Al mal tiempo, buen cine...

Queridos lectores y seguidores:

Me permito escribir una líneas para agradeceros a todos (desde todas las partes del mundo) que visitéis mi blog y todo lo que voy publicando. Ante todo comentar que no estoy licenciada en cinematografía pero, doy gracias por haber asistido a cursos y que mis padres me introdujeran al cine con sólo 8 años.

Por eso os animo que escribáis vuestras opiniones sin vergüenza alguna (¡por eso existe la libertad de expresión!) o sugerir cambios o visionados de películas, ya que se convierte en un feedback donde podemos aprender unos de otros.

Para finalizar, gracias una vez más por vuestro tiempo y dedicárselo a mi blog. ¡Seguid disfrutando del cine!

sábado, 25 de junio de 2016

Ladrón de bicicletas (1948)




  • Título Original: Ladri di biciclette
  • Año: 1948
  • Género: Drama
  • Dirección: Vittorio de Sica
  • Intérpretes: Lamberto Maggiorane, Enzo Staiola, Lianella Carel, Guilio Chiari, Elena Altieri, Fausto Guerzoni.
  • Guión: Cesare Zavattini, Vittorio de Sica, Adolfo Franci, Gerardo Guerrieri.
  • Música: Alessandro Cicognini
  • Fotografía: Carlo Montuori
  • Productora: Produzioni di Sica

SINOPSIS

En la Italia de la posguerra, Antonio, un hombre en paro consigue un sencillo trabajo pegando carteles publicitarios por la ciudad; la única condición es poseer una bicicleta. Tras conseguirla, en su primer día de trabajo se la roban entonces, Antonio y su hijo comienzan a buscar a la persona que se la robó para mantener su empleo y así poder alimentar a su familia.


CRITICA

Nos encontramos ante otra joya del cine neorrealista italiano y de nuevo con Vittorio de Sica (del cuál ya hicimos la crítica de Umberto D) donde vuelve a mostrar de una manera clara y nada simbólica del momento que vivían los italianos tras la posguerra y como la desesperación era una seña de identidad pero siempre, mostrando un pequeño halo de esperanza.

Lo qué más llama la atención de la película no es el robo de la bicicleta en sí, sino la relación que existe entre el protagonista y su hijo y cómo en la mayoría de los fotogramas se muestra al niño cómo si el fuera realmente el adulto de esa situación pero al final de la película refleja de manera clara que él es sólo un niño y que le están arrebatando lo único que le puede mantener puro: su infancia.

Por otro lado está el personaje del padre que busca al ladrón que le ha robado la bicicleta que le permite seguir trabajando y, en su desesperación acaba convirtiéndose (no de forma literal) en un "ladrón". Es decir, que en sus facciones se muestra las ganas de coger bicicletas ajenas si no encuentra la suya y a la vez en expresiones corporales donde sería capaz de llegar a la violencia si fuese necesario.

Es cierto que para que los personajes desarrollen diferentes gestos se ven condicionados por una serie de acontecimientos y/o infortunios cómo es el caso de la lluvia, cuando van a la iglesia y muestra su lado amargo (sólo dan de comer a cambio de asistir a misa) o incluso cuando consiguen encontrar al ladrón hace que el espectador se plantee ese refrán, el cual dice: "se cree el ladrón que todos son de su condición". Lo que lleva a redefinir si el padre es ahora la víctima o el verdugo al quererle quitar la bicicleta al mismo que se la robó a él.

El ladrón de bicicletas se estrenó seis años antes que Umberto D y refleja en ambas películas que la pobreza y la desesperación priman por encima de cualquier otro sentimiento o afecto pero siempre, al final la esperanza aparece de forma súbita mostrándole al espectador que incluso en los días más tristes es posible la alegría; la cual se puede manifestar de diferentes formas ya sea por medio de un perro en Umberto D o por medio de un ser tan vulnerable como es un niño que no abandona a su padre, le ayuda y que sólo quiere estar con el en El ladrón de bicicletas.

Es una película imprescindible no sólo en el cine neorrealista italiano de los años 50, sino también en toda lista de un buen amante de cine que sabrá apreciar las pequeñas cosas y los pequeños detalles de la vida a través de películas como ésta.


