Vida de este chico (1993)

• Título original: This Boy's life
• Año: 1993
• Género: Drama, historias reales
• Dirección: Michael Caton-Jones
• Intérpretes: Robert De Niro, Ellen Barkin, Leonardo DiCaprio, Carla Gugino, Eliza Dushku, Chris Cooper, Zachary Ansley, Jonah Blechman, Tobey Maguire.
• Guión: Tobías Wolff, Robert Getchell.
• Música: Carter Burwell
• Montaje: Jim Clark
• Fotografía: Jim Clark, David Watkin
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

En 1957, un hijo y su madre huyen del Este y de un novio abusivo en busca de una nueva vida. Terminan en Seattle, donde la madre se casa con un amable mecánico de coches, del que descubre que es un irracional alcohólico. El hijo se mete continuamente en problemas e intenta escapar de la pequeña ciudad por cualquier medio posible. Basado en la historia real de Tobías Wolff.

CRITICA

Los expertos comentan que siempre la infancia y la adolescencia que vivimos condicionan (en gran medida) nuestro carácter y nuestro futuro en la edad adulta. Incluso, los referentes paternos y maternos predominan mucho como será nuestra vida adulta y por ende el resto de nuestra vida. Pero yo siempre he sido de la opinión de que una persona puede resarcirse de su pasado y querer luchar por ser una mejor persona.

Esto se refleja perfectamente en el comportamiento que va teniendo el protagonista a medida que sufre vaivenes en su vida o incluso sufre los de su madre, se nota la exasperación por evolucionar, por no ser un inútil por poder salir adelante y evolucionar en todos los aspectos de su vida. Aunque es cierto que no lo tendrá nada fácil con el nuevo marido de su madre, cuya conducta agresiva y egoísta piensa que le favorecerá al joven Tobías. Es cuando él se da cuenta de que desea buscarse un porvenir lejos de todo y que puede luchar por ello. Aunque siga metiéndose en líos, es debido a la desesperación que arrastra y ve cómo su madre no es capaz de apoyarle para progresar ya que ella es muy tradicional en lo que se refiere al matrimonio.

Desde el principio se muestra a un chico que tiene una conciencia dolorosa de sí mismo y de sus imperfecciones, con la exagerada noción de su culpabilidad y, a su vez, la aceptación de su incapacidad para ser mejor, pese a sus intentos. Eso se refleja con bastante claridad en los momentos de soledad cuando llora desconsoladamente o incluso se comporta como un vándalo.

Como ha ocurrido siempre, Robert De Niro destaca siempre por los personajes rudos o con algún tipo de tendencia problemática y una vez más sigue sorprendiendo. Por otro lado, un jovencísimo Leonardo DiCaprio destacaría gracias a esta película, donde posteriormente realizaría papeles enfocados más al público adolescente pero que a su vez mostraría su gran don interpretativo. Lo que le ha ayudado a largo plazo en adquirir personajes más serios y seguir siendo uno de los mejores actores de su generación y el poder haber trabajado con grandes compañeros de la interpretación y con grandes directores.

Diría de esta película que no es imprescindible a la hora de tenerla en una lista de futuros visionados, pero creo que puede ser una reflexión importante a la hora de ver la evolución de tantos chicos y chicas jóvenes que pierden la ilusión por luchar por sus sueños y lo que es más importante, poder ser valorados y respetados.

Calificación personal: 7

Beginners (2010)

• Dirección y guion: Mike Mills.
• Año: 2010.
• Género: Drama, comedia.
• Interpretación: Ewan McGregor, Christopher Plummer, Mélanie Laurent, Goran Visnjic, Mary Page Keller, Kai Lennox, Keegan Boos. 
• Producción: Miranda de Pencier, Lars Knudsen, Leslie Urdang, Jay Van Hoy y Dean Vanech. 
• Música: Roger Neill, David Palmer y Brian Reitzell. 
• Fotografía: Kasper Tuxen. 
• Montaje: Olivier Bugge Coutté. 
• Diseño de producción: Shane Valentino. 
• Vestuario: Jennifer Johnson. 
• Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

SINOPSIS

Oliver (Ewan McGregor) conoce a la impredecible e irreverente Anna (Mélanie Laurent)  unos meses después de la muerte de su padre. Mientras, los recuerdos de su padre Hal —un hombre que, tras más de cuatro décadas de matrimonio, salió del armario a los 75 años— siguen aflorando. Ahora Oliver se esfuerza por amar a Anna con la valentía y el humor que él le enseñó.

