@buelos (2019)

• Dirección: Santiago Requejo
• Año: 2019
• Género: Drama
• Intérpretes: Carlos Iglesias, Roberto Álvarez, Ramón Barea, Ana Fernández, Lara Corrochano, Clara Alonso, Raúl Fernández, Mercedes Sampietro, Eva Santolaria, Claudia Molina.
• Guión: Javier Lorenzo, Santiago Requejo
• Música: Íñigo Pírfano
• Fotografía: Ibon Antuñano
• Productora: 2:59 Films, Amazon Video

SINOPSIS

Isidro (Carlos Iglesias) es un parado de 59 años que tras dos años de búsqueda de empleo se da cuenta de que el mundo laboral le ha dado la patada. Pero el sigue pensando que puede trabajar y junto con la ayuda de su amigo Arturo (Roberto Álvarez) un exitoso escritor de novelas y Desiderio (Ramón Barea) intentarán poner en marcha una guardería con el nuevo método del "coworking", para sacar al emprendedor que llevan dentro.

CRITICA

En una sociedad en la cual los medios de comunicación invaden nuestras casas con noticias negativas sin ni siquiera muchas veces mostrar un halo de esperanza y de optimismo, en esta película tierna y maravillosa se tocan varios temas a los que los ciudadanos nos tenemos que enfrentar día a día, ya sea a través de nuestro entorno más cercano o nuestro entorno laboral: la vejez, el emprendimiento, el paro y la incertidumbre de un futuro que no tiene muy buena pinta.

La cinta presenta una estructura sencilla, bien cuidada y estructurada, que camina bien entre los pasos que tiene que dar. En ningún momento se muestra que el enfoque esté enfocado a un público mayor, sino también a un público joven, donde muchas veces no se les ofrece la oportunidad de demostrar su talento tras años de estudio o desarrollar una experiencia si nadie les da una posibilidad. En el caso de los mayores, se les empieza a relegar a un segundo plano cuando la experiencia ya no importa y se piensa que en la sociedad (a nivel laboral) ya han cumplido su cometido. Pero realmente, se podría realizar una compenetración entre esas dos generaciones puesto que esa generación que "termina" tiene que enseñarle a esa generación que "llega", de esa forma los jóvenes irían adquiriendo la experiencia que tanto se les demanda en el mundo laboral. Por otro lado, a los mayores, poco a poco se les podría ir reduciendo la jornada laboral para que no solo enseñasen a los nuevos sino que, en el momento de la jubilación no les pillase de una forma tan brusca y, también poderles facilitar su adaptación a esa nueva etapa en la que todavía pueden seguir aprendiendo (y aportando) muchas cosas.

Ante esto (que podría aplicarse en la sociedad) se ven claramente los diversos obstáculos con los que tienen que ir lidiando los protagonistas. En el caso de Isidro, poner de aval su casa para emprender, en el caso de Desiderio a pesar de estar jubilado, ayudar económicamente a su hijo (el cual no ve el esfuerzo de su padre) y a su nuera y poder rehacer su vida tras la viudedad. Y Arturo, ya no es un casanova, pero se da cuenta que lo que relata en sus novelas no es lo suficientemente realista para sentirse realizado y que todo tiene su momento y ahora, le toca vivir otros.

El ritmo es ágil y la trama no llega a aburrir en ningún momento, pese a tener momentos de tener una alta probabilidad de haberse vuelto repetitivo. @buelos cuenta bien una historia sobre como superar los obstáculos que a veces se nos plantean en la vida y que nunca en tarde para abrazar las oportunidades por muy mayor que se sea, porque para determinados aspectos de la vida como la ilusión, hacer algo diferente, probar cosas nuevas e incluso enamorarse, no entiende de edades.

Calificación personal: 7.5

La carta final (1987)

• Título original: 84 Charing Cross Road
• Año: 1987
• Género: Drama, autobiográfico
• Dirección: David Hugh Jones
• Intérpretes: Anne Bancroft, Anthony Hopkins, Judi Dench, Jean De Baer, Mercedes Ruehl, Maurice Denham, Eleanor David, Daniel Geroll, Wendy Morgan, Ian McNeice.
• Guión: Hugh Whitemore
• Música: George Fenton
• Fotografía: Brian West
• Montaje: Chris Wimble
• Productora: Brooksfilms

SINOPSIS

Helene Hanff (Anne Bancroft) es una escritora americana que vive en Nueva York, apasionada de los libros que busca unos ejemplares concretos. Un día en el periódico lee el anuncio de una librería de Londres situada en la calle 84 de Charing Cross Road. Comienza así una relación epistolar de 20 años con el encargado de la librería Frank Doel (Anthony Hopkins) y con el resto de empleados. Convirtiéndose en una amistad desde la distancias y sin haberse visto nunca.

