Sayonara (1957)

• Dirección: Joshua Logan
• Año: 1957
• Género: Drama
• Intérpretes: Marlon Brando, Red Buttons, James Garner, Ricardo Montalbán, Patricia Owens, Martha Scott, Miiko Taka, Miyoshi Umeki.
• Guión: Paul Osborn
• Música: Franz Waxman
• Fotografía: Ellsworth Frederiks
• Montaje: Arthur P. Schmidt
• Vestuario: Norma Koch
• Productora: Warner Bros

SINOPSIS

Lloyd Gruver (Marlon Brando) es un oficial de la fuerza aérea estadounidense que está estacionado en Japón durante la Guerra de Corea. Durante su estancia se enamora de una japonesa (como otros tantos oficiales del ejército) con la que desea casarse. Sin embargo, el ejército pone todos los impedimentos para evitar que se celebre dicho matrimonio.


CRITICA

Siempre es curioso y a la vez interesante tener nuevas experiencias o descubrir (en mi caso y en referencia al blog) nuevas película, no solo porque muchas de ellas me resulten interesantes sino también porque de vez en cuando, la historia que cuentan es una crítica mordaz a una situación social, a un acontecimiento del pasado o incluso a temas tan espinosos como puede ser la xenofobia. Independientemente de que en este filme se nos relate una historia de amor, hay algún que otro punto que critica el comportamiento de los americanos, aunque ellos enarbolen la bandera de la tolerancia, del patriotismo y la democracia.

Esta historia empieza claramente con una base aérea en Corea del Sur, puesto que Estados Unidos formó parte de la Guerra con el mismo nombre, para luchar contra los comunistas (allá donde iban era para luchar contra el comunismo y a la par poder "controlar" en cierto modo el país) de Corea del Norte). Lo que nos da ya una ligera idea del propósito de los americanos. Siguiendo con la trama, el personaje interpretado por Marlon Brando, intenta disuadir a uno de los suyos para que no se case con una japonesa (hay que saber que Japón y Corea están bastante cerca, que hacía que muchos oficiales pasasen algunas semanas allí). Cuando llega allí, intenta vivir con sus tradiciones americanas con su novia y mantener a los japoneses "un poco a raya" y diferenciarse de ellos. Pero claro, están en un lugar que ellos mismos bombardearon y que encima tienen a muchos empleados de origen japonés, lo que lleva a una crítica sobre el cinismo americano. A medida que van pasando los días, como es lógico, se va adaptando poco a poco a las costumbre y, por ende, se enamora de una oriunda. Lo que en un principio el criticaba y evitaba, es lo que ahora está haciendo.

De esta forma se pone de manifiesto como al final la política y el servicio a tu país prima por encima de tus intereses personales. Si se entiende por intereses en este caso por tener un poco de vida personal aunque pertenezcas al ejército y sobre todo no formar militarmente con un odio hacia otras personas por su origen y/o color de piel. Este aspecto lo menciono puesto que en un momento de la película cuando el general Gruver habla con su novia americana, le menciona más de una vez los valores americanos con los que educado y como debe de ser mujer y, por otro lado como al ser hijo de un militar de un alto rango, el también tuvo que serlo, como si no tuviera ni personalidad ni criterio propio.

Otro de los aspectos que hay que tener en cuenta es que en el siglo XX (e incluso en la actualidad) los matrimonio interaciales e "internacionales" estaban mal vistos. Porque más allá del propio concepto del amor y de sus derivaciones con respecto al físico, una persona se completa por cualidades intelectuales, personales y de respeto. Por eso, durante la duración de la película se muestran costumbres de los japoneses para demostrar que la integración es posible y que se pueden respetar las costumbres en cualquier parte del mundo. Y, si por algún casual esas costumbres no nos agradan, pues no visites ese país; pero ante todo, tiene que existir el respeto.

En este caso, el respeto es algo que uno se tiene que ganar o mantener con la imagen que se da de cara a la sociedad por eso, otros altos cargos del ejército se escandalizan por la relación del general Gruver con una japonesa y como represalia, actúan contra diferentes subordinados para así disuadirle de su idea de contraer matrimonio con ella. Y se ve reflejado una vez más como la imagen es primordial y el honor sobre el país recae en que los americanos no se casen con las japonesas. Lo que pone de manifiesto la hipocresías del propio país que ensalza la libertad como bandera de cara a la galería pero, después de puertas para adentro, todas las palabras que terminen en "fobia" y que estén relacionadas con el ser humano. Aunque haya cosas que todavía en la sociedad nos pueda sorprender o escandalizar, cada uno debe de ser consecuente con sus actos y si no hace daño a nadie, ¿por qué ese odio hacia lo diferente?

Desde mi punto de vista me parece una película muy delicada y exquisita a la par que respetuosa a la hora de mostrar Japón y sus costumbres como para los propios japoneses. Y además muestra que hacer una cosa que no es correcta para otros pero, si para uno mismo y que encima no hace daño no impide que se deje de realizar.


Calificación personal: 8

Llamada para un muerto (1966)

• Título original: The deadly affair
• Año: 1966
• Género: Thriller
• Dirección: Sidney Lumet
• Intérpretes: James Mason, Maximilian Schell, Simone Signoret, Harriet Andersson, Harry Andrews, Roy Kinnear, David Warner.
• Guión: Paul Dehn
• Música: Quincy Jones
• Fotografía: Freddie Young
• Productora: Columbia Pictures

SINOPSIS

Un agente secreto inglés (James Mason) debe de investigar el aparente suicidio de un compañero. A medida que va avanzando en la investigación, las principales sospechas recaen sobre la viuda.


CRITICA

Esta película está basada en una novela de uno de los mejores escritores de suspense y espionaje de todos los tiempos, cuyos elementos principales eran los diversos temas políticos de los años sesenta, entre ellos el comunismo y la famosa Guerra Fría con Rusia. Aunque, con el paso del tiempo en sus novelas va abordando, con su característico suspense, temas más actuales. Como me suele ocurrir de vez en cuando que me acabo dispersando, me vuelvo a centrar en la película y su correspondiente crítica.

La premisa de la historia es sencilla: nos presenta a un agente secreto británico que habla con un compañero de profesión puesto que éste, ha recibido una carta sobre su pasado comunista, para dejar de alguna forma el asunto cerrado. Pocas horas después aparece muerto y se tiene que encargar de la investigación ya que no se cree que se haya suicidado. A medida que va haciendo sus pesquisas con la ayuda de un oficial retirado, van apareciendo distintas pistas para acabar encontrando al asesino.

