Al mal tiempo, buen cine...

Queridos lectores y seguidores:

Me permito escribir una líneas para agradeceros a todos (desde todas las partes del mundo) que visitéis mi blog y todo lo que voy publicando. Ante todo comentar que no estoy licenciada en cinematografía pero, doy gracias por haber asistido a cursos y que mis padres me introdujeran al cine con sólo 8 años.

Por eso os animo que escribáis vuestras opiniones sin vergüenza alguna (¡por eso existe la libertad de expresión!) o sugerir cambios o visionados de películas, ya que se convierte en un feedback donde podemos aprender unos de otros.

Para finalizar, gracias una vez más por vuestro tiempo y dedicárselo a mi blog. ¡Seguid disfrutando del cine!

domingo, 31 de diciembre de 2017

Yo, Daniel Blake (2016)



  • Título original: I, Daniel Blake
  • Dirección: Ken Loach
  • Año: 2016
  • Género: Drama
  • Intérpretes: Dave Johns, Hayley Squires, Dylan McKiernan, Briana Shann, Kate Rutter, Kema Sikazwe, Gavin Webster, Steven Richens
  • Guión: Paul Laverty
  • Música: George Fenton
  • Fotografía: Robbie Ryan
  • Montaje: Johnathan Morris
  • Productora: Why Not Productions, Wild Bunch

SINOPSIS

Daniel Blake (Dave Johns) es un carpintero de 59 años que sufre un ataque al corazón en el trabajo. Cuando solicita la ayuda del gobierno por incapacidad laboral, se la deniegan. Intentando buscar una salida que le ayude a subsistir conoce a Kattie (Hayley Squires) una madre con dos hijos que busca una vida mejor tras marcharse del albergue para indigentes en el que vivía.


CRITICA

Cuando se cataloga una película en el género de drama, siempre esperamos una historia que nos genere alguna que otra lágrima y que al final el espectador acabe con una caja de kleenex en los cuales debe de secarse dichas lágrimas. Pero, muchas veces este género sirve también de reflejo para mostrar lo que ocurre en la sociedad (sin adornos, sin ningún tipo de florituras) y darnos cuenta que, la falta de humanidad en un mundo cada vez más egoísta es algo que no podemos ignorar.

Aunque no lo parezca, esta historia totalmente conmovedora y que suele suceder en cualquier país, la gente trabajadora y humilde que ha estado contribuyendo a la sociedad con sus impuestos y su trabajo, cuando ya no puede más, le deniegan todo tipo de ayudas y subvenciones puesto que, con el simple echo de respirar, te hace totalmente válido y competente para trabajar. Y, de alguna que otra forma, el estado se acaba desentendiendo de estas personas.


Desde un primer momento, en la película se nos muestra la gran brecha social que hay en el Estado para que éste, de alguna forma "escurra el bulto" para no ayudar a los que realmente tendría que proteger. No solo se nos muestra la cara amarga de una situación que vemos que no va a mejorar para el protagonista, sino como muchas veces la gente que está sola y no tiene ningún tipo de familia, acaba ayudando a otros (en su misma situación) sin esperar nada a cambio y que, de alguna forma, les hace la vida un poco más llevadera, aunque solo sea un poco. También de alguna forma, puede hacer reflexionar a todo el mundo, puesto que el ser humano critica la situación de las personas necesitadas que, han llegado a esa situación porque han vivido por encima de sus posibilidades o que incluso querían vivir del cuento o vivir del Estado, sin ni siquiera mover un dedo; cuando realmente no se sabe su situación pasada (ni la actual) y como han acabado casi en la indigencia.

Otro de los puntos a favor que tiene la película es como el personaje de Daniel Blake conoce a una madre (Kattie) joven, soltera y con dos hijos y decide ayudarla o hacer que el cuchitril en el que viven sea un poco más acogedor. A su vez,  Kattie decide buscar una vida mejor para sus hijos y ve que no lo consigue al buscar y no encontrarlo y vivir de la ayuda de los demás le supone un fuerte golpe para ella y, al final recurre a la prostitución. Pero, su amigo Daniel está ahí para recordarla que es una buena madre y que su vida irá a mejor y que no es necesario que venda su cuerpo para dar de comer a sus hijos. Y como al final, parece ser que la situación de ella se acaba revirtiendo y le ayuda a él para que le den la incapacidad.

A lo largo de toda la película, se nos muestra también como hay personas que, aunque trabajen en el sistema, o personas que por muy poco que tengan, acaban ayudando y compartiendo entre ellas. Por otro lado, también se muestra como el Estado, para no tener que "hacerse cargo" de los ciudadanos, evita el trato personal y obliga a que toda persona para solicitar una ayuda, lo haga de forma telemática y de esta forma, quitarse un peso de encima.


El gran Ken Loach junto con su guionista Paul Laverty, llevan una vez más al espectador a una nueva forma de centrifugación de la pobreza, donde el individuo no importa en una sociedad cada vez más decadente y egoísta y que además, se dan derechos a cosas o personas que no ayudan a mejorar a la sociedad. Y que una vez más, nos presentan (director y guionista) una historia que no es de lágrima fácil, sino de una realidad que cada vez es mucho más palpable y de la que intentamos escapar puesto que no tiene nada que ver con nosotros. Porque a lo mejor, con un simple gesto de bondad o con una pequeña sonrisa, podemos ayudar al que tenemos al lado y, por un momento no tener que pensar en nosotros mismos.

Unos cinco minutos antes de que termine la película, el/la protagonista deja una reflexión que no es difícil de ignorar y que de vez en cuando todos los dirigentes políticos, de todos los países deberían reflexionar que, para que un país prospere muchas veces no es importante ser un gran país productor, sino ser un país rico en humanidad: "No soy un cliente, ni un consumidor, ni un usuario del servicio. No soy un gandul, ni un mendigo, ni un ladrón. No soy un número de la seguridad social o un expediente. Siempre pagué mis deudas, hasta el último céntimo y estoy orgulloso. El tipo de personas, me da igual, siempre las he respetado y ayudado. No acepto ni busco caridad. Me llamo Daniel Blake. Soy una persona. No un perro. Y como tal exijo mis derechos. Exijo que se me respete. Yo, Daniel Blake, soy un ciudadano; nada más y nada menos. Gracias".



