Tarde de perros (1975)

• Título original: Dog Day Afternoon
• Dirección: Sidney Lumet
• Año: 1975
• Género: Drama
• Intérpretes: Al Pacino, John Cazale, Charles Durning, James Broderick, Chris Sarandon, Judith Malina, Penelope Allen
• Guión: Frank Pierson
• Música: Elthon John
• Montaje: Dede Allen
• Fotografía: Victor J. Kemper
• Productora: Artists Entertainment Complex

SINOPSIS

Sonny Wortzik (Al Pacino) junto a un inexperto delincuente, Sal (John Cazale) deciden robar un banco en el barrio de Brooklyn para poderle costear la operación de cambio de sexo de la pareja del primero. Al perpetrar el robo, descubren que  ya habían retirado el dinero de la caja y toda su operación, se viene abajo.

CRITICA

Esta película está basada en los hechos reales que acontecieron en el año 1972 durante dicho verano en el período canícular, es decir, la temporada del año con más calor tanto en el hemisferio Norte como en el hemisferio Sur (aunque haya un desfase de seis meses). La palabra canícula deriva del latín "can" que quiere decir perro y, haciendo referencia a la constelación Can Mayor, de ahí procede el título de la película.

Centrándonos ahora a la historia que se le relata al espectador, se ve con claridad cuando el que roba un banco es un ladrón de poca monta o realmente es un ladrón experimentado, donde el primero demuestra una mayor torpeza con respecto al segundo. Por otro lado, refleja claramente como muchas veces, las personas que pasan penurias deciden robar en lugar de pedir a la beneficencia puesto que lo ven más humillante.

Otro aspecto que me llamó mucho la atención a la hora de ver la película fue como la gente se agolpaba tras el cordón policial apoyando a Sonny ya que ven a la policía como la opresión, pero cuando el protagonista ha necesitado ayuda de verdad y nadie le ha tendido la mano, a lo mejor no habría llegado a esa situación (no lo estoy justificando). También aparece bien reflejado cuando la gente aprovecha una situación donde hay mucho revuelo y quieren sus minutos de gloria.

Un pequeño análisis que quiero destacar es como la policía y el FBI llevan a un regimiento a la sucursal del banco, armados hasta los dientes como esperando el momento propicio para disparar a los atracadores y se observa como realmente si hubiese querido hacerle daño a los rehenes, nada más entrar habría matado a alguno e incluso, no hubiese estado tan dispuesto a ir soltando rehenes poco a poco. Lo que a veces pone en duda que realmente los altos cargos son los que acaban montando esos dispositivos para llevarse un minuto de gloria (pero no todos).

En definitiva, es una película intensa con las que Al Pacino destacó en los años 70 donde muchas veces se ve reflejada la miseria humana y las acciones deliberadas que vamos tomando por el camino que nos hacen cometer actos un tanto desagradables. Si es cierto que mantiene al espectador pegado a la pantalla esperando a ver como se van a desarrollar los acontecimientos así como las interpretaciones de los actores que son bastante destacables, pero no es una película como para recordar entre las mejores de la historia.

Calificación personal: 6.8

Abracadabra (2017)

• Dirección: Pablo Berger
• Año: 2017
• Género: Comedia negra
• Intérpretes: Maribel Verdú, Antonio de la Torre, José Mota, Priscilla Delgado, José María Pou, Quim Gutiérrez, Saturnino García, Julián Villagrán
• Guión: Pablo Berger
• Música: Alfonso de Villaronga, Pablo Berger
• Fotografía: Kiko de la Rica
• Montaje: David Gallart
• Productora: Arcadia Motion Pictures, Pegaso Pictures, Noodles Producciones.

SINOPSIS

Carmen (Maribel Verdú) vive en el barrio madrileño de Carabanchel con su marido Carlos (Antonio de la Torre) y su hija Toñi (Priscilla Delgado). Tras un espectáculo de hipnosis donde Carlos sale como voluntario, Carmen descubre que su marido está poseído por un espíritu maligno.

CRITICA

Creo que mis lectores sabrán que soy una defensora a ultranza del cine europeo y del cine español, pero creo que (con cierto criterio) se reconocer cuando una película es fallida y acaba por vender humo para salir adelante con la hipnosis de fondo y la verdad, es que no consigue hipnotizar lo más mínimo con su trama, a pesar de que el guión esté bien hilado desde el principio.

La expectativa que pone el espectador cuando ve esta película es encontrarse con una comedia fresca o entretenida o, una comedia negra con tintes de humor y lo que se acaba encontrando es un drama un tanto surrealista en donde el subconsciente entra en juego de una forma un tanto descabellada.