CRITICA

Hay veces que las películas simplemente se ven para que la historia te cautive y que le deje al espectador sumergirse en la historia que nos están contando. En el caso de este filme, algo tan normal y cotidiano como puede ser una correspondencia entre dos personas, se acaba convirtiendo en una relación a distancia donde se demuestra cariño, respeto, amor por la literatura y amor por los libros.

Aunque a veces el ritmo de la trama pueda resultar un poco monótono y que no se produzca ningún tipo de evolución en la historia, en determinados momentos se resaltan situaciones emotivas en las cuales los personajes sienten una conexión entre ellos porque algo tan sencillo como puede ser un libro antiguo (aunque en la actualidad encontrar una primera edición de cualquier ejemplar es como el Santo Grial de la literatura) puede unir de una manera tan profunda la vida de varias persona. Cómo cabía de esperar, esta película se basa en la novela que escribió Helene Hanff sobre la correspondencia que mantuvo con un librero de Londres y el resto de empleados en la cual, no solo solicitaban y enviaban los libros acordados, sino también se redactaban pequeñas anécdotas del día a día; lo que puso en conocimiento de la escritora americana la precaria situación en la que estaban viviendo los londinenses tras la finalización de la Segunda Guerra Mundial. Este acontecimiento supuso un mayor acercamiento entre todos, ya que Helene enviaba comida para todos los empleados, lo que se trasladaba con muestras de gratitud. Un gesto tan noble puesto que ella ya era correspondida con los libros que le iban enviando.

Con el paso del tiempo, nunca llegaron a encontrarse, ya que muchas veces la economía era el mayor impedimento para viajar y los trabajadores, siempre esperaban con alegría que algún día Helene apareciera por la puerta de la librería y ponerle voz y rostro a esa mujer que durante tanto años les dio alegría en un trabajo tan gratificante (desde mi punto de vista, puesto que a mi me encanta leer y me gustaría poder recomendarle a gente libros o que me recomendasen a mi). Lo que ocurrió después... Para averiguarlo, tendrán que ver la película.

Como he comentado al principio de esta crítica, hay películas que simplemente te llevan por la historia que van contando porque a veces no es necesario nada más que deleitarse con algo sencillo y que sea de fácil visionado porque es necesario despejar la mente de vez en cuando. Y si encima se encuentran dos de tus pasiones juntas, el cine y los libros, es un tandem perfecto.

Calificación personal: 6.5

The Normal Heart (2014)

• Dirección: Ryan Murphy
• Año: 2014
• Género: Drama
• Intérpretes: Mark Ruffalo, Matt Bomer, Taylor Kitsch, Jim Parsons, Joe Mantello, Finn Wittrock, Julia Roberts, Alfred Molina, BD Wong.
• Guión: Larry Kramer
• Música: Cliff Martinez
• Fotografía: Daniel Moder
• Montaje: Adam Penn
• Productora: HBO Pictures, 20th century fox television

SINOPSIS

Principio de la década de los años 80. Un grupo de activistas gays de la ciudad de Nueva York se centran para prevenir la expansión del VIH dentro de la comunidad homosexual. Con la ayuda de determinados médicos simpatizantes, intentarán concienciar a la población de la aparición de un nuevo virus a nivel mundial.

CRITICA

Cuando se habla del VIH se piensa que es un tema muy manido y que es algo que ya no es necesario seguir mencionando en la actualidad gracias a todos los avances médicos. Pero por desgracia, el SIDA es una de las enfermedades que en la actualidad sigue matando a miles de personas en todo el mundo, lo que pasa es que miramos hacia otro lado porque no suele verse mucho en las noticias pero, como en el caso del coronavirus, tendrá su "momento de gloria" hasta que el tema se deje pasar. Pero, sin más dilación, voy a centrarme en el tema de la película en lugar de temas políticos.

