Spring Breakers (2013)

• Dirección: Harmony Korine
• Año: 2013
• Género: Drama
• Intérpretes: James Franco, Vanessa Hudgens, Selena Gomez, Ashley Benson, Rachel Korine, Zendaya, Heather Morris, Gucci Mane.
• Guión: Harmony Korine
• Música: Cliff Martinez y Skrillex. 
• Fotografía: Benoît Debie. 
• Montaje: Douglas Crise. 
• Diseño de producción: Elliott Hostetter. 
• Vestuario: Heidi Bivens. 
• Distribuidora: Vértigo Films.

SINOPSIS

Cuatro estudiantes planean reunir dinero para el viaje de vacaciones de primavera atracando un puesto de comida rápida. Pero eso es solo el principio. Durante una noche de fiesta, las chicas son arrestadas con cargos por drogas. Con resaca y vestidas solo con sus bikinis, comparecen ante un juez, pero son liberadas inesperadamente por Alien (James Franco), un infame matón local que las toma bajo su ala y las lleva a las vacaciones más salvaje de la historia. Duro por fuera, pero con un lado amable, Alien se gana el corazón de las chicas, y las llevará en un viaje que nunca olvidarán.



CRITICA


La verdad es que no sabría muy bien por donde empezar, puesto que tengo una serie de pensamientos enfrentados con esta película. Puesto que es un reflejo de las conocidas "vacaciones de primavera" de los Estados Unidos, como de la historia más mala a la par que poco creíble y que acaba volviendo loco al espectador.

En cierto modo, podría decirse que no es una película "al uso", es decir, que refleja lo que muchos adolescentes americanos universitarios hacen en su etapa de vacaciones y el descontrol que hay en cuanto alcohol, drogas y sexo en una semana.

Por otro lado, las interpretaciones de las cuatro actrices es demasiado forzada cuando tienen que hacer de borrachas o que se hayan metido drogas por todos lados. También, James Franco crea un personaje un poco que es más como una especie de caricatura en vez de un traficante. Lo que me dejó más alucinada fue como se va desenvolviendo la historia con las chicas y las diferentes situaciones irrisorias e imposibles en los últimos veinte minutos de metraje.

Lo único destacable es que cuando llegan esas ansiadas vacaciones de primavera, nos hay reglas ni ningún tipo de moralismos, de ahí que el personaje de Selena Gomez tenga esa disyuntiva de si ir con su amigas a pasar unas grandes vacaciones y dejar aparcada un poco su fe, o mantenerla. Porque al fin y al cabo todo vale.

La verdad es que podía no haberla visto, puesto que no me ha aportado nada a nivel profundo y porque la música se mete en el cerebro y acabas con dolor de cabeza. Aunque sigo sin aprender, no siempre se debe de ver una película por mucha publicidad o bombo que se le de, porque no tiene porque ser una gran película y, de vez en cuando no está de más seguir cada uno su criterio para ver lo que más le guste. En definitiva, no la recordaré mucho y tampoco la recomendaría.


Calificación personal: 2

Mr. Deeds (2002)

• Dirección: Steven Brill
• Año: 2002
• Género: Comedia
• Intérpretes: Adam Sandler, Winona Ryder, John Turturro, Peter Gallagher, Jared Harris, Allen Covert, Eric Avari, Conchata Ferrell, Steve Buscemi.
• Guión: Tim Herlihy
• Música: Teddy Castellucci
• Fotografía: Peter Lyons Collister
• Montaje: Jeff Gourson
• Productora: Happy Madison Productions

SINOPSIS

Longfellow Deeds (Adama Sandler), un pizzero de una pequeña población de New Hampshire recibe la visita de dos hombres de negocios para comunicarle que ha heredado una gran empresa multimillonaria de su tío abuelo, que murió sin herederos.

CRITICA

Me acuerdo cuando vi esta película el año de su estreno, por aquel entonces yo tenía doce años y recuerdo que me reí bastante en el cine. Al volverla a ver en Amazon Prime para recordar esta adolescencia, me di cuenta de que la película no tenía mucho sentido, a la par de que no me causó ningún tipo de gracia; sino todo lo contrario, me causó aburrimiento y bastante pereza.

Desde mi punto de vista, cuando pasa el tiempo y se vuelve a ver una película, no se vuelve a ver con la misma "ilusión" y ganas que la primera vez. Aunque también, creo que influye un poco que, cuanto más tiempo pasa, los actores no han dado la suficiente calidad en sus interpretaciones.

