Mucho ruido y pocas nueces (1993)

 

• Título original: Much ado about nothing
• Año: 1993
• Género: Romántica
• Dirección: Kenneth Branagh
• Intérpretes: Denzel Washington, Emma Thompson, Kenneth Branagh, Robert Sean Leonard, Kate Beckinsale, Keanu Reeves, Michael Keaton, Richard Briers, Imelda Staunton, Richard Clifford.
• Guión: Kenneth Branagh
• Música: Patrick Doyle
• Fotografía: Roger Lanser
• Montaje: Andrew Marcus
• Vestuario: Phyllis Dalton
• Productora: Samuel Goldwyn Company

SINOPSIS

En una villa de la Toscana en el siglo XV, vive la joven Hero (Kate Beckinsale) que se va a casar con el joven Claudio (Robert Sean Leonard), el cual pide ayuda a su amigo Don Juan de Aragón (Denzel Washington), el cual ha vuelto victorioso del a guerra frente a su hermano bastardo Don Juan (Keanu Reeves), que intenta arruinar el estado de júbilo de los amigos de su hermano.

CRITICA

Sabemos que el adaptar un libro a la gran pantalla es complicado pero, lo es aún más cuando se trata de una obra de teatro puesto que, hay que captar la esencia completa de los personajes e intentar ser lo más fiel posible, captando al máximo toda la esencia. Nunca se llegan a leer todos los libros que se han adaptado pero, en este caso me leí la obra y pasé un rato muy agradable leyéndolo y te engancha de principio a fin. Al igual que la película.

A pesar de que en el elenco de actores hay alguno de ellos que todavía son jóvenes e inexpertos y que se ve reflejado en sus expresiones faciales, se compensa claramente con varios pesos pesados de la interpretación que, a pesar de no ser los protagonistas del romance, si que sacan un buen partido a las interpretaciones; que son Emma Thompson y Kenneth Branagh, que por aquel entonces eran pareja y actuaron varias veces juntos.

En todo momento se ve claramente como transmite el espíritu de Shakespeare y en todo momento mantiene la historia fresca y atrapa por completo al espectador. La verdad, es que he visto pocas adaptaciones de uno de los mejores autores británicos de la historia, pero en este caso, no decepciona a nadie, aunque no sea una obra maestra. Pero es entretenida y ese propósito, lo cumple con creces.

Calificación personal: 8.5

Una joven prometedora (2020)

 

• Título original: Promising young woman
• Año: 2020
• Género: Thriller
• Dirección: Emerald Fennell
• Intérpretes: Carey Mulligan, Bo Burnham, Alison Brie, Jennifer Coolidge, Laverne Cox, Clancy Brown, Alfred Molina, Adam Brody, Christopher Mintz-Plasse.
• Guión: Emerald Fennell
• Música: Anthony B. Willis.
• Fotografía: Benjamin Kracun
• Productora: Focus Features, Lucky Chap Entertainment

SINOPSIS

Cassie (Carey Mulligan) tenía un futuro brillante hasta que, un acontecimiento desagradable truncó toda su carrera. Ahora en su vida nada es lo que parece, lo que le hace llevar una doble vida de noche. Así Cassie tiene la oportunidad de vengarse de todos aquellos que la hicieron daño en el pasado.

CRITICA

Es un thriller feminista pero no de ese feminismo en el que solo se muestra el dolor de la víctima (que ese también es necesario mostrar) sino el que crea un malestar en el espectador por una situación que se vive actualmente, en la cual muchas mujeres son silenciadas puesto que, no son escuchadas en una situación en las que se sienten muy vulnerables.

Pero, ese aspecto se ve enmascarado con la reflexión sobre la aceptación a nivel social de ciertas actitudes relacionadas con el sexo, de ciertos comportamientos (tanto de hombres y de mujeres) que suponen una gran injusticia y como la presión social, de esta forma se dejan en evidencia diferentes situaciones reales que provocan que la gente mire para otro lado, ya que los escándalos no quieren explotarles a uno en toda la cara.

La existencia de esta película no solo muestra la venganza de una joven (aunque no es una venganza física exactamente) para demostrar lo que la cultura de la violación ha provocado en las mujeres y, sigue provocando sobre todo entre los más jóvenes que actúan impunemente. En definitiva, la existencia de esta película es una réplica idónea contra todos aquellos hombres que de alguna forma se han sentido intimidades, acosadas o agredidas sexualmente.

Cuando un espectador sale del cine al ver esta película, como ya he comentado antes, sale con una sensación desagradable porque piensa que, a lo mejor se espera ver realmente el acto de la violación, pero en realidad muestras las consecuencias negativas de las acciones que no se tomaron y cuando hay alguien que da la cara y lucha por ti y lo más importante, va a sacar a la luz todo lo ocurrido, los culpables o los conocedores justifican los actos deleznables con argumentos vacíos y escudándose en frases como: "éramos jóvenes", "iba borracho", "hicimos todo lo posible". En definitiva, siempre se debe de escuchar para así poder actuar.

