Cómo entrenar a tu dragón 2 (2014)

• Título original: How to train your dragon 2. 
• Dirección: Dean DeBlois.
• Año: 2014.
• Género: Animación, aventuras, comedia,fantástico. 
• Doblaje original: Kristen Wiig, Gerard Butler, Jay Baruchel, Jonah Hill, Christopher Mintz-Plasse, Craig Ferguson, America Ferrera, Djimon Hounsou, Kit Harington. 
• Guion: Dean DeBlois.
• Producción: Bonnie Arnold. 
• Música: John Powell. 
• Distribuidora: Hispano Foxfilm.

SINOPSIS

Cinco años después de que Hipo y Desdentao consiguieran unir con éxito a dragones y vikingos en la Isla de Berk. Pero cuando una de sus aventuras los lleva a descubrir una isla de hielo secreta, que es el hogar de cientos de dragones salvajes y del misterioso Jinete de Dragones, los dos amigos se encuentran en el centro de una batalla para proteger la paz. Ahora Hipo y Desdentao deben unirse para luchar por lo que creen y así se darán cuenta de que sólo juntos tendrán el poder de cambiar el futuro tanto de los hombres, como de los dragones.

CRITICA

Después de la primera película que se estrenó en 2010, está sigue los pasos de su predecesora en cuanto a historia ingeniosa, con un buen nivel técnico y que a la vez muestra una buena buena relación entre los humanos y los animales.

Pese a que la película puede dar la sensación de que el planteamiento inicial flojea consigue elevarlo del nuevo cuando muestra al espectador que un mundo es posible donde los seres humanos no tengan que hacer daño a los animales y que siempre la relación entre ambos produce una simbiosis positiva, No sólo los que tienen animales entienden esta simbiosis, puesto que aquellos que no los tienen pueden poseer esta simbiosis.

Es una historia totalmente vital y cargada de esperanza puesto que el personaje de Hipo sufrió un pequeño desliz al final de la primera película, pero eso no le impide seguir adelante y seguir estando conectado a su dragón que sufre un daño en la cola.

Además de que el nivel técnico ha mejorado con respecto a la primera, como es el caso de los personajes que se ve como han evolucionado físicamente. También intentan mostrar que un padre y una madre ausente, si regresa, no hay que guardar rencor e intentar recuperar el tiempo perdido.

Una película con la que el público puede disfrutar y pasar un buen rato y que de vez en cuando no está de más volver a nuestra infancia y disfrutar con estas pequeñas historias.

Calificación personal: 8.3

El espíritu de la colmena (1973)

• Dirección: Víctor Erice
• Año: 1973
• Género: Drama
• Intérpretes: Fernando Fernán Gómez, Ana Torrent, Teresa Gimpera, Isabel Tellería, Estanis González, Juan Margallo, Miguel Picazo
• Fotografía: Luis Cuadrado
• Música: Luis de Pablo
• Guión: Víctor Erice, Ángel Fernández Santos
• Montaje: Pablo G. del Amo
• Vestuario: Peris
• Dirección artística: Jaime Chávarri
• Producción: Elías Querejeta

SINOPSIS

Ana e Isabel son dos hermanas que el cine de su pueblo ven cada día la película "El Doctor Frankenstein". A la pequeña Ana le causa tal impresión, que su hermana Isabel le asegura que el monstruo vive en el pueblo donde se encuentra su casa.

CRITICA

Aunque muchos espectadores no lo crean por el modo en que se desarrolla la historia, es un canto a la inocencia de los niños; no sólo porque éstos sean los protagonistas y porque además, debido a la ausencia de diálogos, es un canto poético a la belleza de la vida y eso se ve a través de la mirada de Ana.

La película muestra las dos caras que se le puede presentar a un niño: la vida real y el mundo imaginario que todo pequeño crea a su alrededor y de vez en cuando, hace una mezcla de ambos. Pero lo bueno que tiene esta película, es que muestra esa dualidad a través de los primeros años de la guerra civil española y que demuestra que todo es posible.

También muestra como se puede tener autoconciencia por muy niño que se sea, porque aunque siempre se intenta proteger a los niños de la maldad del mundo, ellos sin quererlo pueden percibir lo que los adultos hacen pensando que nadie los ve.

Realmente la película cuenta una película dentro de otra: el recordatorio de las películas de Hollywood (la película de Frankenstein), el descubrimiento de un nuevo mundo a través del cine (Ana refleja la historia de Frankenstein con el republicano que se esconde en su pueblo) y la entrada a la madurez a través de la conciencia como vehículo de la percepción.

Es una historia donde también la muerte se hace presente por medio de las dos niñas. Ana, la mira de frente sin desviarle la mirada e incluso la percibe cuando piensa que el monstruo de Frankenstein está a su lado, mientras que su hermana, Isabel, al presentir de alguna forma la muerte, decide actuar de forma asustadiza (estrangulando al gato, haciéndose pasar por muerta). Hay otra imagen que entronca también con la muerte, cuando Ana mira llegar el tren de pie en la vía, lo que recuerda a la imagen que filmaron los Lumiére de la entrada del tren a la estación de Marsella.

Esta película es una composición lírica a la belleza infantil y al intentar preservar la pureza y los buenos recuerdos de nuestra infancia, puesto que eso nos puede llegar a marcar a lo largo de nuestra vida y que nos puede definir como personas adultas.

Calificación personal: 7.7.

