Con faldas y a lo loco (1959)

• Título original: Some like it hot
• Año: 1959
• Género: Comedia
• Dirección: Billy Wilder
• Intérpretes: Jack Lemmon, Tony Curtis, Marilyn Monroe, George Raft, Pat O' Brien, Joe E. Brown, Nehemiah Pearson.
• Guión: Billy Wilder, I.A.L. Diamond
• Música: Adolph Deustch
• Fotografía: Charles Lang
• Montaje: Arthur P. Smith
• Vestuario: Orry Kelly
• Productora: Mirisch Company

SINOPSIS

Joe (Tony Curtis) y Jerry (Jack Lemmon) son dos músicos venidos a menos que por accidente presencian la "Matanza de San Valentín" en las cuál unos gángsteres matan a otros. Para huir de la ciudad, deciden infiltrarse en una banda de música formada solo por mujeres; para ello tendrán que aparentarlo.

CRITICA

Hoy en día no se hacen comedias como las de antes, ya que las situaciones graciosas o con chiste son aquellas en las que los actores actúan con bastante normalidad y dejan que todo fluya como si de una situación cotidiana se tratase.

Como sabrán mis lectores, sabrán que en las críticas de las comedias no me suelo extender mucho ni tampoco analizar el trasfondo, puesto que el objetivo de la misma es pasar un rato entretenido evadirse y es lo que realmente consigue esta película.

Desde el principio hasta el final, se van hilando las historias que van aconteciendo a los personajes masculinos y como se montan todas y cada una de las tetras para salir adelante huyendo de los mafiosos así como no se descubiertos en la banda de las chicas.

Aunque todos los actores sobresalen con nota en sus diferentes interpretaciones, el que destaca sin duda por encima del resto es Jack Lemmon, que le da una frescura divertida y agradable (sobre todo por la gesticulación) a su personaje que no le gusta ser mujer pero luego le encanta.

Cuando vi esta película, la verdad es que pasé un buen rato y son de esas películas clásicas (como tantas otras) que merece verla aunque sea una sola vez porque el espectador no saldrá para nada decepcionado y la recordará con gusto.

Calificación personal: 9 

Volver (2006)

• Dirección: Pedro Almodóvar
• Año: 2006
• Género: Drama, comedia
• Intérpretes: Penélope Cruz, Lola Dueñas, Blanca Portillo Yohana Cobo, Carmen Maura, Chus Lampreave, Neus Sanz, Pepa Aniorte, Antonio de la Torre, María Isabel Díaz, Yolanda Ramos.
• Guión: Pedro Almodóvar
• Montaje: José Salcedo
• Música: Alberto Iglesias
• Fotografía: José Luis Alcaine
• Productora: El Deseo S.A.

SINOPSIS

Raimunda (Penélope Cruz) y Soledad (Lola Dueñas) son dos hermanas que se acercan a su pueblo natal para limpiar la tumba de sus padres muertos en un incendio años atrás. Mientras tanto, ellas tienen que seguir con sus vida en Madrid y luchar con sus propios problemas y dilemas familiares.

CRITICA

Cuando los lectores veáis la calificación personal, puede ser algo exagerada pero (siempre desde mi humilde punto de vista) no solo ha entrado en la lista de mis diez películas favoritas, sino que también me parece una de las mejores películas que ha dado el cine español en las últimas décadas. Esto se debe a la autenticidad de los personajes, las situaciones cotidianas, la vida completamente normal que llevan las protagonistas y, sobre todo, que los personajes en su totalidad mujeres.

Se puede decir que el género en el cual se podría catalogar esta película, es un poco complicado, puesto que no llega a ser un drama demasiado profundo, ni tampoco una comedia constante; aunque si es verdad que en determinados momentos de la trama, tiene unos golpes buenísimos con las simplezas de las expresiones y de las situaciones.

Por otro lado, destacar la valía de la mujer en diferentes situaciones de la vida y en diferentes generaciones: la juventud que está más ensimismada en la tecnología y en el estar "conectado" en lugar de realizar tareas de la casa. La madre, trabajadora que está pendiente siempre de, no solo de las tareas domésticas, sino también de la preocupación para que la familia tenga un porvenir. Por último estaría la etapa de la vejez donde se adquieren unas determinadas costumbres o modos de vida de los que es difícil desprenderse; este aspecto se ve muy bien reflejado en la vida de las mujeres del pueblo, donde sus quehaceres diarios son ir al cementerio, comprar el pan, dar una vuelta por el pueblo e incluso cotillear.

Pero, dejando a un lado la vida de los pueblos, es necesario reseñar las relaciones familiares que se muestran en la película, sobre todo las que se establecen entre madres e hijas. En la película aparece claramente reflejado con las dos hermanas cuando recuerdan cuando su madre murió o el cariño y la ternura con la que tratan a su tía. Sobre todo, se nota las cosas que se han ido callando u ocultando con el paso del tiempo y han generado unas heridas imposibles de cicatrizar.

Desde mi punto de vista, todo el elenco protagonista muestra una completa y absoluta complicidad y como se han metido de lleno en sus personajes. La versatilidad que tienen también de dotar al mismo con una total naturalidad y sencillez. Sobre todo, destaco el papel de Penélope Cruz que para mí hace la mejor interpretación de toda su carrera, por todo lo que he comentado anteriormente sobre el papel de las protagonistas. También por la fuerza que le da en los momentos de mayor desasosiego y como le imprime carácter a una mujer que ha pasado por muchas penurias.

Yo creo que todo buen amante del cine que se precie debe de ver esta película, no solo por ser española y mostrar lo más profundo de España, sino porque lo que transmite es tan sencillo, cotidiano y con poder, que la hacen una verdadera delicia.