Calificación personal: 8

Sentido y sensibilidad (1995)

 

• Título original: Sense and sensibility 
• Año: 1995
• Género: Romántico
• Dirección: Ang Lee
• Intérpretes: Kate Winslet, Emma Thompson, Alan Rickman, Greg Wise, Hugh Grant, Gemma Jones, Robert Hardy, James Fleet, Harriet Walker, Imelda Staunton, Hugh Laurie.
• Guión: Emma Thompson
• Música: Patrick Doyle
• Fotografía: Michael Coulter
• Montaje: Tim Sqyures
• Vestuario: Jenny Beavan, John Bright 
• Productora: Columbia Pictures

SINOPSIS

En la Inglaterra del siglo XIX, las hermanas Dashwood se ven obligadas a abandonar su casa tras la muerte del progenitor, le deja al hijo de su primer matrimonio todos sus bienes. Las hermanas, junto a su madre, se irán a vivir al campo. Allí vivirán experiencias personales y amorosas en una época complicada.

CRITICA

Siempre me han encantado las novelas británicas del siglo XIX, sobre todo de las grandes representantes de aquella época, que fueron las hermanas Brönte y Jane Austen (en este caso, esta película se basa en una de sus novelas), puesto que fueron capaces de captar a la perfección a la sociedad inglesa de aquella época, pero sobre todo, mostrar a la mujer como un ser fuerte frente a una independencia que no terminaba de llegarles nunca.

 En esta película, una vez más se refleja a las clases altas de la sociedad alta británica y, de la importancia de las apariencias de cara al exterior, pero con una máxima hipocresía en lo que se refiere al ámbito doméstico; mediante el cual, se tenía subyugada a muchas mujeres. Y, como solía ocurrir (y sigue ocurriendo hoy en día), ante situaciones comprometidas, siempre eran las mujeres las que salían poco victoriosas de una afrenta, aunque si bien es cierto que, en el caso de los hombres, su reputación al principio quedaba un poco manchada por sus actos, éstos quedaban olvidados y, se volvía a restablecer el orden natural de las cosas.

La película, dependiendo de los ojos del espectador, puede resultar algo insulsa o floja en cuanto a la trama se refiere. Pero, realmente dice mucho más, no sólo refleja a dos hermanas que descubren el amor sino, como una se complementa con la otra y la ayuda mutua que reciben. Así, con los ojos de la otra no solo ven el mundo que les rodea, sino también la posición social y emocional en la que se encuentran por no tener una economía elevada.

Pero, este último aspecto no quita para que dos hombres de elevadas posiciones sociales se sientan atraídos, más que por su situación económica, por su personalidad arrolladora, que las hace fuertes y que tengan un nombre respetado en la sociedad. Este aspecto, era algo característico en todos los personajes femeninos de James Austen, que reflejaba la hipocresía de la sociedad hacia las mujeres pero, como a su vez las hacía fuertes y de carácter para luchar por sus derechos. Eso si, en un lenguaje de acorde a la época. Lo que nos lleva a la conclusión, de que la mujer no goza siempre de la posición que le corresponde.

Calificación personal: 8

Acusados (1988)

 

• Título original: The accused
• Año: 1988
• Género: Drama
• Dirección: Jonathan Kaplan
• Intérpretes: Jodie Foster, Kelly McGillis, Bernie Coulson, Leo Rossi, Ann Hearn, Steve Antin, Tom O’Brien, Woody Brown, Scott Paulin
• Guión: Tom Topor
• Música: Brad Fiedel
• Fotografía: Ralf D. Bode 
• Vestuario: Trish Keating
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Sarah Tobias (Jodie Foster) es una joven camarera que tras una pelea con su novio se va a un bar, allí conoce a unos chicos con lo que beben pero, más tarde tres de ellos la violan jaleados por los demás. Ella acude a la policía, pero nadie la cree, salvo la ayudante del fiscal Katherine Murphy (Kelly McGillis).

CRITICA

Creo que este tema es el eterno debate, sobre todo si se trata de mujeres en este aspecto y, se ve reflejado en la película: lo que le ha ocurrido (la violación) es porque ella se lo ha buscado. Cómo es lógico, esta conclusión es completamente absurda ya que parece que los hombres por el simple echo de ser hombres, justifican este tipo de actitudes reprobables pero, si es una mujer, tiene que estar comedida en todos sus actos y acciones; cómo si tuviera que rendirle cuentas a alguien.

No hace falta que una película muestre al espectador una realidad, que cada día se hace más evidente y, donde los agresores quedan impunes ante tal atrocidad. Otro aspecto que se ve reflejado, es la imagen que da la mujer, como alguien provocador, que busca que los chicos estén detrás de ella; que no debería beber y que sus atuendos deben de ser los adecuados para no calentar a los hombres. Esta teoría es completamente absurda, puesto que dicta como debe de ir la mujer y como debe de comportarse, pero en ningún momento se juzga el comportamiento de los hombres.