Al verla de nuevo, me di cuenta de que la historia es bastante sencilla pero no acaba de cuajar del todo porque los actores no muestran entre ellos una gran química y los puntos de gracia de la película no son muy certeros a la par de que son un poco obvios. Si a esto le añadimos que es un remake de una película de 1936, no tiene mucho a su favor.

Creo que más de una vez he escrito que si la película no tiene mucho que contar, es absurdo tener que hacer una crítica extensa, sobre todo si el protagonista es Adam Sandler que (desde mi punto de vista) es uno de los peores cómicos que ha habido. Que si no la ven, no se pierden nada.


Calificación personal: 3

Lady Bird (2017)

• Dirección: Greta Gerwig
• Año: 2017
• Género: Comedia dramática
• Intérpretes: Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Tracy Letts, Lucas Hedges, Timotheé Chalamet, Beanie Feldstein, Stephen McKinley, Henderson, Lois Smith
• Guión: Greta Gerwig
• Música: Jon Brion
• Fotografía: Sam Levy
• Montaje: Nick Houy
• Productora: Scott Rudin Productions, Management Productions, IAC Films

SINOPSIS

Christine "Lady Bird" McPherson (Saoirse Ronan) es una adolescente de diecisiete años que vive con sus padres, teniendo una relación tensa con su madre Marion (Laurie Metcalf) que quiere que su hija lleve una vida lo más sensata posible. Ante las presiones de su madre y lo diferentes acontecimientos por los que pasa una adolescente.

CRITICA

Me acuerdo, cuando se estrenó esta película cuanta publicidad se la dio y como resonaba para ser nominada en los diferentes premios que se otorgaban. Con el paso de los días, no fui a verla al cine y posteriormente, la retiraron de las salas; hasta como hace unas dos semanas que la vi en Amazon Prime y decidí empezar a verla, para descubrir el porque de tanta publicidad. Y la verdad, es que me quedé muy sorprendida.

Aunque sea con pequeños matices, todas las mujeres que ya hemos pasado nuestra adolescencia nos sentimos identificadas con la protagonista, puesto que es la parte en la que se va a pasar a la edad adulta pero en realidad, seguimos siendo adolescentes que pensamos que nos vamos a comer el mundo y que nadie nos puede decir nada. Se pueden sacar varias conclusiones y aspectos de una de las películas que (para mí) trata de la mejor forma la adolescencia femenina.

Nos presenta al espectador a una adolescente que pide que se la llame "Lady Bird" para que ella se sienta importante pero a la vez muestra desconfianza e inseguridad porque necesita llamar la atención o sentirse integrada en un grupo que es más superficial que su verdadera amiga que le enseña lo que verdaderamente es la amistad sin necesidad de aparentar lo que uno no es y avergonzarse de uno mismo. Todo esto, acaba relacionándolo con las complicada relación que tiene con su progenitora, que intenta darle siempre lo mejor a su hija a pesar de la complicada situación económica y personal por la que está atravesando su familia y como ella debe de tirar del carro y no desmoronarse y lo que intenta (aunque no sean las mejores formas) de que su hija encauce un poco su vida para que cuando se vaya a la universidad, pueda ver que todo le va bien. En realidad, a pesar de que la una y la otra se quieran distanciar, no pueden porque se quieren demasiado; por lo que hará que el espectador quiera un poco más a su madre y entienda muchas veces la función de la matriarca. Y es el padre, el que le muestra a su hija la realidad de su madre.

También va mostrando distintos aspectos adolescentes como la rebeldía, la aceptación y valoración, el primer amor conllevando con el primer beso, la primera experiencia sexual y, posteriormente la independencia de tener que empezar a vivir sola y descubrir que al final esa familia, esa madre que es "pesada" pero que realmente quiere lo mejor para nosotras y que nos hace apreciarla más.

 En una película sencilla que se basa más en los detalles pequeños y en que la vida pasa pero hay que aprovechar esa etapa complicada y que está llena de momentos bonitos  que nos permite descubrirnos a nosotros mismos.

Calificación personal: 8

El asesinato de Trotsky (1972)

• Título original: The assassination of Trotsky
• Año: 1972
• Género: Drama, biográfico
• Dirección: Joseph Losey
• Intérpretes: Richard Burton, Alain Delon, Romy Scheider, Valentina Cortese, Giorgio Albertazzi, Duilio Del Prete, Enrico Maria Salerno
• Guión: Nicholas Mosley, Masolino D'Amico
• Música: Egisto Macchi
• Fotografía: Paqualino De Santis

SINOPSIS

Tras haber abandonado la Unión Soviética en 1929, León Trotsky (Richard Burton) acaba exiliado en Mexico. Mientras, Stalin manda a un agente, Frank Jacson (Alain Delon) para acabar con el antiguo político ruso.