Todo el desarrollo de la trama permite saber cual es la pista que siguen ambos investigadores pero, uno de los fallos que encuentro (siempre desde mi punto de vista) es que cuando han llegado a una pista, no se sabe muy bien cómo han llegado a ella o los pasos previos para su investigación. Es decir, no es necesario tener que explicar todo al más mínimo detalle pero si, dar alguna que otra pincelada certera para poder seguir la trama porque hay veces que el espectador se acaba perdiendo y, cuando los dos personajes ya han obtenido la información sobre la pista que tenían, es cuando uno se acaba enterando de lo que ha pasado.

Por otro lado, la historia se desarrollando con un tono demasiado lineal, es decir, que a pesar de que la película cuenta con actores de excelente categoría así como la dirección del gran Sidney Lumet, los momentos de "tensión" propios de un suspense no se aprecian con demasiada claridad salvo en los últimos treinta minutos del filme; porque si bien es cierto que el punto álgido se debe de apreciar a medida que el final está cerca, debería de haber algún que otro pico durante la duración del metraje para que el espectador no se desvincule de alguna forma de la película.

Yo he de reconocer, que hubo momentos en los que no encontraba sentido, por ejemplo a las discusiones del matrimonio, ya que hubiese recortado algunos planos y, por otro lado hubiese dado también algunos detalles más sobre las pistas que siguen los personajes. Pero como ya se sabe, John Le Carré es a veces hermético es sus novelas para que así el lector pueda a veces intuir lo que puede pasar y este echo, se ha llevado no solo a esta película, sino también al resto de sus adaptaciones tanto en películas como a series de televisión.


Calificación personal: 7

(NO HAY TRAILER DISPONIBLE)

Matrix (1999)

• Título original: The Matrix
• Año: 1999
• Género: Ciencia ficción
• Dirección: The Whachowskis
• Intérpretes: Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie Anne-Moss, Hugo Weaving, Joe Pantoliano, Marcus Chong, Paul Goddard, Gloria Foster, Matt Doran, Belinda McClory, Robert Taylor, Anthony Ray Parker.
• Guión: Lily y Lana Whachowski
• Música: Don Davis
• Fotografía: Bill Pope
• Montaje: Zach Staenberg
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

Thomas Anderson (Keanu Reeves) es un brillante programador de una de las empresas más importante de software. Pero fuera del trabajo, se hace llamar Neo, haciendo de hacker en la web profunda; hasta que un día recibe una misteriosa visita de unos agentes que reclaman sus servicios.

CRITICA

Esta película marcó un antes y un después en el género de la ciencia ficción (aunque hubo películas antes que también revolucionaron este género) no solo porque menciona la informática sino por la asociación con la Inteligencia Artificial y cómo también es una crítica al uso excesivo que se hace a veces de la tecnología sin valorar muchas el factor humano sin pensar que esa evolución tecnológica es gracias al ser humano. Pero, al intentar ser "Dios" en este ámbito, nos acabamos cavando nuestra propia tumba.

Esta es la cuarta vez que veo esta película y no ha sido hasta ahora cuando he entendido la trama. Es cierto que las otras veces que la había visto era adolescente y no lograba entenderlas pero ahora he visto la crítica que hace hacia la ya mencionada la Inteligencia Artificial. Además, la única forma de poder vencerla es entrando a dicha Inteligencia. En el momento en el que ya se van desengranando los entresijos "intelectuales", ya comienzan a aparecer los momentos de acción en los cuales los efectos visuales acompañados de diferentes artes marciales hacen el resto.

Cuando ya transcurren todos los minutos del metraje, es imposible no pensar en esa posible dominación sobre la humanidad por parte de las máquinas o si realmente el ser humano vive en una vida paralela puesto que mucho veces se habla de otra dimensión. Por otro lado, muchas veces se piensa que se nos vigila con el famoso "gran hermano". Pero al final, la pregunta que nos queda es: ¿somos realmente dueños de nuestro destino?

Calificación personal: 8

Mesas separadas (1958)

• Título original: Separate tables
• Año: 1958
• Género: Drama
• Dirección: Delbert Mann
• Intérpretes: Burt Lancaster, Rita Hayworth, David Niven, Deborah Kerr, Wendy Hiller, Gladys Cooper, Rod Taylor, Audrey Dalton, Cathleen Nesbit, Felix Aylmer.
• Guión: Terence Rattigan, John Gay
• Música: David Raksin
• Vestuario: Edith Head
• Fotografía: Charles Lang
• Montaje: Marjorie Fowler
• Productora: United Artists

SINOPSIS

En un hotel ubicado en la población de Bournemouth conviven varios huéspedes fijos. Un militar retirado, una madre estricta que vive con su hija, un matrimonio fracasado, un profesor... Viejas historias y nuevas historias de los huéspedes que harán que la vida de más de uno se desestabilice.

CRITICA

Desde el primer momento en el que aparece el plano del comedor del hotel se puede entender de una manera bastante clara a que hace referencia el título: a que cada huésped tiene su mesa en función del número de habitación, intentando establecer esa separación para evitar que entre unos y otros se molesten. Pero, como es de esperar, con tanto huésped fijo, entre ellos se van conociendo y teniendo pequeñas conversaciones sin entrar en intimidades puesto que cada uno al final va a sus asuntos propios en lo que se refiere a buscar su espacio. Pero todo esto cambia cuando en uno de los periódicos del país aparece una noticia relacionada con uno de los huéspedes. Este echo levanta ampollas entre todos ellos ya que una parte desea echar al inquilino y la otra parte no le importa el acontecimiento o incluso se opone, generando ciertos conflictos a la par que aparecen diversas heridas y sentimientos que estaban ocultos.

La aparición de la noticia en el periódico empieza a mostrar la "cara oculta" de los diversos personajes puesto que ninguno de ellos está exento de un pasado que por más que han intentado dejarlo atrás, les sigue persiguiendo de una forma inevitable pero, en cierto modo, también muestra el porque de mostrar un lado que no es el verdadero o incluso inventarse una vida y/o un estado emocional, puesto que es una forma de poder seguir saliendo hacia delante.