Todo el proceso que sufre la víctima tras ese aspecto horrible en el cual la persona queda traumatizada, que a posteriori se la tilda de incoherente y se la revictimiza, porque los acontecimientos que relata no cuadran y por ende, se la quiere seguir dando la imagen de mala y dejar a los agresores, como hermanos de la caridad.

Otro aspecto que me gustaría destacar es la forma de narrar la violación. De forma habitual, en los primeros minutos del filme, se describe de forma gráfica esta abominación pero en este caso, es al revés, puesto que hasta casi el final, no relata la violación propiamente dicha (después, en el año 2001, se reflejaría de una forma más cruenta, en la película Irreversible). El segundo aspecto que me llamó la atención, es que siempre se muestra el juicio para lo que violan pero, ¿que pasa con esos espectadores, que incluso se ríen de la violación?, ¿de aquellos que vitorean a sus amigos por violar? Esa es una perspectiva que no se ve mucho en las películas y que, debería de ser una perspectiva a abordar.

Para terminar, una mujer nunca es culpable de que la violen. Una mujer tiene derecho a divertirse. Una mujer no tiene que ser controlada por los hombres. Y, los hombres no pueden justificar sus actos por un deseo estúpido de su instinto animal.

Calificación personal: 7

La estrategia del pequinés (2019)

 

• Dirección: Elio Quiroga
• Año: 2019
• Género: Thriller
• Intérpretes: Unax Ugalde, Kira Miró, Jorge Bosch, Enrique Alcides, Ismael Fritschi, Gonzalo Hernández, Pép Jové, Alejandro Almeida.
• Guión: David Muñoz, Elio Quiroga, Alexis Ravelo.
• Música: Elio Quiroga, Alejandro Ramos
• Fotografía: Juan Antonio Castaño
• Productora: Zanzíbar Producciones Audiovisuales, Begin Again Films

SINOPSIS

El Rubio (Jorge Bosch) es contratado por un traficante para perpetrar un robo. Para ello contrata a Cora (Kira Miró), una prostituta a la que ayuda a conseguir clientes, y a Tito (Unax Ugalde), un viejo amigo de la infancia. Tras el robo, la situación se complica para los tres integrantes, al ser perseguidos por los traficantes a los que han robado.

CRITICA

En un intento por ser un thriller con un robo a unos narcotraficantes y, cuyo resultado se va complicando poco a poco es que, al final se va centrando en la vida (un tanto miserable) de los tres protagonistas que quieren cambiar su vida dando ese golpe; pero que, no resulta como esperaban. En parte, el espectador anhela que es lo que les va a pasar a los personajes.

Cuando ya se conoce como va a ocurrir el robo y, como se ha ido desarrollando, lo que menos se espera el espectador es lo que le termina de suceder a uno de los personajes, de esta forma se espera una carga adrenalínica que mantenga la atención del espectador. Pero esa adrenalina, se va diluyendo cual colacao en un vaso de leche y, solo queda un análisis de unos personajes que son buenas personas pero que, para intentar llevar una vida mejor, se han complicado mucho la vida.

Con esto último he querido decir que, los tres personajes buscan salir de sus vidas desdichadas no por aburrimiento ni por probar emociones fuertes, sino porque quieren un futuro mejor sin vivir en una opulencia ostentosa, sino todo lo contrario, quieren vivir desahogados y libres de ciertas preocupaciones y cargas económicas. Además, claramente se observa que no hay maldad alguna en ellos y que solo quieren cumplir un pequeño encargo sin dañar a nadie. Pero, cuando te metes con la persona equivocada, ese error te sigue persiguiendo hasta que se cobra a su víctima.

Calificación personal: 5

Los diez mandamientos (1956)

 

• Título original: The Ten Commandments
• Año: 1956
• Género: Épico
• Dirección: Cecile B. DeMille
• Intérpretes: Charlton Heston, Yul Brynner, Anne Baxter, John Derek, Edward G. Robinson, Yvonne de Carlo, Debra Paget, Judith Anderson, Cedric Hardwicke, John Carradine, Olive Deering.
• Guión: Aeneas MacKenzie, Jessi L. Laky Jr., Jack Gariss, Frederic M. Frank
• Música: Elmer Bernstein
• Fotografía: Loyal Briggs
• Montaje: Anne Bauchens
• Vestuario: Edith Head
• Productora: Cecile B. DeMille Productions

SINOPSIS

Moisés (Charlton Heston), tras ser recatado de las aguas del Nilo siendo un bebé es príncipe de Egipto. Pero un día, tras descubrir su verdadera historia, se unirá al pueblo hebreo al que terminará liberando, tras retar el rey Ramsés (Yul Brynner).