Calificación personal: 9.3


Cuando te encuentre (2012)




  • Título original: The lucky one. 
  • Dirección: Scott Hicks.
  •  Año: 2012.
  • Género: Dramaromance.
  • Interpretación: Zac EfronTaylor SchillingBlythe Danner (Ellie Green), Riley Thomas Stewart, Jay R. Ferguson.
  •  Guion: Will Fetters.
  • Producción: Denise Di Novi y Kevin McCormick.
  •  Música: Mark Isham
  • Fotografía: Alar Kivilo. 
  • Montaje: Scott Gray. 
  • Diseño de producción: Barbara Ling. 
  • Vestuario: Dayna Pink.
  • Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

SINOPSIS

Logan Thibault (Zac Efron), vuelve tras su tercera misión en Irak con un objeto que cree que le ha salvado la vida: una fotografía que encontró y en la que aparece una desconocida. Cuando descubre cómo se llama y dónde vive, se planta en su puerta y termina trabajando en el centro para perros que regenta su familia. A pesar de la desconfianza inicial de ésta y todos los problemas que tiene en la vida, surge un romance entre ellos, lo que hacer creer a Logan que Beth (Taylor Schilling) puede ser mucho más que su amuleto.


CRITICA

Después del éxito mundial que tuvo El Diario de Noa, Warner Bros. intentó repetir el mismo éxito con el resto de novelas de Nicholas Sparks y, bien se sabe que la sombra del dinero es alargada y que con tal de repetir el mismo precedente, se hace cualquier cosas incluido una adaptación nefasta de la novela. Siempre comento que adaptar una novela es complicado, pero eso no implica que te inventes más de la mitad de la historia y los guionistas la hagan a su antojo.

Al considerarme una fiel lectora de Nicholas Sparks puesto que me he leído la mayoría de sus libros (en inglés), se aprecian mucho más los matices los que a medida que transcurre la historia son más relevantes e importantes a la hora de adaptarlos no se pueden apreciar en su totalidad en la película. Más que nada para poder enlazar la historia entre los dos protagonistas.

Si bien es cierto, que siempre he sido muy crítica con las adaptaciones, los grandes estudios  deberían de tener en cuenta estos aspectos. Pero centrándonos en lo que atañe a la película en sí, una vez más se muestra una historia romántica donde quiere hacer patente la realidad deque todos tenemos derecho a amar y ser amados y que nada ocurre por casualidad y, que no podemos culpar de aquello que nos pasa a las personas que tenemos alrededor; sino pensar que a veces lo que acontece puede deberse a nuestras buenas y/o malas acciones o porque llega un momento en que nuestra vida tiene que cambiar.

En cuanto a la ficha técnica, Zac Efron pasó de las películas juveniles (High School Musical) a historias románticas y en la actualidad se dedica más a la comedia (este mes estrena Malditos Vecinos 2) y siempre haciendo gala de su sex appeal y músculos que no son para siempre. Taylor Schilling que empezó en el cine con esta película y se afianzó de manera notable con la serie Orange is the new black, pero le queda todavía mucho que aprender.

Mi experiencia en estos casos es que le recomiendo al espectador que no se lea el libro y vea la película y que para este género es mejor disfrutar y dejarse llevar (aunque el guión sea bastante pésimo). Por cierto, a todos los seguidores de Nicholas Sparks: no se van a seguir adaptando novelas debidos a los últimos cuatro fracasos de sus novelas adaptadas al cine.



Calificación personal: 5.1


domingo, 12 de junio de 2016

Espías (2015)




  • Título original: Spy. 
  • Dirección y guion: Paul Feig.
  •  Año: 2015. 
  • Género: Comedia
  • Reparto: Melissa McCarthy, Jason Statham, Jude Law, Rose Byrne, Miranda Hart, 50 Cent, Allison Janney, Bobby Cannavale, Jessica Chaffin, Morena Baccarin. 
  • Música: Theodore Shapiro
  • Fotografía: Robert D. Yeoman
  • Productora: Feigco Entertainment, Twentieth Century Fox

SINOPSIS

Susan Cooper (Melissa McCarthy) es una modesta analista de la CIA y la heroína olvidada de las misiones más peligrosas de la agencia. Pero cuando su compañero desaparece y otro agente se ve envuelto en problemas, Susan se presenta voluntaria para emprender una misión encubierta en la que se tendrá que infiltrar en el mundo de un sanguinario traficante de armas para evitar un desastre mundial.