CRITICA

Desde que nacemos siempre se nos enseñan cosas para ser una personas proyectadas hacia un futuro que alguien nos obliga a ser y muchas veces no sabemos que ni uno nace aprendido y que no hay una única etapa de nuestra vida en la que solo aprendemos, sino que ésta es un constante aprendizaje no solo de la mima sino también de todas la personas y acontecimientos que nos rodean. Es lo que intenta mostrar esta película a través del amor y de las relaciones paterno filiales y la capacidad de arriesgar y luchar por una relación.

Si lo vemos la película desde una perspectiva pesimista, vemos que los personajes son seres totalmente tristes sin ningún tipo de esperanza en su vida pero, lo que realmente les paraliza es el miedo y el enfrentarse a nuevos retos. Esto es lo que le ocurre al padre del protagonista, que no sólo ha estado ocultando su identidad sexual toda su vida por miedo sino que lo poco que le queda de vida quiere aprovecharlo en hacer cosas que le den vitalidad, en disfrutar de las pequeñas cosas que la vida le ofrece y también mantenerse activo, puesto que ser anciano o el no haber tenido una infancia o adolescencia o no has tenido amor no significa que tu vida tenga que ser un auténtico desastre de mayor y, como no lo has recibido de pequeño de mayor careces de emociones.

Hay un momento de la película en la que el padre, Hal, le dice a su hijo Oliver: "La mitad de la gente cree que todo va a salir mal. La otra cree en la magia. Y hay una guerra entre ellos". Con esta frase, e quiere transmitir al espectador que el tiempo es algo que pasa para todos y que las oportunidades para ser felices están ahí, a la espera de recibir una oportunidad, aunque a veces el camino es arduo y enrevesado. Esta es la situación a la que tienen que hacer frente los protagonistas, que a pesar de haberlo tenido difícil en la vida, pueden ser felices y que podemos volver a vivir con la alegría de los demás y poder enfrentarse tanto a las cosas positivas y negativas de la vida.

Desde mi punto de vista, me parece una película muy correcta y que nos enseña a intentar no vivir del pasado y que aunque encontremos a alguien que se parezca a nosotros podemos salir adelante con esfuerzo y ganas de salir adelante porque la vida es maravillosa a pesar de los tsunamis de emociones de nuestra vida. Porque vida solo hay una y hay que vivirla.

Calificación personal: 8

Nader y Simin, una separación (2011)

• Título original: Jodaeiye Nader az Simin. 
• Dirección y guion: Asghar Farhadi. 
• Año: 2011.
• Género: Drama. 
• Interpretación: Peyman Moaadi, Leila Hatami, Sareh Bayat, Shahab Hosseini, Sarina Farhadi. 
• Producción: Asghar Farhadi. 
• Música: Sattar Oraki. 
• Fotografía: Mahmuoud Kalari. 
• Montaje: Hayedeh Safiyari. 
• Diseño de producción: Keyvan Moghaddam. 
• Distribuidora: Golem.

SINOPSIS

Nader y Simin son un matrimonio que, junto a su hija Termeh, deciden abandonar Iran en busca de una vida mejor. Cuando todo está casi preparado, sin embargo, él se echa atrás por temor a abandonar a su padre, a quien le han diagnosticado Alzheimer. Ella, disgustada, decide pedir el divorcio y, al no serle concedido, se muda a vivir con sus padres. Las cosas se complicarán cuando Nader, quien se queda con la niña, decida contratar a una mujer para ayudarle con el cuidado de su padre. Un buen día, al llegar a casa, se encontrará al anciano atado a la mesa y, a partir de ahí, todo dará un vuelco en su vida y en la de la pequeña Termeh.

CRITICA

Hasta el momento no había visto ninguna película del cine de Oriente Medio (a pesar de su gran reconocimiento internacional), puesto que sacarme de la "burbuja" del cine de Estados Unidos y el Europeo era mucho más seguro, además de conocer mejor estas dos culturas en lugar de la asiática. Pero el poder haber visto esta película, me ha permitido en cierto modo no solo visionar un cine desconocido para mi, sino aprender de otras culturas en donde la religión tiene un papel bastante importante en la sociedad.

Desde el principio el director y guionista nos presenta una situación realista en una cultura donde las tradiciones y la religión es muy importante. De alguna forma, lo que intenta es levantar acta sobre una sociedad en que los asuntos de la conciencia y la ya mencionada religión pesa mucho.