CRITICA

La verdad, es que no recuerdo el número de veces que he visto esta película y, me sigue pareciendo tan épica y gloriosa como siempre. Desde mi punto de vista, parte de esa fama que precede a este filme, reside no solo en los efectos visuales complicados para esa época (incluso hoy en día, con tanta tecnología, a veces los efectos son un poco pobres), sino por el gran respeto con el que se adapta uno de los relatos bíblicos más conocidos.

Siempre, en todas las críticas que he hecho en este blog, las he realizado en base a la profundidad de la historia que quieren contar y, también sobre el entretenimiento que produce por medio de la historia. En el caso de Los Diez Mandamientos, la propia profundidad de la historia radica en uno de las historias que el público recuerda, gracias a esta película.

Realmente la crítica sobre esta entrada es complicada de realizar, puesto que esas tres horas y cuarenta minutos está contando una de las historias más grande, jamás contada. Todo esto, se une con el espectacular reparto que hacen totalmente creíbles los personajes a los que interpretan. Por último, es una película mítica y que siempre la reponen en Semana Santa y que, pase el tiempo que pase, siempre será eterna y queda (y quedará) en la retina del espectador.

Calificación personal: 10

Lo dejo cuando quiera (2019)

 

• Dirección: Carlos Therón
• Año: 2019
• Género: Comedia
• Intérpretes: David Verdaguer, Ernesto Sevilla, Carlos Santos, Cristina Cataño, Miren Ibarguren, Ernesto Alterio, Amai Salamanca, Gracia Olayo, Luis Varela, Pedro Casablanc, Mero González.
• Guión: Cristóbal Garrido, Adolfo Valor
• Música: Claudia Montero.
• Fotografía: Ángel Iguacel
• Vestuario: Lala Huete
• Productora: Telecinco Cinema, Mediaset España, Movistar +

SINOPSIS

Amigos de la universidad, Pedro, Arturo y Eligio se encuentran en el peor momento laboral de sus vidas tras haberle dedicado años a los estudios; aunque Pedro lleva años trabajando en un complejo vitamínico que aumenta el rendimiento, pero que consigue todo lo contrario pero sin efectos secundarios y que les puede hacer ricos.

CRITICA

Más de una vez (por no decir mil) he defendido el cine español y, también he dejado por los suelos tanto el género de la comedia y el del romance. Y a pesar de rescatar estos dos elementos (el cine español y la comedia), la verdad es que no hay por donde coger esta historia.

La premisa de la que parte es muy interesante y podría hacer una comedia ligera pero, desde mi punto de vista no termina de arrancar. Es decir, los chistes y puntos cómicos con los que pretende encandilar al espectador y que tenga un rato de risas, no las termina por lo que hace la trama un tanto lenta y que las gracias, no hacen gracia.

La película quiere ser una comedia gamberra que lleva a tres donnadies a una situación inimaginable para ellos incluso cuando empiezan a traficar con esas pastillas. Para ello recurre a la comedia física pero a base de golpes que rara vez funciona, apuntes escatológicos que rara vez hacen gracia y diálogos que sí tienden a dar más en la diana cuando se utilizan a modo de réplicas o chascarrillos ocasionales. Nada antológico, pero al menos algo te divierte por esa vía.

Calificación personal: 5

Albert Nobbs (2011)

 

• Dirección: Rodrigo García
• Año: 2011
• Género: Drama
• Intérpretes: Glenn Close, Mia Wasikowska, Aaron Johnson, Janet McTeer, Pauline Collins, Brendan Gleeson, Maria Doyle Kennedy, Brenda Ficker.
• Guión: Gabriella Prekop, Glenn Close, John Banville, George Moore, István Szabó
• Música: Brian Byrne
• Fotografía: Michael McDonough
• Montaje: Steven Weisberg
• Vestuario: Pierre Yves Gayraud
• Productora: Amblin Entertainment

SINOPSIS

En el siglo XIX, en un hotel lujoso de Dublín, Albert Nobbs (Glenn Close) es el mayordomo principal con muy buena reputación. Cuando tiene miedo de que su secreto sea descubierto por la visita de un pintor, intentará ocultar aún más su pasado.

CRITICA

A la hora de visionar esta película, cuando comenzaban a pasar los minutos no sabía exactamente que era lo que iba a ocurrir exactamente y esperaba, a que la historia se fuera desarrollando pero el ritmo un tanto lento y con demasiados puntos muertos, provocaba que de vez en cuando me desenganchase de la trama (pero no perdía el hilo de la historia).

Llega un punto en la historia en la que ya se muestra el secreto de Albert Nobbs y como consigue un confidente para contarle su historia y el porqué de su situación, parece que se va a contar al espectador más y, cómo va a dar un cambio a su vida o si va a descubrirle a alguien más su secreto, la historia termina por atascarse y genera cierto sopor.