A medida que van pasando las horas se empieza a "respirar" cierta tensión en el hotel, puesto que a alguno de los huéspedes les ha movido a tomar conciencia y dominio de lo que ha ido aconteciendo a lo largo de sus vidas y de que si realmente  tienen que seguir escondiendo todo o dejarse dominar por la opinión de los otros. También, se refleja como algunos de los personajes empiezan a mostrar un ligero rasgo de humanidad puesto que nadie es quién para juzgar a otro. Porque aquí, de una manera un tanto sutil, se podría poner en práctica aquella frase que dice Jesucristo: "quien esté libre de pecado, que tire la primera piedra". Es decir, todo ser humano ha cometido ciertos errores o fechorías, pero eso no significa que se sea una mala persona puesto que todo el mundo tiene derecho a rectificar y poder volver a encauzar su vida. Esa mente fría y con la cabeza bien amueblada se ve reflejado en la dueña del hotel que ve a sus huéspedes como personas y que sus defectos y/o secretos no es algo que deba de afectar a la relación humana en lo que se refiere al respeto mutuo.

En toda esta vorágine de sentimientos y reflexiones sobre las decisiones que uno ha tomado a lo largo de su larga o corta existencia, sirve en cierto modo para poder salvar esa separación que se establece de forma metafórica y literal que muchas veces pone el ser humano para salvaguardarse de la poca estabilidad que podemos tener pero, siempre hay alguien (o varias personas) que pueden ayudar a recomponer la mencionada estabilidad.

Calificación personal: 8

Cautivos del mal (1952)

• Título original: The bad and the beautiful
• Año: 1952
• Género: Drama
• Dirección: Vicente Minnelli
• Intérpretes: Kirk Douglas, Lana Turner, Walter Pidgeon, Dick Powell, Barry Sullivan, Gloria Grahame, Gilbert Roland, Leo G. Carroll, Paul Stewart, Sammy White.
• Guión: Charles Schnee
• Música: David Raksin
• Fotografía: Robert Surtees
• Montaje: Conrad A. Nervig
• Productora: Metro Goldwyn Meyer

SINOPSIS

Hollywood, el guionista James Lee Bartlow (Dick Powell), la actriz Georgia Lorrison (Lana Turner) y el director Fred Amiel (Barry Sullivan) se niegan a hablar con Jonathan Shields (Kirk Douglas), un productor de cine que les arruinó su vida, busca ahora su ayuda. Debido a esta situación empiezan a aflorar los recuerdos del pasado.

CRITICA

Al ver esta película, el personaje interpretado por Kirk Douglas me recordaba a la figura del productor Harvey Weinstein que hace unos meses fue condenado a veintitrés años de cárcel por acoso sexual y corrupción puesto que, en su momento era uno de los pesos pesados de la industria cinematográfica en los años noventa y en la primera década del siglo XXI hasta que se descubrió la verdad. Y cómo por otro lado, había hundido la carrera de más de un actor, de más de una actriz y había obtenido sexo por parte de actrices si querían un papel. Un echo bastante deleznable y repugnante por el simple echo de ser un productor. De alguna forma, aunque sean años después, aparece muy claro en la película.

La película arranca con la aparición de tres personas que trabajan en el mundo del cine que juraron no volver a trabajar con el productor Jonathan Shields a pesar de tener un éxito posterior en sus carreras sino, porque en la posición en la que se encuentran ahora fue debido a las maquinaciones, manipulaciones, egoísmos y abusos por parte del productor que arruinó sus vidas en el campo personal y no el profesional. Porque muchas veces se piensan que las estrellas del mundo del celuloide no tienen sentimientos o no son personas (sólo aquellas que se comportan de una forma "normal" y no de una forma excéntrica o cómo si se creyesen los amos del universo) y que tienen que mostrar cierta apariencia ante la gente. Pero, lo que realmente no se ve es lo que ha ocurrido durante el rodaje o durante todo el proceso de producción y en este caso, el productor hizo la vida imposible a los tres personajes aprovechándose de su vulnerabilidad y de su respectivos talones de Aquiles para poder sacar lo que necesitaba de ellos; pero, ¿qué pasaba cuando obtenía lo que quería de ellos? La respuesta es bastante sencilla: les dejaba de lado o buscaba más de una artimaña para justificarse.

Por otro lado mostraba la deslealtad, la falta de compromiso y la implicación de las otras partes para conseguir el tan ansiado éxito a la par de que se inmiscuía en el trabajo de los demás (sobre todo en el de los directores) para que hiciesen lo que el quería porque era el que ponía el dinero. Lo que acaba reflejando en la película es el ejemplo de un mal productor ejecutivo, ya que la función de este no es sólo poner dinero, sino involucrarse en el proyecto y ver cómo evoluciona el rodaje y lo más importante, no acaparar todo el mérito puesto que en una película trabajan ciento de personas. Si que es verdad que una película debe de generar beneficios pero, si se desea hacer una buena película hay que pulir todos y cada uno de los detalles pero no por ello hay que manipular o aprovecharse de las personas y de sus aspiraciones.

Aunque la historia sobre la falta de escrúpulos del productor está ambientada en Hollywood, es totalmente aplicable a cualquier ámbito, ya sea laboral, social o personal donde, gente con diferente tipo de poder se aprovecha de otras sólo para conseguir sus objetivos y no importa si por el camino se lleva a alguien por delante destrozándole la vida. Por eso, hay que tener en cuenta que en este mundo hay mucho sátrapa, que solo busca su beneficio y también hay que evitar perder la dignidad aunque eso conlleve a perder riqueza. Porque el dinero viene y va pero la dignidad muy pocas veces se puede recuperar.

Calificación personal: 9

Madame (2017)

• Dirección: Amanda Sthers
• Año: 2017
• Género: Drama, comedia
• Intérpretes: Harvey Keitel, Toni Collette, Rossy de Palma, Michael Smiley, Tom Hughes, Stanislas Merhar, Brendan Patricks, Ariane Séguillon.
• Guión: Amanda Sthers
• Música: Matthieu Gonet
• Fotografía: Régis Blondeau
• Productora: LGM Cinéma SAS, Made in PM

SINOPSIS

Anne (Toni Collette) y Bob (Harvey Keitel) son un matrimonio americano recién instalado en París, que decide hacer una cena para miembros de la alta sociedad americana y francesa que viven cerca. Cuando su hijastro es invitado a cenar y la mesa termina con 13 invitados, decide decirle a su criada María (Rossy de Palma) que se una a la mesa sin levantar sospechas de quién es. Pero lo que Anne no espera, es que María empiece una relación con uno de sus invitados.