Calificación personal: 9.2


En la habitación (2001)



  • Título original: In the bedroom
  • Año: 2001
  • Género: Drama
  • Dirección: Todd Field
  • Intérpretes: Tom Wilkinson, Sissy Spacek, Marisa Tomei, Nick Sthal, William Mapother, William Wise, Celia Weston, Karen Allen
  • Guión: Todd Field, Rob Festinger
  • Música: Thomas Newman
  • Fotografía: Antonio Calvache
  • Montaje: Frank Reynolds
  • Productora: Good Machines, Greene Street Films, Eastern Standard Film Company

SINOPSIS

Matt Fowler (Tom Wilkinson) vive en Maine con su mujer Ruth (Sissy Spacek). En verano reciben la visita de su hijo Frank (Nick Sthal) que está saliendo con una mujer separada (Marisa Tomei) madre de dos hijos pequeños. Los padres de Frank no ven con muy buenos ojos esta relación, no solo porque la mujer está en proceso de divorcio, sino por la complicada relación que mantiene ella con su futuro ex marido.


CRITICA

Dicen que una de las cosas más dolorosas de la vida es perder a un hijo, puesto que los padres quieren ver la vida de sus hijos completa y que un padre nunca debería sobrevivir a un hijo. Pero en muchos casos (por desgracia) para muchos padres supone un gran dolor y a veces no encuentran una forma de poder mitigar el dolor y más, si tu hijo ha perdido la vida a manos de otra persona. Lo que nos hace plantearnos preguntas como: ¿seremos capaces de superar el dolor?, ¿habrá justicia para el hijo perdido de forma tan fuerte?, ¿cómo poder sobrellevar este dolor de la mejor forma posible? Todo esto son interrogantes que uno puede plantearse y que muchas veces (en cierto modo) acaba afectando a los padres del hijo fallecido y su relación se acaba deteriorando.

Por otro lado también se ve como la relación del hijo con su padre es totalmente distinta a la que tiene con su madre, puesto que con su padre le permite ser más abierto lo que le hace tener una mayor complicidad. De algún modo, la actitud del padre hacia el hijo hace que la madre recele y le hecha la culpa de una situación que se podría haber evitado. En este momento, es cuando la ruptura del matrimonio se va haciendo cada vez más evidente y las disonancias entre ambos son palpables; por lo que es necesario que vuelvan a sentir conexión.

Hay un momento en la película, que Ruth le dice a su marido: "deja de actuar como si no hubiese ocurrido nada". Realmente el personaje de Matt no actúa como si no hubiese pasado nada, sino más bien fijándose en todo lo que sucede a su alrededor, en los pequeños detalles y en todo aquello que le permita mantener el recuerdo de su hijo lo más vívido posible para no acabar perdiendo la cabeza.
Dentro de la historia, de alguna forma se nos plantea que muchas veces los padres intentan que sus hijos (de algún modo) cuando van creciendo que no tomen determinadas decisiones o que los educan para seguir unas determinadas directrices pero; lo que acaba ocurriendo es que cuánto más nos prohíben, queremos hacer todo lo contrario, pudiendo ser un acto de rebeldía o simplemente que podemos tomar determinadas decisiones o realizar determinados actos y poder equivocarnos. Pero, muchas veces los padres se acaban anticipando y saben que si seguimos por un determinado camino, lo más seguro es que no equivoquemos.

A la vista de como se va desarrollando la película, el final es totalmente inesperado (no haré ningún spoiler al respecto) y parece que de algún modo el matrimonio de los señores Fowler vuelve a ser el de antes. Pero, ¿qué ocurre cuando pierdes el norte y además pierdes toda la humanidad que te hacían ser, el ser humano que eras?, ¿está justificada la violencia gratuita? o ¿tomarnos la justicia por nuestra propia mano? A veces, es más importante no perder la humanidad para no acabar convirtiéndote en un monstruo.



Calificación personal: 7.5


viernes, 29 de diciembre de 2017

Monster's Ball (2001)




  • Dirección: Marc Foster
  • Año:2001
  • Género: Drama
  • Intérpretes: Billy Bob Thornton, Halle Berry, Heath Ledger, Peter Boyle, Sean Combs, Mos Def, Coronji Calhoun, Amber Rules, Charle Cowan Jr.
  • Guión: Milo Addica, Will Rokos
  • Música: Asche & Spencer, The Jayhawks
  • Fotografía: Roberto Schaefer
  • Montaje: Matt Cheese
  • Productora: Lions Gate Entertainment

SINOPSIS

Hank (Billy Bob Thornton) trabaja junto a su hijo Sonny (Heath Ledger) como funcionario de prisiones. Ambos son incapaces de relacionarse con mujeres y de tener una relación cordial entre ambos; además de vivir con el padre de Hank (Peter Boyle), funcionario de prisiones jubilado y racista. Tras la ejecución de un preso, la vida de Hank da un vuelvo cuando conoce a Leticia (Halle Berry) viuda del preso ejecutado.


CRITICA

Hoy en día, educar unos valores a los niños y adolescentes es complicado, puesto que la sociedad en determinados aspectos, dice como se deben educar a los hijos y como debes de actuar; pero muchas veces no promueven (aunque se diga que si) el pensar por uno mismo, tomar nuestras propias decisiones y ver cuando nos equivocamos, cual es el mejor camino para no volver a fallar o poder mejorar. Pero a veces, es demasiado tarde y se ha perdido mucho tiempo en odiar, criticar y fijarse en lo que hacen los demás que en vivir uno mismo.