Durante toda la historia de la humanidad hasta que se acabe el mundo, habrá determinados colectivos y/o personas que siempre serán discriminadas pero, en lugar de ver lo pequeño no vemos la totalidad y es que el mundo está compuesto de seres humanos y cada uno de ellos merece ser respetado y ayudado y si de verdad fuera así, el mundo sería un lugar diferente. Este pequeño prólogo lo quiero relacionar con el inicio de la pandemia del VIH a los homosexuales por su elevada promiscuidad y por la revolución sexual que trajeron consigo al no esconderse; pero yo realmente pregunto, ¿su forma de actuar merecía el desprecio y el abandono por parte de los altos cargos y por el resto de personas? Sinceramente no, porque igual que cuando alguien coge una enfermedad contagiosa usa todo tipo de protección, a este colectivo se le tendría que haber tratado como a otros enfermos y tener que haber tomado las medidas de precaución pertinentes y no dejarles tirados como si fuesen moribundos o desechos sociales porque, antes de saber cual era su condición sexual, era divertido estar con ellos pero, cuando ya se sabía o enfermaban, ya no les importaban a nadie. Eso es deleznable en una sociedad donde supuestamente se piensa en el bien común. Ante esta situación, Ned Weeks (interpretado magistralmente por Mark Ruffalo) decide hacer advertencias al colectivo homosexual para que tomen precauciones infundiéndoles miedo porque no reaccionan antes la innumerables muertes que se están produciendo y se desconoce por completo la enfermedad y las posibles consecuencias que traen consigo. Esto genera una gran alarma social puesto que la sociedad ve a los homosexuales como los culpables e incluso ellos mismos ven que van a volver a ser señalados con el dedo o que no van a poder vivir una vida normal.

Si este tipo de de aspectos los extrapolamos a la vida de una mujer o de un hombre heterosexual: ¿no hay hombres que se acuestan con mujeres a las que no conocen y viceversa?, ¿hay alguien que alguna vez no haya mantenido una relación sexual sin ningún tipo de compromiso emocional? Es decir, quien esté libre de pecado que tire la primera piedra. Nadie es perfecto y da igual el tipo de orientación sexual que tengas, porque se ha demostrado científicamente que el SIDA y otras enfermedades de transmisión sexual puede que una persona sea portadora pero no desarrolle el virus y que infecte a otra y esta si lo desarrolle. De echo, se considera en algunos países un delito sexual si mantienen relaciones sexuales con alguien y no le comentas que tienes el SIDA, puesto que se puede desencadenar un foco de infección.

Cuando el guión de una película trata temas tan interesantes, las entradas que suelo escribir son largas y al final suelo tratar lo que aparece en el filme con lo que suele haber en la actualidad (intento siempre al 100% contrastar los datos que escribo de fuentes fiables). En conclusión, lo que me gustaría destacar de esta película es que todas las fobias que hay de diferentes tipos deberían de ir desapareciendo porque realmente no hacen ningún favor a la gente ni a uno mismo si no le afecta directamente. Porque lo que cuenta realmente es como es la persona con y para los demás para intentar hacer un mundo (dentro de lo desastroso que es ya de por si) lo más agradable posible. Porque al fin y al cabo, todos somos el mundo.

Calificación personal: 8

Plenty (1985)

• Dirección: Fred Schepisi
• Año: 1985
• Género: Drama
• Intérpretes: Meryl Streep, Charles Dances, Tracey Ullman, John Gielgud, Sting, Ian McKellen, Sam Neill.
• Guión: David Hare
• Música: Bruce Smeaton
• Fotografía: Ian Baker
• Productora: RKO Pictores

SINOPSIS

Susan Traherne (Meryl Streep) ha sufrido una transformación irreversible tras la Segunda Guerra Mundial. Impresionada por los héroes anónimos de la Resistencia a los que ella pasaba información, se le hace imposible adaptarse al mediocre y anodino mundo de la posguerra.

CRITICA

En un año en el que cientos de películas se estrenan muchas acaban pasando sin pena ni gloria por las carteleras; bien sea porque realmente no son excepcionales o, en otras ocasiones hay otros filmes de mayor envergadura que han hecho mucho más "ruido" a lo largo de todo ese año pero, cuando llega la temporada de premios se rescatan (como ha sido este año con la surcoreana Parásitos) o simplemente son películas que se quedan para los archivos cinematográficos. Como es el caso de esta película.

Si bien es cierto que una de las menos (por no decir casi desconocida) conocida película en la extensa filmografía de Meryl Streep, el año de su estreno se vio eclipsada por otro filme de la actriz, Memorias de África, que si cosechó más éxito que ésta. Desde mi punto de vista, la película es demasiado lenta y monótona, además de realizar demasiados saltos temporales en los cuales el espectador puede llegar a perderse. Lo que me llega a concluir que la película es un tanto mediocre, no así la interpretación de sus actores que están muy a la altura de sus personajes y de la carga emocional que cada uno de ellos representa. Con esto me refiero a que el papel interpretado por la grandiosa actriz, muestra a una mujer atormentada por lo acontecido en la Segunda Guerra Mundial y que no consigue adaptarse a la posguerra y, todas aquellas personas que la intentan ayudar o hacerle la vida un tanto más llevadera acaban sufriendo su inadaptación, trastocando todas sus vidas. Por lo que, con esta premisa, el contenido dramático de la historia así como la fluidez de la misma podría haber sido mucho más amena pudiendo sacar un mayor partido a todos los personajes y al paso del tiempo que iba sufriendo el personaje de Susan. Por lo que el jugo de los personajes hubiese sido mucho más rico y se hubiese ahondado con más profundidad.