Calificación personal: 10

Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988)

• Dirección: Pedro Almodóvar
• Año: 1988
• Género: Comedia
• Intérpretes: Carmen Maura, María Barranco, Antonio Banderas, Rossy de Palma, Fernando Guillén, Julieta Serrano, Kiti Mánver, Guillermo Montesinos, Chus Lampreave, Loles León.
• Guión: Pedro Almodóvar
• Montaje: José Salcedo
• Música: Bernardo Bonezzi
• Vestuario: José María Cossío
• Sonido: Guilles Ortió
• Maquillaje: Gregorio Ros
• Productora: El Deseo S.A

SINOPSIS

Pepa (Carmen Maura) es abandonada por su amante Iván (Fernando Guillén) la abandona sin ninguna explicación y ella está decidida a encontrarle para darle una noticia, pero todo se va complicando cuando su mejor amiga llega para esconderse de la policía y, cuando el hijo de su amante va a ver el piso de Pepa para alquilárselo.

CRITICA  

Mirando a la película desde este año presente, han pasado ya treinta años desde que se estrenase y aunque no lo parezca, el tiempo no pasa por esta historia. A muchos les puede parecer una comedia simplona y sin sentido y que el guión no se sustenta sobre ningún tipo de base; pero la verdad es que es todo lo contrario, puesto que la cantidad de problemas que se le van acumulando a la protagonista, le hace olvidarse del recado importante que tiene que darle a su ex amante.

Por otro lado, destaca las situaciones de cada uno de los personajes que se van juntando en casa de Pepa los cuales piensan que sus problemas son los más importantes y donde cada uno se va metiendo en la vida del otro. Todo esto ocurre en un único escenario que es la casa de la protagonista.

Al inicio de la película se muestra todo en la vida de la protagonista como algo trágico y sin casi solución pero, cuando van aconteciendo los problemas de los demás, la única que permanece cuerda y cabal es Pepa a pesar de su "infelicidad", para que al final de la película se termine con un homenaje de valor a todas las mujeres.

He de reconocer que me quedo un poco corta de palabras para esta película de Pedro Almodóvar, puesto que eran de sus inicios y por aquel entonces yo no había nacido y este estilo (el de comedia negra) me es muy difícil a veces de entender. Pero al final, resulta ser una película amable, divertida y agradable a la vista y donde todos los actores, realizan grandes interpretaciones.

Calificación personal: 7

Gringo: Se busca vivo o muerto (2018)

• Título original: Gringo
• Año: 2018
• Género: Comedia
• Dirección: Nash Edgerton
• Intérpretes: David Oyelowo, Charlize Theron, Joel Edgerton, Amanda Seyfried, Thandie Newton, Sharlto Coplay, Michael Arangano, Yul Vazquez, Paris Jckson.
• Guión: Matthew Stone, Anthony Tambakis.
• Música: Christophe Beck
• Fotografía: Eduard Grau
• Productora: Amazon video, Blue-Tongue Films.

SINOPSIS

Harold Soyinka (David Oyelowo) trabaja para una farmacéutica como supervisor de la planta de producción en México. Cuando realiza un viaje junto a sus jefes para revisar la fábrica, se verá envuelto en una ola de disparatadas situaciones.

CRITICA

Desde mi punto de vista, Hollywood sabe vender muy bien sus productos con los trailers que realiza sobre sus películas, así genera una mayor expectación e interés en el espectador. Claro está, que muchas veces cuando se va a ver el resultado final, acaba por decepcionar.

Creo que seré un tanto breve en lo que corresponde a esta crítica puesto que (como suele ocurrirme con muchas películas) tenía puestas las esperanzas en una comedia que me entretuviese pero, esa sensación se fue diluyendo a medida que iba avanzando el film. Por otro lado, creo que ha podido ser mi sensación, que han intentado hacer una película muy al estilo de Quentin Tarantino, y el guión no ha sido muy bien enfocado.

La película parte de una premisa sencilla, la cual es fácil de que el espectador se guíe por ella, pero a medida que avanza la historia, aparecen subtramas que dejan a la historia con poca consistencia o para rellenar esas lagunas de la película (como la historia del personaje de Amanda Seyfried) al igual que determinados diálogos que hacen que la historia se alargue más de lo necesario.

Lo más reseñable que podría comentar sobre la película es el personaje de David Oyelowo, que cambia con mucha versatilidad las situaciones dramáticas por las cómicas y que realmente es lo que hace que realmente el espectador se quede pegado a la pantalla. Para terminar, hay mejores comedias para pasar un buen rato.

Calificación personal: 3

Alma en suplicio (1945)

• Título original: Mildred Pierce
• Año: 1945
• Género: Drama
• Dirección: Michael Curtiz
• Intérpretes: Joan Crawoford, Jack Carson, Zachary Scott, Ann Blyth, Eve Arden, Bruce Bennett, George Tobias
• Guión: Randall MacDugall, Catherine Turney
• Música: Max Steiner
• Fotografía: Ernest Haller
• Montaje: David Weisbart
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

Tras el divorcio de su marido, Mildred (Joan Crawford) necesita salir adelante con tal de que a sus hijas nos les falte de nada, sobre todo a su hija mayor Veda (Ann Blyht) de la que sufre un gran desprecio. En estas circunstancias complicadas, Mildred tendrá que enfrentarse a muchos frentes que se le van abriendo.

CRITICA

Lo primero es que rindo mi pleitesía a los pies de la gran Joan Crawford que (desde mi punto de vista) realizó uno de los mejores trabajos de su carrera y que podría haber lucido mucho más si su temperamento no se hubiese interpuesto por delante en muchos de sus proyectos. Pero centrándonos en lo que corresponde, ésta película tiene mucho que desgranar.

Lo mejor es empezar por el principio, donde se ve que el matrimonio de Mildred hace aguas desde hace mucho tiempo porque al nacer sus hijas, el centro de su existencia son ellas y lo que ocurre es que el marido se siente desplazado pero, no porque no quiera a sus hijas, sino porque Mildred no sabe distinguir lo que es el amor de lo que es consentir, sobre todo a su hija mayor Veda. Por lo que él, a pesar de seguir enamorado de Mildred, decide seguir su vida hacia delante.

