Los tipos malos 2 (2025)

 

• Título original: The bas guys 2
• Año: 2025
• Género: Animación
• Dirección: Pierre Perifel
• Doblaje original: Sam Rockwell, Marc Maron, Craig Robinson, Anthony Ramos, Awkwafina, Danielle Brooks, Nathasa Lyonne, Maria Bakalova, Zazie Beetz, Richard Ayoade, Alex Borstein.
• Guión: Yoni Brenner, Etan Cohen
• Música: Daniel Pemberton
• Montaje: Jesse Averna
• Productora: DreamWorks Animation

SINOPSIS

Tras intentar dejar atrás su pasado criminal, los Tipos Malos luchan por adaptarse a una vida honrada. Sin embargo, la sociedad sigue desconfiando de ellos y las oportunidades escasean. Cuando una nueva banda de delincuentes los implica en un gran golpe internacional, se ven obligados a volver a la acción. Entre persecuciones, engaños y misiones arriesgadas, deberán demostrar que realmente han cambiado. La aventura pondrá a prueba su amistad, su lealtad y su deseo de convertirse en héroes.

CRITICA

Tipos malos 2 es una secuela que entiende perfectamente qué hizo funcionar a la primera película: el carisma de sus personajes, el ritmo frenético, la estética inspirada en las películas de atracos y una combinación muy eficaz de humor y acción. En lugar de reinventar la fórmula, la amplía. El resultado es una película muy entretenida, visualmente espectacular y más ambiciosa, aunque también algo más irregular desde el punto de vista narrativo.

El guion parte de una idea interesante: los antiguos criminales han decidido reformarse, pero la sociedad sigue sin confiar en ellos. Esa premisa permite explorar un tema poco habitual en el cine familiar: la dificultad de escapar de la propia reputación. Los protagonistas han cambiado, pero el mundo continúa viéndolos como delincuentes. A partir de ahí, una nueva conspiración criminal los obliga a volver al terreno en el que mejor se mueven.

La principal virtud del guion es su extraordinario ritmo. La película apenas se detiene y encadena persecuciones, infiltraciones, engaños y giros argumentales con una energía constante. El problema es que esa velocidad también juega en su contra. Algunos conflictos emocionales y ciertas motivaciones quedan poco desarrollados porque la historia parece más interesada en llegar a la siguiente gran secuencia de acción.

El personaje más sólido sigue siendo el señor Lobo. Su conflicto ya no consiste en convertirse en una mejor persona, sino en demostrar que realmente ha cambiado. La película plantea una pregunta interesante: ¿qué ocurre cuando alguien se reforma pero nadie está dispuesto a creerlo? Esa búsqueda de aceptación aporta profundidad emocional a una historia que podría haberse limitado al espectáculo.

Diane Foxington continúa siendo uno de los personajes más interesantes de la saga. Su experiencia como antigua criminal reformada le permite comprender los problemas de Lobo mejor que nadie. La relación entre ambos aporta madurez y equilibrio a la película, especialmente en los momentos más emocionales.

El señor Serpiente también recibe un desarrollo notable. Mientras que en la primera película su identidad dependía mucho del grupo, aquí empieza a construir una vida propia. Ese crecimiento personal genera algunas de las dinámicas más interesantes de la historia.

Por el contrario, Tarántula, Tiburón y Piraña funcionan principalmente como elementos cómicos. Siguen siendo personajes simpáticos y divertidos, pero la película no profundiza demasiado en ellos. Su papel consiste sobre todo en mantener la química y el humor que caracterizan al grupo.

Los nuevos personajes aportan energía fresca a la historia, especialmente la nueva antagonista principal. Tiene presencia, inteligencia y una personalidad bien definida, aunque el guion no termina de explorar todas sus posibilidades. Da la sensación de que podría haber sido una villana más memorable con algo más de desarrollo.

Visualmente, la película supone un paso adelante respecto a la original. La animación es más dinámica, las escenas de acción son más elaboradas y la puesta en escena demuestra una gran confianza estética. Muchas secuencias poseen una energía cinematográfica poco habitual en la animación comercial contemporánea.

El principal defecto de Tipos malos 2 es que a veces confunde amplitud con profundidad. Hay más personajes, más escenarios, más acción y una escala mucho mayor, pero no siempre existe un desarrollo dramático equivalente. La primera película era más sencilla y quizá por eso resultaba también más sólida.