Deadpool (2016)

• Dirección: Tim Miller.
• Año: 2016.
• Género: Acción, ciencia-ficción, fantástico. 
• Reparto:Ryan Reynolds, Gina Carano, Ed Skrein, Brianna Hildebrand, Morena Baccarin, Stefan Kapicic, Karan Soni, Michael Benyaer. 
• Guion: Rhett Reese y Paul Wernick
• Música: Junkie XL
• Montaje: Julian Clarke
• Fotografía: Ken Seng
• Producción: Ryan Reynolds, Simon Kunberg, Lauren Shuler Donner

SINOPSIS

Basada en el antihéroe más carismático de los cómics de Marvel, “Deadpool” relata la historia de Wade Wilson, un antiguo operativo de las fuerzas especiales convertido en mercenario. Tras ser el sujeto de un experimento que le otorga el poder de curación acelerada, adopta el alter ego de Deadpool. Armado con sus nuevas habilidades y un retorcido sentido del humor, Deadpool se propone dar caza al hombre que casi destruye su vida.

CRITICA

Parece mentira que una película de cómic sea tan entretenida y a la vez tan irreverente, puesto que siempre se ponen a los superhéroes como ejemplo para luchar contra el mal y que el bien siempre acabe triunfando. Pero con esta película, se ve que no es el objetivo principal, puesto que Deadpool es el antihéroe perfecto.

Este personaje fue concebido en un principio para que tuviera algún peso en la película X-Men Orígenes: Lobezno, pero la película salió bastante rana y al sacar al personaje fuera y hacerle su propia película ha merecido la pena, no solo hace que la historia (dentro de su simpleza) resulta bastante atractiva y si lo unimos a los diálogos mordaces, obscenos y cómo el personaje se ríe de si mismo y que demuestra que por mucho que intentemos luchar contra una enfermedad, no se puede jugar a ser Dios.

Cómo bien saben mis lectores, si la historia no tiene un análisis demasiado exhaustivo, no hace falta entrar en detalles. De esta forma, el universo de Marvel se reinventa a sí mismo y le da la oportunidad a otros personajes de revitalizar el género de superhéroes. Además, Ryan Reynolds le da vitalidad y credibilidad al personaje así como todos los secundarios que le sustentan de forma magistral.

Si se quiere pasar un rato entretenido y disfrutar de una buena película palomitera y que va a dejar con ganas de más al espectador y que las "putas chimicangas" se quedarán intactas para la segunda parte (obviamente, la película gana más en inglés).

Calificación personal: 8.5

Animales Nocturnos (2016)

• Título Original: Nocturnal Animals
• Año: 2016
• Género: Thriller, drama
• Dirección: Tom Ford
• Intérpretes: Amy Adams, Jake Gyllenhaal, Michael Shannon, Aaron Taylor-Johnson, Isla Fisher, Armie Hammer, Michael Sheen, Laura Linney, Amanda Fields, Karl Glusman.
• Guión: Tom Ford
• Fotografía: Seamus McGarvey
• Música: Abel Korzeniowski
• Productora: Focus Pictures, Universal Pictures
• Montaje: Joan Sobel

SINOPSIS

Susan Morrow (Amy Adams) casada con su segundo marido, recibe un paquete de su ex, el cual contiene la novela que ha escrito dedicada a ella y, donde le pide que la lea, puesto que ella siempre ha sido su mejor crítica. A medida que avanza la lectura, Susan se sumerge de lleno en la narración y empieza a descubrir que hay algo que le impide ser feliz: su pasado al cual tiene que regresar.

CRITICA

El día que vi por primera vez el trailer de Animales Nocturnos me enganchó por la capacidad de síntesis que hacía en dos minutos. Pero lo que uno descubre es un laberinto turbio y magnético que engancha al espectador desde el primer momento y nos descubre la faceta más animal del ser humano. De ahí puede venir la metáfora que hace alusión a la película.

El análisis no sólo lo voy a enfocar en la historia, sino en la intrahistoria y lo más turbulento que mueve la vida y las decisiones de los personajes. En primer lugar tenemos el personaje de Susan (interpretada por Amy Adams) cuyo personaje es el que va a dar visión a la historia descrita en el libro de su ex-marido, haciendo suya la historia cómo si ella la hubiese vivido; o es lo que se le pretende hacer creer al espectador. Ya que, hasta que no recibe el libro, no recuerda el daño que le hizo a su marido y cómo el "mundo" del que ella provenía (de una clase alta) es lo que realmente le ha hecho ser una persona que no quería, es decir, su madre (interpretada por Laura Linney) la cual le recuerda que del mundo del que proviene ella y del que tanto odia, no va a poder escapar.

Por otro lado está el ex-marido de Susan, Edward (interpretado por Jake Gyllenhaal) que intenta explicar el dolor que Susan le causó a través de la novela que escribe. Pero, la gran pregunta que se puede hacer el espectador es: ¿la novela es un relato real?, ¿es lo que le pasó a Edward tras su divorcio de Susan?, ¿o es una metáfora con la cuál pretende describir a Susan y lo cruel y falsa que fue con él? Con todos estos alicientes, el director pretende desmontar que por muy rudos que nos mostremos internamente, somos tremendamente frágiles y capaces de sucumbir a nuestras más bajas pasiones y, los miedos nos pueden llegar a vencer.

En el plano de los secundarios, se encuentra el sheriff interpretado por Michael Shannon, el cual ya no tiene nada que perder y que de alguna forma, por mucha fe que se tenga en el sistema judicial, éste siempre te va a fallar, por lo que es más sencillo (e incluso gratificante) tomarse la justicia por su mano. Por otro lado está el papel interpretado por Aaron Taylor-Johnson cuyo personaje es el que genera la paranoia de Susan y que además tiene un peso clave que no pienso revelar.

Esta atmósfera de thriller neo-noir está muy bien acompañada con el juego de cromatismos para cada uno de los escenarios. La simbología del rojo en los escenarios puede hacer referencia a la sangre que ha sido derramada o incluso al dolor que no se ha sido capaz de mitigar. Destacar el color verde del vestido que lleva Amy Adams como el "color esperanza" para intentar recuperar a su ex-marido. El blanco cómo intentar hacer ver al espectador que el ambiente es puro y no hay maldad, pero es todo lo contrario.