Lo segundo, es que cuando Mildred se ve sola y sin dinero recurre a la búsqueda de trabajo, pero claro lo que encuentra es solo de camarera que para ella no es una deshonra sino que sus hijas se enteren como consigue el dinero, sobre todo porque quiere darles un estilo de vida social alto pero, Veda no está contenta con las decisiones que toma su madre para su "propia felicidad". Eso a Mildred de alguna forma también la desubica porque quiere a su hija con toda su alma pero piensa, que ese amor tiene que transformarse también de alguna forma en un aspecto material y por ello le concede a Veda todo tipo de caprichos así como cualquier falta de educación o cualquier mala contestación aunque suponga herirla. Porque antes está su hija que ella. Y en este caso, querido lector no hay que equivocarse, hay que dedicarse a los hijos, pero también los padres se deben de dedicar algo de tiempo a sí mismos en incluso en la relación de pareja para que ésta no decaiga.

Cuando las cosas le van yendo mejor a Mildred, de repente Veda empieza a querer más a su madre y a tratarla con cariño y ha decirle muchas veces "te quiero". Pero cuando algo en su maravillosa vida se vuelve a torcer, otra vez su madre no la quiere y Mildred ve la "infelicidad" de su hija y vuelve a ceder. Si encima a la hija, se le añade el segundo marido de ella que (textualmente dice) "prefiere ser un rico vago" y vivir de las rentas de su mujer. Por lo que a medida que avanza la película se puede observar como la protagonista está totalmente cegada por una situación que ella misma ha creado y que le impide disfrutar del éxito que ha cosechado e incluso de la otra parte de su familia que dejó atrás por mimar demasiado a la hija mayor.

Me gustaría seguir haciendo una crítica más extensa de esta película puesto que (como ya he comentado antes) se puede desgranar aún más pero creo que me metería demasiado en los detalles e incluso podría hacer unos cuantos Spoilers y no me gustaría para nada.

Para concluir, es una película francamente excepcional, donde la historia gira en torno a flashbacks con momentos del presente y con todo detalle para que el espectador no se lo pierda. Además de que salen todas series de sentimientos así como de pretensiones por parte de los diferentes personajes y sin embargo, Mildred aguanta todos los embistes. Recomiendo su visualización y que el espectador esté atento de todo lo que ocurre porque de verdad, no se va a arrepentir.

Calificación personal: 9.5

Cayo Largo (1948)

• Título original: Key Largo
• Año: 1948
• Género: Drama, suspense
• Dirección: John Huston
• Intérpretes: Humphrey Bogar, Edward G. Robinson, Lauren Bacall, Lionel Barrymore, Claire Trevor, Harry Lewis, Marc Lawrence, Thomas Gómez, John Rodney, Dan Seymour, Monte Blue.
• Guión: John Huston, Richard Brooks
• Música: Maz Steiner
• Fotografía: Karl Freund
• Montaje: Rudi Fehr
• Vestuario: Leah Rhodes
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

Frank McCloud (Humphrey Bogart) es un ex militar del ejército que viaja a Cayo Largo en Florida para visitar al padre (Lionel Barrymore) y a la viuda (Lauren Bacall) de un compañero muerto en combate. Su estancia se complica puesto que en el hotel se han aposentado una banda de gángsters que les toma como rehenes durante un huracán

CRITICA

Las películas de cine negro de los años cuarenta y cincuenta supusieron un buen salvavidas para una de las épocas doradas de Hollywood. En el caso de esta película lo que logra que el espectador se mantenga hipnotizado por la trama es que la misma se desarrolla casi en su totalidad en un único lugar lo que acaba creando una atmósfera de tensión.

Por otro lado consigue que de todos los personajes afloren sus caracteres y sus sentimientos más profundos e incluso las debilidades y los temores que les acechan a cada uno. Por eso, la clave de la película está en el desarrollo psicológico que tienen los personajes, puesto que se ven obligados a rescatar episodios del pasado, fragmentos que los han hecho ser lo que hoy son, y en ese contraste sacan todo el brillo las magníficas interpretaciones de todos los actores que hacen que el espectador se debata entre distintos sentimientos.

Poco a poco se va generando una atmósfera claustrofóbica va aumentando con la aparición del huracán y los estragos que va haciendo; así como en momentos cúlmen entre los diferentes diálogos, el fenómeno de la naturaleza actúa para irrumpir de golpe en el hotel y así generar un punto más de tensión entre los rehenes y los gágnsteres.

El guión está bien escrito y los actores lo llevan por el buen camino de la interpretación (aunque Humphrey Bogart carece de expresiones faciales muchas veces), así como momentos destacados como la bofetada del mafioso al ex militar, hacen que esta película se recuerde pasados los años.

Calificación personal: 7

Agnes de Dios (1985)

• Título original: Agnes of God
• Año: 1985
• Género: Drama
• Dirección: Norman Jewison
• Intérpretes: Jane Fonda, Anne Bancroft, Meg Tilly, Anne Pitionak, Winston Rekert, Gratiens Gélinas, Janine Fluit.
• Guión: John Pielmier
• Música: George Delerue
• Montaje: Antony Gibbs
• Fotografía: Sven Nykvist
• Productora: Columbia Pictures

SINOPSIS

En un convento de monjas católicas cercano a Montreal la hermana Agnes (Meg Tilly) da a luz y dice que Dios la ha visitado y después, el bebé muere. La psiquiatra Livingston (Jane Fonda) acude para ayudar a la joven monja a la par que se van descubriendo lo que ocurre en ese convento.

CRITICA

A primera vista el argumento que se le plantea al espectador es muy tentador, puesto que el objetivo principal es averiguar como la novicia de un convento se quedó embarazada y quién asesinó al bebé. Hasta ahí hay un suspense muy tentador, pero a medida que la historia se va desarrollando, su propio argumento no se sostiene. Pero cabe destacar la transformación que van sufriendo los personajes a lo largo de toda la trama.