Intentándole ver el lado positivo, se pueden destacar una serie de puntos que (hasta cierto punto) hacen reflexionar como esa esclavitud de la mujer dentro del matrimonio y que sea ella la que tenga que hacer todo, solo porque el marido quiera ver el fútbol a todas horas o, menosprecie el esfuerzo y empeño para llevar su casa. Cuando tiene la opción de poder liberar al antiguo yo de su marido y poder elegir al nuevo, ella decide contra todo pronóstico vivir su final, que al fin y al cabo es lo que acaba contando.

A mi personalmente, no es una película que me haya fascinado mucho ni me haya enganchado, de echo ha habido momentos en los que el sopor invadía mi cuerpo. Además, si se quiere ver a estos dos grandes actores, tienen película infinitamente mejores, aunque si es cierto que en cuanto a su calidad interpretativa no hay nada que desdeñar. Una de las muchas películas para olvidar y que no hará falta recordar.

Calificación personal: 4

Monster (2003)

• Dirección: Patty Jenkins
• Año: 2003
• Género: Drama, biográfico
• Intérpretes: Charlize Theron, Christina Ricci, Bruce Dern, Lee Tergesen, Annie Corley
• Guión: Patty Jenkins
• Música: Brian Transeau
• Fotografía: Steven Bernstein
• Montaje: Arthur Coburn, Jane Kurson
• Productora: DEJ Productions

SINOPSIS

Aileen "Lee" Wuornos (Charlize Theron) lleva prostituyéndose desde los 15 años tras sufrir el abandono por parte de su padre. Durante el transcurso de su vida, observa como los hombres la desprecian a causa de su aspecto físico, de su carácter demasiado "varonil" y de diversas quemaduras en su cuerpo. En Florida conoce a la joven Selby (Christina Ricci) de la que se enamora y deciden huir juntas. Todo parece ir bien hasta que Lee, comete un error.

CRITICA

En algunos casos (por no decir la mayoría) siempre escribo al principio de la crítica, que una película me ha impactado, no solo porque la historia me haya atrapado, sino también por el trasfondo y lo que muchas veces puede llegar a transmitir sin "edulcorar" demasiado la realidad. Pues bien, con esta película, se me han removido las entrañas no sólo por el tema tan espinoso como es la prostitución, sino la vida que llevó la protagonista a lo largo de su vida.

En los primeros cinco minutos de película, se resume prácticamente su vida desde que era una niña hasta que se metió de lleno en el mundo de la prostitución. Esta situación le ha provocado endurecerse y adquirir un carácter y una pose muy masculina, aunque de poco le ha servido ya que ha sufrido todo tipo de humillaciones y vejaciones y además, piensa que no va a conseguir dejar huella ni en la sociedad ni en nadie, hasta que conoce a Selby.

La aparición de esta joven lesbiana le permite explorar más allá del odio que guarda en su interior e intenta por todos los medios salir adelante sin tener que recurrir a la prostitución, aún así la sociedad ya la ha juzgado y marcado con su profesión, produciendo una nueva recaída y a la vez, el inicio de la liberación de ese "monstruo" interior para acabar con aquellos que le hacen daño; que en definitiva son los hombres. En todo este ir y devenir de la liberación, Selby quiere vivir una relación libre de todo prejuicio y también idílica, ya que no es capaz de tomar decisiones por si sola y recurre siempre al llanto para que Lee se sienta culpable porque no le da una vida mejor (incluso a veces no le da comida) y tiene que retomar esa profesión a la que al final le ha cogido miedo. Para que al final, Selby acabe salvándose y culpando de todo a Lee.

Por otro lado, no solo se ve la maldad de Lee a través de su odio hacia los hombres, sino también como el hombre (en este caso me refiero a los de género masculino) usan a las prostitutas como simples medios de divertimento sexual puesto que se "aburren" de sus mujeres y se creen con poder y derechos para poder maltratarlas y violarlas con total impunidad porque "total, como son prostitutas, ¿quién las va a creer?".

Por otra parte, hasta cierto punto también permite reflexionar un poco sobre el juicio que se tiene sobre estas mujeres, puesto que no se sabe su situación personal para haber acabado ahí, no se sabe si tienen hijos o no, si reciben ayuda del Estado y un largo etcétera que lo que hace es complicarles aún más la vida a estas mujeres. Que no por esto se debe de justificar el asesinato.

El guión es totalmente impecable donde muestra la evolución del personaje de Aileen Wuornos en su faceta más destructiva, sino también en el profundo dolor que hay en su interior y que de alguna forma intenta paliar con las frases "motivacionales" que le decían de pequeña. Charlize Theron está espectacular en su interpretación, haciendo de mujer ordinaria y vulgar, a la vez que harapienta, mugrienta y borracha con unas expresiones faciales muy marcadas y, dependiendo de la situación y del estado de ánimo sus gestos y su expresión muestran el carácter de Lee. Christina Ricci no se queda atrás, pero siempre haciendo personajes de niña pequeña y sensible que no es capaz de enfrentarse a los acontecimientos del día a día y que prefiere vivir en una burbuja.