En conjunto, Tipos malos 2 es una secuela muy eficaz. Puede que no alcance la frescura ni la cohesión narrativa de la original, pero compensa esas carencias con personajes carismáticos, humor constante y una animación excelente. Es una película divertida, ágil y entretenida que amplía con éxito el universo de la primera entrega, aunque sin llegar a superarla.

Calificación personal: 7

Kill Bill: The Whole Bloody Affair (2004)

•  Dirección: Quentin Tarantino
• Año: 2004
• Género: Acción
• Intérpretes: Uma Thurman, David Carradine, Lucy Liu, Michael Madsen, Daryl Hannah, Vivica A. Foz, Julie Dreyfus, Sonny Chiba, Chiaki Kuriyama.
• Guión: Quentin Tarantino
• Música: RZA, Robert Rodríguez
• Fotografía: Robert Richardson
• Montaje: Sally Menke
• Productora: Miramax Films, A band apart, Elastica Films.

SINOPSIS

Tras sobrevivir a una masacre el día de su boda, una asesina conocida como La Novia (Uma Thurman) despierta de un largo coma con un único objetivo: vengarse. Decidida a ajustar cuentas, emprende una búsqueda implacable contra los miembros del Escuadrón Asesino Víbora Letal, antiguos compañeros que la traicionaron. Su viaje la lleva a enfrentarse a algunos de los guerreros más peligrosos del mundo en una serie de combates brutales. A medida que avanza, descubre verdades sobre su pasado, su hija y la compleja relación que la unía a Bill. La historia culmina en un enfrentamiento final donde la venganza, el amor y el destino quedan definitivamente resueltos.

CRITICA

Kill Bill: The Whole Bloody Affair no es simplemente la suma de Kill Bill Vol. 1 y Kill Bill Vol. 2. La versión concebida por Quentin Tarantino como una única película transforma la experiencia narrativa de manera significativa. Al eliminar la separación entre los dos volúmenes, la historia adquiere una continuidad más fluida y revela con mayor claridad su verdadera naturaleza: no es solo una película de venganza, sino una tragedia romántica disfrazada de cine de artes marciales, western y explotación.

El guion es uno de los trabajos más ambiciosos de Tarantino porque funciona simultáneamente como homenaje, reconstrucción y reinterpretación de múltiples géneros cinematográficos. La premisa parece extremadamente simple: una mujer conocida como La Novia despierta de un coma y decide matar a quienes intentaron asesinarla el día de su boda. Sin embargo, la narrativa se construye mediante saltos temporales constantes, cambios de tono y alteraciones de género que enriquecen una historia que, en manos menos talentosas, podría haberse reducido a una sucesión de combates.

La estructura fragmentada es esencial para el éxito del relato. Tarantino no presenta la historia de manera cronológica porque entiende que el suspense no depende de descubrir qué ocurrió, sino de comprender por qué ocurrió. Cada capítulo añade información que modifica nuestra percepción de los personajes. Lo que inicialmente parece una simple misión de venganza acaba revelándose como un conflicto emocional mucho más complejo relacionado con el amor, la posesión, la maternidad y la identidad.

Uno de los aspectos más interesantes del guion es que la venganza nunca aparece como una experiencia gloriosa. Aunque las escenas de acción son estilizadas y espectaculares, cada asesinato acerca a la protagonista a un enfrentamiento emocional inevitable. La película utiliza la violencia como motor narrativo, pero su interés real está en las consecuencias psicológicas y afectivas de esa violencia.

La Novia, interpretada por Uma Thurman, es uno de los personajes más memorables del cine contemporáneo. Su construcción evita muchos clichés habituales del héroe vengador. Es una asesina extraordinaria, pero también una mujer marcada por la pérdida, el trauma y el deseo de recuperar una vida que le fue arrebatada. Su viaje no consiste únicamente en eliminar enemigos; consiste en reconstruir su identidad después de haber sido destruida física y emocionalmente. La película consigue que el espectador admire su capacidad de lucha sin olvidar nunca el sufrimiento que la impulsa.