Por un lado está la psiquiatra que no oculta su animadversión hacia la Iglesia Católica por algo que ocurrió en su pasado, pero poco a poco se va viendo el cambio de actitud que va teniendo al intentar ayudar a la novicia e incluso la "pequeña amistad" que entabla con la madre superiora puesto que su fin no es sólo dictaminar si la joven está cuerda o no, sino también poder ayudarla.

Por otro lado aparece la madre superiora que, aunque reacia al principio, decide que la psiquiatra pueda ayudar a la joven Agnes, pero a la vez presenta sus reservas para mostrarle el mundo que tiene a su alrededor porque piensa, que la joven ha recibido un don de Dios al haber sido escogida por Él. Ya que según la madre superiora, la novicia ha sido tocada con la Gracia de Dios y no sabe explicar la aparición y posterior muerte del bebé, lo que en determinadas ocasiones tiene algunos enfrentamientos con la doctora Livingston.

Y, como apoteosis final a este triángulo, está la joven Agnes, la cual es la única que de alguna forma puede explicar lo que realmente ocurrió pero no puede hacerlo, porque se siente embriagada del amor de Dios, así como su pasado con su madre no para de atormentarla y de lo que intenta huir en cada conversación que tiene con la doctora Livingston.

Después de todo, no se sabe muy bien cual es el propósito principal de la historia ya que (desde mi punto de vista) el resultado es un tanto desagradable por la forma en la que se tratan esos aspectos místicos. Lo que si cabe destacar es el momento gracioso en el que la madre superiora y la psiquiatra empiezan a imaginarse que es lo que fumarían los santos en sus épocas.

Por otro lado hay que destacar las interpretaciones espectaculares de grandes mitos del cine como son Jane Fonda y la gran Anne Bancroft (a la que generalmente todo el mundo recuerda solo por su actuación en El graduado) y la joven Meg Tilly que sabe llevar la voz cantante en el modo espiritual de la novicia. Desde mi punto de vista, estas grandes actrices tienen otras grandes películas.

Calificación personal: 6

El crepúsculo de los dioses (1950)

• Título original: Sunset Boulevard
• Año: 1950
• Género: Suspense
• Dirección: Billy Wilder
• Intérpretes: William Holdem, Gloria Swanson, Erich Von Stroheim, Nancy Olson, Fred Clark, Jack Webb, Cecil B. DeMille.
• Guión: Billy Wilder, Charles Brackett, D.M. Marshman Jr
• Música: Franz Waxman
• Fotografía: John F. Steiz
• Montaje: Doane Harrison, Arthur P. Smith
• Vestuario: Edith Head
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

El guionista de Hollywood Joe Gillis (William Holden) se encuentra sin inspiración para escribir guiones y ninguna de las productoras de Los Angeles se los compra. Un día, su coche tiene una avería y lo aparca en el garaje de los que parece una mansión abandonada. Pero realmente no está del todo abandonada, sino que ella se recluye una antigua actriz del cine mudo: Norma Desmond (Gloria Swanson).

CRITICA

Lo primero de todo y para no demorarnos mucho más, hay que dejar de lado la traducción del título de la película al español, que ya sabemos que no tiene nada que ver. Habiendo pasado por encima este punto, es la película que mejor refleja tanto lo peor como lo mejor de Hollywood abordando las distintas profesiones que allí se realizan.

Por el lado de la protagonista, Norma Desmond, se ve que ha sido una vieja gloria del pasado del cine mudo y que Hollywood ya no la tiene en cuenta y además, ella no se ha adaptado tampoco al cambio del cine mudo al sonoro, viviendo completamente aislada del mundo y pensando que el tiempo no ha cambiado (aunque en cierto modo ella lo sabe pero pretende ignorar y seguir viviendo en su burbuja de autoengaño) y que todo es una película constante en su vida, hasta que aparece el guionista frustado Joe Gillis, que de alguna forma pasa a convertirse en un pequeño "vínculo" con el mundo real; pero el no sabe si seguir con su vida o dejar que Norma le siga manejando. Lo que lleva analizar la figura de Gillis, cuyos guiones han perdido la calidad de antes y encuentra una cierta estabilidad con la vieja estrella, hasta que encuentra la oportunidad no solo de relanzar su carrera sino de encarrilar también su vida.

La verdad es que es un espléndido y mítico filme con el que su director reflexiona, de manera cínica y sombría, sobre la propia industria cinematográfica de Hollywood: fábrica de sueños, pero también de historia tan sórdidas y desgarradoras como la que se nos presenta.

A caballo entre el género negro, el drama psicológico e incluso el cine de terror, se encuentra el brillante guión escrito por el propio Wilder, Charles Brackett  D.M. Marhman Jr.,al que solo cabe reprochar la inclusión de una insípida subtrama (como si fuera un McGuffin) amorosa carente de fuerza (entre los personajes de Holden y Olson) que resta una historia perfecta.

En gran parte se comentó que la película era un reflejo de la propia Gloria Swanson cuando el cine mudo dio paso al cine sonoro y ella decidió alejarse, puesto que las películas habían perdido toda la fuerza que la caracterizaba y que gracias a esta película, su carrera volvió a despegar. Aunque muchos de su compañeros de la época del cine mudo, le reprochaban a la actriz que interpretase a alguien del cine antiguo de esa manera.

En definitiva y para cerrar un poco el tema (porque sino haré algún spoiler, y eso no me gusta) es una de las mejores películas del cine clásico que he visto por el momento con una gran trama argumental y con unas interpretaciones que transmiten un gran poderío y que enganchan al espectador desde el primer minuto hasta el último. Creo, que es una película imprescindible y que además por ella nunca pasarán los años porque lo que refleja es lo que ocurre (en cierto modo) en la actualidad.