CRITICA

Desde siempre he mantenido mi defensa a ultranza del cine clásico (hasta los años 70) y el valor cinematográfico que tenía con respecto al cine que se hace en la actualidad. Pero, si hoy en día hay películas (un gran porcentaje) que nunca más deberían mencionarse, hay casos en los que determinados filme clásicos no debieron ver nunca la luz e incluso, tendrían que haberse mostrado al público de otra forma. En el caso de El asesinato de Trotsky, lo que podía haber sido una buena historia de un thriller político, acaba convirtiéndose en un sinfín de planos donde el espectador no acaba de fijar la mirada en los personajes.

Siempre me ha llamado la atención de aquellas películas o historias que tratan sobre intrigas políticas, porque en cierto modo te hace conocer (si la historia está bien contada) un poco más sobre un personaje relevante de la historia. En este caso, no se conoce gran cosa sobre Trotsky ni su asesino. Es decir, que toda la trama se basa principalmente en lo que le cuesta al asesino en matar al político ruso pero, realmente no hay una introducción previa sobre el porque; si que es cierto, que los primeros dos minutos (aproximadamente) cuenta de forma escueta la vida de León, pero faltan más datos para que el espectador se pueda ubicar espacialmente y temporalmente.

Por otro lado, se desaprovecha completamente el gran talento de los tres actores principales (Burton, Delon y Scheider) y no se les da la oportunidad suficiente para mostrar al espectador la esencia de sus personajes. Pero a veces es lo que ocurre en el cine, que un guión no permite que los actores desplieguen todo su potencial artístico.

Cómo datos curiosos que se le puede comentar al espectador es que el asesino de Trotsky fue un comunista español llamado Ramón Mercader que está enterrado en Rusia. Por otro lado, la prima de éste, María Mercader, fue la segunda esposa del gran director de cine italiano Vittorio De Sica. Incluso, se llegó a sospechar de la pintora mexicana, Frida Khalo de ser una de las conspiradoras del asesinato, porque se pensaba que era su amante.

Para finalizar, no sería una de esa película que recordaría y mantendría en mi lista para recomendar a alguien, porque creo que se podría haber sacado más partido a un personaje que cambió parte de la historia y del rumbo de la antigua Unión Soviética.


Calificación personal: 5

(NO HAY TRAILER DISPONIBLE)

El rey león (2019)

• Título original: The lion king
• Año: 2019
• Género: Aventuras
• Dirección: Jon Favreau
• Intérpretes: Chiwetel Eijofor, Donald Glover, Beyoncé Knowles, Seth Rogen, James Earl Jones, John Oliver, John Kani, Florence Kasumba, Eric Nadré, Jean Reno.
• Guión: Jeff Nathanson
• Música: Hans Zimmer
• Fotografía: Caleb Deschanel
• Montaje: Mark Livolsi
• Productora: Walt Disney Pcitures, Moving Picture Company

SINOPSIS

El rey Mufasa, le enseña como ser un gran rey a su joven hijo Simba. Pero, tras la muerte de su progenitor a manos de su hermano Scar. Simba, se ve obligado a huir de su hogar pensando que él, fue quien mató a su padre.

CRITICA

Remake de la película homónima de animación del año 1994 que sigue la misma estela y el mismo argumento que su predecesora. Hoy en día, ya se sabe que Hollywood está bastante carente en cuanto a ideas se refiere y opta, por revisar todos lo clásicos de Disney. Pero hay que reconocer, que ahora ver en acción real a esos personajes que marcaron nuestra infancia, es bastante conmovedor.

Desde mi punto de vista (manteniendo un poco la estela de aquella película que me encandiló) es bastante fiel a su original, aunque si es cierto que faltan algunos toques como el baile de Timón o la mítica frase del babuino Rfiki :"sigue al viejo Rafiki, el sabe el camino". Pero, si es cierto, que una de las cosas que más curiosidad me despertó fue como se captó el movimiento de los diferentes animales a la par que se les movía la boca.

Una parte de la esencia de esta nueva versión es los valores que sigue transmitiendo para el público más pequeño (e incluso no tan pequeño) en donde prima la importancia de ser uno mismo y no dejarse amedrentar por otros y saber quiénes somos, sabiendo que habrá otros que quieran vernos hundirnos y perder la confianza en nosotros mismos.

Muchos espectadores, siguen estando un poco reacios a la continua aparición de las películas de acción real que han marcado nuestra infancia (es el caso de películas que ya se estrenaron como El libro de la Selva, La Bella y la Bestia o la más reciente Aladdín) y que a veces no son completamente fieles a las originales. Pero, hay que tener en cuenta que este tipo de películas son puro entretenimiento y que su finalidad es que el espectador pase un buen rato y para mí, con esta película lo consiguió por completo y me devolvió a esa etapa que todo niño debe vivir correctamente: la infancia.