Bill, interpretado por David Carradine, es probablemente el personaje más fascinante del conjunto. Tarantino evita convertirlo en un villano convencional. Bill es responsable de actos terribles, pero también es inteligente, carismático, culto y capaz de expresar sentimientos genuinos. Su complejidad reside en que entiende perfectamente el daño que ha causado y, aun así, encuentra formas de justificarlo. La relación entre Bill y La Novia constituye el verdadero corazón de la película. Más que un conflicto entre héroe y villano, es la historia de una relación amorosa destruida por la obsesión y la incapacidad de aceptar la libertad del otro.

Entre los antagonistas secundarios destaca especialmente O-Ren Ishii. Su historia, presentada mediante una memorable secuencia animada, le proporciona una profundidad que rara vez reciben los villanos de acción. O-Ren no es simplemente un obstáculo en el camino de la protagonista; es un reflejo alternativo de lo que La Novia podría haber sido. Ambas son mujeres moldeadas por la violencia, aunque sus respuestas ante esa violencia son diferentes.

Vernita Green aporta una dimensión especialmente interesante porque representa la posibilidad de abandonar una vida de asesinatos y construir una existencia aparentemente normal. Su breve aparición introduce preguntas morales sobre la posibilidad de redención que resuenan durante toda la película.

Budd es quizá el personaje secundario más humano. A diferencia de otros miembros del Escuadrón Asesino Víbora Letal, vive en la derrota y el resentimiento. Su decadencia lo convierte en una figura trágica más que en un simple enemigo. En cierto sentido, Budd comprende mejor que nadie el vacío que ha dejado la violencia en sus vidas.

Elle Driver representa el polo opuesto. Es impulsiva, cruel y movida por los celos. Aunque psicológicamente es menos compleja que Bill o Budd, funciona perfectamente como encarnación del odio y la rivalidad personal.

Uno de los grandes logros de The Whole Bloody Affair es que permite apreciar mejor el equilibrio entre espectáculo y emoción. Las escenas más famosas —la batalla contra los Crazy 88, el entrenamiento con Pai Mei o el enfrentamiento final— impresionan por su puesta en escena, pero adquieren mayor significado cuando se observan como partes de un mismo arco dramático continuo.

Visualmente, la película es un despliegue de creatividad. Tarantino mezcla influencias del cine japonés, del spaghetti western, de las películas de kung-fu de Hong Kong y del cine exploitation estadounidense sin que el resultado parezca una simple colección de referencias. Cada homenaje está integrado en la narrativa y contribuye a definir el estado emocional de los personajes.

El desenlace resume perfectamente las virtudes del guion. Después de horas de violencia extrema, la confrontación final entre Bill y La Novia se resuelve principalmente mediante una conversación. Esa decisión revela cuál ha sido siempre el verdadero interés de la película: no la destrucción física de los enemigos, sino la resolución emocional de una relación rota. La venganza importa, pero el amor perdido importa más.

En conjunto, Kill Bill: The Whole Bloody Affair es una de las obras más completas de Quentin Tarantino. Su guion convierte una historia aparentemente sencilla en una exploración de la identidad, la maternidad, el amor y la violencia. Sus personajes poseen una profundidad inusual dentro del cine de acción, especialmente La Novia y Bill, cuya relación sostiene toda la estructura dramática. Más allá de sus célebres escenas de combate, la película perdura porque entiende que las heridas emocionales suelen ser mucho más difíciles de cerrar que las físicas.

Calificación personal: 8.5

Silkwood (1983)

 

• Dirección: Mike Nichols
• Año: 1983
• Género: Drama
• Intérpretes: Meryl Streep, Kurt Russell, Cher, Craig T. Nelson, Fred Ward, Diana Scarwird, Ron Silver, Josef Sommer, Charles Hallahan, Bruce McGill, David Strathairn, M. Emmet Walsh
• Guión: Nora Ephron, Alice Arlen
• Música: Georges Delerue
• Fotografía: Miroslav Ondricek
• Vestuario: Ann Roth
• Productora: American Broadcastin Company, 20th Century Fox

SINOPSIS

Karen Silkwood (Meryl Streep) es una trabajadora de una planta nuclear en Estados Unidos que lucha para que los trabajadores de esa planta tengan buenas condiciones laborales y de seguridad. Pero, cuando se afilia al sindicato y empieza a indagar más en la planta nuclear, la vida de Karen empezará a peligrar.