Desde mi humilde punto de vista, es una película que recomendaría por la gran intensidad dramática y por la capacidad de transmitir un mundo tan sórdido y lleno de peligro (aunque no lo parezca) e incluso llegar a entender, la vida de estas mujeres a las que nadie les ha echado (o les tiende) una mano.

Calificación personal: 8

Dirty Dancing (1987)

• Dirección: Emile Ardolino
• Año: 1987
• Género: Romántica
• Intérpretes: Patrick Swayze, Jennifer Grey, Jerry Orbach, Kelly Bishop, Cynthia Rhodes, Jack Weston.
• Guión: Eleanor Bergstein
• Música: John Morris, Erich Bulling
• Fotografía: Jeffrey Jur
• Montaje: Peter C. Frank
• Vestuario: Hilary Rosenfeld
• Escenografía: Clay Griffith

SINOPSIS

Johnny Castle (Patrick Swayze) es un experto profesor de baile que trabaja en un complejo veraniego. Uno de los veranos conoce a Baby (Jennifer Grey) una joven adolescente de familia adinerada que pasa las vacaciones de verano en dicho complejo.  Allí se conocen intentando luchar contra las diferencias sociales.

CRITICA

Al igual que en la década de los 2000, El diario de Noa volvió a marcar un antes y un después en las película del género romántico y por mostrar un amor de juventud entre dos personas de dos clases sociales diferentes; Dirty Dancing hizo lo propio pero centrando la historia de amor con el baile como vehículo. Aunque la historia desde el primer momento no muestra ningún tipo de profundidad.

Es cierto que el objetivo de la trama (y como consecuencia del guión) no es para nada  mostrar ningún tipo de valor a través de la historia de los dos protagonistas, solo pretende que el espectador de alguna forma idealice el primer amor o el amor de verano y, cómo siempre la "niña bien" se acaba enamorando de alguien inferior a su clase y dicho amor, fluye como la seda.

Su objetivo principal es muy sencillo: seducir al espectador con el tándem entre la historia de amor y el baile y quitar los prejuicios hacia otras clases sociales. Si bien el fenómeno vino por los dos actores, cuyo atractivo es más que evidente (aunque durante el rodaje se llevaron a matar) y la canción principal de la película que fue un éxito mundial.

No reniego el haber visto la película, puesto que de vez en cuando es bueno distraer la mente, pero si se quiere pasar un rato agradable y distraído y no tener que pensar mucho, o verla con amigos o la pareja, Dirty Dancing puede ser tu película.

Calificación personal: 5.5

L.A. Confidential (1997)

• Dirección: Curtis Hanson
• Año: 1997
• Género: Suspense
• Intérpretes: Kevin Spacey, Russell Crowe, Guy Pearce, Kim Basinger, James Cromwell, Danny DeVitto, David Strathaim, Simon Baker.
• Guión: Curtis Hanson, Brian Helgeland
• Música: Jerry Goldsmith
• Montaje: Peter Honess
• Vestuario: Ruth Myers
• Fotografía: Dante Spinotti
• Productora: Regency Enterprises

SINOPSIS

Los Ángeles años 50. Tres policías se ven envueltos en una intriga criminal que destapa los trapos sucios del Departamento. Para recuperar el prestigio perdido, el impetuoso Bud White (Russell Crowe), el formal Ed Exley (Guy Pearce) y el ambicioso Jack Vincennes (Kevin Spacey) se hacen cargo de la investigación del caso.

CRITICA

Por los años 90, hubo una gran explosión del neo-noir o cine de suspense que recordaba a aquel cine que se hacía alrededor de los año 50, claro está que el caso de esta película hay que darle las gracias al escritor James Ellroy puesto que se basa en su novela homónima. Si bien el escritor suele crear tramas un poco enrevesadas, de alguna forma en la película se consigue que esa confusión vaya desapareciendo (aunque al principio crea un poco de caos).

Desde el primer momento es una película vibrante donde muestra la sordidez y la corrupción de aquellos años en el departamento de policía, no solo porque algunos de ellos estuviesen comprados por diferentes mafiosos, sino también porque campaban a sus anchas por la ciudad asesinando a diestro y siniestro sin ningún tipo de consecuencias para que, a posteriori, se les tratase como a héroes. Aunque, siempre queda un pequeño rescoldo de honradez a través de un miembro del cuerpo de policía que es incorruptible y que ante todo debe de cumplir la ley, a pesar de granjearse algún que otro enemigo dentro de su propio trabajo. Pero, como ocurre hasta en las buenas familias, cuando llega la hora de la verdad y debe de descubrir a los verdaderos asesinos, a veces se deben de emplear métodos poco ortodoxos para intentar hacer cumplir la justicia.