Calificación personal: 7

Te doy mis ojos (2003)

• Dirección: Icíar Bollaín
• Año: 2003
• Género: Drama
• Intérpretes: Laia Marull, Luis Tosar, Candela Peña, Rosa María Sardá, Sergi Calleja, Kiti Manver, Dave Mooney, Nicolás Fernández Luna, Antonio de la Torre
• Guión: Icíar Bollaín, Alicia Luna
• Música: Alberto Iglesias
• Maquillaje: Ana Ribacoba
• Fotografía: Carles Gusi
• Montaje: Ángel Fernández Zoido
• Productora: La Iguana, Alta Producciones

SINOPSIS

Una noche de invierno, Pilar (Laia Marull) sale huyendo de su casa con su hijo Juan de su marido Antonio (Luis Tosar) con el que lleva nueve años casada y que la maltrata. Antonio no tarda en seguirla para pedirla perdón y que vuelva con él, algo que a Pilar le cuesta mucho aceptar.

CRITICA

Cuando era adolescente, tuve una asignatura optativa que era "procesos de comunicación" y hubo una parte del trimestre que se hablaba de cine y yo, por aquel entonces ya había empezado a descubrir el cine español de la mano de mi madre. Y en una "discusión" yo argumenté que nuestro cine patrio era bueno, que sus películas tenían mensaje, a lo que mi profesora contestó: "el cine español muestra duramente la realidad". Esta pequeña introducción personal que he escrito es porque, nuestro cine cuando pretende ser crítico, lo es sin miramientos y llega a donde el cine americano no llega muchas de las veces. Pero a veces, es necesario mostrar la realidad, porque somos ciudadanos del mundo y no podemos vivir ajenos a lo que ocurre a nuestro alrededor.

Por eso, creo que esta película es necesaria. Hasta la fecha, sólo había visto una película sobre violencia machista que se llamaba Sólo mía, que se centra en la parte del maltrato físico pero; en este filme va a la segunda parte, cuando ya se ha infligido el daño físico y se pasa al psicológico o al "arrepentimiento" para conseguir que la pareja vuelva. Lo que permite que el espectador se plantee varias cuestiones como el porque decide volver con el, si de verdad las terapias contra la ira funcionan, si esa violencia se puede llevar a otros ámbitos. Por otro lado, muestra un fiel reflejo de como viven la mayoría de las mujeres maltratadas: sumisas, amas de casa a tiempo completo, incapaces de poder tener amistades, incapaces también de poder hacer cosas que les gusten, infravaloradas por ellas mismas y que piensen, que son incapaces de poder escapar de esa cárcel porque dependen de su marido para todo.

Por eso, no hay que olvidar que a pesar de estar en una relación de pareja (bien se sea de noviazgo o de matrimonio) nunca el otro es propiedad del otro y nunca se debe ni ser esclavo y sumiso frente a los deseos o apetencias del otro porque la libertad es uno de los aspectos más importantes que tiene el ser humano y porque nunca se es menos que el otro. La gente cambia, pero cuando se es adulto es mucho más complicado cambiar (en cuanto lo que se refiere al carácter) y que a la larga uno puede acabar quedándose solo.

El tema del maltrato hacia la mujer y la desigualdad hacia el sexo femenino es algo que está muy candente hoy en día y un problema al que no se le acaba de poner solución por eso, la igualdad empieza con el respeto. En cuanto haya de éste, el resto de las cosas irán avanzando. Y recuerden, el cine español no es malo sino es un cine al que no se le educa a la gente.


Calificación personal: 8.3

Flamingo Road (1949)

• Dirección: Michael Curtiz
• Año: 1949
• Género: Drama
• Intérpretes: Joan Crawford, Zachary Scott, Sydney Greenstreet, Gladys George, David Brian, Virginia Huston, Fred Clark, Alice White
• Guión: Robert Wilder
• Música: Max Steiner
• Fotografía: Ted D. McCord
• Productora: Warner Bros. Pictures

SINOPSIS

Lane Bellamy (Joan Crawford) es una bailarina que actúa en la ciudad sureña de Boldon City y es llevada a la cárcel injustamente por el sheriff corrupto Titus Temple (Sydney Greenstreet). Para vengarse de él, Lane se casa con un hombre de negocios importante de la ciudad.