De una forma humana y clara se tratan temas que para alguien sería impensable en la sociedad europea pero que en este caso, les remueve la conciencia a los protagonistas, además de la alta calidad de sus aspectos técnicos-artísticos. Esta película es prueba de ello y, sin renunciar a una trama de ficción que pueda enganchar con un público amplio, logra trazar una composición social y antropológica en que se ve que el director prefiere dejar hablar a las imágenes y a los personajes. Muestra también un matizado retrato de los individuos que echan mano de la verdad para sobrevivir, y a la vez nos muestra un país iraní que se impone con una legalidad muy elemental y una situación humillante de la mujer, donde demuestra una vez que el hombre tiene voz y voto sobre lo que ella pueda decidir.

Un difícil equilibrio entre justicia y moral, entre asuntos civiles y de religión, entre la verdad manifiesta y la encubierta, entre los motivos que un marido y su mujer esgrimen cuando piden el divorcio. Ellos son Nader y Simin, matrimonio que se respeta y se quiere, pero que acaba discutiendo sobre si irse al extranjero por el bien de su hija adolescente Termeh (claro está, que ella no tiene voz ni voto en la decisión) o quedarse para cuidar del abuelo senil. Esta situación obliga a Nader a contratar los servicios de la ultraortodoxa Razieh para que pueda encargarse de su padre mientras el está trabajando. La complicada vida de esta mujer así como el giro de los acontecimientos provocan que la situación se acabe enredando más y terminando con denuncias construidas sobre mentiras y reproches.

El encorsetamiento de una justicia y una moral escrupulosa hacen que las apariencias y las dudas triunfen sobre la verdad del corazón y de la conciencia, que sea necesario pasar página (quizá una generación) para vivir en paz y sin discordia. El fresco humano y social que muestra el director resulta cercano, a pesar de las diferencias culturales, porque todos los actores hacen grandes trabajos y porque la cámara reposa sobre el alma de sus personajes para sacar el amor sincero que hay entre ellos, así como su tergiversación de la verdad. Porque, queriendo proteger a su familia, la están destruyendo.

Un cine contemplativo y comprometido, conmovedor y que sabe mantener el suspense y la tensión, exponente del humanismo más rico y profundo, que habla de moral sin proponer ni recetar soluciones fáciles.

Calificación personal: 9

Fences (2016)

• Dirección: Denzel Washington
• Año: 2016
• Género: Drama
• Intérpretes: Denzel Washington, Viola Davis, Jovan Adepo, Stephen Henderson, Russell Hornsby, Mylketi Williamson.
• Guión: August Wilson
• Música: Marcelo Zarvos
• Montaje: Hughes Winborne
• Fotografía: Charlotte Bruus Christensen
• Productora: Macro, Bron Studios, Scott Rudin Productions

SINOPSIS

Troy Maxon (Denzel Washington) antigua estrella de la liga de béisbol para negros vive con su mujr Rose (Viola Davis) y su hijo Corey. Para mantenerlos, trabaja en el servicio de recogida de basuras de la ciudad de Pittsburgh del cuál se queja recordando tiempos mejores y dando lecciones de moral a sus hijos y a los que se encuentran a su alrededor.

CRITICA

Lo primero que llama la atención de la película, es que el espectador va con la idea de que va a ser una película relajada donde va a predominar la exaltación de los derechos civiles de los negros y como viven en la década de los años 50. Pero a medida que va avanzando la historia, se refleja con claridad que la exaltación no es el propósito, sino la doble cara que muestra el personajes principal y cómo se le debe de justificar por ser él quien lleva el dinero a casa para que su familia coma.

A medida que van transcurriendo los minutos, la historia nos adentra en la vida de un hombre que vive anclado al pasado y como para "sobrevivir" a su vida va fanfarroneando de las anécdotas pasadas a la vez que hace que sus hijos se sientan mal por todo lo que hacen o que a su padre no les parezca bien lo que hacen o incluso que imponga ciertas "normas" que no permiten a sus hijos avanzar en su vida y en su carrera profesional.

Por otro lado, está Rose, su mujer que siente verdadera devoción tanto por su marido como sus hijos y por ello siempre busca tener a todos ellos entretenidos o separados e incluso ensalzando valores de ellos, para que así la sangre no llegue más al río. Pero a medida que va transcurriendo la historia, ella ve que su marido busca responsables en su propia vida y ve también que no se conforma con lo que tiene y que solo obstaculiza a todos y todo lo que tiene a su alrededor.