En la historia que se cuenta en la película, se demuestra como el odio y el racismo hacen imposible una convivencia entre una familia e incluso, el desprecio por no ser un hombre es una deshonra. Pero realmente, esto hace que el espectador se plantee: ¿qué es ser un hombre: menospreciar a las mujeres, tratarlas como si fueran objetos, creerte superior a los demás, no mostrar sentimientos hacia tus hijos, no mostrar amor hacia nadie o incluso llegar a odiar por el color de la piel? Esto produce, en cierta medida que los hijos noten esa falta de amor y que muchas de las veces no sepan ya que hacer para demostrar lo que valen o incluso que muchas veces se sienta "obligados" ha hacer cosas o dedicarse a un oficio solo porque es la tradición familiar o porque de esa forma se va a conseguir el cariño de los padres.

Cuando ve que todo su mundo se va desmoronando y esa actitud autoritaria e impertérrita se ve sacudida por la muerte de su hijo, el personaje de Frank de algún modo intenta salir de ese pozo de tristeza (aunque no lo manifieste puesto que para el ser un hombre es no mostrar sentimientos) y ver que de algún modo no ha sido un buen padre y que debe de cambiar aspectos de vida y quitarse esas ideas arcaicas y racistas y, dejar abrir su corazón ante la posibilidad de ser mejor persona y poder ser feliz; sin tener que juzgar a nadie.

El guión parte de una premisa sencilla pero, el simple hecho de introducir en la historia la ejecución de un preso, permite ver el cambio de visión de los personajes y que también de alguna forma puedan mostrar la poca humanidad que tienen. Por otro lado, de una manera clara y directa, es decir a través de la muerte, intentar corregir errores o incluso poder mejorar como persona pero sobre todo, reflexionar sobre nuestra actitud y sobre nuestra vida y ver por donde queremos conducirla.

En cuanto el reparto, los tres protagonistas hacen un buen trabajo de contención emocional y a la vez se refleja en sus caras sentimientos de dolor. Billy Bob Thornton esta impecable en su actuación al mantenerse frío y distante. Halle Berry acierta en su papel de madre sufridora (aunque tres años más tarde tirase su carrera por la borda haciendo Catwoman) y Heath Ledger tras haber hecho papeles destacados en 10 razones para odiarte, El patriota y Destino de caballero, supo plasmar a la perfección la tristeza y la soledad, que llevaría más tarde a las películas posteriores que realizase hasta su repentina muerte.

A pesar de estar dentro del género de drama, la película es capaz de reflejar en muchos momentos la soledad autoimpuesta, la pérdida pero también la posibilidad y la esperanza de que todo el mundo se merece una segunda oportunidad y de que todo el mundo puede cambiar a pesar de haber cometido errores y que lo más seguro, es que encontremos a alguien que nos haga nacer de nuevo.


Calificación personal: 7.2


miércoles, 27 de diciembre de 2017

Perfectos desconocidos (2017)



  • Dirección: Álex de la Iglesia
  • Género: Comedia
  • Año: 2017
  • Intérpretes: Belén Rueda, Eduard Fernández, Eduardo Noriega, Dafne Fernández, Ernesto Alterio, Pepón Nieto, Juana Acosta.
  • Guión: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría
  • Música: Víctor Reyes
  • Fotografía: Ángel Amorós
  • Montaje: Domingo González
  • Productora: Telecinco Cinema, Nadie es perfecto, Movistar +, Mediaset España

SINOPSIS

Una cena entre cuatro parejas que se conocen de toda la vida, proponen un juego: dejar los móviles encima de la mesa y así todos ellos pueden enterarse de los mensajes y llamadas que les lleguen; si nadie tiene nada que esconder...


CRITICA


No solo de los remakes viven los americanos, pero aunque Perfectos desconocidos sea un remake de una película italiana, capta a la perfección el ritmo de vida que se lleva en la actualidad y como la tecnología ha eclipsado por completo las relaciones humanas, ya que pasamos la mayoría del tiempo más pendientes de lo que vamos recibiendo en el móvil en lugar de despreocuparnos y disfrutar de una buena compañía. Pero a la vez, es una crítica (aunque sea en modo satírico) de que muchas veces ocultamos parte de nuestra vida a través de la tecnología.

En la película se muestra claramente como las parejas que aparecen han perdido la pasión o simplemente quererse y ver que compartir una vida juntos no es algo tedioso ni aburrido; sino todo lo contrario pero, para ellos su forma de algún modo de mantener "vivo" su matrimonio consiste en engañarse mutuamente y aparentar frente a los demás que su vida conyugal no es tan mala o que incluso humillarse públicamente es algo de lo más normal y habitual. Pero cuando empiezan a salir a la luz sus más oscuros secretos, las reacciones a la hora de conocer la verdad y el ultraje sufrido y se escandalizan por ellos, cuando todos son culpables de lo mismo. Y además, lo más curioso es que todos culpan a los teléfonos móviles de la situación incómoda que se está viviendo durante la mesa y que cuando eran jóvenes, al no estar la tecnología muy avanzada, no había este tipo de problemas.

De alguna forma también muestra la hipocresía que hay en nuestras vidas al intentar fingir lo que no somos e incluso no  escandalizarnos realmente de lo que hace uno mismo y si por lo que hacen los demás; así como buscar una y mil excusas para no enfrentarnos a los problemas y a las consecuencias. Todo esto, está contado en clave cómica para que el espectador pueda pasar un buen rato pero lo cierto es que de alguna manera quiere hacerle entender al espectador que todos estamos enganchados a los móviles, no podemos despegarnos de ellos, por redes sociales podemos contar cualquier cosa e incluso ocultarlas y que en definitiva, muchas veces perdemos nuestra seña de identidad como personas.

El conjunto de los siete actores muestra gran química entre ellos y como saben interpretar bien el carácter de sus personajes. Destacar sobre todo a Juana Acosta (Ana) y Ernesto Alterio (Antonio) que además de ser pareja en la vida real, desde mi punto de vista por las interpretaciones de ambos y porque el personaje de Ernesto Alterio es el que tiene todos los puntos cómicos que, gracias a su expresión, a la forma de decirlos y la excentricidad de su personaje es el que de alguna forma acaba dando vida a gran parte de la trama. Mencionar también a Belén Rueda y Eduard Fernández que tras haber trabajado en la otrora película cómica La noche que mi madre mató a mi padre hacen un tandem que se compenetra bastante bien.