Todo lo ya mencionado unido a tres diálogos que mantiene Susan con su madre, con su ex-marido y con el marido de una amiga, demuestra la fragilidad humana y como preferimos movernos en un entorno conformista y acolchado, en lugar de desarrollarnos como personas.

Por último mencionar que el director (y guionista) es Tom Ford, el diseñador que debutó en el año 2009 con Un hombre soltero (que escribió y dirigió) y muestra su gusto impecable no solo por el vestuario y los colores, sino también por el pulso firme con el que guía la cámara y el guión para hacer un thriller que el cine necesitaba.


Calificación personal: 9

Hércules (1997)

• Dirección: Jon Clements, John Musker.
• Año: 1997
• Género: Animación
• Doblaje Original: Tate Donovan, Danny DeVito, Josh Keaton, Roger Bart, James Woods, Susan Egan, Rip Torn, Matt Frewer, Hal Holboork.
• Guión: Jon Clements, John Musker, Donald McEnery, Bob Shaw, Irene Mechi
• Música: Alan Menken
• Producción: Jon Clementes, John Musker, Alice Dewey

SINOPSIS

Hades desea destronar al dios Zeus del Olimpo y hacerse con el poder. Para ello, con ayuda de las Moiras descubre que el hijo de Zeus, Hércules, es el único que le impediría hacerse con el Olimpo. Por eso, con ayuda de sus secuaces Pena y Pánico raptarán al bebé Hércules para que no les destruya sus planes en un futuro.

CRITICA

La verdad es que a la hora de ver esta película, por muchos años que pasen y por mucha edad que tenga no me impedirá recordar la primera vez que la vi y, la añoranza que me trae cuando veo películas de animación con mucha tecnología y con poca inventiva, lo bien que se hacían las películas de animación de antes.

El guión es tan sencillo como las canciones que la acompañan que junto con los personajes secundarios permiten que la historia fluya con total armonía. Además de transmitir algún que otro mensaje positivo; cómo es el caso de que no hace falta ser un héroe y que te reconozca todo el mundo, sino que hay que serlo cada uno en nuestro día a día para hacer un mundo mejor y de forma desinteresada. Y que, las ganas de poder y de llegar a lo más alto hacen que al final te estrelles contra el suelo.

También hay que tener en cuenta que la factoría Disney a lo largo de toda su historia han adaptado cuentos o historias para los más pequeños, pero sabiendo que en el caso de la historia de Hércules no es cómo la pintan ni mucho menos, pero todo sea por llevar un poco de cultura a los más pequeños (y no tan pequeños).

Ya sabréis mis queridos lectores, que con este tipo de películas no me extiendo demasiado, salvo para comentar que si queréis pasar un rato entretenido con sobrinos, hijos o incluso solos y, devolveros a vuestra infancia, Hércules es vuestra película.

Calificación personal: 9.1

La piel suave (1964)

• Título Original: La peau douce
• Año: 1964
• Dirección: François Truffaut
• Género: Drama
• Intépretes: Jean Degally, Françoise Dorleac, Nelly Benedetti, Daniel Ceccaldi, Philippe Dumat, Laurence Badie, Sabine Haudepin.
• Guión: François Truffaut, Jean-Louis Richard
• Música: Georges Delerue
• Fotografía: Roaul Cotard
• Productora: Les Films, Sédif Productions, Simar Films

SINOPSIS

Pierre Lachenay es un escritor de éxito, casado y con una hija de 10 años. Tras un periodo de relación con la azafata de vuelo Nicole, abandona el hogar familiar. A pesar de haber tomado esta decisión, tiene constantes dudas acerca de sus sentimientos.

CRITICA

A priori, Truffaut plantea una historia que puede ser conocida o incluso hiriente por tratar el tema de la infidelidad. Pero la genialidad de Truffaut hace que la historia no gire única y exclusivamente en torno a la ya mencionada infidelidad, sino que ahonda en las conformidades en las que se mueve el ser humano y, cómo se quiere tener de todo y al mismo tiempo, sin renunciar a nada.

Truffaut nos muestra a un hombre que es prisionero de su amor y de su afecto. Es decir, lo que digan los demás sobre él, en el terreno profesional y personal le condiciona por completo (¿y a quién no le ha pasado más de una vez eso?), pero que dentro de adentrarse en una relación con amante, con ésta no quiere perder las mismas costumbres que tiene con su mujer. Es el caso de cumplir todo lo que le pida, comprarle cosas bonitas o incluso una casa. Pero Nicole, la amante, se da cuenta que lo único que está haciendo Pierre es actuar igual que si fuera su mujer, por lo que eso a ella le hace pensar que su relación no es auténtica (dentro de que ella salga con un hombre casado) y que no concibe ser "otra mantenida" de Pierre.

En un análisis más profundo, los más extremistas podrían decir que Pierre es un misógino, puesto que al tratar a las mujeres cómo objetos pero no es así, ya que muestra a un hombre al cuál le puede más la angustia de estar solo que enfrentarse a la realidad: es un adúltero (por engañar a su mujer), un mentiroso (por poner excusas acerca de sus salidas), un interesado (sólo le interesa la fama y el éxito) y a la vez un cobarde, por no ser capaz de enfrentarse a su vida.

Pero no hay que olvidarse aquí de las dos mujeres de Pierre. Su mujer, Franca que dejó de anhelar a su marido por sus frecuentes ausencias y que para ella las apariencias no le importan, salvo que pongan en entredicho su persona y su integridad moral. Por otro lado está la amante, Nicole, que muestra las dos caras de la moneda en su relación con Pierre, ya que le gusta estar con un hombre famoso que le concede todo pero, no soporta la idea de permanecer en la oscuridad y que no forme abiertamente parte de la vida de Pierre; hasta que se da cuenta de que si así fuera, seguiría estando en la oscuridad.