Por otro lado, también aparece bastante bien reflejado el mundo sórdido de Hollywood de aquello años, donde los grandes magnates, mafiosos y/o proxenetas, jugaban con las ambiciones de tantas jóvenes para crear patrones de belleza e incluso introducirlas en el mundo de la prostitución y de las drogas sin que pudiesen tener salida alguna. Aunque nos quede un poco lejano, hoy en día esta práctica se sigue empleando no solo en el mundo del cine sino también a través de la trata de blancas con mujeres de Europa del Este y del resto del mundo.

De otra forma, también refleja la actuación de la policía por aquellos años, ya que en parte se sentían con poder para ejercer su justicia a su manera haciendo la vista gorda frente a actividades delictivas, actuando con brutalidad policial o incluso ostentar su cargo para conseguir una mayor cantidad de poder sin importar el qué y el como y, la fama es mucho más importante que la buena moral.

Al ver esta película (a pesar de ser ligeramente antigua) me ha resultado un soplo de aire fresco en este género y claro, cuando años atrás vi la adaptación nefasta de La dalia negra del mismo escritor, ahí empecé a ver claro el principio del fin de la decadencia de un género que había dado al espectador tantas alegría. Para nuestra desgracia, es un género que desde hace tiempo está abocado al fracaso y donde los guiones con un argumento sólido, brillan por su ausencia. En cuanto al reparto, está bastante resolutivo y con unas interpretaciones acorde al personaje que están interpretando, dando aún más si cabe una fuerza extraordinaria a la historia y permitiendo que el espectador se quede totalmente hipnotizado desde el primer momento. Desde mi punto de vista, es una película imprescindible en el género del suspense actual y cuya historia atrapa desde el primer momento.

Calificación personal: 8

La forma del agua (2018)

• Título original: The shape of water
• Año: 2018
• Género: Fantasía, ciencia ficción
• Dirección: Guillermo del Toro
• Intérpretes: Sally Hawkins, Octavia Spencer, Richard Jenkins, Michael Shannon, Doug Jones, Michael Stuhlbarg, Lauren Lee Smith.
• Música: AlexandRe Desplat
• Guión: Guillermo del Toro y Vanessa Taylor
• Fotografía: Dan Laustsen
• Montaje: Sidney Wolinsky
• Productora: TSG Entertainment, Double Dare You Productions

SINOPSIS

La vida de la solitaria Elisa (Sally Hawkins) que trabaja en un laboratorio estadounidense durante la Guerra Fría como limpiadora, cambia radicalmente cuando descubre un experimento clasificado como secreto: un hombre anfibio (Doug Jones) que se encuentra recluido.

CRITICA

El género de la ciencia ficción suele estar bastante denostado, sobre todo por la complejidad que a veces conlleva el crear una historia sin producir grandes incongruencias narrativas. Pero si bien es cierto, que a veces con crear una pequeña trama que no sea demasiado rebuscada, da un soplo de aire fresco a este género.

A través de esta película no solo se pretender contar una historia de amor imposible entre dos seres físicamente diferentes, sino pequeños valores morales que se transmiten incluso a partir del comportamiento de los diferentes personajes. Por ejemplo, muchas veces la ambición o el ansia de poder puede cegarle a uno para mirar hacia el futuro o, no olvidarse que vivimos en un entorno con más seres humanos y no hace falta pisotearles. También refleja cierto valores como es el caso de personas marginadas por cualquier causa, cómo son las que al final tienen un corazón más generoso y más bondadoso.

De una forma más metafórica, la ubicación espacio temporal, es decir en un laboratorio en plena Guerra Fría, refleja aún más la falta de sensibilidad humana en un mundo interesado más en destruir al enemigo que en ayudar al prójimo. Así como el descubrimiento de algo nuevo (en este caso la criatura marina) que refleja el afán de posesión y de egoísmo a la hora no sólo de ayudar a tu propio país, sino también a la persona que tenemos al lado.

Toda esta maraña de sentimientos reflejados a través de esta alegoría fantástica, hace a La forma del agua una película delicada a la par que exquisita en su visionado, acompañada también por una excelente banda sonora del gran maestro Alexandre Desplat. Ahora sí, he de decir que esa retahíla de premios que se ha ido llevando no son bastante justos, puesto que la historia a pesar de ser bonita, no tiene una profundidad sobrecogedora que la haga merecedora de la mejor película del año. Si bien es cierto, que no sólo la estética es arriesgada, sino lo es también el género al que se lleva dicha estética.

