferentes deformidades, amputaciones o trastornos y que, al igual que el resto de los mortales; ellos también forman parte de la sociedad. Aunque daría que pensar, si los que somos "normales" somos realmente los monstruos.

El género de terror se ha manoseado mucho con el paso del tiempo, llegando a una derivación de cine "gore" bastante desagradable y escabrosa, que nada tiene que ver con el verdadero género de terror, que comenzó con la película Nosferatu de Murnau y El gabinete del Docotr Caligari de Robert Weine.

A pesar de su corta duración (1 hora) el impacto que produce en el espectador es tan fuerte, que cuesta asimilar no sólo lo que está viendo; sino la trascendencia de un mundo que discrimina a las personas por cómo son, en vez de valorarlas por lo que son.. No sólo hay que ver el lado pesimista, sino su lado optimista donde lo raro, lo extraño; acaba venciendo.

Para desgracia de los amantes del cine, con La parada de los monstruos se acabó el verdadero cine de terror. Aquel que en su momento fue alguien ,y que muy de vez en cuando, sacaba algún título que lo hacía resurgir de manera momentánea. Porque el género de terror, se define como aquel que nos muestra todo aquello que nos da miedo que hurga en nuestros temores.

He visto poco cine de terror (por no decir un 0%) pero se cuando hay una buena película, y esta lo es. Por eso, le recomiendo al espectador que la vea, sobre todo porque las personas/personajes de las película, fueron reales.


Calificación personal: 9

El francotirador (2014)

• Título original: American sniper.
• Dirección: Clint Eastwood.
• Año: 2014.
• Género: Biopic, Drama, bélico. 
• Interpretación: Bradley Cooper, Sienna Miller, Jake McDorman,Luke Grimes, Navid Negahban, Keir O’Donnell. 
• Guion: Jason Dean Hall. 
• Producción: Bradley Cooper, Clint Eastwood, Andrew Lazar, Robert Lorenz y Peter Morgan. 
• Fotografía: Tom Stern. 
• Montaje: Gary D. Roach. 
• Diseño de producción: James J. Murakami y Charisse Cardenas. 
• Vestuario: Deborah Hopper.
• Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

SINOPSIS

Chris Kyle es el francotirador más letal de la historia del ejército de los Estados Unidos. Pero hay algo más en él aparte de ser un buen tirador. El marine del grupo de operaciones especiales de la Marina de Estados Unidos, Chris Kyle, es enviado a Irak con una sola misión: proteger a sus compañeros de ejército. Su precisión milimétrica salva incontables vidas en el campo de batalla y, a medida que se extienden sus valientes hazañas, se gana el apodo de Leyenda. Sin embargo, su reputación también crece detrás de las líneas enemigas, de manera que ponen precio a su cabeza y se convierte en objetivo prioritario de los insurgentes. También se está enfrentando a otra batalla en casa: ser un buen marido y padre desde el otro lado del mundo. A pesar del peligro, y del precio que, debido a su actividad, tiene que pagar su familia en su país, Chris sirve durante cuatro angustiosas misiones en Irak, personificando el emblema del credo de los SEAL: “no dejar a ningún hombre atrás”. Pero al volver a su casa, con su mujer y con sus hijos, Chris descubre que lo que no puede dejar atrás es la guerra.


CRITICA

Bueno, bueno... Una vez más, una película sobre la guerra de Irak pero, contada de manera diferente sobre todo si la hace el gran Clint Eastwood. Donde ya mostró las dos caras de la Segunda Guerra Mundial con el díptico Banderas de nuestros padres (lado americano) y Cartas desde Iwo Jima (lado japonés).

Como bien se comenta en la sinopsis, es la historia del francotirador más letal de Estados Unidos. Que ve, con el paso del tiempo como su servicio a la patria le acaba trastocando profundamente sin llegar a distinguir cuando tiene que dejar la guerra en algunos momentos. Es duro ver como alguien para luchar por su país decide matar a gente sin escrúpulos, y como eso le lleva a un grado de insociabilidad muy grande.

Se podría reflexionar un poco, en tanto en cuanto que ellos no deciden meterse en la guerra, sino los políticos y que ni siquiera ellos sufren los traumas posteriores, donde después en su propio país son ignorados y no tienen la atención suficiente para poder salir adelante.

En esta película, no interesa el lado belicoso de la historia sino, más bien lo que trasciende más allá. Son las miles de vidas que se destruyen, las miles de personas que mueren a causa de la guerra y las miles de personas que tras el horror; no encuentran su sitio en el mundo.

Con todo esto, el gran Clint Eastwood llega siempre al espectador y no decepciona nunca tanto si se pone detrás como delante de la cámara. También darle mérito a Bradley Cooper, que defiende con entereza al personaje y mejorando cada vez más a nivel interpretativo; dejando de lado su "sex appeal".

Creo que en todas las entradas del blog sobre historias reales, he comentado que es muy difícil establecer un juicio en este género, por diversos motivos. Pero en este caso, la gratificación que tuve al verla, me da esperanzas para saber que éste género se revitalizará y conseguirá llegar todavía más al espectador.


Calificación personal: 7.8