Está película es un fiel reflejo de las películas e historias extraordinarias que contaba Truffaut y pasaron a la historia como Los 400 golpes, Besos robados, Domicilio Conyugal o La noche americana; y que fue capaz de entrevistar y admirar a uno de los grandes del cine como fue Hitchcock (reflejado en el documental Hitchcock/Truffaut). En definitiva, este director es uno de los mejores que dio el cine europeo y que supo reinventarlo sin perder su esencia.

Calificación personal: 7.7

Rogue One: Una historia de Star Wars (2016)

• Título original: Rogue One: A Star Wars story. 
• Dirección: Gareth Edwards.
• Año:2016.
• Género: Acción, ciencia-ficción, fantástico.
• Interpretación: Felicity Jones, Forest Whitaker, Mads Mikkelsen, Ben Mendelsohn, Alan Tudyk, Donnie Yen, Diego Luna. 
• Guion: Chris Weitz, Tony Gilroy.
• Música: Alexandre Desplat.
• Fotografía: Greg Frasier
• Montaje: Jabez Olssen
• Vestuario: Dave Crossman, Glyn Dillon
• Productora: The Walt Disney Company, Lucasfilm

SINOPSIS

En una época de conflictos, un grupo de héroes inverosímiles emprende una misión para robar los planos de la Estrella de la Muerte, el arma de destrucción definitiva del Imperio. Este acontecimiento clave de la cronología de Star Wars reúne a gente corriente que elige hacer cosas extraordinarias, y de esta forma estarán formando parte de algo más grande que ellos mismos.

CRITICA

Cómo bien sabrán mis lectores, hace unas semanas hice la crítica de Star Wars VII: El despertar de la fuerza y, mis críticas no fueron muy halagadoras al respecto puesto que la historia no acababa de encajar en el esquema de las dos trilogías anteriores. Pero, en el caso de Rogue One: Una historia de Star Wars, a pesar de ser una película independiente, enlaza perfectamente entre la trilogía original y la primigenia.

Tampoco hay que ahondar demasiado en cuanto al guión, pero si es de reseñar que lo que transmite en cierta medida esta película es que los héroes no tienen que ser obligatoriamente personas famosas, sino aquellas que de forma desinteresada ayudan a los demás a que logren su objetivo o a que tengan una vida mejor y más llevadera.

En cuanto a la historia a pesar de que los nombres de los personajes son enrevesados o liosos (cómo siempre), permite al espectador poder seguir el hilo narrativo y observar el origen de la rebelión contra el Imperio Galáctico, cómo se construyó la famosa Estrella de la Muerte y cómo encajaría en la trilogía original que cómo todo buen friki de Star Wars sabe, al final se acaba destruyendo.

Lo que también me parece importante a destacar es que el protagonista de la película sea una mujer, de esta forma el peso de la historia y la importancia del desarrollo de los acontecimientos recaen sobre ella y la convierten en la líder de la rebelión.

Si hablamos de la ficha técnica, el dúo protagonista es bien conocido en el mundo del cine: Diego Luna y Felicity Jones que muestran que hay química entre ellos. En cuanto al director, Gareth Edwards sólo ha dirigido tres películas, dos de las cuáles son la ya mencionada Rouge One y Godzilla, mostrando que tiene buen pulso para dirigir grandes producciones haciendo movimientos de cámara que no generen dolores de cabeza. Eso también se ve reflejado en la solidez del guión de Chris Weitz, poco conocido salvo por dirigir La saga Crepúsculo: Eclipse, pero que anteriormente escribió la conmovedora Un niño grande. En el guión le acompaña Tony Gilroy que escribió muy buenos guiones en la saga de Bourne (quitando el bodrio de El lagado de Bourne) y con Michael Clayton.

Con esta película se puede demostrar que una vez más hacer buen cine de ciencia ficción es posible y que no todo se basa en los efectos especiales, sino en una historia que sea creíble, que enganche al espectador y que pueda "especular" con ella.


Calificación personal: 8

El sur (1983)

• Dirección: Víctor Erice
• Año: 1983
• Género: Drama
• Intérpretes: Icíar Bollaín, Sonsoles Aranguren, Omero Antonutti, Rafaela Aparicio, Lola Cardona, Francisco Merino, Aurora Clément.
• Guión: Víctor Erice
• Música: Enrique Granados
• Fotografía: José Luis Alcaine
• Producción: Elías Querejeta PC, Chloe Productions

SINOPSIS

"La Gaviota" es un caserón que se encuentra a las afueras en el norte de España. En el vive Agustín, médico y zahorí, su mujer, una maestra represaliada por el franquismo, y su hija Estrella. La cuál poco a poco va averiguando el secreto que su padre oculta.

CRITICA

A pesar de que muchos críticos considerasen a la película de Víctor Erice como una obra maestra, la película no llegó a terminarse según el guión y el rodaje original que había marcado el director; puesto que el principal productor de la misma, Elías Querejeta, deseaba presentarla en el Festival de Cannes, puesto que de alguna forma quería que el cine español obtuviese el reconocimiento que se merecía y empezase a reconocerse a nivel mundial nuestro cine.

Si bien la historia era más larga, es necesario que nos centremos en la película que se estrenó y en la historia que la misma contempla. Ante todo, decir que el film es sencillo a la par que hermoso, puesto que muestra con mucha sencillez y elegancia el amor que siente una hija por su padre, a la vez que éste muestra su desazón por un pasado que de alguna forma no le deja avanzar y que le ha impedido contar la verdad a sus seres más allegados.

Es cierto que las películas española que tratan el tema de la posguerra se ciñen al odio de los republicanos y los franquistas. Pero aquí el director (a la que vez que ejerce de guionista) no se ciñe a ese odio sino que, pretende mostrar al espectador que el odio hacia la guerra por parte del padre le ha impedido disfrutar de la vida que pudo tener y no pudo, a pesar de que su mayor alegría sea su hija Estrella; la cual a detectar las frecuentes ausencias de su padre y su continua soledad, decide seguirle en la búsqueda de aquello que le atormenta y cómo acercarse a ese dolor que se refleja en su padre e incluso, poder llegar a ser un medio en sí misma para acabar con el sufrimiento de su padre.