En resumen, la película aparte de mostrar muchas de las carencias y/o defectos del ser humano, refleja también de alguna forma que el humor en determinadas ocasiones no está de más y que sobre todo, antes de juzgar a los demás o "mentir" diciendo que nosotros no tenemos secretos, produce que más de una vez mintamos y lo tomemos como hábito y excusa. Porque al igual que la mentira, los secretos también tienen las patas muy cortas.



Calificación personal: 8



martes, 26 de diciembre de 2017

Tarde para la ira (2016)





  • Dirección: Raúl Arévalo
  • Año:2016.
  • Género: Thriller
  • Reparto: Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz, Raúl Jiménez, Alicia Rubio, Manolo Solo, Font García. 
  • Guion: Raúl Arévalo y David Pulido. 
  • Música: Lucio Godoy. 
  • Fotografía: Arnau Vals Colomer
  • Productora: La canica films, RTVE.

SINOPSIS

Madrid, agosto de 2006. Curro (Luis Callejo) entra en prisión tras participar en el atraco de una joyería. Ocho años después sale de la cárcel con ganas de emprender una nueva vida junto a su familia, pero se encontrará con una situación inesperada y a un desconocido, José, que le llevará a emprender un extraño viaje en el que, juntos, se enfrentarán a fantasmas del pasado y se hundirán en el abismo de la venganza.


CRITICA

Los dos últimos thrillers que he visto han sido del cine español: la primera Que Dios nos perdone y la segunda Tarde para la ira de la que haré una crítica a continuación. Desde el principio hasta el final, no se sabe exactamente que es lo que va a suceder pero, a medida que se va deshojando la flor, aparece con toda claridad la venganza que de manera silenciosa se ha ido fraguando.

Desde mi punto de vista, esta película rompe los convencionalismos de los thrillers para mostrarnos una historia que no carece de fisuras y a la vez consigue maximizar toda la trama con una gran variedad de matices. Comenzando con esa huida en coche, hasta el momento culmen en el que se va descubriendo todos los rencores y rencillas del pasado entre dos personajes que inicialmente no sabían de la existencia del otro y que por casualidad (o no) acaban unidos de manera inesperada, llegando a romperse los esquemas de ambos.

Inicialmente se nos va mostrando secuencias al espectador sobre "el bar", "la familia" y "Ana" (algo parecido a lo que hizo Carlos Vermut con su debut en Magical Girl) para introducirnos en su motivación personal para poder fraguar la venganza que lleva planeando mucho tiempo; aunque en algunos momentos por los momentos de soledad, las expresiones faciales de Antonio de La Torre (que interpreta a José, el antagonista) y los momentos en los que su fijación para poder apaciguar su alma, permiten de una manera sutil y bastante concisa de cumplir su objetivo.

Además, toda la atmósfera que se va recreando a lo largo de la película, no hubiese sido posible sin los lugares castizos de la geografía española (lo que recuerda a películas de Carlos Saura como La caza  y El 7º día) así como el enfoque de la cámara hacia pequeños detalles como una mirada, un chat de una red social, e incluso una visita a un hospital. Lo que hace que un guión bien construido y con una solidez argumentativa y narrativa, permita disfrutar de una buena película. Aunque si es necesario resaltar, que en los momentos de más tensión en la película, se genera un pequeño caos en el movimiento de la cámara, perdiendo el espectador un poco la visión.

La evolución dramática no desaparece en ningún momento, así como las interpretaciones sólidas y que inspiran confianza de un reparto sólido y con cierta experiencia en el terreno. Para ser un novato, Raúl Arévalo ha sabido captar a la perfección la esencia del gran Alberto Rodríguez con el que trabajó en La isla mínima  y del que supo captar la esencia de un buen thriller. Por esto (y por muchas más cosas) invito a todos aquellos que no han visto cine español o que sólo han visto películas sin un buen hilo argumental, que vean esta película y que además, hay muchas más películas del cine español con sello propio y que reafirman una vez más la buena racha del cine español (aunque mucha gente se niegue a admitirlo) y que no hace falta emular a Hollywood haciendo películas con extremada violencia, sangre y tiroteos para crear una historia impecable de principio a fin.



Calificación personal: 8.4


lunes, 25 de diciembre de 2017

Star Wars VIII: Los últimos Jedi (2017)



  • Título original: Star Wars: The last Jedi
  • Año: 2017
  • Género: Aventuras, ciencia ficción
  • Dirección: Rian Johnson
  • Intérpretes: Mark Hamill, Carrie Fisher, Adam Driver, Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isacc, Andy Serkis, Laura Dern, Domhnall Gleeson, Anthony Daniels, Lupita Nyong'o, Gwendoline Christie, Benicio del Toro, Kelly Marie Tran, Kenny Baker, Billie Lourd.
  • Guión: Rian Johnson
  • Música: John Williams
  • Fotografía: Steve Yedlin
  • Montaje: Bob Ducsay
  • Maquillaje: Peter King, Flora Moody
  • Productora: LucasFilm, Walt Disney Studios

SINOPSIS

La Primera Orden se ha vuelto más fuerte y tiene contra las cuerdas a la Resistencia liderada por la capitana Leia Organa (Carrie Fisher). Mientras tanto el comandante Poe Dameron (Oscar Isaac) encabeza una expedición para intentar destruir uno de los acorazados de la Primera Orden. Mientras tanto, Rey (Daisy Ridley) consigue encontrar a Luke Skywalker (Mark Hamill) para que le guíe en el camino de la Fuerza. Por otro lado, Kylo Ren (Adam Driver) sigue en el lado oscuro de la fuerza.