Cuando se va acercando el final, no solo se va descubriendo la verdad, sino también la doble moral que va arrastrando el personaje de Troy, el cual se destaca por encima de los demás en relación a la dignidad en el trabajo (y al trabajo duro), la responsabilidad para ganarse el dinero, el ser un devoto marido y padre y que la rudeza es muchas veces el único camino que existe para enderezar a los hijos. A la par que se descubre qué clase de hombre es y como la soberbia y el orgullo le puede más que el reconocer que a pesar de todo, tiene cosas de las que no se puede quejar.

Lo que me ha impresionado de la película, es la capacidad que tiene de atrapar al espectador y de mostrar el alma de los personajes, de desnudarles y ver su verdadero yo y como la hipocresía se instala en nuestras vida como un arma defensiva contra una realidad que no nos gusta. Además de grandes interpretaciones, desde mi punto de vista es necesario que el espectador la vea porque realmente aunque sea solo un poco, ayuda a reflexionar.

Calificación personal: 8

Begin Again (2013)

• Dirección y guion: John Carney.
• Año: 2013.
• Género: Comedia romántica. 
• Interpretación: Keira Knightley, Mark Ruffalo, Adam Levine, Hailee Steinfeld, Catherine Keener, Mos Def, James Corden Cee Lo Green. 
• Producción: Tobin Armbrust, Anthony Bregman. 
• Música: Gregg Alexander. 
• Fotografía: Yaron Orbach. 
• Montaje: Andrew Marcus. 
• Diseño de producción: Chad Keith. 
• Vestuario:  Arjun Bhasin. 
• Distribuidora: eOne Films Spain.

SINOPSIS

Greta y Dave son una pareja enamorada a la par que compañeros compositores. Llegan a Nueva York cuando él firma un acuerdo con un importante sello discográfico, pero su recién adquirida fama pronto tienta a Dave y deja de lado a Greta, cuyo mundo se viene abajo. Cuando Dan, un ejecutivo discográfico en horas bajas, descubre a Greta durante una actuación en los escenarios del East Village, queda cautivado al instante por su talento y le propone empezar a trabajar juntos. Una colaboración que les transformará a ambos, a la vez que compondrá la banda sonora de un maravilloso verano neoyorkino.

CRITICA

Cuando el espectador se para a ver la película, lo primero que le puede venir a la cabeza es que es una comedia romántica donde se expresa el desengaño amoroso a través de la música y las diferentes perspectivas que tiene la fama. Pero, aunque no lo parezca, hay temas más profundos que subyacen de esta historia y de cada uno de los personajes.

Está el personaje de Greta, que entra en crisis cuando ve que a su novio le importa más la fama y el reconocimiento que el componer juntos canciones que puedan transmitir algo y que además, lleve su "sello", su "firma" de algo tan bonito que han creado. Pero el la traiciona y Greta se siente dolida y ve como su sueño de ser una compositora se viene abajo por el cambio de su novio. Pero su vida cambiará cuando conoce a Dan.

El personaje de Dan es un productor musical de una discográfica que está en horas bajas: le da bastante al alcohol, ha perdido el sentido de la higiene, no tiene peso en su empresa, su mujer le ha echado de casa y ha perdido toda conexión con su hija. Pero a la hora de conocer a Greta, su vida da un cambio radical en todos los sentidos, artísticamente puesto que motiva a la joven a cambiar la música de otra forma y, porque gracias a ella consigue que su hija se acerque más a él y pueda sentirse de nuevo querida por su padre. Lo que le hace reflexionar, en cierto modo, el dejar de beber y determinar en que punto el tuvo también parte de culpa en la ruptura de su matrimonio. Y sobre todo, consigue ver que las dificultades pueden solucionarse o dejarlas pasar sin estar constantemente lamiéndose uno las heridas.

Por otro lado, el ex novio de Greta (Dave) quiere volver con ella porque se ha dado cuenta de que sin sus canciones, sin las melodías que ella ponía su música no es lo mismo. Y cuando ella le pide el favor de que recupere la esencia que tenía antes, ella observa que ya no hay nada ni profesional ni sentimental que le una a él. Y aunque no lo parezca, Greta ha cambiado la vida de mucha gente con su particular punto de vista.

Es una película entretenida, que puede verse en una tarde tranquila, es exquisita a la vez que no pretende ser pretenciosa y dónde la música permite al espectador relajar por completo. Y aunque con el paso del tiempo la gente no se acuerde, siempre quedará un buen recuerdo de aquellos que la vimos.