Si es cierto, que desde mi punto de vista es la mejor película que ha escrito y dirijido Guillermo del Toro hasta la fecha y con su sello siempre inconfundible, pero había mejores películas y guiones este años en las diferentes entregas de premios (no por esto la desmerezco).

En definitiva, para pasar un rato entretenido, agradable y donde la imaginación del espectador fluye como un río, creo que esta película presenta todos los requisitos de una tarde entretenimiento, porque al fin al cabo el cine está para entretener.

Calificación personal: 7

El árbol de la vida (2011)

•  Título original: The tree of life. 
• Dirección y guion: Terrence Malick.
• Año: 2011.
• Género:Drama. 
• Interpretación: Brad Pitt, Sean Penn , Jessica Chastain, Fiona Shaw , Irene Bedard, Hunter McCracken, Laramie Eppler, Tye Sheridan. 
• Producción: Dede Gardner, Sarah Green, Grant Hill, Brad Pitt y William Pohlad. 
• Música: Alexandre Desplat. 
• Fotografía: Emmanuel Lubezki. 
• Montaje: Mark Yoshikawa. 
• Diseño de producción: Jack Fisk. 
• Vestuario: Jacqueline West. 
• Distribuidora: Tripictures.

SINOPSIS

“El árbol de la vida” es un canto a la vida. Busca respuestas a las preguntas más inquietantes, personales y humanas; a través de un caleidoscopio de lo íntimo y lo cósmico, que va de las emociones más descarnadas de una familia de un pequeño pueblo de Texas a los límites infinitos del espacio y del tiempo, de la pérdida de la inocencia de un niño a los encuentros transformadores de un hombre; y lo hace con sobrecogimiento, asombro y trascendencia a través de una historia impresionista de una familia del medio-Oeste americano en los años cincuenta, que sigue el transcurso vital del hijo mayor, Jack, a través de la inocencia de la infancia hasta la desilusión de sus años de madurez, en su intento de reconciliar la complicada relación con su padre (Brad Pitt).

CRITICA

Lo primero que he de decir es que la película me fascinó por completo por el retrato íntimo y personal de cada uno de los personajes (sobre todo el de los niños) y el reflejo de los sentimientos a través de las preguntas que todo ser humano se plantea (de donde venimos, que hay después de la muerte...) por medio de imágenes que a pesar de ser reales son completamente oníricas, y de esta forma hacer una retrospectiva sobre la condición humana.

La controversia que se produjo cuando se estrenó la película, una gran mayoría se preguntaba: "¿qué es lo que realmente ha querido transmitir, a través de dos horas de película donde los diálogos son prácticamente escasos?" La respuesta es muy sencilla: un viaje hacia las emociones personales que las describe de forma metafórica a través de ciertos acontecimientos que han ocurrido desde el principio de los tiempos. De esta forma, lo que pretende también el directo mostrar es reflejar la unión que cada uno de los seres humanos tiene con su entorno no solo en el presente, sino también con nuestro pasado y nuestro futuro.

Esto plantea también el dilema de que el pasado no se puede modificar y no se puede cambiar, pero podemos actuar en el presente para así poder determinar nuestro futuro. Pero, ¿que ocurre cuando nuestro pasado, nuestra infancia acaba repercutiendo en nuestro presente y que condiciona nuestro futuro? No acabamos de disfrutar de la vida y de todo aquello que nos rodea y que en muchos casos (y por desgracia) acabamos siempre quedándonos con los malos recuerdos que acabarán marcando nuestra vida.

Esto se ve bastante bien reflejado en el matrimonio O'Brien, sobre todo en la figura del padre, el cual exige siempre a sus hijos a alcanzar la perfección o incluso está en una crítica constante hacia todo lo que hacen (y todo lo que no hacen). Y a la vez, el padre busca el cariño de sus hijos y el intentar ser cariñoso, pero sus hijos ya no saben como actuar con el. Puesto que el objetivo en el que tiene puestas las esperanzas es que sus hijos sean la perfección personificada y ellos solo quieren ir poco a poco en su infancia y adolescencia. Pero se ve que no son felices salvo cuando están con su madre, que es la que les da ternura y les protege de los arrebatos de su padre.

En toda esta vorágine, se ve como los hijos entran en un estado de rebeldía y de confusión que les irá marcando, sobre todo en el hijo mayor, Jack, que descubre cuando es ya adulto siente de alguna forma el vacío existencial que le ha marcado en la relación con su padre y que no ha conseguido adaptarse a su vida a pesar de todo el éxito conseguido, puesto que lo que realmente ha añorado durante toda su vida es algo que toda persona necesita para crecer: el amor de sus padres para crecer con humanidad.