Calificación personal: 9.5

Bonnie y Clyde (1967)

• Título original: Bonnie & Clyde
• Dirección: Arthur Penn
• Año: 1967
• Género: Drama, gángsters, historias reales
• Intérpretes: Warren Beatty, Fane Dunaway, Gene Hackman, Estelle Parsons, Michael J. Pollard, Denver Pyle, Dub Taylor, Gene Wilder, Evans Evans.
• Guión: David Newman, Robert Benton
• Música: Charles Strouse
• Fotografía: Burnett Guffey
• Montaje: Dede Allen
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

Clyde Barrow (Warren Beatty) un atracador de bancos de poca monta acaba de salir de prisión y vuelve a asaltar bancos en plena depresión cuando conoce a Bonnie Parker (Faye Dunaway). Juntos protagonizan una escalada de asaltos y de asesinatos, dejando tras de sí una estela de violencia y sangre.

CRITICA

Durante la época de la gran depresión americana surgieron de las partes más profundas y deprimidas de Estados Unidos de América dos tipos de personas: los que lo habían perdido todo y que vivían como podían y, aquellos que resignados con los bancos ya que fueron los culpables de la pobreza de la gente, se dedicaron a robaron bancos. De ahí nacieron dos de los mitos a los que da nombre la película y más tarde el famoso John Dillinger.

En el estreno de la película, ésta fue vapuleada por la crítica por mostrar el lado deprimido de Estados Unidos y porque de una forma un tanto gráfica, se reflejaba tanta violencia directa al igual que la sangre; rompiendo con las normas vigentes que había en el cine americano donde no se debía de mostrar nada de sexo y ningún tipo de violencia gratuita.

Desde el principio esta película se mueve entre la comedia y el drama. Es obvio que en lo segundo es debido al acontecimiento de los robos y los asesinatos y por el momento onírico en el que Bonnie quiere volver a reencontrarse con su madre, donde ese aspecto de suciedad se consiguió colocando una mosquitera en la lente de la cámara. Por otro lado, se mueve en la comedia por determinadas situaciones hilarantes de los personajes como el aparcamiento el coche durante el atraco, atracar un banco que quebró hace tiempo, etcétera.

Por otro lado hay una tendencia claramente sexual que se ve reflejada desde el principio, cuando Bonnie seduce a Clyde semidesnuda y por otro lado la impotencia que muestra Clyde, porque no le interesan las mujeres pero tampoco los hombres. Pero esa impotencia se transforma en virilidad en cada momento en el que coge un arma y lo hace con cierta seguridad para que no se le noten esas "carencias físicas" y que claramente hacían que la relación entre ambos desde un principio estuviese abocada al fracaso. Además, muchas veces Bonnie "predecía" cual sería el final de los dos.

Ante todo no es la típica película americana en la que se ensalzan ciertos valores, sino todo lo contrario. Es cierto también que en ciertos momentos, la película decae un poco en su estilo narrativo, pero permite al espectador seguir la vida de esta peculiar pareja que tuvo en jaque a la policía durante tres años.

Calificación personal: 6.5

Todo sobre mi madre (1999)

• Dirección: Pedro Almodóvar
• Año: 1999
• Género: Drama
• Intérpretes: Cecilia Roth, Marisa Paredes, Penélope Cruz, Antonia San Juan, Rosa María Sardá, Candela Peña, Fernando Fernán Gómez, Eloy Azorín, Carlos Lozano, Toni Cantó.
• Guión: Pedro Almodóvar
• Música: Alberto Iglesias
• Fotografía: Affonso Beato
• Montaje: José Salcedo
• Maquillaje: Jorge Hernández, Juan Pablo Hernández.
• Vestuario: José María del Cossío, Biana Diageler
• Productora: El Deseo S.A., Via Digital, France 2 Cinéma, Renn Productos.

SINOPSIS

Manuela (Cecilia Roth) tras la muerte de su hijo debido a un accidente, decide volver a Barcelona a arreglar un asunto familiar. Al final, su vuelta se convierte en conocer mujeres con diversos problemas que se unirán entre ellas para poder afrontarlos.

CRITICA

Decir que Todo sobre mi madre es la mejor película del cine español sería un poco arriesgado y atrevido, pero si puedo decir desde mi punto de vista personal que es una de las mejores que he visto (española) en mucho tiempo a pesar de que casi hayan pasado veinte años desde que se estrenase.

Hay mucho que desgranar de esta película, desde todos los papeles femeninos y lo que hace que al final sus vidas se entrelacen y acaben teniendo incluso puntos en común mostrando el valor de la mujer y el papel referente que tiene en la sociedad.

Por un lado está Manuela (interpretada por una magistral e increíble Cecilia Roth) que tras la muerte de su hijo, intenta dejar su vida pasada en Madrid y volver a Barcelona para reencontrarse con alguien a quien todo el mundo llama "La Lola" y que está relacionada directamente con una joven monja llamada Rosa (una jovencísima Penélope Cruz) que ayuda a las personas que se encuentran en riesgo de exclusión social como Agrado (Antonia San Juan), que a su vez es una vieja amiga de Manuela antes de que ella se marchase de Barcelona. En todo esta situación, Manuela intenta encontrar a un culpable de la muerte de su hijo por medio de la actriz Huma Rojo (la gran Marisa Paredes), la cuál saca su humanidad y consigue dejar de lado esa careta de diva del teatro.

Con esta situación de los personajes el director y guionista Pedro Almodóvar (es uno de los grandes cineastas de la actualidad) nos muestra las heridas y el dolor de diferentes mujeres con su pasado, su presente y su futuro; además de cómo esos tormentos internos hacen que los lazos entre las diferentes mujeres sea muy fuerte y que por mucho que intenten mirar a otro lado ante una situación ajena, la bondad no desaparece a pesar de sus propios dramas.

Por otro lado, también intenta reflejar la relación (a veces complicada) entre una madre y una hija pero sobre todo, como las dificultades pueden ser superadas ante todo por el amor materno filial y como, gente que no ha tenido el amor de una madre o de alguien que les quisiera un ápice consiguen encontrarlo a través de amistades hermosas. Por eso el personaje de Agrado siempre dice: "¿Sabes por qué me llaman Agrado? Porque siempre he sentido que tengo que hacerle la vida más agradable a los demás".