En el momento en el que termina la película, empezaría la segunda parte de la historia que permitiría al espectador identificarse con el padre así como observar la determinación de la hija por conseguir evadir esos demonios sin guardar ningún rencor a su progenitor (en palabras de su director). Es una historia de búsqueda a través de los acontecimientos de la identidad de uno mismo y de resolver aquello que no nos permite avanzar ni evolucionar como personas y que de alguna forma, puede guiarnos a un triste y desastroso final.

Esas emociones que se reflejan en los personajes llegan directamente al espectador, no para que éste se sienta identificado, sino para que haga un viaje a lo más profundo de su interior y descubra, que nadie es inmune al paso del tiempo, ni al pasado y que mirar hacia el presente puede de alguna forma hacernos más llevadero un futuro incierto y un pasado que no puede cambiarse.

El director Víctor Erice sólo hizo tres películas: la ya mencionada El Sur, El espíritu de la colmena (de la que se hará la crítica más adelante) y El sol del membrillo, que le encumbraron no sólo dentro del cine español sino de la esfera internacional y que nos permitió conocer su estilo y lo que realmente deseaba expresar y que de alguna forma no pudo. Por eso esta película, es un deleite para los sentidos y para lo que representa el inicio de una época dorada del cine español.

Calificación personal: 8.1

1898: Los últimos de Filipinas (2016)

• Dirección: Salvador Calvo
• Año: 2016
• Género: Bélico, aventuras, histórica.
• Intérpretes: Luis Tosar, Javier Guitiérrez. Karra Elejalde, Álvaro Cervantes, Carlos Hipólito, Patrick Criado, Ricardo Gómez, Eduard Fernández, Miguel Herrán, Pedro Casablanc, Ciro Miró.
• Guión: Alejandro Hernández.
• Fotografía: Álex Catalán
• Música: Roque Baños
• Producción: Enrique Cerezo PC, 13 TV, ICCA

SINOPSIS

Finales del siglo XIX, un último destacamento español resiste en la población filipina de Baler tras la cesión por parte de España de todas sus colonias a Estados Unidos. Allí resisten un año luchando contra los rebeldes filipinos, el hambre, el beriberi, etc; por Esapaña. Hasta el momento en el que deciden rendirse y viendo que España les ha abandonado a su suerte.

CRITICA

Me desgarra profundamente el corazón, no sólo la historia que se narra en esta película sino que muy pocos espectadores españoles hayan ido a ver esta gran producción española. Lo comento sin ningún tipo de tapujos porque somos capaces de ver películas sobre la Segunda Guerra Mundial, sobre la Guerra de Independencia Americana y, sobre otros acontecimientos bélicos y no apoyamos por conocer nuestra historia y lo que supuso para nosotros el fin del Imperio Español.

La pérdida de Cuba y de Filipinas por parte de España, no sólo supuso como ya he comentado el fin de un imperio, sino también del respeto mundial y un decaimiento del que no nos hemos recuperado nunca; puesto que añoramos lo que en un día fuimos sin centrarnos en construir un futuro. Pero no sólo por la situación política que se ha arrastrado hasta nuestro días, sino también por el abandono que sufrieron millones de españoles en estos países y la lucha que hicieron en vano por un país, cuyos dirigentes ya sabían que estaba al borde del abismo.

Lo que permitió que algunos hombres del destacamento que quedaron recluido en Baler fue sobre todo su resistencia al beriberi y sobre todo, no sucumbir a la locura del teniente Martín Cerezo (interpretado magistralmente, como siempre, por Luis Tosar) de defender una España que ya no existía en una guerra que no habían pedido. Porque, por si el espectador no lo sabe, antiguamente sólo se libraban de ir a la guerra los hombres de clase pudiente puesto que se pagaba un precio que la mayoría de las familias más desfavorecidas no podían pagar.

Hay que destacar también que todos lo personajes que aparecen en la película (a excepción del que interpreta Álvaro Cervantes) fueron de los poco supervivientes a la guerra; si bien les han cambiado el nombre a excepción del médico interpretado por Carlos Hipólito; que con pocos medios intentaba salvar la vida a todos aquellos jóvenes que no habían decidido estar allí.

Es desgarrador ver cómo un imperio se desmoronaba después de más de cuatrocientos años por vender Cuba y Filipinas por la insignificante cifra de veinte millones de dólares (insignificante si tenemos en cuenta que para unos países que eran un punto clave no sólo a nivel comercial) demostrando una vez más que la vida humana tiene muy poco valor y que dicho valor no se puede medir con ningún tipo de moneda.

El reparto está muy bien elegido ya que combina la veteranía de grandes del cine español como Luis Tosar, Javier Gutiérrez (que desde que hizo en el año 2014 La isla mínima desborda la pantalla con interpretaciones espectaculares), Carlos Hipólito y Karra Elejalde; con jóvenes actores que emergen poco a poco en nuestro cine como Álvaro Cervantes (como el rey Carlos I en la serie Carlos: Rey Emperador) o Ricardo Gómez (Carlos en la serie Cuéntame).

Es cierto que en el año 1945 se realizó una película totalmente distinta a la versión actual (pero igual de sobresaliente que está) y que ambas permiten de alguna forma, que no nos olvidemos de lo que un día fue España, que nos interesemos por nuestra historia y lo que la rodea y que a pesar de todo los sucedido, ahora somos otro país al que tenemos que cuidar y ayudar a crecer.