El árbol de la vida es una película difícil de catalogar, ya que muchos piensan que es difícil catalogarla dentro del género cinematográfico o del arte. Muestra también de alguna forma que los valores aparecen incluso en los dinosaurios, que la belleza va más allá de las cosas o el éxito material, que muchas veces se encuentra en la propia naturaleza y el entorno. También existe un paralelismo entre el camino de la naturaleza y el camino de lo divino, los cuales van cogidos de la mano. Para el director Terrence Malik existe la misma intimidad y belleza desde la creación del universo e incluso en la pérdida de un hijo, en la luz que precede a toda existencia humana e incluso en el primer contacto de un adolescente con la muerte y como le afecta a posteriori.

Desde mi punto de vista, es un canto a la vida, a todo aquello que nos rodea, al mundo, al universo e incluso a Dios, en definitiva a todo aquello que nos permite crecer como seres humanos sabiendo que la bondad siempre está por encima de toda maldad. De ahí la metáfora con un árbol: crece desde algo tan pequeño como una semilla para ser un ser vivo esplendoroso en un entorno donde se puede desechar lo malo.

Calificación personal: 9

Centauros del desierto (1956)

• Título original: The searchers
• Dirección: John Ford
• Año: 1956
• Género: Western
• Intérpretes: John Wayne, Jeffrey Hunter, Natalie Wood, Vera Miles, Ward Bond, John Qualen, Henry Brandon, Ken Curtis.
• Guión: Frank S. Nugent
• Música: Max Steiner
• Fotografía: Wiston C. Hoch
• Montaje: Jack Murray
• Productora: Warner Bros. Pictures, C.V. Whitney Pictures

SINOPSIS

Ethan (John Wayne) vuelve a casa de su hermano tras la Guerra de Secesión y al poco tiempo toda su familia (menos su sobrina pequeña) es asesinada por los indios comanches. Durante cinco años decide buscar a su sobrina y matar a los comanches que asesinaron a su familia.

CRITICA

Desde que tengo uso de razón y desde que veo películas del cine clásico, el western era una de los géneros que siempre se me ha resistido puesto que la gran mayoría de las veces la trama gira en torno a exterminar a los indios puesto que son los culpables de que muriese tanto estadounidense. Y a lo mejor tendría que ser al revés. Pero lo que interesa de esta película, es de alguna manera la redención de un hombre solitario que tras luchar en la Guerra de Secesión decide buscar su lugar en el mundo, pero ve que no es capaz de encontrarlo, debido a su odio contra los indios.

En este viaje de búsqueda de cinco años de su sobrina, se os descubre al espectador a un hombre atormentado que ha perdido varios años de u vida en una guerra que lo único que le ofreció fue una caída en desgracia de su persona y que lo único que quería hacer era retirarse y poder estar con su familia. Pero en su fuero interno, el sabe que siempre será un hombre con un pasado que le atormenta y que estar con los suyos le produce el mismo dolor que estar lejos de ellos. Aunque, a pesar de esa faceta de hombre duro y rudo con una personalidad racista, es capaz en cierto modo de reconocer su debilidad y de intentar ayudar a los suyos y preservar de alguna forma la estirpe familiar, pero no a través de él (por el odio que alberga en su corazón) sino por medio de los dos únicos supervivientes: su sobrina Debbie y su sobrino "adoptivo" Martin.

Si se observa desde otro punto de vista, puede transmitir el sentimiento y el empeño que el ser humano pone sobre las cosas y todos los impedimentos que va encontrando a lo largo de su camino y, como en determinados momentos somos capaces de tirar la toalla u otras veces perseveramos hasta conseguir aquello por lo que luchamos; aunque en muchas ocasiones esas "persecuciones" puedan destruirnos a nosotros mismos y aquellos a los que queremos.

También podría verse una pequeña metáfora a través de los paisajes. Nos muestran un terreno árido donde vive muy poca gente, un terreno desértico, con follaje de secano, poca abundancia de ríos; lo que puede reflejar en cierto modo la soledad que en cierta manera vivimos tras una serie de acontecimientos que han marcado nuestra vida, como puede ser una guerra. Incluso se dice que fue un reflejo de la vida del director John Ford, ya que Hollywood le había mandado al ostracismo por sus problemas con el alcohol, así como el haber luchado en la Segunda Guerra Mundial.

En cierto modo, a pesar de su duración, la película no solo permite al espectador ahondar en una época donde la masacre a los indios, el fin de la Guerra de Secesión y la supervivencia, fue un período clave para el cine en aquellos tiempos, sino que también muestra de alguna forma que el ser humano puede ser bastante vulnerable y que no siempre se consigue aquello por lo que se lucha, pero si es cierto que esas adversidades te ayudan a forjarte como persona y a no perder tu seña de identidad.