Calificación personal: 7

El juez (2014)

• Título original: The judge. 
• Dirección: David Dobkin.
• Año: 2014.
• Género: Drama. 
• Interpretación: Robert Downey Jr., Robert Duvall, Vera Farmiga, Billy Bob Thornton, Leighton Meester, Vincent D’Onofrio, Jeremy Strong, Dax Shepard, Sarah Lancaster. 
• Guion: Bill Dubuque y Nick Schenk. 
• Producción: Susan Downey, David Dobkin y David Gambino. 
• Música: Thomas Newman. 
• Fotografía: Janusz Kaminski. 
• Montaje: Mark Livolsi. 
• Diseño de producción: Mark Ricker. 
• Vestuario: Marlene Stewart. 
• Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

SINOPSIS

Hank Palmer (Robert Downey Jr.) es un importante abogado que vuelve a su localidad natal donde su padre (Robert Duvall), el juez del pueblo, de quien está distanciado, es sospechoso de asesinato. Decide descubrir la verdad y durante el proceso vuelve a encontrarse con la familia que había dejado atrás años antes.


CRITICA

He de reconocer que el año en el que estrenaron la película no me llamó para nada la atención para verla en el cine. Y el verla en el año presente fue porque la gente me la iba recomendado y al igual que yo "recomiendo" de alguna forma películas a través del blog, me aventuré a verla y la verdad es que no me ha decepcionado para nada a pesar de la larga duración del film.

Sin ningún tipo de miramientos, se nos presenta a un abogado que carece totalmente de escrúpulos, de echo se ve reflejado claramente con el breve diálogo que mantiene con su cliente, hasta que recibe una llamada que le cambiará no solo la vida, sino que permitirá al espectador conocer más la personalidad de Hank y que se esconde bajo esa vida perfecta y esa carrera de éxito.

El volver a la ciudad donde nació le hace enfrentarse no solo a sus recuerdos (ya sean buenos o malos) sino a su padre, al cual desprecia enormemente (y viceversa) y cuesta entender porque el odio entre padre e hijo pero incluso, en momentos difíciles que van aconteciendo como ambos van dejando las rencillas de lado y el orgullo para poder echarse una mano mutuamente.

Al ver esta película, se puede pensar que nadie elige la familia en la que nace y por eso muchas veces el rencor se puede ir echando raíces y generar una ponzoña que es complicada de eliminar. Pero también, reflexiona sobre que nunca es tarde para poder arreglar las cosas aunque sea con poco tiempo y que le permite a uno ver sus errores e incluso reconciliarse con uno mismo.

Los críticos expertos no la valoran de forma muy positiva debido a la duración y porque en determinados momentos es lenta y cuenta con demasiado detalle algunas cosas. Pero (desde mi humilde punto de vista) la película muestra una gran profundidad en cuanto a las relaciones humanas, los sentimientos, las relaciones de familia e incluso el propio orgullo. Aparte de eso, las interpretaciones son espectaculares y se puede ver a Robert Downey Jr. fuera del papel de Iron Man y que sabe actuar fuera de ese personaje.

Es una historia que permite reflexionar puesto que lo que ocurre en la familia de los protagonistas es algo que puede suceder en cualquier familia e incluso en la nuestra propia y sobre todo, nunca es tarde para recapacitar y pedir perdón.


Calificación personal: 8

Una conejita en el campus (2008)

• Título original: The house bunny
• Año: 2008
• Género: Comedia
• Dirección: Fred Wolf
• Intérpretes: Anna Faris, Emma Stone, Colin Hanks, Kat Dennings, Rumer Willis, Dana Goodman, Beverly D'Angelo, Kiely Williams, Hugh Hefner, Tyson Ritter.
• Guión: Kirsten Smith, Karen McCullah Lutz
• Música: Waddy Wachtel
• Fotografía: Shelly Johnson
• Productora: Relaqtivity Media, Happy Madison Productions

SINOPSIS

Shelley (Anna Faris) es una conejita que vive en la mansión Playboy. El día que cumple 27 años es expulsada de la casa por considerarla "muy mayor". Sin dinero y sin ningún sitio a dónde ir, recala en una hermandad de un campus que está a punto de cerrar. Shelley las ayudará haciéndolas más populares.

CRITICA

No hay nada como una comedia ligera que haga reír al espectador y que a su vez muestre un fondo en la historia y también, que se rompan ciertos tópicos que hay en torno a las mujeres con respecto a su aspecto físico, su forma de vestir o incluso su forma de hablar.

Es raro encontrarse en una comedia que ésta tenga fondo en su historia, pero se ve como poco a poco entre Shelley y las estudiantes de la hermandad hay una especie de simbiosis en la cual ella les enseña como vestir mejor para que los chicos se fijen en ellas y, como ellas la ayudan a que sea algo más que unos pechos y una cara bonita y que puede ser ella misma.