CRITICA

Silkwood, dirigida por Mike Nichols y protagonizada por Meryl Streep, es una de las mejores películas estadounidenses de los años ochenta porque logra combinar el drama humano con la denuncia política sin sacrificar ninguno de los dos aspectos. Basada en la historia real de Karen Silkwood, una trabajadora de una planta nuclear que denunció graves fallos de seguridad antes de morir en circunstancias nunca esclarecidas del todo, la película evita convertirse en un simple alegato ideológico y se centra en la transformación de una persona corriente en una figura de resistencia.

El guion, escrito por Nora Ephron y Alice Arlen, destaca por su extraordinaria contención. En lugar de presentar a Karen como una heroína desde el principio, la construye como una mujer imperfecta, impulsiva y a menudo contradictoria. Cuando comienza la película, Karen no es una activista ni una líder sindical especialmente comprometida. Es una trabajadora que intenta sobrevivir a una rutina difícil, con problemas familiares y emocionales que la mantienen alejada de cualquier idealismo. Esa decisión narrativa resulta fundamental porque hace que su evolución sea creíble.

La estructura del guion funciona como una progresiva toma de conciencia. La historia no gira únicamente alrededor de la corrupción empresarial o de los riesgos nucleares, sino alrededor del descubrimiento de una verdad incómoda. Karen va observando irregularidades, pequeños detalles aparentemente insignificantes, hasta comprender que la seguridad de los trabajadores está siendo sacrificada en nombre de la productividad. El conflicto surge de forma orgánica y evita los giros artificiales. Cada nueva revelación aumenta la tensión y acerca al personaje a una situación cada vez más peligrosa.

Uno de los mayores aciertos del libreto es que nunca convierte el enfrentamiento entre Karen y la empresa en una lucha simplista entre buenos y malos. La corporación aparece como una estructura burocrática impersonal más que como una organización dirigida por villanos caricaturescos. Eso hace que la amenaza resulte más inquietante. La película sugiere que los sistemas pueden ser peligrosos incluso cuando nadie parece asumir personalmente la responsabilidad.

El personaje de Karen Silkwood es probablemente una de las interpretaciones más complejas de la carrera de Meryl Streep. Karen es inteligente pero no brillante, valiente pero no intrépida, comprometida pero no siempre coherente. Tiene defectos evidentes, toma malas decisiones y a veces actúa impulsivamente. Precisamente por eso resulta tan humana. La película evita idealizarla y permite que el espectador vea tanto sus fortalezas como sus debilidades. Su transformación en denunciante nace más de la indignación moral que del heroísmo convencional.

Otro personaje fundamental es Drew Stephens, interpretado por Kurt Russell. Drew representa la vida cotidiana que Karen está poniendo en riesgo. No es simplemente una pareja sentimental; simboliza el deseo de normalidad frente a una lucha que exige sacrificios crecientes. Su relación con Karen aporta una dimensión íntima que impide que la película se convierta en una mera investigación periodística dramatizada.

La gran sorpresa del reparto es Cher en el papel de Dolly Pelliker. Dolly podría haber sido un personaje secundario sin importancia, pero el guion le otorga una profundidad inesperada. Es una amiga leal, vulnerable y emocionalmente compleja. La relación entre Karen y Dolly constituye uno de los núcleos emocionales de la película. Ambas mujeres encuentran apoyo mutuo en un entorno laboral hostil, y esa amistad aporta calidez a una historia cada vez más sombría.

También es notable cómo los personajes secundarios contribuyen a la sensación de realismo. Nadie parece diseñado exclusivamente para transmitir información al espectador. Los compañeros de trabajo, los representantes sindicales y los supervisores tienen comportamientos ambiguos y reconocibles. Esa naturalidad ayuda a que el conflicto resulte auténtico.

Visualmente, Mike Nichols adopta un enfoque sobrio y casi documental. No busca grandes escenas de suspense ni secuencias espectaculares. La tensión nace de conversaciones, reuniones, inspecciones y pequeños gestos cotidianos. Esta decisión refuerza la credibilidad de la historia y permite que el drama humano ocupe el centro del relato.

El desenlace es especialmente eficaz porque rehúye las soluciones fáciles. La película comprende que la historia real de Karen Silkwood no ofrece una conclusión plenamente satisfactoria ni una victoria clara. En lugar de proporcionar un cierre convencional, deja al espectador con preguntas incómodas sobre el poder corporativo, la responsabilidad institucional y el coste personal de enfrentarse a sistemas mucho más grandes que uno mismo.