Otro de los factores que me desubicó de la película fue le no poder situar de vez en cuando donde se situaba la vida de Susan y un poco a que se dedicaba, para así analizar su evolución emocional y ver como realmente no se terminaba de adaptar. Pero, si he de destacar, no solo la excepcional interpretación de Meryl Streep, sino como esa adrenalina que le suponía a la protagonista tener que sobrevivir a los nazis, es algo que ya no puede experimentar y por ello, utiliza diversas vías de escapes para intentar mantener viva esa llama que la ayude a estar alerta pero no lo consigue. Porque cuando se pone todo el cuerpo y el alma solo en un propósito, en un proyecto o en un fin; cuando no se logra, no hay nada que cubra ese vacío.

Como conclusión, no es de las mejores películas dramáticas que he visto puesto que hay otras de mayor calidad y profundidad en la historia y en el desarrollo del guión. Hay que recordar que nuestros actores, actrices o directores favoritos no siempre harán películas memorables, pero harán películas correctas.

Calificación personal: 4.5

Señora Doubtfire, papá de por vida (1993)

• Título original: Mrs. Doubtfire
• Año: 1993
• Género: Comedia
• Dirección: Chris Columbus
• Intérpretes: Robin Williams, Sally Field, Pierce Brosnan, Lisa Jakub, Matthew Lawrence, Mara Wilson, Harvey Fierstein, Polly Holliday.
• Guión: Randi Mayem Singer, Leslie Dixon
• Música: Howard Shore
• Fotografía: Donald McAlpine
• Montaje: Raja Gosnell
• Productora: Blue Wolf Productions

SINOPSIS

Daniel Hilard (Robin Williams) es un actor de doblaje casado y con tres hijos. Tras dejar su trabajo por un desacuerdo con sus jefes, celebra el cumpleaños de su hijo por todo lo alto. Cuando su esposa Miranda (Sally Field) llega a casa no aguanta la situación y le pide el divorcio a Daniel y este se queda casi sin ver a sus hijos por lo que urde un plan para verles: hacerse pasar por su futura cuidadora.

CRITICA

Habrá películas a las que tengo un especial cariño porque han marcado mi infancia y con las que viví grandes momentos y que siempre quedarán grabadas en mi retina como es el caso de esta película donde a pesar de tener una gran vis cómica muestra también el trasfondo de lo que supone un divorcio para los hijos pero la importancia que tiene de hacerlo de una forma lo más amistosa posible entre los progenitores y sobre todo recordar que porque los padres se separen, a los hijos no se les tiene que dejar de querer.

Por lo que el protagonista aprovecha sus dotes interpretativas y sus dotes de voz (y la ayuda de su hermano) para crear a su cuidadora perfecta con la que así conseguirá estar cerca de sus hijos pero también hará todas esas cosas que no compartía con su mujer en lo referente al hogar y también los hijos enderezarán un poco su vida y empezarán a apreciar un poco más a su madre.

Estos pequeños elementos dramáticos que están ocultos a simple vista, se van mezclando con la excentricidad y la improvisación del gran Robin Williams durante el rodaje, que hacía que en todas y cada una de las escenas nos sacase a más de un niño una risa, así como las diferentes dificultades o escollos a los que se iba enfrentando para evitar que su ex mujer se liase con un guaperas de turno. La verdad es que este actor nunca dejó de sorprenderme puesto que realizaba película cómicas enfocadas al público adolescente como películas dramáticas que también dejaron una huella en la generación que creció con el y que con tanto dolor sufrimos su muerte en el año 2014. Se intentó hacer una secuela pero, ¡menos mal que no salió el proyecto!

Además esta película despertaba a más de uno la curiosidad por conocer más la versatilidad de este actor y como sorprendía su interpretación, por lo que me recuerda a que las comedias de los años 90 no son como las de ahora y muchas veces el humor que se desea transmitir en las películas no es necesario que sea demasiado sexual ni altamente escatológico, puesto que el objetivo es hacer reír a la gente.