CRITICA

La historia de este melodrama es bastante sencilla y también muestra una crítica sobre la diferencia entre las distintas clases sociales y cómo afecta el que dirán para nuestra imagen. Lo que hace que la película sea bastante correcta pero a la vez ponga de manifiesto la hipocresía, la mezquindad y la crítica que lleva siempre el ser humano consigo; además de tener algún que otro punto cómico.

Sin ningún tipo de miramientos, la directora nos presenta a un matrimonio que se mide por las apariencias de cara a la galería, es decir, al exterior; puesto que deciden mostrar que son un matrimonio perfecto y bien avenido pero, luego se aprecia como en la intimidad de su vida conyugal, no es realmente lo que muestran. Por otro lado, está el servicio del matrimonio que son gente sencilla y que siempre están alegres y desempeñando bien su trabajo. Pero, cuando el ama de llaves entra dentro de su círculo social, a Anne le empiezan a entrar los celos y como es lógico la pregunta es, ¿por qué tiene celos de su criada? La respuesta es sencilla: porque ve la sencillez de María y cómo no tiene que andar fingiendo pero, a la vez no desea abandonar su estatus social; por lo que realizará mil y una formas para desestabilizar la vida de su criada.

En este punto de la historia, cuando se van viendo las intenciones de la americana de los celos que le asoman y además no ve con buenos ojos que alguien de buena posición se pueda enamorar de alguien del servicio, porque "pertenecen a dos mundos distintos". Esto hace reflexionar ya que parece que si alguna persona tiene un trabajo de esta índole, parece que es una persona inculta, torpe y que no puede aspirar a las pequeñas cosas que todo ser humano quiere para su felicidad. Y aunque no lo parezca, esa indiferencia hacia gente de "menor rango", sobre todo en una sociedad que se dice "moderna", pero que sigue despreciando a aquellos que son más vulnerables.

Es cierto que muchas veces hay que guiarse por la cabeza antes que por el corazón para tomar determinadas decisiones pero de vez en cuando, en lo que se refiere a nuestra felicidad y dejar de pensar en lo que digan o piensen los demás, nos permitirá dejar de tener demasiado prejuicios ante las personas y su condición social.


Calificación personal: 6

El cambiazo (2011)

• Título original: The change-up. 
• Dirección: David  Dobkin.
• Año: 2011.
• Género: Comedia.  
• Interpretación:  Ryan Reynolds, Jason Bateman, Leslie Mann, Olivia Wilde, Alan Arkin, Mircea Monroe, Gregory Itzin. 
• Guion: Jon Lucas y Scott Moore. 
• Música: John Debney. 
• Fotografía: Eric Alan Edwards. 
• Montaje: Greg Hayden y Lee Haxall.
• Vestuario: Betsy Heimann. 
• Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

SINOPSIS

Mitch (Ryan Reynolds) y Dave (Jason Bateman) eran amigos inseparables de niños y adolescentes, pero con el paso de los años, se han alejado. Dave es un abogado enganchado al trabajo, se ha casado y tiene tres hijos, pero Mitch sigue soltero, es un hombre niño que trabaja esporádicamente y que nunca se ha atado a nada ni a nadie. Después de compartir una sonada borrachera, los mundos de Mitch y Dave se vuelven del revés cuando se despiertan cada uno en el cuerpo del otro.


CRITICA

Creo que es de dominio público que la finalidad de las comedias es que el espectador pase un rato entretenido pero, si la historia no engancha los suficiente e incluso si los actores no tienen química entre ellos, esto hace que la película no termine de avanzar lo suficiente y se queda en otra película del montón aburrida. Pero, en el caso de este filme, no solo se muestra la complicidad entre la pareja de actores principales, sino que también tiene un toque con moraleja, que hace la historia un poco más interesante.

La premisa es sencilla y muy habitual en las comedias donde los protagonistas son dos colegas: uno de ellos ha sentado la cabeza y el otro no, de vez en cuando quedan y entre ellos se "quejan" de sus vidas y que les gustaría tener la vida del otro y, en el momento en el que esto ocurre y se intercambian ven parte de su sueño hecho realidad y empiezan a vivir lo que han soñado pero con ciertas catástrofes de por medio, hasta que consiguen adaptarse a su "nueva vida". En principio, supone cierto soplo de aire fresco en sus vidas pero, se acaban dando cuenta de que no es su vida de verdad sino una fantasía que han tenido para poder evadirse de la realidad durante unos días y así, intentan demostrarse a si mismos que al final han conseguido todo lo que se han propuesto y que su vida no es tan mala, sino que en parte ellos la han hecho así creyendo que pueden tener otra vida.

Todas estas idas y venidas que tienen los personajes para "encontrarse" a sí mismos y recuperar sus vidas vienen aportadas con momentos bastante cómicos que hacen que el espectador suelte alguna que otra carcajada y donde ambos actores están impresionantes cuando tienen que interpretar el carácter del otro dándole un toque más divertido a la historia. Aunque si que es cierto que si no hubiese sido por ellos dos, puede que la película no hubiese salido adelante.

Salvo alguna comedia que me ha causado alguna que otra decepción, cuando se tienen a grandes actores del género, es todo mucho más fácil y si además los chistes no son ni demasiado enrevesados ni las situaciones demasiado rocambolescas, puede salir una comedia bastante decente.


Calificación personal: 7

Mujer marcada (1937)

• Título original: Marked Woman
• Año: 1937
• Género: Suspense
• Dirección: Lloyd Bacon
• Intérpretes: Bette Davis, Humphrey Bogart, Lola Lane, Isabel Jewell, Eduardo Ciannelli, Rosalind Marquis, Mayo Methot, Jane Bryan, Allen Jenkins, John Litel, Henry O'Neill.
• Guión: Abem Finkel, Robert Rossen
• Música: Bernhand Kaun, Heinz Roemheld
• Vestuario: Orry-Kelly
• Fotografía: George Barnes
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

Johnny Vanning (Eduardo Ciannelli) es el propietario de un club nocturno de Nueva York en el trabaja Mary (Bette Davis) y la cual ayuda a uno de los clientes a huir tras no poder pagar sus deudas. Tras aparecer el cliente muerto, el fiscal del distrito David Graham (Humphrey Bogart) llevará a juicio al mafioso con o sin la ayuda de Mary.