CRITICA

A pesar de que este blog tiene muchas entradas sobre el género de la comedia, en la mayoría de las críticas he estado en contra porque no me entretenían lo más mínimo ni me hacían pasar un buen rato a carcajada limpia, y en el caso de Espías lo consigue.

La historia (si realmente fuese de espías) está bastante bien construida salvo por situaciones totalmente inverosímiles que hacen que se convierta en una comedia donde las carcajadas están aseguradas y se demuestra que todavía queda un resquicio para buenas comedias.

Las diferentes situaciones hilarantes, junto con los gags (muy acertados por cierto) así como un reparto que muestra que hay química entre ellos, te sale esta película. Unido también al primer papel cómico interpretado por Jason Sthatham, que aunque es breve se mete totalmente de lleno. Melissa McCarthy que me sorprendió gratamente en La boda de mi mejor amiga, vuelve a repetir junto al director Paul Feig y a la actriz Rose Byrne. Atención al cameo de unos cantantes ucranianos que quedaron segundos en el Festival de Eurovisión en el año 2007.

Ya sabéis que el género de la comedia no es necesario analizarlo en profundidad (al menos que la historia tenga un gran trasfondo). Sólo comentar que esta película pone de manifiesto que la gente "rellenita" también tiene su hueco en este mundo, no será en forma de espía ni trabajando para ninguna organización secreta del gobierno; pero si tienen el mismo derecho que todos.


Calificación personal: 7.7




El mundo sigue (1963)


  • Dirección: Fernando Fernán Gómez
  • Año: 1963
  • Guión: Fernando Fernán Gómez.
  • Intérpretes: Lina Canalejas, Fernando Fernán, Gómez, Gemma Cuervo, Milagros Leal, Agustín González, María Luisa Ponte, Francisco Pierrá.
  • Música: Daniel J. White.
  • Fotografía: Emilio Foriscot
  • Montaje: Rosa G. Salgado.

SINOPSIS

Eloísa (Lina Canalejas) es una madre y fervorosa esposa que vive con su marido, que derrocha el sueldo en bebidas. Además tiene una hermana a la que no soporta debido a la riqueza que ésta posee y, sin embargo la hermana siempre está dispuesta a ayudarla. Todo esto ocurre en un barrio madrileño donde la pobreza y miseria arrasan debido a los estragos de la posguerra.


CRITICA

Otra vez más se nos presenta otra gran película del cine español, pero de aquel cine que era desgarrador en tiempos de la posguerra y que removía las entrañas del espectador hasta lo más profundo de su ser. Pero para desgracia de muchos, esta película no se pudo disfrutar lo suficiente debido a la censura que prohibió su estreno.

La película en sí podría mostrar una metáfora, por un lado estaría el personaje de Eloisa que representaría a la España republicana que perdió la guerra y su hermana, en la que se vería reflejada a esa parte de España que ganó la guerra donde el odio que existe entre ellas, quiere hacer partícipe al espectador de que en esa guerra luchaban miembros de una familia en bandos contrarios, creando cismas entre ellos que nunca se pueden olvidar.

Por otro lado estaría el papel de la madre de las dos hermanas, que sufre el aborrecimiento que hay entre ambas y que una y otra vez, en la película, repite siempre la frase: "no podéis estar siempre así, sois hermanas". Si a todo este cóctel molotov le añadimos al marido de Eloísa, (interpretado por Fernando Fernán Gómez) muestra la desesperación más absoluta en la que se encontraba mucha gente donde, su único consuelo muchas veces consistía en tomarse un chato de vino o echar la quiniela, puesto que no le hacían daño a nadie. Pero muchas veces, esas pequeñas distracciones se convertían en vicios puesto que no soportaban la vida miserable que llevaban.