En conjunto, Silkwood es un ejemplo excelente de cine político que nunca olvida a las personas que hay detrás de la política. Su guion destaca por la construcción gradual del conflicto y por la complejidad moral de sus personajes. Karen Silkwood es una protagonista extraordinaria precisamente porque no parece una heroína de película, sino una persona normal obligada a actuar cuando descubre algo que considera intolerable. Gracias a esa combinación de realismo, humanidad y tensión, la película sigue siendo una de las obras más sólidas y relevantes del cine estadounidense de los años ochenta.

Calificación personal: 8.5

Semilla de maldad (1955)

 

• Título original: Blackboard Jungle
• Año: 1955
• Dirección: Richard Brooks
• Intérpretes: Glenn Ford, Sidney Poitier, Anne Francis, Louis Calhern, Margaret Hayes, John Hoyt, Richard Kiley, Warner Anderson, Emily Meyer.
• Guión: Richard Brooks
• Música: Charles Wolcott
• Fotografía: Russell Harlan
• Montaje: Ferris Webster
• Productora: Metro Goldwyn Meyer

SINOPSIS

Richard Dardier (Glenn Ford) es un ex militar que obtiene un trabajo como profesor en un colegio público. En dicho colegio hay poca disciplina a la par que los alumnos son los más conflictivos de todo el distrito. Ante esta situación, Dardier intenta llegar y comprender a los jóvenes para que tengan un futuro mejor.

CRITICA

Semilla de maldad es una de esas películas que hoy pueden parecer familiares porque su influencia ha sido enorme. Muchas historias posteriores sobre profesores idealistas enfrentados a alumnos conflictivos parten de un esquema que Richard Brooks ayudó a popularizar aquí. Sin embargo, vista en su contexto histórico, sigue siendo una obra sorprendentemente moderna por la dureza con la que retrata la violencia juvenil, el fracaso del sistema educativo y la incomunicación entre generaciones.

El guion, escrito por Richard Brooks a partir de la novela de Evan Hunter, se construye como un enfrentamiento constante entre autoridad y rebeldía. La trama sigue a Richard Dadier, un exmilitar que llega a un instituto dominado por el desorden, las amenazas y la delincuencia juvenil. Lo interesante es que la película evita presentar el problema como una simple lucha entre buenos y malos. Aunque algunos alumnos son violentos, el guion insiste en que detrás de su comportamiento hay fracaso escolar, pobreza, falta de expectativas y abandono institucional.

La principal virtud del guion es su progresión dramática. Dadier comienza creyendo que la disciplina bastará para imponer orden, pero poco a poco descubre que enseñar exige comprender a los alumnos y ganarse su respeto. La historia avanza mediante pequeñas derrotas y humillaciones que hacen que el conflicto resulte creíble. No hay soluciones milagrosas ni discursos grandilocuentes; el protagonista tiene que aprender tanto como sus estudiantes.

Su principal limitación es que algunas situaciones están planteadas de forma bastante esquemática desde una perspectiva actual. Los estudiantes suelen representar tipos sociales más que individuos complejos, y algunos conflictos se resuelven de manera algo simplificada. Aun así, la película conserva fuerza porque Brooks sabe generar tensión y porque nunca pierde de vista el aspecto humano de los personajes.

En cuanto a los personajes, Richard Dadier es el auténtico corazón de la película. Interpretado por Glenn Ford, no es un héroe perfecto. Tiene miedo, comete errores y llega a prejuzgar a algunos alumnos. Precisamente por eso funciona tan bien: es un hombre corriente enfrentado a una situación que le supera. Su evolución consiste en abandonar sus prejuicios y comprender que la autoridad no se impone únicamente mediante la fuerza.

El personaje más interesante después de Dadier es Gregory Miller, interpretado por Sidney Poitier en uno de los primeros papeles importantes de su carrera. Miller parece inicialmente un estudiante problemático y amenazante, pero poco a poco revela inteligencia, sensibilidad y potencial. La película utiliza al personaje para cuestionar los prejuicios raciales de la época, algo muy poco habitual en el cine comercial estadounidense de los años cincuenta.

Por otro lado, Artie West representa la violencia pura. Es el antagonista principal y encarna la influencia destructiva dentro del aula. Aunque psicológicamente no es un personaje muy profundo, funciona porque simboliza la resistencia al cambio y la atracción del liderazgo basado en el miedo.