Por otro lado, la supuesta relación amorosa que Albert Nobbs quiere mantener con una de las doncellas del hotel en el que trabaja, no termina de cuajar o el comportamiento de el es como si fuese un témpano de hielo además, de que la trama parece como si no avanzase.

En definitiva, es una película que a pesar de recibir críticas mixtas, si que alabaron el gran papel que ejerce Glenn Close y como forja una gran interpretación (desde mi punto de vista, tiene otras mejores), pero tampoco, recordaría mucho esta película ni tampoco, la recomendaría.

Calificación personal: 6

La muerte os sienta tan bien (1992)

 

• Título original: Death Becomes her
• Año: 1992
• Género: Comedia
• Dirección: Robert Zemeckis
• Intérpretes: Meryl Streep, Bruce Willis, Goldie Hawn, Isabella Rossellini, Ian Ogilvy, Adam Storke, Nancy Fish, Sydney Pollack.
• Guión: Martin Donovan, David Koepp
• Música: Alan Silvestri
• Fotografía: Dean Cundey
• Montaje: Caroline Schmidt
• Productora: Universal Pictures

SINOPSIS

Madeleine Ashton (Meryl Streep) es una actriz reconocida que le roba a su "amiga" Helen (Goldie Hawn) a su prometido Ernest Meville (Bruce Willis) y se casa con él. Tras catorce años, Madeleine vive única y exclusivamente para su físico, mientras que Helen está volcada en la promoción de su libro tras haber tenido sobrepeso y depresión. Tras conocer el estado de Helen, Madeleine recurre a una moderna bruja (Isabella Rossellini) que tiene el elixir de la eterna juventud.

CRITICA

El año de su estreno esta película fue denostada masivamente por la crítica pero, parece ser que veinte años después se entiende (en cierto modo) un poco, lo que se pretendió en aquel momento de mostrar la obsesión que tenían las mujeres por envejecer y, por ende, su obsesión por la cirugía estética. Hoy en día, se podría tildar de misógina y, como una vez más, las mujeres salen mal paradas pero; en este mundo tal materialista y superficial en el que vivimos, no sólo las mujeres están obsesionadas con la cirugía o la vejez, también los hombres han empezado a adorar su cuerpo (más allá de cuidarse).

Lo que viene reflejando esta comedia de humor negro es la rivalidad que se produce muchas veces en torno a la belleza e ir pareciendo cada día más joven hasta parecer casi un cadáver (que es en lo que se terminan convirtiendo las dos protagonistas). Si trasladamos parte de esa trama a la actualidad, vemos que hoy en día se le da mucho culto al cuerpo y como, cada vez más jóvenes se sienten inseguras consigo mismas por el físico, hay que mostrarlo en redes sociales o incluso, empiezan a muy temprana edad a someterse a operaciones de cirugía estética.

De alguna forma intenta mostrar de forma cómica una realidad: ese amor al cuerpo (ojo, que no hay que confundirlo con cuidarlo, para llevar una vida sana y saludable), la rivalidad de la belleza y el miedo terrible a envejecer, el cual todos pasamos más tarde o más temprano. Y que ante todo, hay que aceptar cosas que son inevitables para todos los mortales e intentar llevarlo con la mayor dignidad posible.

Calificación personal: 5.7

El cielo no puede esperar (2001)

 

• Título original: Delivering Milo
• Año: 2001
• Género: Romántico
• Dirección: Nick Castle
• Intérpretes: Bridget Fonda, Albert Finney, Campbell Scott, Anton Yelchin, Alison Lohman, Hank Harris, Lesley Ann Warren, John Cho, Keith Gordon.
• Guión: David Hubbard, Diana Wagman
• Música: Craig Safan
• Fotografía: Willy Kurant
• Productora: Lakeshore Entertainment.

SINOPSIS

Elizabeth (Bridget Fonda) y su marido Kevin (Campbell Scott) están esperando a su bebé pero, cuando llega el momento del parte, su hijo no hace su aparición en el mundo. El problema es que el niño en cuestión (Anton Yelchin) no quiere bajar a la Tierra. Será necesario que Elmore (Albert Finney) ayude al joven a tomar la decisión.

CRITICA

Indagando un poco internet, esta película no tiene muchas entradas así como en su año del estreno tampoco tuvo mucho eco ni éxito y, aquí en España pasó casi sin pena ni gloria por la cartelera de nuestro país. Y, desde mi punto de vista, a pesar de ser una historia sencilla si que tiene elementos interesantes que son importantes para destacar.