Para finalizar, esta película ha pasado ha ser una de mis favoritas y sin lugar a dudas una de las mejores película del director manchego que sabe retratar de manera casi infalible a la mujer fuerte y a la vez herida pero ante todo luchadora. No dejen de verla si tienen oportunidad.

Calificación personal: 9

Reinas (2005)

• Dirección: Manuel Gómez Pereira
• Año: 2005
• Género: Comedia
• Intérpretes: Carmen Maura, Marisa Paredes, Verónica Forqué, Mercedes Sampietro, Hugo Silva, Unax Ugalde, Gustavo Salmerón, Paco León, Raúl Jimémez, Lluís Homar, Tito Valverde, Betiana Blum, Daniel Hendler, Ginés García Millán.
• Guión: Yolanda García Serrano, Joaquín Oristrell, Manuel Gómez Pereira
• Música: Bingen Mendizábal
• Fotografía: Juan Amorós
• Montaje: José Salcedo

SINOPSIS

Tras la aprobación en España que autoriza los matrimonios homosexuales, cinco parejas se ven en diferentes situaciones de enredo para ser los primeros en casarse. Eso sí, las madres de todos ellos serán las causantes de las diferentes situaciones.

CRITICA

De igual forma que muchas veces me desagradan (o no me acaban de convencer) ciertas películas de otros países (pero más las americanas), el tema que usa la película sobre los matrimonios homosexuales, al final se acaba convirtiendo en una parodia un tanto excéntrica donde hay cabida para los chistes fáciles.

Por otro lado tiene un buen punto a nivel interpretativo puesto que el elenco es muy variado ya que aparecen grandes actrices del cine español mezclado con jóvenes estrellas que por aquel momento estaban dando un empuje a sus carreras.

La verdad es que hasta el momento (no me ha pasado con ninguna crítica) me quedo totalmente sin palabras para poder comentar puesto que me ha parecido una película bastante insípida, sin un hilo argumental cerrado del todo, a pesar que las historias de las parejas y de las madres se entrelazan no acaba de tener el punto cómico necesario como para recomendarla.

Calificación personal: 5

Gia (1998)

• Dirección: Michael Cristofer
• Año: 1998
• Género: Drama, historias reales
• Intérpretes: Angelina Jolie, Elizabeth Mitchell, Eric Michael Cole, Mercedes Ruehl, Faye Dunaway, Scott Cohen, Joe Basile, Rick Batalla.
• Guión: Michael Cristofer, Jay McInerney
• Música: Terence Blanchard
• Fotografía: Rodrigo García Barcha
• Productora: HBO Films

SINOPSIS

Gia Marie Caragni (Angelina Jolie) es una joven rebelde de Filadelfia que es descubierta por unos fotógrafos de moda que la invitan a Nueva York para realizar una sesión de fotos. Su naturalidad a la hora de posar la hacen una de las modelos más cotizadas de los años 70. Pero su trágico final marcado por las drogas harán que todo el mundo la rechace.

CRITICA

Siempre subrayo en las películas basadas en hechos reales, no sólo el interés (el término más apropiado sería morbo) sino también el trasfondo que suele haber en este tipo de historias y si le añadimos el aliciente de ser la primera modelo reconocida a nivel mundial que triunfó en el mundo de la moda. Pero al empezar tan joven unido a sus traumas familiares y las drogas, su vida tuvo un trágico final.

Al principio de la película se ve claramente como el abandono de su madre (aunque es más directamente hacia su padre) es algo que le marca profundamente ya que estaba muy unida a ella y eso le deja graves secuelas que se ven reflejadas en un comportamiento más desinhibido no solo a nivel sexual sino también a nivel afectivo, ya que busca el cariño/amor de alguien por algún medio. Esa desinhibición la lleva al mundo de la moda donde es admirada y siente "amor" por todos aquellos que la rodean, pero en realidad están tapando una serie de carencias emocionales.

Dentro de esas carencias destaca la bisexualidad abierta y su forma de mantener el glamour que la caracterizaba a través de las drogas. Pero sobre todo se fue yendo a más en las drogas cuando su protectora fallece, puesto que era la única que no solo veía su potencial como modelo sino también la cuidaba para que la moda y todo lo que la rodeaba no la devorase. Por lo que Gia creó unos lazos "maternos-filiales" que no eran del todo reales puesto que no era su verdadera madre.

Por otro lado ella siente (se ve muy bien reflejado en su carácter) cómo intenta empezar de cero al volver a contactar con su madre, intentar tener una relación con una maquilladora, aunque esta sabe que su destino si está ligado al de Gia, acaba siendo su destrucción. En un momento de la película, un fotógrafo le dice: "Esto no es el Cielo, no tienes que ser perfecta", que es muchas veces lo que nos quiere vender la sociedad en todos los ámbitos de la vida.

Desde mi punto de vista, no es el biopic que más me ha llamado la atención pero si he conocido la vida de este personaje público que murió de sida (uno de los primeros casos de mujeres que se diagnosticaron al principio de la aparición de la enfermedad) y también ver a Angelina Jolie posiblemente en unos de los mejores papeles de su carrera.

Calificación personal: 7

Nightcrawler (2014)

• Dirección: Dan Gilroy.
• Año: 2014.
• Género: Thriller. 
• Interpretación: Jake Gyllenhaal, Rene Russo, Bill Paxton, Riz Ahmed.
• Guión: Dan Gilroy
• Producción: Jennifer Fox, Tony Gilroy, Jake Gyllenhaal, David Lancaster y Michel Litvak. 
• Música:James Newton Howard. 
• Fotografía: Robert Elswit. 
• Distribuidora: Filmax. 

SINOPSIS

Louis Bloom (Jake Gyllenhaal) es un joven sin empleo ni escrúpulos que decide adentrarse en el mundo del periodismo sensacionalista tras ser testigo de un brutal accidente. Los “nightcrawlers” (merodeadores nocturnos) son la versión televisiva de los paparazzi de las revistas: armados con videocámaras, conducen a toda velocidad por las calles de Los Ángeles escaneando emisoras de emergencias y aparecen rápidamente en escenas del crimen, accidentes de tráfico e incendios para captar imágenes que luego venderán a las televisiones.