CRITICA

Siempre que han pasado por mis manos películas interpretadas por Joan Crawford, me ha picado el gusanillo de verlas por el "morbo" que en cierto modo despertaba esta actriz cuando actuaba y porque su carrera pasó por bastantes altibajos (eso no quiere decir que sus películas fueran malas) y porque creo, que no fue lo suficientemente valorada en la época dorada de Hollywood. Pero, como siempre me ando un poco por las ramas, por lo que retomaré lo que me atañe en cuanto al desarrollo de la película.

En cierto modo, se quiere hacer partícipe al espectador de tres posiciones sociales en la sociedad de aquella época, cómo de los caracteres de cada uno de los personajes. Por un lado está el personaje de Lane, que siempre ha ido de feria en feria y que cuando decide labrarse un futuro mejor (sin malas pretensiones), aparece el sheriff dispuesto a destruirla. Ahora enlazamos con el personaje del sheriff, que es la representación de la ley pero, que es un completo corrupto y que manipula a quien quiere y como quiere a su antojo con tal de que nada ni nadie se interponga en su camino y con tal de logar sus objetivos; que en este caso es el joven ayudante del sheriff (interpretado por Zachary Scott) que, queriendo labrarse un futuro lejos de la estela de su padre y siguiendo sus principios, se deja "querer" por el sheriff que le promete el "oro y el moro" para lograr sus objetivos; de lo que ha largo plazo está totalmente arrepentido.

Lo que viene a mostrar (por mucho tiempo que haya pasado) es como en la sociedad lo que se dice y lo que se piensa es una cosa y como se actúa de cara a la galería es otra, es decir, que por mucho que se diga de ayudar al ciudadano, cuando una persona tiene el poder en distintos ámbitos de la vida; al final va a pensar para si mismo y no para los demás y, da igual a quién se lleve por delante y como se lo lleve, porque lo que importa es conseguir la meta que tan desesperadamente se ansía.

La película me resultó interesante (como ya comenté al principio, me era completamente desconocida) por esa clara distinción de clases tan marcadas que aún sigue vigente hoy en día en la sociedad y que creo, que será algo que nunca desaparecerá. Porque el pobre seguirá siendo pobre, mientras que el rico seguirá siendo rico y se hará aún más rico.

Calificación personal: 8

Lion (2016)

• Dirección: Garth Davis.
• Año: 2016. 
• Género: Drama. 
• Interpretación: Nicole Kidman, Rooney Mara, Dev Patel, David Wenham, Divian Ladwa, Sunny Pawar, Sachim Joab. 
• Guion: Luke Davies
• Música: Hauschka, Dustin O'Halloran
• Fotografía: Greg Fraser
• Montaje: Alexandre de Franceschi
• Productora: See-Saw Films, Aquarius Films, Screen Australia

SINOPSIS

El pequeño Saroo, de cinco años, se pierde en un tren en el que recorrerá miles de kilómetros por la India, lejos de su casa y de su familia. Saroo tendrá que aprender a vivir solo en Calcuta, antes de que una pareja australiana lo adopte. Veinticinco años después, y contando tan sólo con sus recuerdos, una determinación inquebrantable y las posibilidades que le proporciona la herramienta de búsqueda Google Earth, comenzará a buscar a su familia perdida, para reencontrarse con ellos.

CRITICA

Creo que más de una vez que he visto películas que están basadas en hechos reales, alguna vez he tenido algún que otro recelo pero, en el caso de esta no ha sido así. Más de uno puede pensar que es porque es la historia de un niño que se pierde en la India, del cual todo el mundo sabe cuán pobre es el mencionado país. Pero, realmente es la capacidad de seguir adelante sabiendo que tienes a tu familia ahí fuera, aunque hayas podido recibir todas las ventajas de una gran familia adoptiva.

Ese pensamiento es lo que va consumiendo al protagonista desde que llega a Australia hasta que empieza a recordar pequeños fragmentos de su pasado que le impiden renegar de él. No me puedo imaginar que duro debe de ser para un niño tener que haber sufrido tanto en su vida en una etapa en la que es crucial todos los aspectos y acontecimientos que se muestran a lo largo de su crecimiento. Y también, por ende el poder haber sido adoptado por un matrimonio cuyo anhelo es ayudar y criar (como si fueran suyos) a niños con problemas.

Eso se ve reflejado perfectamente en el matrimonio Brierley (magistralmente interpretados por Nicole Kidman y por David Wenham) que luchan por darles un verdadero hogar y un amor de padres a sus dos hijos. Por otro lado, también destacar el conflicto emocional de Saroo adulto, cuando parece renegar de la vida y la familia con la que ha crecido por si sentía rechazo al querer encontrar a sus hermanos y madre biológica. Pero ante todo habla del amor incondicional independientemente de que los hijos sean biológicos o no; porque ante todo hay que saber si se quiere o no se quiere ser padre.