Siempre comento que una buena película es aquella que tiene un guión profundo y que se puede analizar y sacar mucho partido a lo que nos quieren contar pero, cada género tiene también sus buenas películas y esta, es una de ellas porque nos saca más de una sonrisa y una carcajada.

Calificación personal: 8

El circo (1928)

• Título original: The circus
• Año: 1928
• Género: Comedia
• Dirección: Charlie Chaplin
• Intérpretes: Charles Chaplin, Al Ernert Garcia, Merna Kennedy, Henry Bergman, Harry Crocker, George Davis, Stanley Sandford, John Rand, Steve Murphy.
• Guión: Charles Chaplin, Joseph Plunkett
• Música: Charles Chaplin
• Fotografía: Rolland Totheroth, Jack Wilson, Mark Marlatt
• Montaje: Harry Crocker
• Productora: United Artists

SINOPSIS

Charlot es perseguido por la policía tras ser confundido como un carterista. Mientras huye, Charlot consigue refugiarse en un circo que está en la ciudad y se cuela en una función. El dueño del circo al verle decide contratarle debido a que provoca hilaridad en el público pero, solo de manera espontánea.

CRITICA

De nuevo nos encontramos ante otra de las delicias visuales del gran Charles Chaplin donde no solo nuevamente vuelve a aportar su dosis de humor, sino también su pequeño toque dramático e incluso romántico. Con su inconfundible torpeza y desparpajo, Charlot se mete de lleno en el mundo del circo puesto que, sin el saberlo, hace reír al público con sus innumerables torpezas estropeando los números de otros compañeros.

Dentro de esas torpezas espontáneas, al resto de personas que hay a su alrededor les acaba sacando de quicio porque no da pie con bola, pero eso es lo que le permite a Charlot tener su esencia en todos los números hasta en el de funambulismo donde con ayuda de un arnés empieza con todo tipo de virguerías pero, cuando este se le suelta, el pánico se apodera de el y una vez más se encuentra en una situación extremadamente cómica a la que se le acaban uniendo los monos del circo que le hacen sufrir más de la cuenta para poder terminar el número. Pero no sólo los primates tienen algo contra él, puesto que hay un burro que cada vez que ve a Charlot, va tras él.

Por otro lado, muestra sin ningún tipo de sensiblería como era (desconozco como será en la actualidad la verdad) la vida en los circos y de los integrantes y el tener que moverse de ciudad en ciudad para atraer público y tener que hacer números atractivos y, este es un aspecto en el cual Charlie Chaplin no edulcora para nada. Por otro lado, muchos críticos muestran su descontento con esta película puesto que dicen que está realizada de una manera un tanto atropellada pero la verdad es que el cineasta se encontró con todo tipo de infortunios durante el rodaje: condiciones climatológicas demasiado adversas, inspección de hacienda, divorcio costoso de su mujer y la muerte de su madre. A pesar de todo, siempre supo sacar adelante sus películas.

En definitiva, es otra película que merece la pena ser vista y aunque pase el tiempo por ella en si, nunca pasará, porque marcó una época, un género y un estilo de cine que poca veces (por no decir nunca) se ve en los filmes hoy en día y donde Charlot siempre estará en nuestro recuerdo.

Calificación personal: 9

Bajo el mismo techo (2019)

• Dirección: Juana Macías
• Año: 2019
• Género: Comedia
• Intérpretes: Jordi Sánchez, Silvia Abril, Daniel Guzmán, Malena Alterio, Álvaro Cervantes, Cristina Alarcón, Ana Morgade, Cristina Castaño.
• Guión: Juana Macías, Daniel Corpas, Anna R. Costa, Juan Moreno
• Música: Pablo Trujillo
• Fotografía: Guillermo Sempere
• Montaje: Cristina Pastor
• Productora: Feelgood Media, Sony Pictures España

SINOPSIS

Adrián (Jordi Sánchez) y Nadia (Silvia Alonso) son un matrimonio que tras varios años de infelicidad deciden divorciarse y para ello deciden vender la casa. Cuando se dan cuenta de que no la pueden vender debido a la hipoteca, tendrán que convivir bajo el mismo techo o que uno le compre su parte al otro.

CRITICA

Creo que una de las peculiaridades de este blog no es solo la variedad de películas que hay de diferentes épocas y de diferentes países, sino también la posibilidad de que el espectador se pueda hacer preguntas en torno a temas de mucha actualidad y repercusión mundial como sincerarme sobre si una película pasará a los anales de la historia o simplemente no será recordada. Pues bien, dentro también del ámbito en el cual critico cine palomitero pero que a la vez es aburrido, a pesar de que este filme sea español, tengo que reconocer que me aburrió soberanamente y en ningún momento me produjo ningún tipo de carcajada.