CRITICA

Seguirme encontrando con pequeñas joyas del cine clásico hace que pueda llegar a pasar un buen rato y poder seguir descubriendo estas pequeñas maravillas. Y también, ver como en películas hasta los años setenta, trataba temas peliagudos (sobre todo en los que las mujeres se encontraban implicadas) en una sociedad que era estrictamente puritana pero luego de puertas para adentro, todos guardaban más de un secreto e incluso vicios. Por otro lado, no se entendía el porque llevaban una vida tan miserable e incluso no habían tenido oportunidades para poder tener un trabajo digno.

Ante esta situación, muchos hombres (como suele ser habitual) se aprovechaban de la vulnerabilidad de esta mujeres para que trabajasen para ellos, generalmente en la prostitución o en negocios de dudosa reputación, lo que les hacía más imposible poder salir de esa situación. Por otro lado tenían un techo, comida y ropa, lo que les proporcionaba seguridad y eso era un impedimento mayor para salir.

En esta película, se muestra la situación de cinco mujeres jóvenes que se dedican a "ese negocio" pero que a pesar de tener estabilidad, cada una de ellas desea de alguna forma poder salir de esa situación, hasta que Mary (una de las cinco mujeres) tras defender al que es su jefe y el cual sale impune de matar a un hombre, decide poner tierra de por medio cuando ve peligrar la vida de su hermana. Pero, no le va a resultar nada fácil por su posición social.

Todos estos elementos van a permitir que se desarrolle una historia de suspense que no termina de "cuajar" del todo, puesto que de alguna forma un poco más enrevesada se tendrían que descubrir los diferentes negocios turbios del mafioso (que recuerda bastante a la impunidad que poseía Al Capone) que tiene comprados hasta al más mísero de todos. Por lo que, ante esta situación el fiscal del distrito no se verá amedrentado por las tácticas maliciosas del mafioso y le llevará a la cárcel cueste lo que cueste con o sin ayuda.

La mezcla de los elementos que he mencionado anteriormente crean la atmósfera de suspense ya mencionada pero, que no termina de mostrar su grandiosidad. Pero, esa carencia se ve suplida con la siempre todopoderosa Bette Davis y por el impertérrito Humphrey Bogart como grandes reclamos para esta película donde las apariencias engañan y por supuesto, nadie tiene derecho a juzgar de forma deliberada la vida de nadie porque la vida de cada uno es diferente.


Calificación personal: 6.5

Timadoras compulsivas (2019)

• Título original: The hustle
• Año: 2019
• Género: Comedia
• Dirección: Chris Addison
• Intérpretes: Anne Hathaway, Rebel Wilson, Alex Sharp, Ingrid Oliver, Emma Davis, Dean Norris, Timothy Simons.
• Guión: Jac Schaeffer
• Música: Ann Dudley
• Fotografía: Michael Coulter
• Montaje: Anthony Boys
• Productora: Pin High Productions, Cave 76 Productions, Camp Sugar Productions

SINOPSIS

Penny (Rebel Wilson) es una estafadora de poca monta que saca pequeñas cantidades de dinero a los hombres, hasta que conoce a Josephine (Anne Hathaway) una experta timadora que consigue sacarle grandes cantidades de dinero a los hombres ricos. Intentarán trabajar juntas pero es imposible, por lo que para separarse deberán intentan estafar al mismo hombre medio millón de dólares.

CRITICA

Cuando en una comedia suele aparecer una actriz especializada en este género casi nunca suele fallar (el casi, es porque muchas veces el guión es tan malo, que ni siquiera su vis cómica puede llegar a salvar la película) pero, cuando se tiene a una actriz que no es muy experta en el género y, por ende no hace un gran esfuerzo interpretativo, la propia película cae por su propio peso. Es lo que le pasa a Timadoras compulsivas.

Con esto quiero decir, que la historia es interesante pero no termina de llegar al clímax cómico para que el espectador pueda llegar a pasar un rato un trato entretenido, esto también sucede porque el gran peso de la historia lo lleva la gran Rebel Wilson y no termina de encontrar complicidad con su compañera de reparto que, a pesar de interpretar a una mujer extremadamente sofisticada, parece más una escultura de hielo que una ladrona de guante blanco; pareciendo que está estreñida (aunque sea un poco ordinaria la expresión) y que la presencia de su compañera la incomoda un poco. Gran parte de estos pormenores hacen que la película sea bastante mediocre. Por desgracia, cuando la química es prácticamente nula entre los compañeros de reparto, el filme no consigue salir adelante y en este caso, se nota bastante.

Se podría decir en cierto modo, que sus nominaciones a los Razzies de este año fueron completamente justas y, desde que Anne Hathaway ganó el Oscar por Los miserables, se cree que está por encima del resto de compañeros de reparto, puesto que esta misma sensación se transmitió en la película de Ocean's 8 donde su aspecto de "estirada" era más que evidente. En definitiva, esta historia tiene buenas intenciones pero se queda en eso, en las buenas itenciones.

Calificación personal: 5

Reflejos en un ojo dorado (1967)

• Título original: Reflections in a golden eye
• Año: 1967
• Género: Drama
• Dirección: John Huston
• Intérpretes: Marlon Brando, Elizabeth Taylor, Brian Keith, Julie Harris, Robert Forster, Zorro David, Irvin Dugan, Fay Sparks, Jed Curtis.
• Guión: Carson McCullers
• Música: Toshirô Mayuzumi
• Fotografía: Aldo Tonti, Oswald Morris
• Montaje: Russell Lloyd
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

El comandante Weldon Penderton (Marlon Brando) vive en una base militar con su mujer Leonora (Elizabeth Taylor) la cual se burla constantemente de la incapacidad de mantener relaciones sexuales con ella, debido a la tendencia homosexual de él. Esta relación de amor, odio y desprecio se va reflejando en la vida marital de ambos.

CRITICA

La homosexualidad era situación que en el siglo XX se tenía en mente y se conocía pero, a la vez se renegaba de ella en público. Por eso, de una forma "semi oculta" se intentaba mostrar a través de películas y/o libros. En este caso, la película está basada en la novela del mismo título donde de una forma bastante clara (aunque no lo parezca) muestra la homosexualidad de un comandante del ejército, algo que era impensable sobre todo en una profesión muy masculina y varonil donde no había hueco para los "mariquitas", lo que suponía un riesgo para muchos hombres. Entonces, ¿cómo ocultaban su homosexualidad? Pues de la mejor forma: casándose con una mujer.