Entre tanta desgracia, se ve como gente con poder o con un poco de riqueza trata con desdén o se aprovechan de la miseria de los demás, no sólo para sacar tajada en su propio beneficio sino más bien, para sentirse poderoso pudiendo manipular a la gente a su antojo. O como también, gente que sin buscar su beneficio te tiende la mano y, somos tan cerriles que no vemos esa bondad porque nos ciega un tremendo odio que no nos deja disfrutar.

La situación de las dos hermanas puede ser comparables a hoy en día (no sólo por la situación política que vive España en estos momentos sino más bien, porque pueden ser actitudes cotidianas cuando, por ejemplo, tenemos envidia ante los logros de otras personas o de nuestros propios amigos y no somos capaces de alegrarnos por ellos si tan importantes son. Estos sentimientos dispares se ven reflejados en las voces en off de los personajes (haciendo alusión a sus pensamientos) que muestran la rabia contenida que les consume.

Cómo he comentado al principio, esta se considera la película gafada de Fernando Fernán Gómez puesto que tuvo problemas durante el rodaje, distribución y estreno en España debido a la censura que había en España (además de que se gastó todos sus ahorros para que la película saliese adelante). Pero dentro de ese gafe, es un película totalmente memorable y muy recomendable para aquel que quiera disfrutar de un buen drama. Le prometo querido espectador, que no le defraudará.


Calificación personal: 9.6


Jurassic World (2015)




  • Dirección: Colin Trevorrow.
  •  Año: 2015.
  • Género: Acción,ciencia-ficciónaventuras
  • Reparto: Chris PrattBryce Dallas HowardTy SimpkinsNick RobinsonIrrfab KhanVincent D’OnofrioJake JohnsonOmar SyBD Wong, Courtney James Clark. 
  • Guión: Colin Trevorrow, Rick Jaffa, Amanda Silver, Derek Conolly.
  • Música: Michael Giachinno
  • Fotografía: John Schartzman
  • Producción ejecutiva: Steven Spielberg

SINOPSIS

Veintidós años después de lo ocurrido en Jurassic Park, la isla de Nublar ha sido la elegida para albergar el Jurassic World, un nuevo parque temático que incluyen dinosaurios modificados genéticamente. Este experimento, provocará estragos en los visitantes, ya que los dinosaurios han adquirido una inteligencia inesperada.


CRITICA

Yo, querido espectador, soy de esa generación que creció con Jurassic Park y El mundo perdido, por eso cuando en el año 2001 salió Jurassic Park III no tiramos de los pelos porque destrozaron una de las películas más míticas de los jóvenes (contando con la trilogía antigua de Star Wars). De tanto esperar sale esta dudosa "cuarta entrega" que no llega a acaparar la atención cómo lo hicieron las dos primeras.

Cómo planeó la productora, su estreno iba a ser en verano para que fuera un blockbuster y recaudar lo máximo posible. Tanto fue así, que llegó a superar en recaudación veraniega a la primera entrega de Los vengadores. Pero, por muchos nuevos dinosaurios haya y cuán feroces sean porque incluso intentando entretener al espectador, no lo consigue. Todo eso unido a un reparto poco carismático y con muy poca química, no hacen para nada creíble la historia. Y ya para colmo, si los mezclamos con la ingeniería genética, mal vamos.

Todos los lectores que lean mis posts de las películas sabrán que cuando desde mi punto de vista considero que una película no merece más mención, no me extiendo mucho más. Así cuidado, porque parece ser que de aquí a 5 años saldrán dos películas más del mundo de los dinosaurios.


Calificación personal: 4



sábado, 11 de junio de 2016

Ex-machina (2015)





  •  Dirección y guion: Alex Garland. 
  • Año: 2015. 
  • Género: Ciencia-ficción,thriller
  • Interpretación: Oscar IsaacDomhnall GleesonAlicia Vikander, Sonoya Mizuno, Corey Johnson. 
  • Producción: Andrew Macdonald y Allon Reich. 
  • Música: Ben Salisbury y Geoff Barrow. 
  • Fotografía: Rob Hardy. 
  • Montaje: Mark Day. 
  • Diseño de producción: Mark Digby.
  • Vestuario: Sammy Sheldon. 
  • Distribuidora: Universal Pictures International Spain


SINOPSIS

Caleb (Domhall Gleeson), un joven programador que trabaja en una de las mayores empresas de Internet del mundo. Tras ganar un concurso de la compañía, se prepara para realizar un viaje que le llevará a conocer al misterioso y solitario director ejecutivo de la empresa, Nathan (Oscar Isaac). Al llegar a la remota residencia, Caleb descubre que deberá participar en un experimento tan extraño como fascinante que consiste en convivir con la primera inteligencia artificial auténtica jamás creada, encerrada en el cuerpo de una preciosa robot.