Lo que en un principio parecía una buena premisa, es decir, un matrimonio que se quiere divorciar pero la hipoteca se lo impide y se hacen entre ellos la vida imposible a más no poder, se acaba convirtiendo en un "quiero y no puedo" de sacar un chiste fácil por algún sitio de la historia que no termina por aparecer, así como entremezclar ideas y proyectos de futuro de los personajes que no acaban de encajar con la historia. Creando una especie de vacío para ver si la película termina de arrancar en algún momento. Pero no, eso no ocurre.

El resultado final es una película demasiado forzada, a la que le falta fluidez y chispa y en la que los chistes, lamentablemente, no se encuentran a la altura de las circunstancias a pesar de contar con actores cuyo registro cómico es de sobra conocido en nuestro país. En definitiva, no siempre llueve a gusto de todos y no siempre todas las películas españolas que salgas tengan que ser buenas y sobre todo, en géneros tan manidos como la comedia, el fracaso suele ser bastante sonado.

Calificación personal: 2

La quimera del oro (1925)

• Título original: The gold rush
• Año: 1925
• Género: Comedia
• Dirección: Charles Chaplin
• Intérpretes: Charles Chaplin, Mack Swain, Tom Murray, Malcom Waite, Georgia Hale, Henry Bergman.
• Guión: Charles Chaplin
• Música: Charles Chaplin
• Fotografía: Roland Totheroh
• Montaje: Charles Chaplin
• Productora: Charles Chaplin Productions

SINOPSIS

Un solitario buscador llega a Alaska con el fin de encontrar oro y así poder hacerse rico. Una fuerte tormenta le hará refugiarse en la cabaña de un bandido a la espera de su final hasta que consigue llegar a la ciudad y de ahí volver a empezar de cero.

CRITICA

Aunque sigan pasando los años, ver una película de Charles Chaplin es sinónimo de entretenimiento, de buena dosis de risas con grandes momentos cómicos y también, con sus pequeños toques dramáticos para no olvidar la época en la que vivía uno de los mejores cineastas de todos los tiempos. Esta obra suya se recuerda sobre todo por momentos puntuales de la trama que hace que el espectador sienta una empatía por el personaje de Charlot, así como el sin fin de infortunios que le van sucediendo a nuestro protagonista para que pueda conseguir su ansiado oro.

En ese duro camino que le supone al protagonista, se va buscando la vida camelándose a todo el que encuentra con su ingeniosidad y su carisma como es el caso de la famosa escena de cocer su bota y comérsela pero, a la vez es la crítica de lo que sucedía no solo en Estados Unidos sino en muchos países del resto del mundo, donde la opulencia solo estaba para el alcance de unos poco y a veces los que casi no tenían que comer (incluso en situaciones más desesperadas) se llevaban a la boca cualquier cosa que les pudiera saciar su hambre.

Desde mi punto de vista, cada película de este genial cómico es un sello único e indescriptible puesto que nos permite recordar todas y cada unos de sus filmes por momentos emotivos. Uno de ellos es el baile con los panecillos que hace que el espectador se olvide del resto del fotograma y fije únicamente su mirada en esas "dos patitas crujientes".

Es curioso ver como más tarde, en concreto en el año 1942, Chaplin volvería a relanzar la película con una voz en off que narrase la historia y los diálogos, comentada por el propio director. Y más adelante, comentó que si quería que le recordasen por una película que fuese por esta. Pero un gran maestro del cine donde puso cuerpo, alma, espíritu y su don excepcional siempre será recordado por todas sus grandes películas.

Calificación personal: 9

Gangs of New York (2002)

• Dirección: Martin Scorsese
• Año: 2002
• Género: Drama
• Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Daniel Day-Lewis, Cameron Diaz, Henry Thomas, Jim Broadbent, John C. Reilly, Gary Lewis, Brendan Gleeson, Stphen Graham, Eddie Marsan, Liam Neeson.
• Guión: Jay Cocks, Steven Zaillian, Kenneth Lonnergan
• Música: Howard Shore
• Vestuario: Sandy Powell
• Fotografía: Michael Ballhaus
• Montaje: Thelma Schoonmaker
• Productora: Intermedia Films, Initial Entertainment Group

SINOPSIS

En 1846 en Estados Unidos se desencadena una batalla entre los nativos (descendientes de británicos nacidos en el continente americano) y los católico-irlandeses. Dieciséis años después, en 1862, tras dos años de la Guerra de Secesión americana los irlandeses intentarán resurgir de la mano de Ámsterdan Vallon (Leonardo DiCaprio) para combatir la tiranía de Bill "El Carnicero" Cutting (Daniel Day-Lewis) en el distrito de Five Points de Nueva York.