Se puede decir que esta premisa es parte del hilo conductor de la trama pero, cuando se espera que la historia se vaya desarrollando un poco más y ver la tirantez entre el matrimonio, además de la relación extramarital de Leonora y la inclinación de Weldon por un soldado raso. Pero, en el transcurso se van mezclando otros personajes con sus propias historias sin llegar a tener un rumbo claro sobre en cuáles de los personajes quiere centrar la historia. Aunque de vez en cuando, van apareciendo pequeños "retales" sobre el comportamiento de los personajes y sus diversas tendencias, ya sean desde la propia homosexualidad hasta problemas mentales.

Desde mi punto de vista, lo que podría haber sido una historia en donde se entrecruzan la vida de diversos personajes y la forma de actuar, se acaba convirtiendo en un sin fin de encuentros que no terminan de esclarecer las intenciones de muchos de los personajes (entre ellos, la del soldado raso) lo que dificulta en cierto modo que se pueda ahondar en el carácter atormentado de los diferentes sujetos. Pero por otro lado, a pesar de no ser una gran película en la extensa filmografía de dos pesos pesado como Marlon Brando y Elizabeth Taylor, si que resultan la parte más atractiva de esta película de la cual, muchos amantes del cine ni se acuerdan de ella o, ni siquiera han oído hablar sobre ella.

De echo, la referencia del título aparece de una forma bastante clara en la película, sobre todo en la fotografía de la misma cuyo color es del tipo "sepia", aunque realmente no tenga mucho sentido, pero es una forma metafórica de mostrar las tendencias malvada y/o "pecaminosas" del ser humano.

Calificación personal: 5.5

La enfermedad del domingo (2018)

• Dirección: Ramón Salazar
• Año: 2018
• Género: Drama
• Intérpretes: Bárbara Lennie, Susi Sánchez, Miguel Ángel Solá, Greta Fernández, Richard Bohringer, David Kammenos, Fred Adenis.
• Guión: Ramón Salazar
• Música: Nico Casal
• Fotografía: Ricardo de Gracia
• Productora: Zeta Cinema, ON Cinema

SINOPSIS

Anabel (Susi Sáncez) es una mujer adinerada que se reencuentra con su hija Chiara (Bárbara Lennie) a la que abandonó cuando tenía 8 años. Treinta y cinco años después, madre e hija se reencuentran y pasan diez días juntas para intentar recuperarse la una a la otra.


CRITICA

Sé que esta película se encuentra en diversas plataformas de vídeo bajo demanda y la tenía agregada a mi lista de favoritos pero siempre que me metía en dichas plataformas, me decía a mí misma que más adelante la vería; pero claro, la probabilidad de que la acabasen quitando era bastante elevada. Así que, un día vi que la pondrían en el programa de "Versión Española" un domingo y decidí verla y quedarme al posterior debate, el cual resultó ser bastante interesante no solo por los elementos que yo iba descubriendo poco a poco, sino también por el trasfondo que tenía un tanto desgarrador que puede llegar a desconcertar. No me voy a andar por las ramas y empezaré con la crítica de la película.

Varios de los elementos o características que tiene esta película son los silencios y miradas que dicen mucho de la relación que se va establecer entre madre e hija, tras años sin verse puesto que la primera abandonó a la segunda cuando solo tenía ocho años. Cómo es lógico, es algo que la joven no ha terminado de comprender ni de superar aunque con su actitud de desconfianza e impertérrita da la sensación de todo lo contrario. Por otro lado, a la madre le ocurre algo parecido pero al revés en lo que se refiere a su actitud puesto que ella se muestra como una señora con clase y con reputación que solo quiere cumplir con el cometido del trato y dejar de lado esta situación incómoda pero, se puede ver poco a poco como evoluciona al ver que realmente actuó por interés cuando abandonó a su hija y que de alguna forma puede revertir esa situación pero es algo para lo que ambas no están preparadas.

En ese camino que son los diez días que van a pasar juntas, claramente se ve una evolución de los personajes. En el caso de Anabel (la madre) se observa el cambio: pasa de ser una mujer estilosa y con clase que se ve reflejado claramente en la ropa al pasar de vestirse de una forma elegante e incluso ella misma maquillada y termina por vestirse con la ropa de su hija que es más masculina con femenina; y como de alguna forma desea "mimetizarse" con su hija al ponerse su ropa (momento clave cuando se pone un jersey y lo empieza a acariciar) y comienza a descubrir que no ha sido una buena madre y que el simple echo de haberla dado a luz, no significa ejercer el papel de madre sino que va mucho mas allá, es decir, darle cariño, ternura, comprensión y estar en los momentos difíciles. Porque, a pesar de que haya tiranteces y rencillas materno filiales, eso a veces puede llegar a fortalecer la relación. Otros de los aspectos que me llamó la atención fue la ausencia (casi total) de música y los silencios prolongados, que de alguna forma viene a expresar esa falta de comunicación y la frialdad que hay entre ambas, lo cual es prácticamente normal.

El ritmo lento de la película permite que el espectador pueda sentir esa relación inexistente entre ambas y, a medida que va evolucionando de algún modo meterse en la piel de las dos a pesar de que el final te deje bastante helado y pueda incomodar a algunos. Por supuesto, las grandes interpretaciones de Susi Sánchez y de Bárbara Lennie haciendo el dúo de madre e hija resuena aún más en un drama en el cual las relaciones familiares están rotas en todos los sentidos.


Calificación personal: 8.5

La sombra de una duda (1943)

• Título original: Shadow of a doubt
• Año: 1943
• Género: Suspense
• Dirección: Alfred Hitchcock
• Intérpretes: Joseph Cotten, Teresa Wright, Macdonald Carey, Patricia Collinge, Henry Travers, Wallace Ford, Hume Cronyn.
• Guión: Thorton Wilder, Sally Benson, Alma Reville
• Música: Dimitri Tiomkin
• Fotografía: Joseph A. Valentine
• Montaje: Milton Carruth
• Vestuario: Adrian
• Productora: Universal Pictures

SINOPSIS

La joven Charlie (Teresa Wright) siente tristeza en su vida, hasta que recibe noticias de su tío Charlie (Joseph Cotten) que va a pasar unos días en su casa. A medida que pasan los días, el tío Charlie presenta una actitud un tanto extraña por la presencia de dos hombres.