Por otro lado, te muestran como son los hombres en estas situaciones, como si se encuentran a una mujer con un cuerpo espectacular no usarla solo como un objeto y no pensar que siempre va a tener la cabeza hueca o va a ser una inculta y por ella más fácil para conquistarla. También se refleja como los hombre (de nuevo) suelen pasar de las mujeres que no poseen cierto atractivo físico, así como si no están bien arregladas; pero es cierto que tienden a ver lo superficial.

De alguna forma, también intenta mostrar que una mujer puede vestirse bien e incluso estar "sexy" sin necesidad de que tenga que ir de forma provocativa o lasciva y que muchas veces se nos olvida, pero que también tenemos que cuidarnos a nosotras mismas.

Es cierto que es una película muy simple y sencilla y los gags no causan mucha risa pero, para pasar un buen rato entre amigos o incluso para verla solo y relajarse cuando lleves vistos muchos dramas. Además del poder femenino que libera la película.

Calificación personal: 5.5

Yo, Tonya (2017)

• Título original: I, Tonya
• Año: 2017
• Género: Drama, comedia, historias reales
• Dirección: Craig Gillispie
• Intérpretes: Margot Robbie, Sebastian Stan, Allison Janney, Julianne Nicholson, Bobby Cannavale, Caitlin Carver, Paul Walter House
• Guión: Steven Rogers
• Música: Peter Nashel
• Fotografía: Nicolas Karakatsanis
• Montaje: Tatiana S. Riegel
• Vestuario: Jennifer Johnson
• Productora: LuckyChap Entertainment, Clubhouse Pictures, AI Film

SINOPSIS

Tonya Harding (Margot Robbie) es una gran patinadora estadounidense y la única que ha conseguido realizar un triple axel. Pero siempre tuvo como rival a su compatriota Nancy Kerrigan. Cuando Nancy es atacada en la rodilla poco antes de los Juegos Olímpicos de 1994, todas las sospechas comienzan a acercarse a ella y a su entorno.

CRITICA

Siempre que veo alguna película que está basada en algún hecho o historia real, es complicado muchas veces interesarse por la vida del personaje. Pero en el caso de esta película, va más allá no exclusivamente por su vida sino como las personas de su alrededor hicieron vivir un infierno por un afán de protagonismo.

Este protagonismo se ve claramente reflejado en la madre de Tonya, la cual hace que la joven no pare de practicar sin ningún tipo de descanso y humillándola hasta tal punto de menospreciar lo que hacía, nunca felicitarla e incluso obligarla a que dejase el instituto, sin posibilidad alguna de progresar cuando se retirase del personaje. Desde mi punto de vista, eso produjo en cierto modo que Tonya Harding fuese bastante vulgar en su forma de ser y de actuar y que fuese escrutada continuamente por el ojo público.

Por otro lado está su marido/mánager cuya forma de mostrar su amor hacia Tonya consistía en pegarla continuamente, lo que le impedía a veces patinar, disimular, pedir órdenes de alejamiento... Pero lo más triste, es como se cargó no solo su vida sino también su carrera artística a espaldas de ella para así demostrarle su amor incondicional. Obviamente, el amor va mucho más allá de eso. Por mucho que se diga que un entorno familiar adecuado y con ciertos valores no repercute en el desarrollo emocional, personal y profesional de una persona; se puede observar que la pobre Tonya no tuvo muchas oportunidades en su vida para poder realizar ese desarrollo.

Es cierto que el tono que se le da a la película es en forma de falso docmental y con diversos tintes cómicos (sobre todo provocados por la gran Allison Janney) pero puedo imaginar que no ha sido una vida sencilla. Desde mi perspectiva, yo la recomiendo no solo por las fantásticas interpretaciones, sino también para ver como el poder, la fama, el concederse derechos y/o méritos no le hacen a uno mejor persona ni acabas ayudando a los demás.

Calificación personal: 7.6

Nacida para el mal (1950)

• Título Original: Born to be bad
• Dirección: Nicholas Ray
• Año: 1950
• Género: Drama
• Intérpretes: Joan Fontaine, Robert Ryan, Zachary Scott, Joan Leslie, Mel Ferrer, Virginia Farmer, Kathleen Howard, Bess Flowers.
• Guión: Charles Schnee, Edith R. Sommer
• Música: Frederick Hollander
• Fotografía: Nicholas Musuraca
• Montaje: Frederic Knudston
• Productora: RKO Pictures

SINOPSIS

Christabel Caine (Joan Fontaine), una joven de apariencia dulce e ingenua, le gusta a todo el mundo, a su prima, al prometido de ésta y a los amigos de la pareja. Sólo el escritor Nick Bradley (Robert Ryan) descubre que debajo de esa mujer angelical, se esconde una mujer fría y calculadora a la que no le importa nadie, salvo ella misma.