CRITICA

Con el paso del tiempo, ha habido películas que he visto en más de una ocasión. Los motivos han podido ser muy diversos: un amigo o un familiar no la ha visto, volver a verla porque fue una película que vi en mi adolescencia, está entre mis película favoritas o, la más curiosa es que la he visto ha saltos tantas veces que no recuerdo si realmente la vi o no la vi. En el caso de este filme, se encuentra en el último lugar y porque en su momento no paraba de escuchar que su director había hecho la película más sangrienta de su filmografía que, había provocado que mucha gente se saliese del cine porque le estaba causando náuseas. Desde mi punto de vista, no es realmente para tanto, porque sabemos por donde suele ir Martin Scorsese en lo que se refiere a la violencia (es como si se pone en duda el estilo visual y sanguinolento de Quentin Tarantino, no tiene mucho sentido) pero, lo que refleja en cierto modo es como surgió realmente la población americana porque, si lo pensamos, al fin y al cabo todos somos hijos de inmigrantes.

En la época en la que se desarrolla la historia, era un momento convulso no solo para Estados Unidos, sino también para Europa, donde la hambruna era algo muy extendido pero sobre todo en Irlanda donde en el año 1845 se produjo la conocida "hambruna de la patata" que produjo (aparte de las muertes) que muchos irlandeses tomasen rumbo a tierras americanas para salir de esa epidemia (como más tarde lo harían los italianos para poder huir de la mafia). Cómo sigue ocurriendo en la actualidad, el desembarco de inmigrante produjo un racismo para los oriundos del lugar que veían como sus "privilegios" y el trato de ciudadanos americanos, se les daban a otros. Pero en este caso hay que preguntarse, ¿serían todos los que bajaban de esos barcos unos delincuentes? o, ¿hay gente honrada y humilde que solo busca salir adelante?

Todo el conflicto racial y cultural se traslada en la película a una pelea de bandas donde se ve claramente que la corrupción y el odio para mantener el poder y echar a los "invasores" es algo que está en los genes de todo ser humano. Lo que la mayoría de las personas pueden desconocer es que cuando los españoles, ingleses, franceses y portugueses (en su gran mayoría) realizaron el colonialismo, no solo mandaban a algunos terratenientes a esas nuevas colonias sino; también a verdaderos criminales a los que les concedían una "segunda oportunidad" sino querían sufrir la pena de muerte. Por eso, si nos paramos un poco a pensar, no todos somos 100% puros.

Creo que he podido desviarme un poco de la historia de la película pero, realmente la intrahistoria del guión es simplemente la venganza de un chico contra el hombre que mató a su padre y para que la voz de los irlandeses pueda ser escuchada. Mientras tanto, otros problemas internos siguen azotando el país como la Guerra de Secesión, corrupción, prostitución y la desigualdad social tan elevada entre la clase pudiente y la clase más desfavorecida. Por lo que, desde mi punto de vista no tengo nada más que reseñar a este respecto.

Siempre diré que mi película más personal del director americano será Silencio por ser tan personal y porque se salé de sus esquemas. Por otro lado, tras este año con El irlandés que recibió 10 nominaciones a los Oscar y no se llevó ninguno, tuvo a su predecesora, Gangs of New York que le ocurrió también lo mismo. Por cierto, Daniel Day-Lewis inmejorable como siempre, una gran pena que hace tres años se retirase del cine.

Calificación personal: 6.5

One child nation (2019)

• Dirección: Nanfu Wang, Zhang Lynn
• Año: 2019
• Género: Documental
• Música: Nathan Halpern, Chris Ruggiero
• Fotografía: Nanfu Wang, Yuanchen Liu
• Productora: Amazon Studios, Chicago Media Project.

SINOPSIS

La directora china Nanfu Wang expone a través de este documental una de las políticas más conocidas en el país asiático y a la vez más controvertida: la política del hijo único. A través del recuerdo de diferentes personas que la sufrieron y que la implantaron en China, descubre lo que realmente se esconde detrás de una de las vulneraciones de los Derechos Humanos.