Siempre se piensa en la muerte y el miedo que le produce al ser humano pero nunca, se ha pensado en ese miedo al nacer, ya que cuando un bebé nace no expresa ningún tipo de sentimientos ni se le pregunta si quiere o no quiere nacer. Por otro lado, al ser tan pequeño y vulnerable, no sabe hacerle frente a las diversas situaciones que se le van a plantear. De ahí que se haga esa metáfora visual en la que los niños se encuentran en el cielo y que, cuando es momento de que lleguen a la Tierra, atraviesen una puerta. Se entiende como el que los niños se encuentran en el vientre materno y de ahí van a salir. Pero, al joven Milo esa idea no le entusiasma demasiado y su indecisión, provoca que miles de niños de otras partes del mundo no nazcan.

Ante esta situación, mandan a Elmore para que pueda ayudar al joven a tomar la decisión correcta: nacer y, convencerle de las maravillas que supone nacer; sobre todo, estar con sus padres. Que al fin y al cabo es lo que ocurre cuando todo niño nace. Si nos ponemos un poco más estrictos, los más extremistas la catalogarían como sentimental y poco realista (puesto que hay mucha maldad en el mundo) pero, lo que realmente se busca es la belleza de una nueva vida, siendo éste el único objetivo que quiere transmitir la película.

A lo mejor, con el paso de los años, está película también pasará al olvido en mi memoria pero, en el momento en el que la vi, me pareció todo menos convencional y, pasé un rato agradable y entretenido y de vez en cuando, hay que dar voz a esas películas que se encuentran ocultas. 

Calificación personal: 6

Diario de un escándalo (2006)

 

• Título original: Notes on a Scandal
• Año: 2006
• Género: Drama
• Dirección: Richard Eyre
• Intérpretes: Judi Dench, Cate Blanchett, Bill Nighy, Andrew Simpson, Juno Temple, Tom Georgeson, Michael Maloney, Joanna Scanlan.
• Guión: Patrick Marber
• Música: Philip Glass
• Fotografía: Chris Menges
• Productora: 20th century fox

SINOPSIS

Barbara (Judi Dench) es una profesora de secundaria de un colegio ruinoso de un barrio londinense. Vive sola con su gata y sin amigos, hasta que conoce a Sheba (Cate Blanchett), la nueva profesora de arte. Cuando Barbara cree que ha encontrado a su alma gemela, descubre que Sheba mantiene una relación con uno de los alumnos del colegio.

CRITICA

Si observamos la historia, puede ocurrir que muchos espectadores solo se queden con la idea de la homosexualidad de la profesora ya anciana, que siente algo por la nueva profesora joven. Pero, esto va mucho más allá, puesto que, aparece un echo un tanto más grave que es, la relación de Sheba con un alumno, el cual es un adolescente. Este acontecimiento unido a los sentimiento de Barbara, provocará la tensión entre ambas profesoras.

A través de los pensamientos íntimos de la anciana profesora, que escribe en su diario no solo refleja sus sentimientos afectuosos hacia Sheba, ante la cual no quiere mostrar sus sentimientos más profundos sino que, lo quiere reflejar con una amistad inocente para poder acercarse a ella y así, en un futuro no muy lejano, poder intimar con ella. Pero parece ser que eso no va a ser posible cuando descubre el secreto de Sheba y esto la enfurece aún más, reflejándolo si cabe no solo en su diario sino también en su relación con la joven profesora.

Sin embargo, tal participación en sus introspecciones sobre la gente que le rodea, y sus crecientes ansias de acercamiento a una Cate Blanchett víctima de su propio candor sentimental (y calor corporal), nos acercan con penetración al personaje interpretado magistralmente por la gran actriz británica, provocando que esa intrusión y penetración emocional sublime una sencilla y recomendable historia de mujer madura insatisfecha en busca legítima de felicidad y compañía.

La escabrosa historia está conducida por la magnifica actuación de las dos actrices, son ellas las que cargan con todo el peso de la película, y sin ellas, seguramente, no tendría sentido. Como es lógico, el tema escabroso de la película es esa relación entre el alumno y la profesora y, como suele ser habitual culpan a la persona adulta. Pero aquí dejo el debate, si el adolescente es “adulto” para mantener relaciones sexuales, ¿Por qué no se le culpa a el de lo que está ocurriendo? Porque tiene que se adulto para todo, no solo para sus apetencias sexuales. Es algo que a veces es difícil de comprender pero, el debate está ahí.

Calificación personal: 7

La vida por delante (2020)

 

• Título original: La vita davanti a sé
• Año: 2020
• Género: Drama
• Dirección: Edoardo Ponti
• Intérpretes: Sophia Loren, Ibrahima Gueye, Renato Carpintieri, Abril Zamora, Babak Karimi, Massimiliano Rossi, Francesco Cassano.
• Guión: Ugo Chiti, Eodardo Ponti, Fabio Natale.
• Música: Gabriel Yared
• Fotografía: Angus Hudson
• Productora: Palomar

SINOPSIS

En la costa de Italia, un chico senegalés es acogido por Madame Rosa (Sophia Loren), una superviviente del Holocausto que regente una guardería para cuidar de los hijos de las prostitutas de la zona. Ambos entramarán un peculiar amistad.