CRITICA

De una película de suspense se esperan muchas cosas y, una de ellas es que desde el principio hasta el final se mantenga esa "tensión" para que no se termine de revelar hasta el final el elemento principal de la historia. Pero, desde mi punto de vista, a veces es necesario que se deba revelar determinados acontecimientos esenciales ya que lo que va a interesar es como se termina de desarrollar la historia y que es lo que le pasará a los personajes. Este es el elemento de esta película.

Desde un principio, nada hace sospechar al espectador que un joven con buen porte puede llegar a esconder un secreto bastante perturbador, por lo que de alguna forma decide poner tierra de por medio para que las sospechas que ciernen sobre él vayan desapareciendo y de paso, dar esa imagen de buena persona, afable y educada. Su presencia en la casa de su hermana va a provocar un soplo de aire fresco en la familia pero sobre todo en la hija mayor, la cual siente admiración por su tío; pero, a medida que van pasando los días, la sombra de la duda de si realmente es quién dice ser, planea sobre la mente de la joven.

Este elemento, el de la duda, es el principal motivo del suspense de esta película porque, a pesar de haber revelado (en cierto modo) la culpabilidad del tío, no se sabe realmente cómo van a ir sucediendo los acontecimientos para descubrir la verdad. Sin embargo, la aparición de diversos planos detalle por parte del director permiten de algún modo que el espectador siga una serie de pistas, que le hacen mantenerse pegado por completo a la pantalla para ver cual va a ser el desenlace.

Desde que conozco la filmografía del gran maestro del suspense, siempre me han parecido curiosas todas sus películas, puesto que algunas si que permiten al espectador engancharse por la historia o incluso por como se van a ir desarrollando los acontecimientos. Pero, si es cierto que en más de alguna ocasión sus filmes me han dejado un poco desconcertada por los giros de guión que toma. A veces es lo que ocurre en el cine, que nunca se sabe lo que puede llegar a sorprender una película, a sea para bien o para mal, siempre y cuando haga pasar un buen rato y de vez en cuando nos ponga en funcionamiento el pensamiento. En este caso, la película sorprende para bien.


Calificación personal: 8

Puñales por la espalda (2019)

• Título original: Knives out
• Año: 2019
• Género: Suspense
• Dirección: Rian Johnson
• Intérpretes: Daniel Craig, Ana de Armas, Jamie Lee Curtis, Chris Evans, Don Johnson, Michael Shannon, Toni Collette, Katherine Langford, Lakeith Steinfeild, Christopher Plummer, Frank Oz.
• Guión: Rian Johnson
• Música: Nathan Johnson
• Fotografía: Steve Yedlin
• Montaje: Bob Ducsay
• Productora: Film Nation Entertainment

SINOPSIS

Harlan Thrombey (Christopher Plummer) muere el día que cumple 85 años. Todos los miembros de su familia son sospechosos, puesto que todos ellos tenían una razón para que el anciano muriese: la fortuna del anciano patriarca.


CRITICA

Esta película generó expectación cuando se estrenó, puesto que no sólo mezclaba el género de la comedia y el suspense, sino también porque era una forma por parte del director y guionista de "vengarse" por las críticas nefastas que había recibido cuando se estrenó la octava entrega de la saga de Star Wars. Pero, para no desviarme mucho del tema, voy a centrarme en la película.

La premisa con la que parte la historia es como si se tratase del juego de mesa Cluedo. En este caso, el patriarca adinerado de una familia ha sido encontrado muerto y todos los miembros son sospechosos, ya que tienen motivos para haberle matado aunque, como es de esperar todos ellos mienten para ocultar sus verdaderas intenciones. Pero, como suele ocurrir en un crimen, siempre hay alguien que es el "eslabón perdido" y que por desgracia se descubre ante la policía. Pero, en este caso a pesar de que a mitad de la película dejan de una manera clara quien es el culpable, lo que importa no es el porqué del asesino, sino si realmente fue el que lo cometió o, hay una serie de acontecimientos que le inclinan a tomar la justicia por su mano.

Si se lee este párrafo, el lector puede pensar que ya en cierto modo podría decir quién ha cometido el crimen pero, lo mejor de la historia no es descubrir al verdadero asesino sino los acontecimientos que harán que el detective contratado para el caso vaya atando cabos para encontrar al "verdadero asesino" aunque parte de los echos ya se hayan revelado.

Esta frescura a la hora de descubrir quién ha matado al patriarca o incluso descubrir que todas las personas siempre tienen algo que ocultar. Unido a diversos toques de humor negro que hacen la historia un poco más interesante. Una de las peculiaridades que me llamó la atención fue el título, Puñales por la espalda, puesto que esta arma blanca está presente de forma metafórica y literal a lo largo del todo el filme. Este detalle se puede observar cuando cada uno de los miembros de la familia se sienta al lado del "trono de los puñales", los cuales están abiertos, haciendo referencia a todas las "puñaladas traperas" que les han dado o incluso que ellos mismos han dado.

Estos elementos de intriga unidos a un reparto estelar con grandes rostros de la gran pantalla y con una larga carrera y, sobre todo porque el espectador se mete de lleno en la historia y quiere averiguar realmente cómo, quién, con qué, cuándo y por qué.


Calificación personal: 8

Noche de juegos (2018)

• Título original: Game Night
• Año: 2018
• Género: Comedia
• Dirección: John Francis Daley, Jonathan Goldstein
• Intérpretes: Jason Bateman, Rachel McAdams, Kyle Chandler, Billy Magnussen, Sharon Horgan, Lamorne Morris, Kylie Bunbury, Jesse Plemons, Michael C. Hall, Danny Huston
• Guión: Mark Perez
• Música: Cliff Martinez
• Fotografía: Barry Peterson
• Montaje: Jamie Gross, Gregory Plotkin, David Egan
• Productora: New Line Cinema, Dune Entertainment

SINOPSIS

Un grupo de amigos se reúne todos los sábados por la noche para jugar a juegos de mesa. Una noche, uno de ellos propone que una noche el juego sea de la siguiente forma: uno de ellos será raptado y tendrán que encontrar diferentes pistas. Pero cuando empieza la noche, el juego se complica más de la cuenta.