CRITICA

La premisa con la que parte la película es realmente interesante. Es decir, como una persona sin ningún tipo de escrúpulos hacia los demás intenta subir "peldaños" en la escala social y cómo a la vez, desea aquello que no tiene y también aquello que quiere. Pero ese hilo conductor se va diluyendo con el paso del tiempo y queda en una película demasiado insulsa.

A medida que la historia se va desarrollando se espera que los planes de la protagonista sean malévolos y que salga a relucir la verdadera maldad que lleva dentro, pero no acaba de mostrarla del todo dejando frío al espectador.

Se puede decir que esta película puede ser un precedente de Eva al desnudo (teniendo en cuenta por supuesto que ésta última la supera con creces en todos los aspectos fílmicos) pero sin la imprimación de una fuerza que de carácter no solo a la historia sino también al personaje femenino. La verdad es que, desde mi punto de vista, me dejó bastante fría con respecto a otras películas del cine clásico.

He de comentar, que el director Nicholas Ray estaba en horas bajas en su filmografía como director tras un arranque prometedor (además de sus numerosos problemas personales así como su adicción severa al alcohol) y necesitaba de alguna forma volver a encarrilarse en Hollywood, aunque lo haría años más tarde con películas extraordinarias como 55 días en Pekín o Rey de Reyes.

En cuanto a su reparto, nada de mérito hay que quitarle a su protagonista Joan Fontaine (ni a los secundarios que la acompañan) a la hora de mostrar dos caras: la de una mujer buena y bondadosa con la de la mujer fría y calculadora. A pesar de todo el esfuerzo puesto en la película, no llega a alcanzar su propósito de película de cine negro por lo que no se ha añorado mucho con el paso del tiempo y casi nadie se acuerda de ella.

Calificación personal: 6

Contratiempo (2016)

• Dirección: Oriol Paulo
• Año: 2016
• Género: Thriller
• Intérpretes: Mario Casas, Ana Wagener, José Coronado, Bárbara Lennie, Frances Orella, Paco Tous, Íñigo Gastesi, David Selvas, San Yélamos.
• Guión: Oriol Paulo, Lara Sedim
• Música: Fernando Velázquez
• Fotografía: Xavi Jiménez
• Productora: Atresmedia Cine, Nostromo Pictures, Think Studios, Colosé Producciones

SINOPSIS

Adrián Doria (Mario Casas) es un reputado empresario que está a punto de entrar en prisión por el asesinato de su amante Laura (Bárbara Lennie). Para evitarlo, decide contratar los servicios de Virginia Goodman (Ana Wagener) una experta preparadora de testigos. Durante 3 horas trabajarán para encontrar una duda razonable que le libre de la prisión.

CRITICA

Cuando vi la película me iba quedando con todas las escenas y los detalles para que nada me pasase desapercibido. Al terminar de verla, busqué reseñas acerca de la película y la verdad es que la ponían como lo más horrible del thriller en los últimos tiempos y como algo bastante predecible. Yo no me creo superior ni una gran experta periodista, pero puedo reconocer (aunque sea un ápice) cuando el guión tiene solvencia a lo largo de toda la trama y como al irse acercando al final te lo va desgranando de tal forma que el espectador no se quede como un completo idiota. Por eso, me da pena que si esta trama proviniese de una película americana, los medios españoles la hubieran puesto por las nubes como algo extraordinario. Después de esta ligera descarga, me voy a ceñir a la crítica en sí (ya que la historia tiene bastante enjundia).

Desde el principio la idea que se le quiere mostrar al espectador es que el protagonista es inocente y para eso debe de relatar con todo detalle lo que sucedió los días antes de que su amante muriese. De echo, la preparadora de testigos, es una frase que utiliza constantemente en su diálogo con el protagonista, puesto que un pequeño desliz en su versión de la historia, puede cambiar el veredicto del jurado.

Por ello, a medida que el protagonista se va sintiendo más cómodo, empieza a relatar a la preparadora como inició su escarceo amoroso con la amante, lo que hacían, sus negocios y como se las ingeniaban para que los cónyuges de ambos no se enterasen. Hasta que un día, tienen un accidente de coche chocando contra otro vehículo y, el conductor resulta muerto. La entrada en pánico de ambos (para que no se descubra su infidelidad) provocan que el curso de sus vidas cambien por completo.