CRITICA

Los documentales al igual que los cortos de ficción, no suelen llegar con mucha regularidad a nuestras pantallas y, muchas veces solo se pueden acceder a ellos a través de las diferentes plataformas de vídeos bajo demanda y eso a largo plazo, se agradece bastante. Lo que me llamó la atención de este documental no fue el título, sino uno de los temas que siempre me han inquietado: porqué China restringía el tener solo un hijo por familia y sobre todo, que era lo que se escondía tras esa práctica política donde no importaba el control de la natalidad, sino servir ante todo al partido de la nación que es lo realmente importante. Y la verdad, es que este documental desde que empieza hasta que termina no deja indiferente a nadie, no solo por demostrar una vez más que de cara al resto de países del mundo, China tiene que dar una imagen de país capitalista, sino todas aquellas cosas que se ocultan y que no se saben (como está ocurriendo ahora con la propagación del coronavirus).

La directora del documental nos lleva a través de diferentes personas que han desempeñado un cargo importante para el partido comunista chino, en lo que se refiere a la política del hijo único lo que suponía tener más de un hijo o si llegaba a oídos de las autoridades de que alguna mujer (sobre todo de las poblaciones más pobres) estaba embarazada, de las diferentes técnicas y medios que llevaban a cabo para evitar esos nacimientos. Desde esterilizaciones forzadas, abortos en el primer trimestre del embarazo e incluso matar a los bebés tras el parto y meterlos en bolsas de basura como si fueran desperdicios médicos. Esos por desgracia, eran los niños que no llegaban a vivir. Pero, ¿que ocurrían con aquellos que habían nacido y eran descubiertos más tarde? Eran abandonados a su suerte en zonas frías donde acababan muriendo por hipotermia o por medio de una red de tráfico de bebés que acababan siendo adoptados por familias de otros países como simple mercancías, haciendo creer que eran huérfanos cuando en realidad no lo eran. A medida que se va desarrollando el metraje del documental, yo no podía parar de hacerme una serie de preguntas: ¿por qué los padres dejaban que les quitasen a sus hijos?, ¿por qué había gente que se dedicaba a trabajar para el gobierno haciendo actos tan atroces?, ¿no sentían en ningún momento un remordimiento de conciencia? Tantas y tantas preguntas que a veces no tienen respuestas porque el sistema político de determinados países, coartan mucho las libertades de las personas.

Es irónico que una sociedad tan avanzada se vea el aborto como algo normal y que debe de realizarse como otro procedimiento normal. Desde mi punto de vista, si no se quiere tener hijos, no los tengas; eso no te impide mantener relaciones sexuales; para ello existen una gran cantidad de métodos anticonceptivos pero, si no deseas tener un hijo, no abortes, dalo en adopción ya que habrá muchas parejas que no tengan recursos económicos para acceder a una fecundación in vitro o no puedan tener hijos y le den un hogar estable. Al final, esto último es una opinión personal y no quiero politizar un documental que impacta bastante y que además puede herir un poco la sensibilidad pero creo, que es realmente necesario verlo.

Calificación personal: 9.5

Un funeral de muerte (2010)

• Título original: Death at a funeral
• Año: 2010
• Género: Comedia
• Dirección: Neil LaBute
• Intérpretes: Chris Rock, Martin Lawrence, Zoe Saldana, James Marsden, Luke Wilson, Tracy Morgan, Peter Dinklage, Regina Hall, Danny Glover, Columbus Short, Loretta Devine, Keith David.
• Guión: Dean Craig
• Música: Christophe Beck
• Fotografía: Rogier Stoffers
• Productora: Screen Gems

SINOPSIS

Una familia disfuncional afroamericana prepara el funeral del patriarca. A medida que van llegando los diferentes miembros de la familia, van saliendo a la luz los secretos más ocultos así como el desarrollo de situaciones bastante incómodas.

CRITICA

Creo que en más de una ocasión he comentado que la realización de remakes no suele ser una buena idea, puesto que se suele romper con la esencia de la película original, así como se demuestra una vez más la falta de ideas de las que carece muchas veces la industria de Hollywood (y también la de otros países).

En su momento, vi la película británica del año 2007 y me reí bastante más que con esta puesto que el humor me resultaba mucho más sofisticado y mucho más directo. Lo que me lleva a la conclusión de que esta película era totalmente innecesaria, a pesar de que cuente con un elenco de actores americanos que sean cómicos pero, en este caso no causen ninguna gracia.

Desde mi punto de vista, creo que en más de una ocasión he comentado que hay veces que no es necesario realizar nuevas versiones de las películas aunque no sean obras maestras, puesto que la original siempre está mejor que la copia y, porque lo novedoso es necesario en el mundo del cine que cada vez más está más carente de ideas frescas y renovadoras.

Calificación personal: 4