CRITICA

De todas las películas de ciencia ficción de las cuáles he realizado la crítica (exceptuando Jurassic World y Star Wars VII) esta es sin duda la mejor película de este género de este blog y la mejor que he visto desde que tengo uso de razón. Puesto que pone de manifiesto la inteligencia artificial y a lo que está derivando esta sociedad en la cual, estamos sustituyendo a las personas por robots.

No sólo debemos centrarnos en la sustitución sino en todo lo que hay detrás y que ocurriría si dotásemos a un robot de todas las características humanas (tanto emocionales como físicas) pero sin mostrar el menor atisbo de reacción por parte de las máquinas.

Viene a representar de manera un poco fugaz el personaje del Doctor Frankenstein, el cual quiere crear una criatura a partir de diferentes miembros humanos para así dotarla de diferentes facetas. En este caso no es a partir de miembros humanos, sino de software informático y metales para crear su propio "Frankestein" pero, femenino para que así no se genere cierto rechazo si no más bien una atracción hacia la I.A.

Es una película delicada (puesto que el robot es del sexo femenino), limpia, atrevida y a veces un poco turbadora, ya que puede llevar a confusión al espectador; ya que al ser un guión sin ninguna grieta para entender su entramado; para alguien que no esté muy metido en el mundo de la ciencia ficción puede acabar un poco aturdido.

El reparto se reduce a tres actores, de los cuales me gustaría centrarme en el personaje femenino interpretado por Alicia Vikander (es la robot Ava) que hace un papel espectacular ya que interpreta a un ser/cosa que carece de sentimientos y, mantenerse impasible y no tener un ápice de expresividad es digno de encomio. Si bien gracia a esta película y a La chica danesa, todo el mundo centró su atención en esta joven actriz sueca donde con una corta filmografía, tiene muchos matices interpretativos.

También quiero mencionar los majestuosos efectos especiales a la hora de crear la robótica que compitieron con gran talento en las diferentes galas de premios con Star War VII: El despertar de la fuerza. De echo, Ex-machina le ganó el premio Oscar a ésta última.

En definitiva, para aquellos amantes de la ciencia ficción creo que no se van a arrepentir de ver esta maravillosa película que mantiene al espectador pegado al asiento así como le da que pensar a los diferentes acontecimientos que van apareciendo en la película.


Calificación personal: 8.7


Truman (2015)




  • Dirección: Cesc Gay.
  • Año: 2015.
  • Género: Tragicomedia. 
  • Reparto: Ricardo Darín, Javier Cámara, Dolores Fonzi. 
  • Guion: Cesc Gay y Tomás Aragay. 
  • Música: Nico Cota.
  • Fotografía: Andreu Rebés
  • Productora: Imposible Films, BD cine

SINOPSIS

Julián (Ricardo Darín) recibe la visita inesperada de su amigo Tomás (Javier Cámara), que vive en Canadá. Los dos amigos junto a Truman, su perro fiel, compartirán a lo largo de cuatro intensos días momentos emotivos y sorprendentes, provocados por la difícil situación que está atravesando Julián.


CRITICA

Sigo diciendo una vez más, que aquel que diga que el cine español es "basura" es porque realmente no ha visto películas suficientes para que diga semejante juicio de valor al respecto. Con esto quiero hacer notar una vez más que el cine español es bueno y de calidad.

El título de la película hace referencia al perro, pero el no es el verdadero protagonista sino el dúo Darín-Cámara que muestran una historia de amistad sin caer en la lágrima fácil y evita que el espectador se compadezca, puesto que lo que quiere mostrar realmente es que cuando se toma una decisión con paso firme; lo que se quiere es que los que te rodean te sigan viendo como aquel que eras antes.