Ese cambio se traduce en la gran bola de mentiras que tienen que ir elaborando para ser descartados como sospechosos, para no descubrir su relación e incluso para poder seguir con sus vidas hacia delante como si no hubiese sucedido nada.

Llegados a este punto de la crítica, es mejor que me detenga, ya que puedo hacer más de un spoiler que arruine la intriga del espectador/lector de ver la película. Pero, desde mi punto de vista, me parece que el guión está bastante bien conseguido y además la historia está muy bien hilvanada durante el interrogatorio y para llenar las lagunas del protagonista. Y aunque el desenlace (obviamente) debe de llegar, el guionista y director de la película, ya se ha encarga de focalizar el final de tal forma que se acabe entendiendo todo y que además no se pierda ni un solo detalle. Es digna de ver y de disfrutar un buen thriller y de las grandes actuaciones de Ana Wagener (está colosal) y de José Coronado (inmenso como siempre).

Calificación personal: 7.5

De repente, el último verano (1959)

• Título original: Suddenly, Last Summer
• Año: 1959
• Género: Drama
• Dirección: Joseph L. Mankiewicz
• Intérpretes: Elisabeth Taylor, Montgomery Clift, Katherine Hepburn, Albert Drekker, Mercedes McCambridge, Gary Raymond.
• Guión: Tennessee Williams, Gore Vidal
• Fotografía: Jack Hildyard
• Música: Malcom Arnold
• Montaje: William Hornbeck
• Vestuario: Oliver Messel
• Productora: Columbia Pictures

SINOPSIS

El doctro Crukowicz (Montgomery Clift) es un experto neurocirujano que realiza lobotomías con bastante éxito. Un día, recibe la carta de la Señora Violet Vanble (Katherine Hepburn), una viuda que ha perdido a su hijo, solicitando su ayuda para que le practique esa operación a su sobrina Catherine (Elisabeth Taylor).

CRITICA

Desde el principio hasta el final, la película es totalmente perturbadora no solamente por la trama que transmite, sino también porque cuando se realizó la película, ésta se salía de todos los cánones habituales morales de Hollywood. Por otro lado, siempre el dramaturgo Tennessee Williams no dejaba indiferente a ninguno de sus lectores con sus obras, ya que siempre había retazos de su vida plasmados en ellas.

El hilo conductor de toda la historia es un personaje que no sale en ningún momento de la trama: Sebatian Venable, sobre el cuál giro en torno la vida de la madre y de la prima y, a pesar de no conocerle, el doctor Crukowicz se siente de alguna forma implicado en la vida del joven ya que le quieren persuadir para que realice una lobotomía a la joven Catherine pero el se niega en practicarla hasta que no descubra cual es la verdad de todo aquello.

Realmente, por decirlo de alguna manera, el doctor es el "nexo" de unión entre como veía Violet Venable a su hijo y como lo veía su prima. Pero la pregunta es, ¿cual es realmente la verdad?, o ¿Catherine está de verdad loca como para anular su raciocinio? Es lo que en parte el doctor desea averiguar con el observando el comportamiento de ambas mujeres.

A medida que se va desarrollando la historia, se van conociendo poco a poco el carácter de cada uno de los personajes, no solo por la muerte del joven sino también movidos por otra serie de intereses (además de los económicos) que suscitan la duda del médico y la búsqueda ante todo de la verdad.

El dramaturgo Tennessee Williams es la primera vez (que yo recuerde bien) que adapta una de sus obras de teatro al cine, puesto que muchas de sus obras son reflejo de momentos de su vida bastantes dolorosos que de alguna forma quería dejarlos salir.

Por otro lado están las magníficas interpretaciones de Katherine Hepburn y de Elisabeth Taylor que muestran su calidad interpretativa, no solo en los careos entre ellas, sino en la forma en la que llevan sus sentimientos y pensamientos sobre el personaje de Sebastian. Sobre todo en los rasgos de la Hepburn, donde sus expresiones faciales van cambiando conforme al mundo de burbuja en el que quiere seguir viviendo.

Es cierto que el final puede resultar un tanto descorazonador e inquietante para el espectador y preguntarse (e incluso que le disguste) el por qué de ese final tan explícito donde en cierto modo también deja un poco de forma latente entrever la homosexualidad del primo. A pesar de todo esto, me parece una película excelente de ver, de seguir y de ver las maravillosas interpretaciones de estas dos actrices que les valió a ambas una nominación al Oscar a la mejor actriz.

Calificación personal: 8