CRITICA

En un principio, cuando el espectador ve esta película, una de las preguntas que se puede plantear es: ¿qué es lo que realmente estoy viendo?, ¿adónde se quiere llegar con esta historia? Aunque no lo parezca, las respuestas a estas dos preguntas son sencillas: ver lo más rastrero del ser humano y las líneas que somos capaces de cruzar con el fin de obtener algo de nuestro interés.

A eso es a lo que se ciñe el personaje cuando le dicen: "si hay sangre, es titular". Con esta pequeña premisa parte el protagonista para adentrarse en un mundo en el que la escrupulosidad no tiene cabida en ese tipo de trabajo con tal de obtener una exclusiva, lo que acaba derivando en un thriller muy visceral e incómodo y que lo que vende muchas veces es la violencia en un acto.

El personaje principal se muestra al principio como alguien perturbado que no encuentra su ubicación en la ciudad en la que vive, donde pasa de robar materiales y/o objetos a vender cintar con asesinatos, accidentes y todo tipo de acción violenta que se pueda terciar. De echo hay varios momentos en la película en los cuáles (sin hacer spoiler) el personaje se ve tan ávido por conseguir una buena toma, que es capaz de hacer cualquier cosa.

Desde el principio plantea ese dilema moral que acaba teniendo todo ser humano, cuando cruzo la línea y dónde comienza mi libertad y termina la del otro. Eso tiene una respuesta clara y es que en el momento en el cual uno quiera hacer daño a otro, se sobrepasa cualquier barrera y la falta de moral es algo que sale a la superficie.

Desde mi punto de vista, cada accidente y/o asesinato que se graba nos sugiere algo sobre la personalidad del personaje principal, como por ejemplo cuáles son sus ambiciones, qué es lo que realmente busca si vivir de ello o ser famoso o incluso dejar de ver a los que tienes enfrente como personas y verles como simples objetos.

La interpretación de Jake Gyllenhaal me parece sublime ya que en su rostro se va mostrando las diferentes "personalidades" que le van abordando y cómo reacciona ante las situaciones en las que se puede sentir atacado como en aquellas en las que tiene la sartén por el mango. Es una pena que esta película pasase sin pena ni gloria por los cine españoles y que en determinados premios se olvidasen de diferentes categorías y que una buena película se forja a partir de un buen guión. La recomiendo encarecidamente, además de decir que ha conseguido revitalizar el género del thriller que estaba también un poco en capa caída.

Calificación personal: 9

El gran desmadre (Malas madres 2) (2017)

• Título original: A Bad Moms Christmas
• Año: 2017
• Género: Comedia
• Dirección: Jon Lucas, Scott Moore
• Intérpretes: Mila Kunis, Kristen Bell, Kathryn Hahn, Cheryl Hines, Christine Baranski, Susan Sarandon, Jay Hernandez, Justin Hartely, Peter Gallagher, Wanda Sykes.
• Guión: Jon Lucas, Scott Moore
• Música: Christopher Lennertz
• Fotografía: Mitchell Amudsen
• Productora: STX Entertainment, Huayi Brothers

SINOPSIS

Amy, Kiki y Carla, madres poco convencionales tienen que arreglárselas para realizar todas las tareas de las fiestas de Navidad, sin tiempo para ellas. Pero con lo que no contaba cada una es que recibirán la visita inesperada de sus madres.

CRITICA

He de reconocer, que muy pocas veces tanto los trailers como las secuelas de una película me hacen pasar un rato entretenido (porque el género de ésta es una comedia) y aunque no lo parezca tiene también un fondo a medida que se va acercando el desenlace. A la vez, también critica la forma en la que se viven estas fiestas en la actualidad.

Hoy en día, cuando se acercan las navidades todo el mundo se vuelve loco porque necesita hacer un montón de comida, comprar una gran cantidad de regalos, comer hasta reventar... Pero lo que realmente le da sentido a estas fechas es hacer todo eso de forma más reducida y al final estar con la familia pasando momentos alegres y divertidos para recordar sin tanta parafernalia.

Por otro lado está el papel de las madres, que "invaden" el hogar y les indican a sus hijos como deben de cocinar,  como colocar los adornos, incluso llegar a implantar sus propias convicciones y formas de preparar las fiestas. Cuando realmente su papel se limita a disfrutar de sus hijos, de sus nietos y del resto de la familia.

Puede ocurrirle al lector, que a la hora de leer la crítica se pregunte realmente donde se encuentra el fondo de la película: es el momento en el que las madres les piden perdón a sus respectivas hijas por haber invadido parte de su vida familiar y luego también las hijas, que saben reconocer que a pesar de todo no pueden eliminarlas de su vida de la noche a la mañana y que gracias a ellas, siempre han podido disfrutar de unas navidades y de su cariño.

Por lo general, el reparto de los dos tríos de madres tienen su puntazo (aunque no entiendo porqué nominaron a Susan Sarandon a un Razzie a la peor actriz de reparto) que hacen que la película no tenga prácticamente bajones y no pares de reírte todo el tiempo. Para pasar un día tranquilo con amigos y/o sin ningún plan, esta es la película adecuada.

Calificación personal: 8

Mamma mia: Una y otra vez (2018)

• Título original: Mamma Mia! Here We Go Again
• Año: 2018
• Género: Musical
• Dirección: Ol Parker
• Intérpretes: Amanda Seyfried, Lily James, Julie Walters, Christine Baranski, Pierce Brosnan, Colin Firth, Andy Garcia, Stellan Skargarg, Dominic Cooper, Jeremy Irvine, Cher, Meryl Streep.
• Guión: Ol Parker
• Música: Ann Dudley
• Fotografía: Robert Yeoman
• Montaje: Peter Lambert
• Productora: Playtone, Littlestar productions, Lgendary entertainment.