CRITICA

Parece ser que la espera ha terminado con el capítulo ocho de esta saga, pero tras la espera, la decepción ha sido mayúscula. Porque si bien Star Wars VII: El despertar de la fuerza era la película introductoria para esta nueva trilogía, este episodio ocho no acaba del todo por convencer y ver realmente cual es el objetivo tanto de la Primera Orden como de la Resistencia. Además de que queda un vacío en la historia entre el episodio seis y siete y, del siete al ocho.

En ciertos momentos de la trama, uno puede llegar a sentirse perdido puesto que no sabe (o no logra ubicarse) en la historia ni la aparición de determinados personajes y si realmente el último Sith acabó al morir Darth Vader, ¿cómo es que aparece un nievo Sith llamado Snoke?, ¿porqué no hay una historia introductoria para explicar los nuevos personajes? Y si a todo esto le unimos el porqué Luke Skywalker está empeñado en que los Jedi desaparezcan a la vez que la historia sobre la vida de Rey no encaja y "esa fuerza misteriosa" de la isla en la que vive Luke, ¿qué sentido tiene con el poder de la fuerza? Y lo que creo que todo espectador echa de menos, es la presencia de Han Solo, puesto que le daba vida a la historia.

La esencia que le falta en parte a Los últimos Jedi es la esencia que les caracterizaba a las dos trilogías anteriores, donde se hilaban bien todas las historias y mencionaban la aparición de los nuevos personajes, al igual que batallas de luchas épicas y el tema de la política, hacían que el espectador pudiese entrar de lleno en la historia. Es cierto, que el encanto de esta nueva entrega radica también en la aparición de nuevas criaturas (véase los porgs) que llegan a encandilar.

Desde mi punto de vista, lo que puede también haber hecho mella es que el reparto es bastante joven y con poca trayectoria en el mundo del cine y, sus actuaciones están  un poco "imberbes" a la vez que poco resolutivas. Por otro lado, hay momentos en los que a medida que va avanzando la historia parece que en algún momento va a despegar y que va a ocurrir algo que hará girar la historia por completo pero, no llega a ocurrir.

A la espera de dos años para el estreno de la tercera parte de esta tercera trilogía, espero que la historia sea bastante más elaborada y cree una conexión entre los personajes y se puedan aclarar y despejar dudas acerca de la verdad de todos los protagonistas y que a la vez, no sea tan soporífera y que los actores hayan ganado en interpretación.


Calificación personal: 6

domingo, 24 de diciembre de 2017

El piano (1993)




  • Título original: The piano
  • Año: 1993
  • Género: Drama
  • Dirección: Jane Campion
  • Intérpretes: Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill, Anna Paquin, Kerry Walker, Genevieve Lemon, Cliff Curtis.
  • Guión: Jane Campion
  • Música: Michael Nyman
  • Vestuario: Janet Patterson
  • Montaje: Veronika Jenet
  • Fotografía: Stuart Dryburgh

SINOPSIS

Muda desde pequeña, Ada (Holly Hunter) acaba de perder a su esposo. Un matrimonio concertado le obliga a dejar su Escocia natal y viaja a Nueva Zelanda, acompañada de su hija (Anna Paquin) y su piano. Allí conocerá a su nuevo marido (Sam Neill), un próspero granjero, que se niega a llevar a casa el piano. Abandonado en la playa, el instrumento es rescatado por un vecino del granjero (Harvey Keitel), quien establece un pacto llamativo con Ada: él la dejará tocar su piano a cambio de que ella deje tocarse. El acuerdo poco a poco va perdiendo su rigidez para darle paso al amor. Ada, aunque confusa al principio, irá correspondiendo a ese deseo y sabrá expresar sus sentimiento a través de su piano.


CRITICA

Hay películas, que con el paso del tiempo siempre permanecen en la retina del espectador y que si alguna vez de manera fortuita (o no) se menciona el título, uno acaba por recordar de que trataba esa historia que nos atrapó en el pasado. Esto es lo que ocurre principalmente a El piano no solo por la capacidad que tuvo en su momento de poder transmitir al espectador, diferentes sentimientos a través de la música; sino que también con el silencio se puede transmitir mucho más.


Desde el principio, la historia nos arrastra por completo a las profundidades del corazón de una mujer muda que, su forma de manifestar sus sentimientos es a través del piano, puesto que su imposibilidad para hablar le ha impedido comunicarse (solo lo hace a través de su hija como intérprete) y que a través del piano puede expresar lo que siente. En todo momento, se nos presenta una narración intimista donde también se muestra la imposibilidad de una mujer de tomar sus propias decisiones y tener que depender por completo de un marido que no es capaz de ver la maestría de su mujer ante un instrumento. Sin embargo, alguien completamente inculto y que siempre ha vivido en un área rural, es capaz de ver no sólo el amor de la mujer hacia su piano, sino también la belleza femenina y el poder que emana a pesar de tener un problema de comunicación. E incluso, hace que ella vuelva a sentirse amada y deseada y que la vean con una capacidad para luchar por aquello que más ama: su piano.

En todo este transcurso de la historia, van apareciendo diferentes tipos de sentimientos que de alguna forma han estado siempre encerrados y que siempre aparece alguien que nos abre los ojos y que hace que nos queramos más a nosotros mismos y veamos nuestra propia valía. Además los sentimientos se muestran muchas veces a través de los fotogramas como la soledad de Ada sin su piano, al verse unos minutos como el piano permanece en su caja de madera en el mar. La soledad, cuando el marido decide recluirla en casa y, cuando la llevan a la playa a tocar el piano, como ponen velas alrededor como símbolo de esperanza.


En cuanto a las interpretaciones, he de decir que Holly Hunter (que interpreta a Ada) aprendió el lenguaje de signos y que es ella la que toca realmente el piano, ya que es muy ágil con el, y sobre todo el ejercicio de contención para no pronunciar ni una sola palabra y expresar los sentimientos a través de los rasgos faciales, es digno de todos los premios que se llevó. Así como la gran química que hay entre ella y la joven Anna Paquin, que a pesar de ser un personaje infantil, lo interpreta con mucha fuerza y no se amilana ante tanto adulto y como quiere, cuida y protege a su madre.