Calificación personal: 8.5

Los vengadores: La era de Ultrón (2015)

• Título original: Avengers: Age of Ultron. 
• Dirección: Joss Whedon.
• Año: 2015.
• Género: Acción, ciencia-ficción, fantástico. 
• Reparto: Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Mark Ruffalo, Chris Evans, Scarlett Johansson , Jeremy Renner, James Spader, Samuel L. Jackson. Cobie Smulders, Paul Bettany, Aaron Taylor-Johnson, Elisabeth Olsen, Linda Cardellini, Don Cheadle, Stellan Skarsgard.
• Fotografía: Ben Davis
• Música: Bryan Tyler, Danny Elfman
•  Montaje: Jeffrey Ford, Lisa Lassek

SINOPSIS

Cuando Tony Stark intenta reactivar un programa durmiente de mantenimiento de la paz, las cosas se ponen feas y los superhéroes más poderosos de la Tierra, deberán ponerse a prueba ya que está en juego el destino del planeta. Con la aparición de Ultrón, corresponderá a Los Vengadores la tarea de impedir sus terroríficos planes, pues este supervillano tecnológico aspira a exterminar a la raza humana. Mientras tanto, deberán enfrentarse también a dos misteriosos y poderosos recién llegados, Mercurio y Bruja Escarlata, y encontrar a un viejo amigo que adopta una nueva forma, Visión.


CRITICA

En los últimos diez años hemos visto como las pantallas de cine han sido invadidas por películas de superhéroes y a veces es complicado de digerir puesto que son historias palomiteras y sin ningún tipo de profundidad, aunque siempre consiguen salvar a las grandes productoras.

Dejando a un lado la falta de sorpresa, porque se sabe que los buenos van a acabar venciendo, e intentando seguir el estilo de su predecesora, en algunos momentos se emplean demasiados tecnicismos a nivel tecnológico intentando explicar las diferentes situaciones creando confusión al espectador.

Dentro de lo positivo, la historia no tiene ningún tipo de altibajos ya que hace que las dos horas y media que dura se pasen volando gracias a la interacción de los personajes y cuando llega el momento de conocer al "malo" de la película.

Otro punto positivo es que los personajes muestran una mayor relación humana y emocional y de alguna forma permite conocerles y demostrar que por mucho superhéroe que sean todos tenemos debilidades y que éstas nos permiten forjarnos como personas.


Calificación personal: 8

Un condenado a muerte y se ha escapado (1956)

• Título original: Un condamné á mort s'est echappé ou le vent souffle oú il veut
• Año: 1956
• Dirección: Robert Bresson
• Guión: Robert Bresson
• Intérpretes: François Leterrier, Roland Monod, Charles Le Chaincle, Maurice Beerblock, Jacques Ertaud.
• Música: W.A, Mozart
• Fotografía: Léonce-Henri Burel
• Productora: Gaumont

SINOPSIS

En plena Segunda Mundial , Fontaine un joven de 27 años miembro de la Resistencia francesa, que lucha contra la ocupación nazi, es arrestado por la Gestapo para ser interrogado. Por lo que decide planear su fuga de la cárcel.

CRITICA

Desde que tengo uso de razón, nunca había oído hablar de Robert Bresson hasta que ví Al azar de Baltasar (ver crítica en este blog) y me sorprendió tanto el trato que le daba a los personajes y cómo conseguía transmitir a partir de planos detalles, el interior y la belleza de las cosas y cómo hablar a través de la imagen, sin necesidad de un diálogo.

En Un condenado a muerte y se ha escapado logra lo mismo pero esto vez con mucha más maestría y clase a través de una historia real por medio de la cual desea mostrarle al espectador que la película/historia podía ser un medio de expresión y no un mero entretenimiento. Por eso, en esta gran película muestra al espectador el fin que persigue el protagonista; que no es nada más ni nada menos que huir de la prisión de los nazis en la que se encuentra.

Además de querer mostrar esa huida sustancial por parte del sujeto, Bresson quiere hacer partícipe al espectador de la propia historia, a través de la huida y del montaje que urde el protagonista por medio de lo diferentes objetos a los que puede acceder. De esta forma Bresson no le da tanta importancia a los diálogos, aunque los pocos que aparecen son significativos, ya que permiten ver la evolución de los personajes e incluso mantener sus ideas acérrimas sobre la huida.

Lo mismo ocurre con la banda sonora, la cual pasa a formar parte de un segundo plano y sólo muestra su relevancia al principio y al final de la película; dándole de esta forma mucha más importancia a los sonidos y ruidos de ambiente para que el espectador se pueda mimetizar con ellos. Estos aspectos acompañados de los planos detalle de las manos que nos desvelan la "construcción" de la escapada. Así también consigue dotar a cada objeto, a cada sonido de una vida y de un sentido, que acompañados entre sí dan un sentido; puesto que si lo diesen por separado, carecería de ese sentido.

La verdad es que la película daría para una gran multitud de párrafos de análisis pero, no sólo por ser una crítica, sino porque lo que pretendo con cada crítica es suscitarle un cierto interés al espectador por muy pequeño que sea, si eso le ayuda a iniciarse en este tipo de películas y a disfrutarlas cómo yo hice en su momento. Por eso, si el espectador tiene la oportunidad de visionar esta película, será un disfrute para sus sentidos y, podrá captar muchos detalles, planos, sonidos, interpretaciones, etc; que le fascinen y así quiera ver más películas de Robert Bresson.


Calificación personal: 8.3

Non-Stop (Sin escalas) (2014)

• Dirección: Jaume Collet-Serra.
•  Año: 2014. 
• Género: Acción, thriller, suspense.
• Interpretación: Liam Neeson, Julianne Moore,, Michelle Dockery, Lupita Nyong’o , Anson Mount, Linus Roache, Scoot McNairy, Nate Parker, Bar Paly,Frank Deal, Edoardo Costa, Corey Hawkins, Corey Stoll, Omar Metwally.. 
• Guion: John W. Richardson y Chris Roach IV.
• Música: John Ottman
• Montaje: Jim May
• Fotografía: Flavio Martínez Labiano
• Producción: Alex Heineman, Andrew Rona y Joel Silver.
• Distribuidora: Tripictures. 