Calificación personal: 7.5

Fast & Furious 6 (2013)

• Dirección: Justin Lin.
• Año: 2013
• Género: Acción. 
• Interpretación: Vin Diesel, Paul Walker, Dwayne Johnson, Luke Evans, Michelle Rodriguez, Jordana Brewster, Elsa Pataky, Sung Kang, Tyrese Gibson , Gal Gadot, Ludacris, Gina Carano. 
• Guion: Chris Morgan
• Producción: Vin Diesel, Neal H. Moritz y Clayton Townsend. 
• Música: Lucas Vidal. 
• Fotografía: Stephen F. Windon. 
• Montaje: Kelly Matsumoto y Christian Wagner. 
• Diseño de producción: Jan Roelfs. 
• Vestuario: Sanja Milkovic Hays. 
• Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

SINOPSIS

Desde que Dom (Vin Diesel) y Brian (Paul Walker) destruyeron el imperio de un mafioso y se hicieron con cien millones de dólares, el grupo se ha dispersado por el planeta. Pero siguen sin poder regresar a casa ya que son prófugos de la justicia. Mientras tanto, Hobbs (Dwayne Johnson) ha estado siguiendo la pista por doce países a una banda de letales conductores mercenarios. Hobbs le pide a Dom que reúna a su equipo y le ayude a atraparlos a cambio de un indulto.


CRITICA

Quién iba a decir que allá por 2001 una película estrenada bajo el título de A todo gas se iba a convertir en una de las franquicias más taquilleras (y más largas) de la historia del cine. Cómo ya sabrán mis lectores habituales, el ritmo de la película es muy similar (por no decir completamente similar) al de sus anteriores entregas.

Basta con mostrar al espectador escenas de acción donde los coches son los protagonistas, donde hay persecuciones así como explosiones y peleas en cada fotograma que se muestra; unido a los chistes fáciles que corren a cargo de Ludacris y de Tyrese Gibson. En definitiva, el guionista no es que se haya quebrado mucho la cabeza a la hora de construir la historia. También aprovecha la escena poscréditos de la entrega anterior, para intentar hilvanar crear un argumento.

La presencia de nuevos personajes permite (hasta cierto punto) que no solo la historia gire en torno a los personajes originales, sino también que a pesar de que siempre ganen los buenos, los malos siguen codo con codo contra los buenos.

En definitiva, este tipo de películas están destinadas para aquellos que quieran entretenerse durante un par de horas y no tener que estrujarse mucho la cabeza para pasar un buen rato. No siempre se tienen porque ver dramas...


Calificación personal: 5

Sin rodeos (2018)

• Dirección: Santiago Segura
• Año: 2018
• Género: Comedia
• Intérpretes: Maribel Verdú, Toni Acosta, Diego Martín, Cristina Castaño, David Guapo, Cristina Pedroche, Enrique San Francisco, Bárbara Santa Cruz, Rafael Spregelbud, Santiago Segura, Candela Peña, Florentino Fernández, Alaska
• Guión: Santiago Segura, Marta González de Vega, Benigno López
• Música: Roque Baños, Tessy Díaz
• Fotografía: Kiko de la Rica
• Productora: Atresmedia Cine, Movistar +, Sin Filtro Producciones

SINOPSIS

Paz (Maribel Verdú) aparentemente tiene una vida perfecta al tener trabajo, amigos y familia. Pero se siente angustiada y con ataques de ansiedad. Un día decide ir a ver al "sanador" Amil Narayan (Santiago Segura) que le da una medicina potente que la ayudará. Al día siguiente, Paz es incapaz de controlar todo lo que se le pasa por la cabeza.

CRITICA

He de decir, que tuve la gran suerte de ir a la premiere de la película y verla sin que hubiese gente hablando a mi alrededor. También tengo que resaltar que es una comedia actual, fresca, con sentido del humor pero, que también pone al espectador con los pies en el suelo sobre una realidad que vivimos todo el mundo día a día, pero que muchas veces nos negamos a ver.

Todo lo que le ocurre a la protagonista denota de muchas maneras como suele vivir el ser humano en determinados aspectos de nuestra vida, como por ejemplo estar siempre pegado a la tecnología incluso cuando se ha quedado con alguien y no le prestas atención, la pérdida de humanidad en el lugar de trabajo así como el machismo que está vigente en los mismos o cosas que en un principio parecen tan nimias como pensar que lo viejo o las personas de otras generaciones ya no "están de moda" o no tienen ninguna relación con las nuevas tendencias o lo nuevo (huelga decir, que lo nuevo no existiría sin lo viejo). Además muestra como la sociedad se deja llevar por lo que está de moda y como muchas veces valoramos lo que hay más allá de nuestras fronteras y no lo que hay dentro de nuestro propio país.