CRITICA

La última vez que la gran actriz italiana apareció en pantalla, fue en el año 2009 en la película Nine (ver crítica en este blog) y que gusto volver a verla en pantalla. Y de que mejor forma que bajo la batuta de uno de sus hijos. Es un regreso a lo grande. Después de esta breve introducción, vamos a ceñirnos al tema que nos corresponde.

A pesar de ser una historia que muestra el dolor y la miseria, no termina de mostrar esa fuerza arrolladora para reflejar no solo las vidas tan duras de los dos personajes protagonistas, sino por intentar ahondar de alguna forma en esos sentimientos que les hace a esos personajes ponerse una coraza para no mostrar su vulnerabilidad o sus dolores del pasado y de paso, mostrar de una manera más clara y convincente, el vínculo que establecen entre ambos.

No significa con todo esto que haya que regodearse en el dolor que hayan sufrido ambos personajes, sino también, es una forma de reflejar la verdad de su sufrimiento. Aunque, en el caso del joven senegalés, su conducta se ve reflejada con bastante claridad en el camino que desea tomar (como un pequeño traficante) frente a la ligera mejora de vida que le ofrece Madame Rosa, a pesar de su pasado. En ese desarrollo de la relación, se observa como el deterioro de la anciana es evidente pero que, ante todo, decide seguir estando al cuidado de los niños, cuyas madres ejercen la prostitución.

Desde que el joven Momo entra a vivir con Madame Rosa, no siente esa casa como su hogar pero, irá descubriendo poco a poco que, aunque no sea una gran casa y con muchos lujos, se siente por primera vez en mucho tiempo acogido y arropado a pesar de querer seguir vendiendo droga.

En definitiva, lo que se plantea al espectador es que a pesar de vivir en un país desarrollado, allá donde uno vaya siempre habrá zonas y/o barrios marginales en donde vive gente inocente o, simplemente quiere vivir al margen de la sociedad (sin hacer daño a nadie ni molestar) porque la soledad es su único medio de supervivencia después de todos los horrores sufridos.

Calificación personal: 6

Matrimonio a la italiana (1964)

 

• Título original: Matrimonio all'italiana
• Año: 1964
• Género: Romance
• Dirección: Vittorio de Sica
• Intérpretes: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Aldo Puglisi, Tecla Scarano, Marilú Tolo, Gianni Ridolfi, Lino Mattera, Alfio Vita
• Guión: Renato Castellani, Antonio Guerra, Leo Benvenuti, Piero de Bernardi
• Música: Armando Trovaioli
• Fotografía: Roberto Gerardi
• Vestuario: Piero Tosi
• Productora: Les film Marceau, Cocinor

SINOPSIS

Durante la Segunda Guerra Mundial, Filomena Marturano (Sophia Loren) trabaja en un prostíbulo y allí, conoce a Domenico Soriano (Marcello Mastroianni) quien la lleva a vivir con el y cuya relación está llena de altibajos.

CRITICA

Siempre que se hacía una película con la dupla de actores Mastroianni-Loren, el éxito estaba asegurado. No solo por la gran química que desprendían en pantalla, sino también porque hacían comedias y dramas a partes iguales y, daba igual que tipo de película rodasen que siempre la historia del filme, tenía un trasfondo.

En este caso, al principio parece todo una comedia pero, cuando muestran los flashbacks de los personajes, muestra la realidad de aquella época, no solo en Italia, sino en otros países de Europa y del mundo, en la cual muchos hombres iban a los prostíbulos y al final se "encaprichaban" de una prostituta; a la que colmaban con muchos regalos o incluso, a posteriori, la acaban haciendo su "querida". Solo había una pega: la férrea moral de la época, es decir, los hombres podían tener una "compañera" pero nunca mostrarla en público y evitar a toda costa que la relacionasen con ella. Pero, cuando ya se cansaban de ella, la quitaban todos los privilegios.

Esto es lo que le ocurre al personaje de Filomena Marturano (interpretada por Sophia Loren) que harta de ser "esa mujer" a la que esconde y de la que nadie debe de saber nada (sobre todo por su pasado como prostituta) desea estabilidad emocional más que económica puesto que, lo que desea es dejarde esconderse y que, de una vez por todas Domenico Soriano (papel interpretado por Marcello Mastroianni) se la declare y se case con ella.

En resumen, lo que en parte quiere transmitir es que la mujer no solo quiere protección (por ser vulnerable debido a su género) para poder sobrevivir, sino para poder tener una vida digna y poder salir de esa espiral que muchas veces es la prostitución y de la que se les juzga enormemente.