SINOPSIS

Sophie (Amanda Seyfried) decide remodelar el hotel de su madre y para ello contará con la ayuda de las Dynamos, de sus tres padres y de su prometido sky. Hasta que un vendabal se lleva por delante toda la inauguración. Para animar a Sophie, le contarán de cómo su madre salió adelante.

CRITICA

Han tenido que pasar diez años (¡por fin!) para ver una de las secuelas más esperadas. A pesar de no tener un aire tan fresco como la primera parte, si que es cierto que se repiten algunas de las canciones de la película primigenia así como nuevas canciones que van sobreponiendo imágenes de la juventud de Donna con el presente de Sophie.

Cómo no podía faltar en esta segunda parte, el toque cómico está presente gracias a las Dynamos y a los "tres" padres peculiares de la protagonista. Es cierto que el público está un poco dividido con respecto a esta secuela, porque pretendían que fuera mucho más alegre que la primera y que además no fuese demasiado melancólica, ya que no concuerda con el espíritu de ABBA; además de que una de las esencias principales de la primera parte, está ausente en esta.

Pero no hay que quitar para nada de mérito a la actriz que interprete a Donna de joven, ya que lo hace con alegría y entusiasmo para recordar el papel que interpretó Meryl Streep. Por otro lado intentan meter de algún modo historias secundarias para que la película pueda fluir mejor o incluso que una estrella como Cher tenga su momento de gloria. Pero ante todo, recalca sin lugar a dudas la estrecha relación que pueden llegar a tener una madre y su hija por muchos momentos amargos que pasen.

Aunque no sea una gran película (dentro del género musical, claro está) si m  erece verla no solo por ser una secuela, sino porque también plantea mensajes profundos acerca del amor de una madre, de la amistad, del amor de pareja y ante todo de tener un buen recuerdo de esa persona a la que echas de menos. Disfrutad cinéfilos.

Calificación personal: 7

El cuarto mandamiento (1942)

• Título original: The Magnificent Ambersons
• Año: 1942
• Género: Drama
• Dirección: Orson Welles
• Intérpretes: Joseph Cotten, Anne Baxter, Tim Holt, Dolores Costello, Ray Collins, Agnes Moorehead, Richard Bennett
• Guión: Orson Wells
• Montaje: Robert Wise
• Fotografía: Stanley Cortez, Russell Metty
• Vestuario: Edward Stevenson
• Productora: RKO Radio Pictures

SINOPSIS

La mansión Amberson es la más fastuosa y famosa de Indianápolis. Cuando su dueña Isabel (Dolores Costello) es humillada por su pretendiente Eugene (Joseph Cotten), ésta decide poner tierra de por medio y casarse con otro hombre. De su matrimonio nacerá su hijo George (Tim Holt) que pretenderá que todo el mundo bese el suelo por donde el pisa.

CRITICA

Cuando Orson Welles escribía y dirigía una película, se sabía perfectamente que la misma marcaría un antes y un después en la historia del cine, pero siempre las productoras ávidas de nuevos estrenos cinematográficos para recaudar dinero, le impedían en cierto modo que este gran cineasta pudiese rodar toda le película en su totalidad, pero nunca lo conseguía. Pero, vamos a ceñirnos a lo que realmente nos atañe de la película.

Cómo siempre, la traducción que se hace al español de los títulos de película extranjeras aciertan muy pocas  veces, puesto que traducido al español sería "Los magníficos Ambersons" pero, a pesar de un desatino en la traducción del título, no está desencaminado con respecto a la historia que se le quiere contar al espectador. Desde un principio se relata el crecimiento de la familia y lo que conlleva mantener el buen nombre de la misma, pero eso no es posible debido al nieto que ha sido malcriado y se cree que con solo su dinero y su renombre le son necesarios para poder vivir. Hasta que en su camino se cruza un antiguo amor de su madre, él cual tiene una hija (Lucy) de la que queda totalmente prendado.

Las diferencias entre ambos es evidente: mientras que George se ha hecho rico a causa de su nombre y no tiene ni oficio ni beneficio, Lucy y su padre han conseguido el prestigio a base de esfuerzo y trabajo duro sin perder la humildad que les caracteriza. Eso es un concepto que el joven George no acaba de entender: si eres rico, no es necesario trabajar ni fabricar coches ni nada por estilo. Pero, lo que realmente no acaba de entender es porqué tiene que "compartir" a su madre con otras personas cuando su única función es darle y proporcionarle todo lo que necesita (aún así siendo un adulto pero, cuyo comportamiento sigue siendo el de un niño pequeño). Eso sí, el tiene a su lado la mala influencia de su tía paterna la cual siembra cizaña para George impida a toda costa la felicidad de su madre y ésta (ingenua y tonta de ella) cede siempre a los "requerimientos" de su hijo ya que le ve demasiado desvalido, pero realmente es un completo egoísta que solo mira para si mismo y sus intereses sin pensar siquiera en la felicidad de su madre.

Por otro lado está Eugene, que educa a su hija dulce no solo para que sea una buena señorita, sino también para que sea afable, buena y generosa pero a la vez que tenga sentido común ya que sabe, que alguien que no aspira a un trabajo o a una realización personal, no es el mejor partido para ella pero no a nivel económico, sino a nivel de madurez.

A medida que va transcurriendo la película, se descubre con total claridad cuáles son las intenciones de los personajes que van apareciendo en escena. Mientras que unos buscan su felicidad pero también la quieren compartir con otros, frente a los que solo desean poseer todo y que no les arrebaten nada de su zona de confort.

Desde un primer momento, me pareció un gran planteamiento entre dos familias que en un principio pudieron estar unidas y ser felices pero, por una mala decisión sus caminos se separan. Con el paso del tiempo, se acaba descubriendo la verdadera intrahistoria de esa historia de amor imposible donde las apariencias son los más importante en lugar de ser libres. Y eso fue lo que le pasó al gran Orson Welles cuando realizó la película, a pesar de ser el metraje recortado lleva el sello inconfundible de este gran director.

Calificación personal: 8