Los profesores veteranos también tienen importancia. Muchos aparecen resignados, agotados o cínicos. Son una crítica directa a un sistema educativo que ha dejado de creer en sí mismo. En cierto modo, la película plantea que el problema no son solo los alumnos, sino también las instituciones incapaces de responder a sus necesidades.

Además de sus méritos dramáticos, Semilla de maldad posee una enorme relevancia cultural. Fue una de las primeras películas en asociar la juventud con una identidad propia y ayudó a popularizar el rock and roll gracias al uso de "Rock Around the Clock" de Bill Haley & His Comets en los títulos iniciales. Su impacto fue tan grande que hoy se considera una obra fundamental para entender la cultura juvenil de los años cincuenta.

Como valoración global, Semilla de maldad destaca por un guion sólido, una tensión constante y unos personajes que, aunque en ocasiones respondan a arquetipos, consiguen transmitir conflictos sociales reales. Puede que algunas ideas hayan envejecido, pero su reflexión sobre la educación, los prejuicios y la dificultad de conectar con los jóvenes sigue conservando una sorprendente actualidad. Es una película pionera, influyente y todavía muy poderosa.

Calificación personal: 7.5

Torrente, presidente (2026)

•  Dirección: Santiago Segura
• Año: 2026
• Género: Comedia
• Intérpretes: Santiago Segura, Gabino Diego, Carlos Areces, Willy Bárcenas, Ramón Langa, Cañita Brava, Jesulín de Ubrique, Neus Asensi, Bertín Osborne, Kevin Spacey, Florentino Fernández, Alec Baldwin, Carlos Latre, Aníbal Gómez.
• Guión: Santiago Segura
• Música: Roque Baños, Taburete
• Fotografía: Javier G. Salmones
• Productora: Amiguetes Entertainment, Bowfinger International Pictures, Atresmedia Cine.

SINOPSIS

José Luis Torrente (Santiago Segura), después de haber estado doce años sin realizar ninguna misión (debido al desastre de la última), aparece por sorpresa como posible presidente de España a través del partido NOX pero, lo que supone un paso para José Luis, para otros, es un estorbo que hay que eliminar a toda costa.

CRITICA

Torrente, presidente supone el regreso de José Luis Torrente doce años después de Operación Eurovegas, trasladando al personaje al terreno de la política nacional. La premisa es sencilla: un hombre incompetente, machista, racista, conspiranoico y completamente fuera de su tiempo acaba convertido en candidato político por una mezcla de oportunismo, populismo y absurdo. La película utiliza esa idea para construir una sátira de la política española contemporánea y de la cultura mediática que la rodea.

Desde el punto de vista del guion, la película funciona más como una sucesión de sketches y gags que como una historia con una progresión dramática sólida. Santiago Segura vuelve a emplear la estructura clásica de la saga: Torrente se ve arrastrado a un entorno más grande que él, provoca el caos y sobrevive gracias a la casualidad. La campaña electoral sirve como excusa para encadenar situaciones disparatadas, cameos y referencias a la actualidad política. El resultado es muy dinámico y genera momentos cómicos efectivos, pero también da la sensación de que la trama avanza a trompicones y que muchas escenas existen únicamente para preparar el siguiente chiste.

Uno de los mayores aciertos del guion es que encuentra un contexto ideal para Torrente. El personaje siempre ha sido una caricatura de los peores defectos de la sociedad española, y la política populista contemporánea le permite amplificar esos rasgos. La idea de que alguien tan incapaz pueda aspirar al poder resulta absurda, pero al mismo tiempo conecta con una realidad donde la imagen pública, la provocación y las redes sociales tienen cada vez más peso. Ahí la película encuentra su mejor sátira.

Sin embargo, la película también muestra las limitaciones de una fórmula que lleva casi tres décadas en activo. Muchos chistes dependen de la incorrección política, de la repetición de tics conocidos del personaje o de la aparición sorpresa de famosos. Cuando esas bromas funcionan, provocan carcajadas; cuando no, parecen reliquias de otra época. Parte de la crítica y del público ha señalado precisamente que la película vive en gran medida de la nostalgia de la saga y de la familiaridad con el personaje.