Por otro lado, todo esto te lo muestra con un toque cómico y con humor en el momento en el que la protagonista acaba explotando y diciendo todo aquello que se ha estado reprimiendo durante mucho tiempo y que a la vez le impedían tener una vida acorde a como quiere vivirla y dejar de actuar como dicten las normas. Cuando le cambia ese concepto sobre su vida, entonces es cuando se da cuenta de que realmente muchas veces es la propia sociedad la que nos pone limitaciones y al final nosotros nos acabamos resignando.

Al igual que hizo Álex de la Iglesia con Perfectos desconocidos al hacer el remake de una película italiana, Santiago Segura ofrece la misma perspectiva pero de una película chilena. Y hay que mencionar, que lo resuelve con bastante soltura para ser una película que se encuentra fuera de la saga de Torrente. Todos los actores que aparecen en la película están impecables interpretando a distintos personajes que nos muestran como es el ser humano actualmente. Pero sobre todo destacar a Maribel Verdú, que siempre es capaz de interpretar a un personaje dramático como a uno cómico sin ningún tipo de problema.

En definitiva, se podría decir que aunque el espectador llegue a pasar un rato agradable al ver Sin rodeos, también tiene un punto reflexivo donde se quiere mostrar como en cualquier parte del mundo lo que importa muchas veces son las apariencias, el estar conectado o incluso la ayuda al prójimo cuando no cuesta mucho ser amable. Y una vez más, estoy orgullosa del cine español y que también podemos seguir aportando películas con frescura y renovadoras.

Calificación personal: 8

Eloísa está debajo de un almendro (1943)

• Dirección: Rafael Gil
• Año: 1943
• Género: Comedia
• Intérpretes: Amparo Rivelles, Rafael Durán, Alberto Romea, Mary Delgado, Guadalupe Muñoz Sampedro, Juan Espantaleón, Juan Calvo, Joaquín Roa, José Prada.
• Guión: Rafael Gil
• Fotografía: Alfredo Fraile
• Montaje: Sara Ontañón
• Música: Juan Quintero
• Vestuario: Pedro Rodríguez
• Escenografía: Enrique Alarcón
• Productora: CIFESA

SINOPSIS

Fernando (Rafael Durán) regresa a su casa tras la muerte de su padre. En una carta que le dejó, le pide que resuelva el crimen de una mujer que murió años atrás. Esto le lleva a Fernando a conocer a los habitantes de una extraña mansión, entre los que se encuentra Mariana (Amparo Rivelles) de la que se enamora perdidamente.

CRITICA

A lo largo de toda la historia del cine, se han adaptado obras clásicas de teatro de autores de renombre; en el caso del cine español, son muchas obras las adaptadas a la gran pantalla y que gozan en gran medida de las similitudes de su compañera escrita para ser publicada. Lo que ocurre es que con Eloísa está debajo de un almendro, supuso una revolución cuando se estrenó en España pero a mí, me ha generado desasosiego al ver la adaptación.

Quien haya leído la novela, sabe que es una comedia donde la aparición de personajes histriónicos al igual que situaciones inverosímiles son los que van desarrollando la trama para resolver el asesinato (aunque no llegue a ser lo más relevante de la historia). Pero, el desasosiego que he mencionado al principio, se debe a la angustia que me han llegado a producir los actores que han interpretado a los personajes de una forma un tanto excéntrica, perdiendo (desde mi punto de vista) el toque real cómico de la historia.

Hay que tener en cuenta, que por aquellos años, las adaptaciones de obras de teatro era lo más habitual en el cine español y que muchas veces podría generar una pequeña confusión en el espectador puesto que, en una obra de teatro se identifican claramente cuáles son los actos y cómo se divide la misma obra por lo que, a la hora de adaptarla es cuando se genera ese caos y esa confusión.

Pero, no hay que quitarle todo el mérito a la obra ni mucho menos, ya que Enrique Jardiel Poncela, escribió una obra de teatro, donde el humor inverosímil y de los absurdo, debía de ser el completo protagonista para que se pudiese desarrollar el argumento de la trama. Si bien es cierto, que el escritor no se sintió muy orgulloso cuando escribió esta obra. El único pero que puedo ponerle a la película es que, por norma general por aquella época cuando un actor o una actriz debían de interpretar a un personaje cómico, lo hacían de forma sobreactuada como si estuviesen en un teatro, lo que en parte le quita un poco la esencia a la película.

Calificación personal: 5.5