Calificación personal: 7

Eyes Wide Shut (1999)

 

• Dirección: Stanley Kubrick
• Año: 1999
• Género: Thriller
• Intérpretes: Tom Cruise, Nicole Kidman, Sydney Pollack, Todd Field, Marie Richardson, Fay     Masterson, Vinessa Shaw, Leon Vitali.
• Guión: Stanley Kubrick, Frederic Raphael
• Música: Jocelyn Pook
• Fotografía: Larry Smith
• Montaje: Nigel Calt
• Productora: Warner Bros. Stanley Kubrick Productions.

SINOPSIS

William Harford (Tom Cruise) es un médico que tiene una vida perfecta  junto a su mujer Alice (Nicole Kidman) y su hija. Tras una fiesta de Navidad, Alice le confiesa a su marido sus fantasías y el día en el que casi le es infiel. Ante esta situación, William busca una forma de entregarse a los placeres del mundo.

CRITICA

Siempre se dice que en el término medio está la virtud y, que no es positiva ni las cosas por exceso o por defecto. Pero, a pesar de todos mi esfuerzos ímprobos por intentar entender las películas de Stanley Kubrick e incluso saber que es lo que quiere realmente transmitir, he llegado a una conclusión lógica (desde mi punto de vista): sus película son realmente nefastas.

A pesar de ser la última película del director americano y, el haber visionado varias de sus obras, el ritmo excesivamente lento con el que pretende contar las historias y, enfocarse más en todo el espectáculo visual que quiere transmitir, se acaba perdiendo toda la esencia de la trama. Y con Eyes Wide Shut, es lo que ha ocurrido.

Desde el primer minuto, el director nos intenta poner en la situación del matrimonio pero para ello, deben de transcurrir casi cuarenta y cinco minutos hasta que se llega al centro de la cuestión: el protagonista quiere probar ese "pecado carnal" con el que ha fantaseado su mujer. Mientras tanto, se producen silencios extremadamente largos, con planos de personajes y conversaciones que no llegan a ningún puerto. Pero, cuando parece que la película hará su despegue importante, ese deseo se difumina a medida que languidecen los minutos del metraje.

Cuando aparece el fotograma (en si, la secuencia) de la sociedad secreta del erotismo en la que se imbuye el personaje, no indaga más allá de un plano secuencia sin mucho sentido y, donde el protagonista pierde la oportunidad de encontrar el punto erótico que está buscando. Todo ese embrollo de silencios, conversaciones sin fundamentos (e incluso absurdas) y esa búsqueda errática, termina con una frase: "¿Sabes lo que deberíamos hacer?: follar" (acabo de hacer un spoiler).

Con todo lo descrito, me lleva a la conclusión de que el espectador solo puede tomar dos posiciones con respecto al director: o le amas o le odias (en mi caso, me inclino por la segunda parte). Solo se salvan de su filmografía Espartaco y Senderos de gloria. Pero del resto, prefiero no comentar. Juzguen ustedes mismos sus obras.

Calificación personal: 4

Ni de coña (2020)

 

• Dirección: Fernando Ayllón
• Año: 2020
• Género: Comedia
• Intérpretes: Jordi Sánchez, Nathalie Seseña, Goyo Jiménez, J.J. Vaquero, Ricardo Quevedo, Max Marieges, Carolina Noriega, Norma Nivia, Nadia Torrijos, Kikín Fernández, Moi Camacho, Jairo Ordóñez, Shirley Marulanda, Karine Amaya.
• Guión: Fernando Ayllón
• Fotografía: Henry Albadán
• Productora: Mr Miyagui Films

SINOPSIS

Cuatro parejas que están a punto de separarse deciden asistir a un retiro de parejas en el Caribe con el fin de salvar sus relaciones. Allí, los gurús que dirigen el retiro utilizarán métodos poco ortodoxos, que pondrán su mundo patas arriba.

CRITICA

Creo que más de una vez he mostrado mi descontento con la comedia y con las películas románticos, puesto que utilizan tópicos y clichés que están demasiado usados y muchas veces las historias no terminan de resultar del todo. En este caso, es lo que ocurre con esta película. A veces, cuando voy buscando algún filme que me relaje y me haga pasar un buen rato, no siempre acierto.

En un principio, la premisa parte bien pero no consigue enganchar al espectador (no solo con la trama) y tampoco lo hace con los chistes verdes (que no terminan de hacer ninguna gracia) ni con las supuestas situaciones "hilarantes". Es cierto que en un principio parece que las situaciones cómicas se van a ir desarrollando de forma natural pero, ocurre todo lo opuesto.

Por otro lado, a pesar de encontrar en el plantel que nos son muy conocidos, la química entre los actores que conforman las parejas y posteriormente, la relación con el resto, es nula; lo que hace la historia y el visionado cada vez más aburrido. Por mucho que me pese por defender el cine español a ultranza, hay veces que no se puede defender lo indefendible y con esta, no va a ser una excepción. En conclusión, no hay nada más que decir al respecto, puesto que nada es creíble. Porque como siempre, el tráiler termina por engañar.

Calificación personal: 2.5