Es una película emocionalmente delicada con un Saroo niño (interpretado por Sunny Pawar) que muestra la fragilidad de un alma tan pura en un mundo cruento y en un país que abusa de los niños en diferentes aspectos. Si la ven, no se arrepentirán.

Calificación personal: 8

La señora Miniver (1942)

• Título original: Mrs. Miniver
• Año: 1942
• Género: Drama, bélico
• Dirección: William Wyler
• Intérpretes: Greer Garson, Walter Pidgeon, Teresa Wright, Dame May Whitty, Reginald Owen, Henry Travers, Richard Ney, Henry Wilcoxon
• Guión: Jan Struther, James Hilton, George Froeschel, Claudine West, Arthur Wimperis
• Música: Herbert Stothart
• Fotografía: Joseph Ruttenberg
• Montaje: Harold F. Krees
• Productora: Metro Goldwyn Meyer

SINOPSIS

Kay Miniver (Greer Garson) vive en las afueras de una aldea de Londres con su marido Clem (Walter Pidgeon) y sus hijos. A medida que se acerca la Segunda Guerra Mundial donde su hijo mayor es piloto de aviación, tendrán que cuestionarse muchos de los ideales en los que creen.

CRITICA

La verdad es que me encontré con esta película de casualidad (se que lo he dicho de muchas, pero cuando lo digo es porque es verdad) y la verdad es que encontrarme con películas de cine clásico que eran totalmente desconocidas para mi, es un soplo de aire fresco en la cartelera actual. A la hora de verla (a pesar de su larga duración) me pareció interesante el punto de vista que muestra en una situación tan devastadora como es una guerra y es, vivir en una situación tan desoladora pero con pequeñas cosas que nos hagan salir de esa situación.

Por otro lado, la familia Miniver es una familia con cierta posición social y (aunque tienen sus caprichos) no por ello desprecian a la gente humilde y trabajadora, de ahí que el jefe de la estación le ponga el nombre a su rosa de "Señora Miniver". También muestra la cercanía de los habitantes de la aldea ficticia hacia el conflicto y como surge la ayuda entre todos ellos cuando se acercan los bombardeos.

Otro de los aspectos que me resultaron curiosos a la hora de ver esta película es que todos lo actores responden con gran naturalidad a situaciones tan cotidianas de la vida real (una charla en la cena, acostar a los hijos, etc) que facilita la empatía del espectador hacia ellos. También, es importante reseñar es que no presenta a esta familia británica como perfecta, sino que muestran comportamientos reprochables (como gastar más de la cuenta, las preguntas que se plantea su hijo que ellos no se hacen...) huyendo de aspectos cursis y mostrando al fin y al cabo a personas con virtudes y defectos.

Desde mi punto de vista, se refleja también el buen ambiente familiar que se respira en la casa en diferentes momentos, así como el respeto y amor que refleja el matrimonio (tanto Walter Pidgeon como Greer Garson trabajarían en más películas juntos) y como a pesar de ser una familia acomodada y sin grandes problemas, se tiene que enfrentar a la guerra y a la pérdida de seres queridos. Con todo lo que nos muestra la película, y pese no a compartir algunas de sus actitudes superficiales, el espectador acaba queriendo a la familia Miniver.


Calificación personal: 7.4

Lo que queda del día (1993)

• Título original: The remains of the Day
• Año: 1993
• Género: Drama
• Dirección: James Ivory
• Intérpretes: Anthony Hopkins, Emma Thompsom, Christopher Reeve, James Fox, Hugh Grant, Peter Vaughn, Lena Headey, Ben Chaplin, Paula Jacobs.
• Guión: Ruth Prawer Jhabvala
• Música: Richard Robbins
• Fotografía: Tony Pierce-Roberts
• Montaje: Andrew Marcus
• Productora: Merchant Ivory Productions

SINOPSIS

El Señor Stevens (Anthony Hopkins) es el primer mayordomo de Darlington Hall que recuerda momentos del pasado en lo que servía a un importante aristócrata ingles y, que decide reencontrarse con la antigua dama de llaves la señorita Kenton (Emma Thompson) de la que guarda un bello recuerdo. 

CRITICA

Una de las cosas que siempre me ha fascinado del cine británico, es la capacidad que tiene de transmitir cualquier sentimiento o sensación, en cualquier época de la historia y a la vez mostrar con orgullo determinadas tradiciones que mantienen a lo largo de la historia (esto no debe de servir como precedente para considerarlo un gran país) y el realismo que muestran en sus películas.