Esto viene a colación, puesto que el protagonista tiene una enfermedad terminal y quiere vivir y morir tranquilo, pero a medida que se encuentra con viejos amigos y conocidos, la mayoría de todos ellos han rehusado a seguir hablando con él porque, ya que se sabe el final de su vida, porque no quieren ver su final. Cuando realmente, las ganas de vivir de un enfermo se manifiestan más cuando luchan y vencen a la enfermedad o incluso, cuando saben su final pero quieren vivir lo que les queda de manera intensa.

No hace falta ser un erudito o que una película nos muestre la realidad cuando nosotros mismos actuamos así, ya que al encontrarnos con un enfermo muchas veces no sabemos que decir por si metemos la pata, le vamos a ofender o incluso, con nuestra propia expresión facial nos delata ante la situación (es lo que le pasa al hijo del personaje interpretado por Darín en la película).

Aunque el reparto es muy coral, las interpretaciones llevadas a cabo por Javier Cámara y Ricardo Darín muestran la gran complicidad entre ellos y la buena sintonía que transmiten en el transcurso de toda la película. En cuanto al director, siempre me han gustado sus películas pero su carácter prepotente y soberbio no ya que a posteriori le pueden desmerecer mucho en lo que le quede de carrera.

Para mí y sin lugar a dudas, es una de las mejores películas del año 2015 y los premios que se llevó en la gala de los Goya fueron merecedores aunque tenía una gran competencia este año con el resto de películas españolas nominadas. Es una película que no deja lugar a la sensiblería ni a la tristeza, sino todo lo contrario; invita a la esperanza y a saber vivir bien la vida.


Calificación personal: 9



viernes, 10 de junio de 2016

La noche (1961)




  • Título original: La notte
  • Año: 1961
  • Género: Drama
  • Dirección: Michelangelo Antonioni
  • Intérpretes: Marcello Mastroianni, Monica Vitti, Jeane Moreau, Maria Pia Luzi, Berharnd Wicki.
  • Guión: Tonino Guerra, Michelangelo Antonioni, Ennio Flaiano.
  • Música: Giovanni Fusco
  • Fotografía: Gianni di Venanzo
  • Productora: Nep Films, Silver Films.

SINOPSIS

Un matrimonio tras visitar a un amigo en el hospital, deciden ir por la noche a una fiesta dejando a un lado su fracaso matrimonial. En dicha fiesta, ella (Jeane Moreau) flirtea con un playboy, mientras que el (Marcello Mastroniani) lo hace con la hija del anfitrión.


CRITICA

Aunque a simple vista esta película no parezca dura, realmente lo es. Porque como bien dice la expresión, hay que saber "leer entre líneas"; aunque en este caso lo más adecuado sería decir que hay que saber "leer entre las imágenes".

El fracaso matrimonial (se menciona de manera escueta en la sinopsis) se ve muy bien reflejado, no sólo en la actitud de los cónyuges, también en los diferentes planos que se muestran a lo largo de toda la película. Por ejemplo, en la fiesta de presentación del libro de él, llegan juntos, pero se separan y la cámara hace partícipe al espectador de ese momento. En esos momentos, aparece de manera simbólica el gran abismo que hay en el matrimonio.

No sólo las diferentes imágenes o secuencias muestran esta separación, sino también la actitud que van adoptando los dos personajes a lo largo de la historia. En el caso de ella, quiere volverse a sentirse amada y respetada como su marido lo hacía antaño. Él, en cambio dentro de la formalidad que implica su fama, necesita liberarse, sentirse como un niño y que sus pequeños momentos sean para él y con la persona con los que lo quiere compartir.

Pero a medida que ambos protagonistas quieren expresar al máximo sus emociones ven, que no lo deben de hacer con otras personas a las que apenas conocen, sino entre ellos que es lo que se demuestran al final de la película, cuando ella le lee una carta a él que le desconcierta.