SINOPSIS

Bill Marks (Liam Neeson) es un oficial de seguridad que durante un vuelo transatlántico de Nueva York a Londres recibe una serie de mensajes de texto anónimos exigiendo que haga que la aerolínea transfiera 150 millones de dólares a una cuenta extranjera. Hasta que no consiga el dinero, matarán a un pasajero cada 20 minutos. Con tan sólo un par de personas en las que puede confiar, Marks debe usar cada uno de los recursos de su entrenamiento para descubrir al asesino que viaja a bordo del avión.

CRITICA

Desde el primer fotograma, la película tiene una buena carta de presentación puesto que desde la mirada del personaje interpretado por Liam Neeson hace que el espectador se detenga en los pequeños detalles de los pasajeros desde la zona de embarque hasta el momento que despega el avión. La intención de esta presentación es obvia, puesto lo que se pretende es que de alguna manera esos personajes van a tener una pequeña importancia en el desarrollo de la historia.

A media que se desarrolla la misma aumenta la tensión por saber quien va a matar a los pasajeros pero, se van percibiendo las diferentes carencias cómo que a través de la amenaza se llegase a un final feliz y, a la vez meten una falsa profundidad a través de la vida atormentada del personaje. Lo mismo ocurre con el personaje interpretado por Julianne Moore que de alguna manera intenta ser igual que el personaje masculino pero que realmente es un relleno y que por cada asesinato que se comete cuesta volver arrancar la historia.

Aunque parece que al final del tramo final parece que pueda haber una mejoría, al descubrir quiénes son los que acechan tras la amenaza, sorprende a la vez que hace que al espectador se le quede una cara de tonto para hacer creer que cualquiera puede ser un criminal y que las razones por las cuáles realizan el acto de terrorismo son absurdas a la vez que inverosímiles.

En cuanto a la técnica de grabar en un espacio cerrado, no hay nada que reprochar puesto que el director, que ya colaboró con Liam Neeson en Sin identidad y en Una noche para sobrevivir, sabe aprovechar esos pequeños espacios. Cómo siempre Liam Neeson hace suyas las películas de acción y da el pego en este tipo de temáticas y de personajes.

Cómo suele ocurrir, son películas para entretener al espectador pero que al final se acaban quedando en nada, puesto que no entretienen y dejan al espectador al igual que al principio y sin definir de forma clara el enigma de la historia.

Calificación personal: 5.5

El contable (2016)

• Título original: The Accountant. 
• Dirección: Gavin O’Connor.
• Año: 2016.
• Género: Drama.
• Interpretación: Ben Affleck, Anna Kendrick, J.K. Simmons, Jon Bernthal, Jean Smart, Cynthia Addai-Robinson, Jeffrey Tambor, John Lithgow.
• Guion: Bill Dubuque. 
• Música: Mark Isham.
• Fotografía: Seamus McGarvey
• Montaje: Richard Pearson
• Productora: Warner Bros, Electric City Entertainment, Zero Gravity Management

SINOPSIS

Christian Wolff (Ben Affleck) es un erudito de las matemáticas que siente mayor afinidad por los números que por las personas. Bajo la tapadera de una gestoría de un pequeño pueblo trabaja como contable autónomo para varias de las organizaciones delictivas más peligrosas del mundo. Se hace cargo de un cliente legal: una vanguardista sociedad de robótica en la que una secretaria de contabilidad ha descubierto una discrepancia por importe de millones de dólares. A medida que Christian va examinando los libros de contabilidad y aproximándose a la verdad, el número de muertos empieza a aumentar.

CRITICA

Realmente no se que decir ante esta película. No se si lo que se intenta es que la historia tenga ínfulas de thriller o bien de "burlarse" de las personas que padecen autismo. Bien es cierto que el director de la película comentó que su hijo padece autismo y que era una forma de rendir tributo a esas personas que padecen esta enfermedad y, que las sociedad las margina.

Antes hay que saber, para así poder analizar mejor la película, que el autismo es una enfermedad que se caracteriza por la concentración de la persona en su propio mundo interior y la progresiva pérdida de contacto con la realidad exterior. Pero, existe una variedad del autismo que es el síndrome de Asperger, el cual permite a la persona en cierto modo de estar en contacto con otras personas y, también son muy inteligentes pero, no son capaces de procesar bien toda la información provocándoles un caos interno puesto que, no tienen en orden sus ideas.

Relacionando esta enfermedad en el personaje que la padece podemos observar que la educación que recibe cuando es pequeño (cómo si fuera un soldado) le hace ser un asesino a sueldo; cuando lo más lógico es que fuera retrotaído y, a pesar de que el síndrome de Asperger confiere una gran inteligencia, no permite crear grandes planes e ideas a corto y largo plazo. Por lo que la construcción del personaje está llevada a un campo que es poco probable.

La poca credibilidad del personaje se une a un guión confuso y con pocas evidencias de enlazar las diferentes historias de los personajes secundarios. Así como la evasión de algún tipo de introducción que pueda permitir al espectador meterse de lleno en la historia. Y cuando se quiere contar, no acaba de quedar claro de donde procede cada cual ni cual es el objetivo final que se persigue.

Aunque los fallos de guión son bastante notables, no así la interpretación de Ben Affleck que tanto en su faceta como director y mejorando la de actor, consigue dar cierta solidez a su personaje. Intentan también subsanar ese error con la presencia del personaje femenino interpretado por Anna Kendrick, pero realmente es innecesario puesto que no aporta una dosis que haga que su personaje sea imprescindible en esta historia.

Es cierto que yo hago una crítica subjetiva en la que intento mostrar y que una película es mucho más que toda la acción o los efectos especiales que se pongan. No sólo debe hacer que una película sea entretenida sino también valorar su contenido (dependiendo del género) y que la historia no intente salir del paso haciéndose insostenible.