A pesar de que la película esté basada en la novela homónima, la historia tiene muchos detalles que se perciben a simple vista. Uno de ellos, y que destaca por encima de otros elementos, es el reflejo de la servidumbre a gente de la nobleza y/o aristocracia y el empeño que ponen para desempeñar bien su trabajo y, además se sienten orgullosos de pertenecer a ese estamento de la sociedad cuya responsabilidad es importante. Por otro lado, la gente de alta cuna a la que sirve es agradecida por tenerla en su servicio.

En segundo lugar, cabe destacar el vínculo que se establece entre el primer mayordomo y el ama de llaves que de una forma un tanto sutil (y a veces muy clara) se esconde un enamoramiento y respeto mutuo pero, en el cual ninguno de los dos es capaz de dar el paso a la hora de manifestar sus sentimientos, los cuales vuelven a aflorar cuando deciden cartearse y recordar los tiempos que pasaron juntos en Darlington Hall pero al final, todo eso queda en un bello recuerdo.

Esto permite reflejar que el amor no solo puede ser algo de unos pocos o de gente pudiente sino que puede aparecer en cualquier persona, lugar o circunstancia y a veces hay que saltar sin ningún tipo de red para luchar por aquello que se anhela y se desea; porque la vida pasa y volver hacia atrás lamentándose de lo que pudo ser y no fue, no sirve de nada. Porque la herida que deja el tiempo, a veces resulta muy dolorosa.

Por otro lado, tanto Anthony Hopkins como Emma Thompson son espectaculares manteniendo siempre al espectador a la espera de lo que ocurrirá entre sus dos personajes a la par de notar de emoción sus interpretaciones y descubrir que vivir una enamoramiento a escondidas, es doloroso.

Calificación personal: 7.5

Luz que agoniza (1944)

• Título original: Gaslight
• Año: 1944
• Género: Drama, suspense
• Dirección: George Cukor
• Intérpretes: Charles Boyer, Ingrid Bergman, Joseph Cotten, Angela Lansbury, Dame May Witty, Barbara Everest, Emil Rameau, Lawrence Grossmith.
• Guión: John Van Druten, Walter Reisch, John L. Balderston
• Música: Bronislau Kaper
• Maquillaje: Jack Dawn
• Fotografía: Joseph Ruttenberg
• Productora: Metro Goldwyn Meyer

SINOPSIS

Unos recién casados se van a vivir a Londres a una casa de una tía recientemente fallecida de ella. Pronto empieza a oír ruidos que provienen del ático de su casa y, con la presión de su marido empieza a creer que se está volviendo loca.

CRITICA

En la época dorada de Hollywood donde en el cine negro dominaban los gángsteres, asesinatos, chantajes, mujeres fatales, etc; apareció esta película donde este género se ubica en plena época victoriana y donde, no precisa de ninguno de los elementos mencionados para crear una atmósfera totalmente aterradora en donde se muestra con bastante acierto la dependencia en una relación de pareja, además de unas grandes interpretaciones.

Los puntos de vista de la narración no son aleatorios, puesto que según va avanzando la trama, nos muestra planos de los diferentes personajes para ver como se va desarrollando la historia y como va afectando en el comportamiento de la protagonista. De esta forma, se van elevando los momentos de intriga y de angustia y por ende, la locura de Paula (nuestra protagonista) también va aumentando y hace que el espectador se mimetice completamente con ella.

Por otro lado, a medida que va transcurriendo la trama, el espectador tiende a sentir más empatía por el personaje de Paula y se acabe odiando más al personaje de Gregory (interpretado magistralmente por un gran Charles Boyer) que va manipulando a su antojo la mente de Paula. Lo que acaba derivando en una dependencia de la mujer a las decisiones de su marido, reflejando claramente como la mujer en todas épocas, tenía que dejar "llevar" por las decisiones de su marido. Todo esto unido a la fotografía que muestra momentos de oscuridad y claridad (a pesar de que sea en blanco y negro) para mostrar los puntos de inflexión en los cuales la locura de Paula va in crecendo. Dichos momentos se ven claramente reflejada en el rostro de la gran Ingrid Bergman que compone a una mujer acogotada por la presión de su marido y las inseguridades que éste le preocupa y termina culminando en un pequeño discurso sobre la locura que le hace a su marido.

La película habla de emociones, amores ciegos, pasiones obsesivas y frágiles caracteres; en definitiva, diferentes condiciones del ser humano que con un guión redondo y muy elaborado crea una estupenda película de cine negro que para todo buen cinéfilo, es necesario haberla disfrutado.