Es interesante destacar, que Jane Campion (la directora de la película) ha sido de momento la única mujer que se ha alzado con la Palma de Oro del Festival de Cannes a la mejor película, lo que demuestra que muchas veces el trabajo femenino, está poco valorado. Desde mi punto de vista, es una película que invita desde el primer momento a amar la verdad y que muchas veces, las palabras no son necesarias o están carentes de significado o incluso, una simple mirada, un pequeño gesto, una melodía armoniosa, puede transmitir mucho más sin decir ni una palabra.


Calificación personal: 9


viernes, 22 de diciembre de 2017

El sacrificio de un ciervo sagrado (2017)



  • Título original: The killing of a sacred deer
  • Año: 2017
  • Género: Thriller
  • Dirección: Yorgos Lanthimos
  • Intérpretes: Colin Farrell, Nicole Kidman, Barry Keoghan, Raffey Cassidy, Sunny Suljic, Alicia Silverstone, Bill Camp
  • Guión: Yorgos Lanthimos, Efthymis Filippou
  • Fotografía: Thimios Batakakakis
  • Montaje: Yorgos Mavropsaridis
  • Productora: Film 4, Element Pictures, New Sparta Films

SINOPSIS

Steven (Colin Farrell) es un respetado cirujano casado con Anna (Nicole Kidman) que viven con sus dos hijos, Kim y Bob. Un día, Steven decide proteger a Martin (Barry Keoghan) un joven de 16 años huérfano de padre. A partir de este acontecimiento, la vida de Steven da un giro inesperado que le hará tomar una decisión muy complicada.


CRITICA

Antes de empezar de lleno con la crítica, seguramente más de un espectador se habrá preguntado el significado del título de la película y que relación tiene con la historia que se va contando, para ello es necesario que primeramente se cuente una historia de la antigua Grecia: el sacrificio de Ifigenia. Ifigenia era la hija del rey Agamenón, que partió hacia la guerra de Troya, que fue sacrificada debido a la ofensa que éste realizó contra la diosa Artemis al cazar en uno de sus bosques a un ciervo sagrado. Debido a ello, la diosa Artemis paró el viento y así evitó que la flota de barcos del rey Agamenón avanzase. Para solucionarlo, un oráculo le dijo al rey que para paliar la ofensa contra la diosa, tenía que sacrificar a su hija Ifigenia y así, podrían retomar el viaje rumbo a Troya.


Si relacionamos la historia del mito de Ifigenia con la película, vemos que sigue un patrón, donde el protagonista masculino debido a una mala decisión tomada durante la intervención y que además, era consciente, provoca que su familia cargue con las consecuencias de sus actos, ya que el no ha sido capaz de enfrentarse a lo que realmente hizo y, prefiere culpar a otros y buscar soluciones, en lugar de aclarar el secreto que esconde en su corazón.

También muestra como muchas veces los que llevan una vida acomodada, no se fijan (o deciden mirar para otro lado) en que sus actos no pueden quedar impunes y que todos, seamos ricos o pobres tenemos que enfrentarnos a nuestros actos que deliberadamente hemos cometido; a pesar de barrerlos debajo de la alfombra como si no hubiese pasado nada. Por otro lado, vemos que Martin actúa como si fuera un ángel justiciero, donde recrimina más de una vez a Steve su falta de atención para con él y que no puede estar constantemente huyendo, porque sino su familia acabará sufriendo las consecuencias de sus malas acciones.

A la hora de estar escribiendo la crítica, puede dar la sensación al lector de que la descripción es algo cíclica y que no llego a ninguna conclusión concreta, pero realmente esta respuesta va apareciendo a medida que avanza la película y obviamente por su desenlace. Por otro lado, también se puede intuir de alguna manera en la realización de algunos planos, en los que la cámara se ubica por encima de los personajes, como si algo o alguien les estuviera observando para poder ver su descalabro. También, se nos muestra al espectador esa falsedad tras una vida idílica y que cuando las cosas van mal, salen a la luz todas las suciedades que esconden en su interior.

Todos y cada uno de los planos que realiza el director Yorgos Lanthimos evidencian claramente la vida vacía que se esconde tras una bonita fachada y como la manipulación, o la autoexculpación al final no sirve de mucho porque cuando tienes que elegir entre tu vida y la de tu familia, la decisión resulta ser demasiado complicada.

La química entre Nicole Kidman y Colin Farrell es palpable tras haber trabajado junto en La seducción y como van manteniendo en pulso cuando tienen un plano ello solos y como sus expresiones faciales se mezclan completamente con la situación que están viviendo como matrimonio. Tras sus largometrajes tan comentados Canino y Langosta, donde el director hizo pensar sobre las relaciones humanas, sobre las miserias que a veces tenemos y como lidiamos con ellas y como somos en realidad en nuestra vida y que si de vez en cuando, podemos quitarnos la máscara de la falsedad y enfrentarnos a nuestra realidad; el director consigue de principio a fin meter al espectador en la historia, así como crear una atmósfera asfixiante que hace pensar.



Calificación personal 8.3




No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas (2016)



  • Año: 2016
  • Género: Comedia
  • Dirección: María Ripoll
  • Intérpretes: Verónica Echegui, Álex García, David Verdaguer, Jordi Sánchez, Elvira Mínguez, Cecilia Freire, Alba Galocha
  • Guión: Carlos Montero, Breixo Corral
  • Música: Simon Smith
  • Vestuario: Cristina Rodríguez
  • Fotografía: Pau Castejón
  • Productora: Zeta Cinema

SINOPSIS

Sara (Verónica Echegui) es una joven que culpa al karma de su mala suerte. Tiene una tienda de plumas pero no consigue vender ni una. Y para colmo, su hermana y su padre se van a vivir a su casa. Y para colmo, conoce al prometido de su hermana, que resulta ser Aaron (Álex García), el chico del estaba enamorada en el instituto.