En cuanto a los personajes, José Luis Torrente sigue siendo el centro absoluto de la película. No tiene un arco de transformación real: continúa siendo egoísta, ignorante y profundamente ridículo. Pero esa es precisamente la esencia del personaje. Torrente no está diseñado para evolucionar, sino para actuar como espejo deformado de determinados comportamientos sociales. Santiago Segura vuelve a interpretarlo con enorme energía cómica y demuestra que sigue conociendo perfectamente los mecanismos del personaje.

Los secundarios cumplen sobre todo una función humorística. Cuco aporta la conexión emocional con las películas anteriores (un gran Gabino Diego que vuelve al cibne) y actúa como contrapunto a la brutal incompetencia de Torrente. Pelayo, los asesores políticos y los distintos colaboradores representan estereotipos reconocibles de la política y los medios actuales. Ninguno posee una profundidad especial, pero tampoco la necesita: la película los utiliza como herramientas satíricas más que como personajes complejos.

Los numerosos cameos son una de las señas de identidad de la saga y aquí vuelven a ocupar un papel importante. Algunos resultan muy divertidos porque aparecen en momentos inesperados; otros parecen simples guiños para el público. Como ocurre con muchas comedias basadas en cameos, su efecto dependerá en gran medida de la afinidad del espectador con las figuras que aparecen.

Como sátira política, Torrente, presidente es irregular. Tiene momentos muy inspirados y otros excesivamente obvios. No alcanza la sofisticación de grandes sátiras políticas internacionales, pero tampoco pretende hacerlo. Su objetivo es provocar la risa inmediata mediante el exceso, la vulgaridad y la provocación. Cuando se acepta esa propuesta, la película resulta bastante entretenida; cuando se busca una crítica política más elaborada, se queda corta.

En conjunto, Torrente, presidente es una comedia eficaz y muy fiel al espíritu de la saga. Su guion prioriza el gag sobre la narrativa, sus personajes funcionan más como caricaturas que como seres complejos y su humor sigue siendo deliberadamente bruto y excesivo. No es la película más madura de Santiago Segura ni la más refinada, pero sí una de las que mejor aprovecha el potencial satírico de Torrente en el contexto político actual. Como cine cómico popular cumple su función; como obra cinematográfica, está lejos de ser algo más que una divertida y descontrolada sucesión de disparates. 

Calificación personal: 6.5

Super Mario Galaxy: La Película (2026)

 

• Título original: The Super Mario Galaxy Movie
• Año: 2026
• Género: Dibujos animados
• Dirección: Aaron Horvath, Michael Jelenic
• Guión: Matthew Fogel
• Doblaje original: Chris Pratt, Anya Taylor-Joy, Charlie Day, Jack Black, Keegan-Michael Key, Benny Safdie, Brie Larson, Donald Glover, Glen Powell.
• Música: Brian Tyler
• Productora: Universal Pictures, Illumination, Nintendo.

SINOPSIS

Los hermanos Luigi y Mario, acompañados de Beach, viajan hasta los confines de la galaxia para rescatar a la princesa Rosalinda, tras haber sido raptada por el hijo de Browser, el cual intenta demostrar que ahora se ha vuelto bueno.

CRITICA

Super Mario Galaxy: La película es una secuela mucho más ambiciosa que Super Mario Bros.: La película. Al trasladar la acción al espacio e introducir elementos de los juegos Galaxy, la película gana espectacularidad visual y un mayor sentido de aventura, pero también evidencia algunas debilidades narrativas que ya estaban presentes en la primera entrega. 

El guion apuesta por una estructura de viaje cósmico en la que Mario y sus aliados deben enfrentarse a una nueva amenaza encabezada por Wario y Bowser Jr. mientras exploran distintos mundos galácticos. La historia funciona bien cuando se centra en el descubrimiento y en el sentido de maravilla propio de los videojuegos originales, pero a menudo parece más interesada en encadenar referencias, personajes y escenarios que en desarrollar conflictos profundos. El ritmo es muy rápido, con escenas que se suceden constantemente para mantener la atención del público familiar, aunque eso provoca que algunos momentos emocionales no tengan el tiempo suficiente para madurar. 

Mario sigue siendo el protagonista clásico: valiente, optimista y dispuesto a ayudar a los demás. Sin embargo, continúa siendo un héroe relativamente sencillo. Su arco dramático existe, pero es limitado, ya que la película lo utiliza principalmente como vehículo para recorrer este universo. Luigi tiene una presencia más importante que en la primera película y aporta parte de la emoción familiar de la historia, aunque sigue estando algo eclipsado por los acontecimientos más espectaculares. 