Calificación personal: 8

Resacón en Las Vegas (2009)

• Título original: The hangover
• Año: 2009
• Género: Comedia
• Dirección: Todd Philips
• Intérpretes: Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Justin Bartham Heather Graham, Mike Epps, Ken Jeong, Jeffrey Tambor, Rachael Harris, Mike Tyson
• Guión: Jon Lucas, Scott Moore
• Música: Christophe Beck
• Fotografía: Lawrence Sher
• Montaje: Debra Neil-Fisher
• Productora: Legendary Pictures

SINOPSIS

Cuatro amigos deciden irse a Las Vegas para celebrar la despedida de soltero de uno de ellos. Al día siguiente se despiertan sin saber lo que ha ocurrido la noche anterior. Además, tendrán que buscar al novio que ha desaparecido.

CRITICA

El año de su estreno fui a ver esta película, pero hace unas semanas que la volví a ver con unos amigos puesto que queríamos una película distendida y que no supusiera muchos quebraderos de cabeza y la verdad, es que no recordaba lo mucho que me hizo reír esta película en su momento.

Es cierto que la historia no va más allá donde tres amigos buscan a su cuarto amigo y para ello tienen que recordar todo lo que sucedió la noche anterior. A medida que van reconstruyendo sus pasos van apareciendo todas las locuras y situaciones surrealistas en las que estuvieron involucradas los personajes. El simple echo de tener que ir reconstruyendo todos y cada uno de sus pasos permite al espectador que suelte unas cuantas carcajadas sobre lo que les ocurre a sus protagonistas.

En el año de su estreno supuso una revolución en lo referente al género de las comedias, sobre todo por lo transgresora que fue en cuanto al tipo de humor que iba más enfocado a un público adolescente tirando más hacia mayores de dieciocho años.

Desde mi punto de vista, ver una película de este género que rompe con la mayoría de los estereotipos de la comedia  que además no resulta muy tediosa y entretiene desde el principio hasta el final, merece su visionado para pasar un buen rato.

Calificación personal: 7.5

Elisa y Marcela (2019)

• Dirección: Isabel Coixet
• Año: 2019
• Género: Drama, Románticas
• Intérpretes: Natalia de Molina, Greta Fernández, Tamar Novas, María Pujalte, Manolo Solo, Lluís Homar, Jorge Suquet, Francesc Orella
• Guión: Isabel Coixet, Narciso de Gabriel
• Música: Sofía Oriana Infante
• Fotografía: Jennifer Cox
• Productora: Netflix, Rodar y Rodar, Lanube películas

SINOPSIS

En 1885, Elisa (Natalia de Molina) y Marcela (Greta Fernández) se conocen en la escuela donde trabajan. Lo que comienza siendo una amistad, se acaba convirtiendo en una relación amorosa, haciendo que vivan su amor a escondidas en una época convulsa en España.

CRITICA

Hasta hace muy poco tiempo (a grosso modo unos dos años aproximadamente), la historia de estas dos jóvenes de la Galicia profunda era totalmente desconocida por el público y la sociedad (me incluyo), hasta que se volvió a hablar en los medios como el "matrimonio sin hombre", puesto que Elisa se marchó para "masculinizarse" y volver convertida en hombre; lo que supuso un revuelo no solo a nivel nacional sino también internacional. Pero lo que me gustaría es centrarme más en el contenido de la historia.

Es de bien sabido que la directora Isabel Coixet hace cine en el que destaca el papel de las mujeres y las dota de relevancia e importancia pero (desde mi punto de vista) en este caso se centra la gran parte de la película en el contenido "erótico" de la relación entre ambas jóvenes en lugar de haber indagado un poco más en la historia de ellas y que les deparó después de haber tenido que huir. De echo, la otra persona que firma el guión, escribió un libro sobre Elisa y Marcela y quería (lo leí en una entrevista) que no se centrase tanto en la relación sexual.

Hoy en día las personas homosexuales siguen sufriendo una gran persecución en todo el mundo o son atacadas constantemente por personas con un odio extremo. Hay que tener en cuenta que se puede estar a favor o en contra del matrimonio igualitario pero, hay que poner por delante de todo que son personas y que no hacen daño a nadie. Es decir, que no hay que atacar gratuitamente porque algo no guste, sino hay que respetarlo y seguir cada uno con su vida.

Para concluir (dejando a un lado el contenido erótico) creo que se puede conocer más acerca de la vida de estas dos mujeres, puesto que sus vivencias siguen siendo un misterio hoy en día y, también muestra, en cierto modo, el reflejo de la España profunda y dedicada al campo y que vivían inmersos en convencionalismos sociales en donde las mujeres, no tenían hueco.


Calificación personal: 6.4