Antonioni como otros directores del realismo italiano de los años 50 (algunas películas de esta época están en este blog) muestra la realidad del ser humano en su miseria emocional. Es decir, que busca reavivar su vida sus sentimientos dormidos con otras personas, cuando realmente tiene a la persona adecuada al lado. En cuanto al dúo protagonista Mastroniani dentro de su galantería hace un buen alarde interpretativo y que su personaje disihibido se lo llevó a su vida personal teniendo un affaire con Catherine Deneuve mientras estaba casado teniendo una hija. Y Jean Moreau era la femme fatale del momento, pero carecía de todo matiz interpretativo.

A veces es necesario revisar la buena etapa del cine italiano, y el realismo de los años 50 muestra de manera soberbia, que el buen cine existe y que muchas veces es europeo.


Calificación personal: 8





sábado, 4 de junio de 2016

Plácido (1961)




  • Dirección: Luis García Berlanga
  • Año: 1961
  • Género: Comedia
  • Intérpretes: José Luis López Vázquez, Amelia de la Torre, Elvira Quintilla, Julia Caba Alba, Amparo Soler Leal, Cassen, Manuel Alexandre, Luis Ciges.
  • Guión: Rafael Azcona, Luis García Berlanga, José Luis Colina, José Luis Font.
  • Música: Miguel Ansís Arbó
  • Fotografía: Francisco Sempere
  • Productora: Jet Films

CRITICA

Plácido (Cassen) ha sido contratado en Navidad para realizar una cabalgata de los burgueses, en una campaña para dar de cenar a un pobre en esa noche. Al finalizar su cometido, se me metido en un sinfín de problemas cuando lo que el desea es pagar una letra de su motocarro. Todo esto unido al alboroto generado por la cabalgata, le pondrá a Plácido en un aprieto.


CRITICA

Película muy mordaz a la que se le puede sacar un enorme partido sobre todo si comentamos la trascendencia de la historia y el mensaje que transmite a una sociedad donde se dejaba de lado a los más necesitados y donde las clases altas para "cumplir" tenían que hacer una pequeña obra de caridad.

Desde el principio, Plácido no se iba a llamar así sino más bien Siente un pobre a su mesa (es un eslogan que aparece de manera constante en la primera media hora de película) pero la censura produjo su cambio de nombre. No sólo eso, sino que también Plácido se libró de aquella censura que prohibía el estreno de determinadas películas.

Una vez más el cine de Berlanga muestra lo duro que es salir adelante para la clase trabajadora en los tiempo de la posguerra (e incluso se puede ver en la actualidad que pasa lo mismo) y como la clase pudiente necesita la apariencia para poder seguir viviendo con todos sus lujos y comodidades, haciendo además gala y ostentación de su "cristianismo", cuando por una vez al año hagan una buena obra y el resto del año siguen ignorando a los de clase más pobre.

El protagonista de la película tiene sólo una necesidad: que le firmen una letra de su motocarro. A lo largo de todo el camino se va a encontrar con gente burguesa que le va mandando para que cumpla con lo que le piden sin pararse a pensar en la pequeña necesidad que tiene Plácido; y mientras todos disfrutan de la Nochebuena, el no puede celebrarla con su familia.

Nos quiere reflejar Berlanga una vez más cómo el poder y la riqueza están por encima de todos los valores morales, donde la apariencia y el "qué dirán" importan más que una acción que sale del corazón. Es cierto que la película está hecha en tono de comedia negra, pero no deja de mostrar una realidad patente en toda sociedad "civilizada" que se precie.

El tandem Berlanga (director) - Azcona (guionista), hicieron las películas más importantes del cine español (sin olvidar aquellas que realizó Buñuel) y que se prolongaron bastantes años hasta que Azcona no soportó el endiosamiento al que había llegado Berlanga. De esta forma se muestra que la realidad o la caridad no sólo está fuera de nuestras fronteras sino que las tenemos a pie de calle y, es necesario ayudar a los que tenemos a nuestro alrededor.

Considero esta película como imprescindible para cualquier buen cinéfilo que se precie y que le guste el cine español en todas sus vertientes. Puesto que, aquella persona que dice: "el cine español es una mierda" es que realmente, no ha visto nada del cine español.


Calificación personal: 9