CRITICA

Al igual que el género de la comedia, las películas románticas cada vez más pierden fuelle y lo que realmente fueron en décadas pasadas; en donde hay momentos con pequeños chistes, a la vez que una historia de amor (más o menos plausible) y un ligero trasfondo; tocando la fibra sensible del espectador. Pero, al final se acaba cayendo en una comedia-romántica facilona con un guión poco entusiasta y una historia poco creíble.

Por eso, independientemente de que No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas sea un libro, la película no llega a alcanzar la esencia, e intentando emular el estilo de las comedias-románticas americanas (que también están de capa caída). Al final, resulta ser una historia con un histrionsmo sin gracia, a la vez que muestra todo lo que sucede en torno a la protagonista, como algo frívolo. Y que a pesar de que Verónica Echegui imprima cierta fuerza al personaje, la historia sigue en capa caída.

Y aunque la gente intente siempre denostar al cine español, como ocurre con el cine americano, tiene películas buenas (ya sean comedias, dramas o thrillers) pero también de vez en cuando sale algún que otro "fiasco" que pasará sin pena ni gloria por la retina del espectador.



Calificación personal: 5


sábado, 16 de diciembre de 2017

Yo confieso (1953)



  • Título original: I confess
  • Año: 1953
  • Género: Thriller, suspense, drama
  • Dirección: Alfred Hitchcock
  • Intérpretes: Montgomery Clift, Anne Baxter, Karl Malden, Brian Aherne, Dolly Haas, Roger Dann, Hudson Pratt, O.E. Hasse.
  • Guión: George Tabori, William Archibald
  • Música: Dimitri Tiomkin
  • Fotografía: Robert Burks
  • Montaje: Rudy Fehr
  • Vestuario: Orry-Kelly
  • Productora: Warner Bros Pictures

SINOPSIS

El padre Logan (Montgomery Clift) escucha en confesión el asesinato cometido por Otto Kellasr(O.E:Hasse) contra un reputado abogado de Quebec. Sin poder revelar nada puesto que el secreto de confesión no puede ser comentado, el padre Logan ve como todas las sospechas se van dirigiendo hacia el. Pero su fe y su función como sacerdote, permite que la culpa recaiga sobre el.


CRITICA

Yo confieso es otra de esas películas de las que el gran maestro del suspense declaró que no estaba contento y además, nunca debió de haberse rodado, ya que el material de la obra de teatro en la que se basa; no se basaba en la percepción que el tenía sobre el suspense. Si a todo esto hay que añadirle los problemas de rodaje así como la censura de aquella época, hicieron que el director no se sintiera muy orgulloso del material filmado.

También hay que entender que se parte de una premisa, en la que el espectador puede dudar (y es entendible) que es el secreto de confesión y, donde el asesino se escuda porque sabe que el padre Logan no va a rebelarlo. Pero claro, el espectador puede preguntarse: ¿en casos extremos, como es el asesinato, no es posible violar el secreto de confesión? Esta pregunta, solo puede ser respondida por aquellos entendidos pero, si lo vemos desde el punto de vista cinematográfico, si se hubiese roto el suspense que rodeaba a la trama hubiese desaparecido y no tampoco se hubiese descubierto las vidas pasadas de dos de los personajes principales. Si bien es cierto, que puede resultar un poco inverosímil que el sacerdote por no violar uno de sus votos, permita ser el culpable de un asesinato que (obviamente) no ha cometido.

Por otro lado, el desarrollo de la trama permite poner al descubierto el pasado tanto del padre Logan como de Ruth, una mujer misteriosa que aparentando tener un vida dichosa y con todo tipo de comodidades, esconde un secreto al que realmente no se quería enfrentar que era su propio pasado. Y de alguna forma, que ambas vidas se entrecruzasen provoca a posteriori que el sacerdote parezca aún más culpable, sin más remedio que el propio asesino se escude en su secreto de confesión para resultar inocente cuando en su fuero interno sabe que no le importa que el padre Logan vaya a la cárcel, si con ello el se salva.

Aunque no lo parezca, el suspense está desde el comienzo de la película hasta el final porque de esta forma el espectador puede descubrir el pasado de los personajes. Aunque, según lo descrito en la novela, hay mucha más trama que no se permitió incluir en el metraje, por la moral de aquella época (si quieren saber más, tendrán que leerse la obra Yo confieso de Paul Anthelme), aunque los flashbacks permiten al espectador ubicarse en la vida de los personajes. Pero, como admiradora del maestro del suspense, me faltaría entender la razón del porqué el padre Logan se hizo sacerdote. También es una película reflexiva que, desde mi punto de vista, tras la Segunda Guerra Mundial, de alguna forma se intentasen hacer mejor las cosas.

Aunque Alfred Hitchcock no pudiese contar con sus actores masculinos fetiches, su mala relación con Montgomery Clift hizo que incluso el propio actor con una gran interpretación facial aguanta de manera estoica las culpas y se mantiene firmes a sus creencias. En cuanto a su réplica femenina, Anne Baxter (a la que muchos consideraban una actriz de segunda) no fue la primera opción del director para encarnar a Ruth (su primer opción fue Anita Björk, que fue rechazada tras haberse quedado embarazada sin estar casada), pero a pesar de ser el recambio, Anne Baxter consigue dotar de cierta fragilidad a su personaje y manifestando la culpa de su pasado a cada momento.  Y pese a ser siempre secundaria, conseguía dar réplica a sus compañeros/as como en El cuarto mandamiento, El filo de la navaja, Eva al desnudo; y más adelante como Nefertari en la gran Los diez mandamientos.

Para finalizar, es cierto que esta película no se encuentra entre las grandes joyas del cine del maestro del suspense, pero no significa que sea una historia vacía y que no haga al espectador reflexionar; sino todo lo contrario hasta que punto el abuso de poder por parte de unos pocos, puede acabar destruyendo la vida de muchos.