CRITICA

Las comedias de los últimos diez años me disgustan bastante puesto que muchas veces caen en el chiste fácil y al final la gracia se pierde en todos los minutos y al final es más aburrida que nada. Pero de vez en cuando, sale alguna comedia un tanto decente y con la que se puede llegar a pasar un buen rato. También, cuando en película hay buenos actores cómicos, la historia sale más o menos adelante.

La premisa de la historia es interesante: se reúnen varios amigos para jugar a juegos de mesa pero, una noche se decide cambiar el ritmo a través de una empresa que organiza "secuestros" pero la cosa se tuerce cuando el secuestro es real pero los participantes no lo saben y siguen "jugando" como si tal cosa. Lo que hace que luego todos los implicados en la noche de juegos, se impliquen de alguna forma para salvar al compañero secuestrado y cada uno de ellos mete la pata a su manera generándose todavía más una situación un tanto estrafalaria.

Es cierto que en algunos momentos la agilidad de la historia va decayendo un poco pero de vez en cuando va remontando poco a poco gracias a esos momentos graciosos y un poco surrealistas pero que mantienen viva la llama de la comedia. A pesar de no ser una gran película dentro de este género, si que permite al espectador pasar un rato entretenido. Si bien es cierto, que en España pasó sin pena ni gloria por las carteleras, en Estados Unidos siempre generan bastante taquilla, aunque la historia no sea demasiado buena. Pero si cumple su función, para eso está.

Calificación personal: 6.5

No sé decir adiós (2017)

• Dirección: Lino Escalera
• Año: 2017
• Género: Drama
• Intérpretes: Nathalie Poza, Juan Diego, Lola Dueñas, Miki Esparbé, Oriol Pla, Pau Durá, Marc Martínez, Greta Fernández.
• Guión: Lino Escalera, Pablo Remón
• Música: Pablo Trujillo
• Fotografía: Santiago Racaj
• Montaje: Miguel Doblado
• Productora: Lolita Films, White Leaf Producciones

SINOPSIS

Carla (Nathalie Poza) es una ejecutiva con una vida autodestructiva y adicta a las drogas. Un día recibe una llamada de su hermana Blanca (Lola Dueñas) diciendo que su padre tiene un cáncer terminal. Dispuesta a recuperar el tiempo perdido, Carla intentará salvar a su padre.

CRITICA

Todavía me sigo acordando de aquella frase que me dijo mi profesora de una asignatura que tuve en "procesos de comunicación" que el cine español era demasiado duro y que mostraba una dureza que el resto de películas de otros países no cuentan (pero eso no es así, puesto que he visto unas cuantas), pero realmente a veces es importante contar ciertas cosas a las que muchas veces no queremos oír hablar de ellas pero, a veces es necesario.

En esta película es interesante por el punto de vista que trata en las relaciones familiares, cómo muchas veces esas relaciones se pueden romper por diversos motivos. Lo interesante que tiene esta historia es que en ningún momento cuenta el porqué de la separación y el distanciamiento para que el espectador pueda imaginarse que es lo que ha ocurrido, aunque desde el principio se deja ver con total claridad que uno de los problemas ha sido la adicción a las drogas por parte de Carla. Por otro lado, la otra hermana, Blanca, ha estado siempre pendiente del padre y a su lado pero, en ningún momento se aprecia un acercamiento por parte del progenitor; el cual se mantiene frío y distante con sus dos hijas. Esta actitud puede ser reflejo (de algún modo) de que el no quiere que se le trate como a un moribundo y no quiere despedirse puesto que la muerte está cerca.

Si fijamos ahora la vista en el personaje de Carla, parece que su vida está completa al ser una mujer de éxito pero, realmente está vacía, puesto que tiene que llenarla con las drogas e intentando contarle a la gente con la que está pensamientos que se le vienen a la cabeza sobre la vida y recuerdos de su infancia porque nota que le falta algo. Ese "algo" lo intenta recuperar con el padre con el que lleva años sin hablarse y al que quiere recuperar de cualquier forma y no quiere enfrentarse a la realidad de que su padre se está apagando y no es capaz de despedirse de él, de ahí que el título de la película sea No sé decir adiós porque en ningún momento ni las hijas ni el padre son capaces de despedirse.

Enfrentarnos a la muerte es algo que al ser humano le aterra desde que el mundo es mundo pero eso no significa que en el momento en el que la vida de un ser querido se va apagando, es algo que nos deja intranquilo pero, hay que estar a su lado sin dejar de recordar los buenos momentos e intentar solucionar las cosas; o aún mejor, no desperdiciar los pequeños ratos que pasamos en familia y que a veces las rencillas no distancian aún más. Por otro lado, nadie elige en que familia nace pero hay que intentar ver que siempre hay algo que nos une más que la sangre.

Las interpretaciones de los tres protagonistas son intensas y muestran la tensión entre ellos y la contención emocional que muestran para no expresar lo que realmente sienten por el miedo a mostrar lo que son y porque la distancia ha quebrado esa relación familiar.

Calificación personal: 8

7:35 de la mañana (2003)

• Dirección: Nacho Vigalondo
• Año: 2003
• Género: Cortometraje
• Intérpretes: Nacho Vigalondo, Marta Belenguer, Antonio Tato, Borja Cobeaga, Javier Reguilón, Alejandro Garrido, Velasco Broca, Esperanza Palacios, Manuel Nebreda, Sebatián Elices, Resu Vigalondo.
• Guión: Nacho Vigalondo
• Música: Nacho Vigalondo
• Fotografía: Jon D. Domínguez

SINOPSIS

Una mujer (Marta Belenguer) entra como cada día, a las 7:35 de la mañana, a desayunar en una cafetería cerda de su casa. Pero al sentarse nota algo extraño, todos los clientes están muy quietos y callados. De pronto, un individuo (Nacho Vigalondo) aparece cantando en la cafetería.

CRITICA

Los cortometrajes son complicados de ver, puesto que no hay muchas plataformas que ofrezcan esta posibilidad para ver los cortos. En este caso, desde mi punto de vista, es un poco "atípico" por la forma de desarrollarlo y porque no es hasta prácticamente el final, cuando se descubren las intenciones del personaje. Por otro lado, esa estética que le da la fotografía en blanco y negro, le da como un toque más especial. La verdad es que me ha sorprendido bastante y me ha parecido entretenido y una vez más se ve la calidad del cine español.

Calificación personal: 8