Calificación personal: 3.7

Mejor solteras (2016)

• Título original: How to be single. 
• Dirección: Christian Ditter.
• Año: 2016.
• Género: Comedia. 
• Reparto: Dakota Johnson, Rebel Wilson, Alison Brie, Leslie Mann, Damon Wayans Jr., Nicholas Braun. 
• Guion: Dana Fox, Abby Kohn, Marc Silverstein. 
• Música: Fil Eisler.
• Fotografía: Christian Rein
• Productora: New Line Cinema, MGM, Flower Films
• Montaje: Tia Nolan

SINOPSIS

Existe una forma correcta de ser soltero, una forma incorrecta de serlo, y luego está Alice. Y Robin, Lucy, Meg, Tom, David.  La ciudad de Nueva York está repleta de corazones solitarios que buscan la pareja perfecta, un rollete o algo entre medias. Y en algún lugar entre  los mensajes subidos de tono y los líos de una noche, lo que todos estos solteros tienen en común es la necesidad de aprender cómo ser soltero en un mundo en el que la definición del amor cambia constantemente.

CRITICA

Película catalogada como comedia pero que realmente no se podría ubicar dentro de este género. ¿Por qué? Es cierto que muestran las distintas situaciones de solteros/as en forma de vis cómica, pero detrás se muestra una realidad que todo ser humano de alguna forma "sufre": como el tener o no tener pareja nos obsesiona y a veces no nos deja avanzar.

Por eso en la película se muestran varios perfiles: la chica que desea fervientemente encontrar pareja y recurre hasta en los portales de internet, la chica que solo ha tenido pareja estable y dedicada a su pareja y cuyo deseo es vivir un poco su independencia; la tercera chica que ya harta de hombres que la han decepcionado, decide ser madre soltera. Y por último la que vive completamente sin ningún tipo de compromiso y se dedica a disfrutar de la vida.

Cuando ya la película ha mostrado a las protagonistas y sus diferentes situaciones sentimentales, a medida que se va desarrollando la historia se les va apareciendo en sus vidas todo lo opuesto y que les hace darse cuenta que la vida tiene diferentes etapas para cada momento y que esos momentos hay que disfrutarlos en su plenitud y valorar lo que ofrece la vida.

El gran "pero" que le puedo poner a esta película es que desde un primer momento intenta ser una historia gamberra y con desmadre, pero parece que se queda en el limbo y no termina de arrancar para mantener una situación cómica. Si es cierto que el personaje interpretado por Rebel Wilson intenta tener esa función, pero acaba siendo bastante histriónica.

 Lo que si que me gustó fue cuando al final de la película, el personaje interpretado por Dakota Johnsonn (que por cierto, no se puede ser más siesa) que transmite el mensaje más relevante: "Hay que abrazar los momentos en los que estamos sin pareja. Ya estemos libres una semana o una vida entera, quizás sólo vivamos una vez ese momento. Ese momento, en el que nadie te ata; ni un padre, ni una mascota, ni un hermano, ni un amigo. Ese momento en el que solo existes tú, en el que estás mejor soltera. Porque luego, desaparece".

Calificación personal: 5.3

Hotel Transilvania 2 (2015)

• Título original: Hotel Transylvania 2.
• Dirección: Genndy Tartakovsky.
• Año: 2015.
• Género: Animación, comedia, fantasía. 
• Doblaje original: Adam Sandler, Selena Gomez, Andy Samberg, Kevin James, Steve Buscemi, David Spade, Mel Brooks.
• Guión: Robert Smigel, Adam Sandler.
• Montaje: Melissa Kent
• Fotografía: David Lazenberg
• Música: Mark Mothersbaugh

SINOPSIS

Todo parece estar cambiando a mejor en el Hotel Transilvania, excepto Drácula  que está preocupado al ver que su adorable nieto Dennis, medio humano y medio vampiro, no muestra signos de ser vampiro. Así que mientras Mavis está ocupada visitando a sus suegros humanos en compañía de Johnny, Drácula recluta a sus amigos Frank, Murray, Wayne y Griffin para hacer que Dennis pase por un campamento de “entrenamiento de monstruos”.

CRITICA

Otra película que sufre de "secuelitis", que tras el éxito de su predecesora pretende tener el mismo éxito. Pero es curioso cómo, desde mi punto de vista me entretuvo más esta segunda parte que la primera. Será porque en esta segunda entrega el peso de la historia está repartido entre los diferentes personajes secundarios (la momia, el hombre lobo, Frankenstein...), sino que también el guión no sigue un tono monótono, sino más bien ágil.

Si bien es cierto que cuando realizo las críticas de películas de animación, siempre escribo que a la hora de hacer este tipo de películas es complicado puesto que el público no es solamente infantil y que la función principal que tiene es la de entretener, pero siempre haciéndolo de tal forma que la historia no resulte demasiado aburrida.

A pesar de todo, el guión muestra también un pequeño trasfondo en el cual quiere enseñar a los más pequeños que uno siempre tiene que ser fiel a sí mismo y no cómo digan los demás. Y que ser cómo uno es, nos da a cada uno nuestra esencia particular y que de esa forma nos tienen que aceptar.

Lo que si me sorprendió buscando información acerca de la película es que el guión esté escrito por Adam Sandler, que cómo se puede observar en su filmografía en los últimos diez años no es que sea demasiado buena. Lo que demuestra que con un poco de esfuerzo se pueden sacar películas notables y que no provoquen somnolencia en el espectador. También destacar que el grupo Fifth Harmony realizó parte de la banda sonora, que combinándola con diferentes momentos del film, la destaca aún más.

Película que se basa sobre todo en el entretenimiento y la diversión con personajes entrañables y que además tienen gags bastante notables que producen risas en el espectador y hacen pasar un rato agradable y que además, nos demuestran que los monstruos no son tan malos.


Calificación personal: 7.2