Calificación personal: 7.7




viernes, 15 de diciembre de 2017

Una noche fuera de control (2017)



  • Título original: Rough Night
  • Año: 2017
  • Género: Comedia
  • Dirección: Lucia Aniello
  • Intérpretes: Scarlett Johansson, Zoe Kravitz, Kate McKinnon, Jillian Bell, Iliana Glazer, Ty Burrell, Demi Moore, Colton Haynes, Enrique Murciano, Dean Winters, Paul W. Downs.
  • Guión: Lucia Aniello, Paul W. Downs.
  • Música: Dominic Lewis
  • Fotografía: Sean Porter
  • Productora: Columbia Pictures, Sony Pictures Entertainment


SINOPSIS

Cinco amigas de la universidad, se reúnen 10 años después para la despedida de soltera de una de ellas. En el transcurso de la noche, contratan a un stripper que accidentalmente resulta muerto. Por lo que las cinco amigas tendrán que ingeniárselas para deshacerse del cadáver sin llamar la atención.


CRITICA

Cuando creo que he recuperado mi fe en el género de la comedia de que mejorará con el paso del tiempo, pero sigo en mis trece de que no hay un gran remedio para resucitarlo y que más tarde o más temprano nunca se recuperará. Y también hay que tener en cuenta que por cada comedia decente que sale, hay nueve con son una porquería y, los tráilers engañan bastante.

La historia parte de una premisa bastante cómica y que permite que se vayan desarrollando todo tipo de gags y de situaciones absurdas; pero en cada uno de los momentos es como si les costase arrancar y las situaciones graciosas no terminan de serlo ni causan ningún tipo de risa en el espectador. Mas bien, en algunos momentos de la película se van creando situaciones muy tediosas con conversaciones demasiado enrevesadas que al final no se sabe muy bien de que trata la película.

A pesar también de que las protagonistas tengan buena química entre ellas, las que llevan el peso cómico son Kate McKinnon y Jillian Bell y que por desgracia no acaban de lucirse del todo en sus papeles porque realmente no encajan muy bien en la historia. Lo que podría haber sido una película gamberra de mujeres, se ha convertido en un pequeño desastre, que no merece que se le dedique muchas más líneas en esta crítica.


Calificación personal: 3.7



La flor del mal (2002)




  • Título original: White Oleander
  • Año: 2002
  • Género: Drama
  • Dirección: Peter Kosminsky
  • Intérpretes: Alison Lohman, Robin Wright, Michelle Pfeiffer, Reneé Zellweger, Noah Wyle, Billy Conolly, Svetlana Efremova, Melissa McCarthy.
  • Guión: Mary Agnes Donoghue
  • Música: Thomas Newman
  • Fotografía: Elliot Davis
  • Vestuario: Susie Desanto
  • Montaje: Chris Ridsdale
  • Productora: Warner Bros Pictures, John Wells Productions


SINOPSIS

Astrid (Alison Lohman) vive en California con su madre Ingrid (Michelle Pfeiffer), hasta que ésta se enamora. Un día la madre de Astrid es acusada del asesinato de su amante y, se ve obligada a vivir en casas de acogida. Durante un tiempo, descubrirán nuevas cosas en la vida sin por ello, perder el contacto con su madre, a pesar de que ésta no se lo ponga nada fácil.



CRITICA

A simple vista, el espectador puede pensar que se va encontrar con un drama femenino (que en parte es así) pero también de alguna forma, reivindica la posición que deberían de tener las mujeres y el echo de que muchas de ellas siguen atrapadas en unos estereotipos donde las mujeres tienen que ser "sumisas" de alguna forma o, que necesitan un hombre en su vida para que ésta tenga sentido; lo que en cierto modo las acaba anulando. Tras esta pequeña introducción personal, vamos de lleno a la crítica de la película.

Desde un primer momento se nos muestra al espectador como el personaje de Ingrid es una mujer independiente que ha conseguido salir adelante criando a su hija y trabajando y, como la educa a Astrid para que sea capaz de valerse por si misma y que no es necesario un hombre. Pero cuando Ingrid muestra la "debilidad" de enamorarse, decide de alguna forma volver a recuperar esa independencia; y su forma de hacerlo es asesinando, sin pensar en que su hija se quedará sola pero aún así de alguna forma Ingrid, consigue el seguir controlando a su hija Astrid. Pero, ¿acaso Ingrid de alguna forma no está siguiendo el estereotipo, de algunos hombres controladores, de controlar a su hija, y no permitir que ésta sea capaz de tomar sus propias decisiones? A posteriori, Astrid le recriminará a su madre el tenerla siempre bajo control y no dejarle seguir con su vida.

Con esta premisa y desde mi punto de vista, el concepto de educar a los hijos está un poco distorsionado; puesto que se es demasiado duro y controlador, lo que provoca que muchas veces los hijos quieran su espacio o se quieran alejar de ellos. Por otro lado están los padres demasiado permisivos que cuando ven que es demasiado tarde para controlar a los hijos, lo más habitual son las amenazas. Porque, se debe de tener en cuenta una cosa: los hijos no son posesiones, ni objetos; son seres humanos a los que (si de verdad se les quiere) se les ayudará a ser buenas personas, a corregirlos y que puedan ser ellos mismos. Por eso, cuando Ingrid ve que Astrid de alguna forma está empezando a "pensar por si misma" y no la puede controlar, hace todo lo posible para que las madres de acogida empiecen a recelar de ella.

Hay un momento en la película que Astrid le dice a su madre: "este es el precio de pertenecerte" a lo que ella responde: "no irás a ninguna parte mientras yo no te deje". Ahí se demuestra claramente una posesión y Astrid no está dispuesta a sufrir y, ya le toca vivir su vida y no como su madre quiere. Porque como dice el refrán: "dime de lo que presumes y te diré de lo que careces" hace que muchas veces tengamos un miedo atroz a los cambios.

La película va mostrando momento en los que el desarrollo es demasiado lento, pero como contrapunto es que en algunos momentos, los diálogos muestran verdades como puños y la fragilidad muchas veces del ser humano. Y también, la película se resarce un poco con las grandes interpretaciones de todo el reparto femenino y como el peso de una película puede ser llevado sin ningún problema por mujeres.



Calificación personal: 6.3