La gran incorporación es Rosalina. El personaje aporta una dimensión más melancólica y madura al relato, algo poco habitual en una producción de Mario. Sus escenas con Peach son de las más interesantes porque introducen temas relacionados con la responsabilidad, la soledad y la protección de los mundos que habitan. De hecho, varios comentarios sobre la producción han destacado que algunas secuencias entre ambas fueron ampliadas para reforzar precisamente ese componente emocional. 

Peach mantiene el papel activo y competente que ya tenía en la película anterior. No es una figura pasiva que espera ser rescatada, sino una líder que participa directamente en la acción. Aunque su personalidad resulta efectiva, en algunos momentos parece estar definida más por su capacidad de resolver problemas que por conflictos internos propios. 

En cuanto a los villanos, Bowser Jr. aporta energía y carisma, mientras que Wario representa una amenaza diferente a Bowser gracias a su egoísmo y codicia. El problema es que la película maneja tantos personajes que ninguno alcanza la profundidad suficiente para convertirse en un antagonista verdaderamente memorable. Funcionan mejor como motores de la aventura que como personajes complejos. 

Visualmente, la película es probablemente el mayor logro de la producción. Los mundos espaciales, las galaxias y la escala cósmica consiguen trasladar al cine la sensación de asombro de los videojuegos. La música también ayuda mucho, reutilizando y reinterpretando temas clásicos de la saga. 

En conjunto, Super Mario Galaxy: La película destaca más por su imaginación visual y por el cariño hacia el material original que por la solidez de su escritura. Es una aventura entretenida, llena de energía y fan service, con algunos momentos emocionales inesperadamente efectivos gracias a Rosalina y Peach, pero cuyo guion sacrifica profundidad y desarrollo de personajes en favor del espectáculo constante. Como adaptación de Mario funciona muy bien; como historia cinematográfica independiente, se queda un paso por debajo de su enorme potencial.

Calificación personal: 5.5

Zootrópolis 2 (2025)

 

• Título original: Zootopia 2
• Año: 2025
• Género: Animación
• Dirección: Jared Bush, Byron Howard
• Doblaje Original: Jason Bateman, Ginnifer Goodwin, Ke Huy Quan, Idris Elba, Andy Samberg, David Strathairn, Fortune Feimster, Bonnie Hunt, Shakira, Patrick Warburton.
• Guión: Jared Bush
• Música: Michael Giacchino
• Productora: Walt Disney Productions, Pixar Animation Studios

SINOPSIS

Judy Hopps y Nick Wilde se enfrentan a un nuevo caso que amenaza la paz en Zootrópolis. La investigación los lleva a descubrir una conspiración que pone en peligro la convivencia entre especies. Mientras siguen las pistas, deberán enfrentarse a nuevos personajes y desafíos inesperados. Su amistad y confianza serán clave para resolver el misterio. La aventura pondrá a prueba todo lo que han aprendido como equipo.

CRITICA

Zootrópolis 2 retoma el universo de la ciudad animal ampliando su escala y profundizando en las dinámicas sociales que ya planteaba la primera entrega. El guion vuelve a estructurarse en torno a una investigación —un caso que desestabiliza la aparente armonía de la ciudad—, lo que permite recuperar el tono de comedia policial con trasfondo social. Narrativamente, la película sigue un esquema reconocible: misterio, pistas, giros y resolución final. Aunque esta fórmula funciona por su ritmo ágil y su capacidad para enganchar, también puede resultar menos sorprendente al repetir la estructura del original.

El guion intenta ampliar los temas, abordando nuevas formas de prejuicio y convivencia, lo que aporta cierta profundidad. Sin embargo, en ocasiones prioriza el mensaje sobre la sutileza, haciendo que algunos conflictos se resuelvan de forma más directa de lo esperado. Aun así, la combinación de humor, acción y crítica social sigue siendo uno de sus puntos fuertes, manteniendo el equilibrio entre entretenimiento y reflexión.

En cuanto a los personajes, Judy Hopps continúa evolucionando como policía, mostrando mayor seguridad pero también enfrentándose a nuevas dudas sobre su papel dentro del sistema. Nick Wilde, por su parte, mantiene su carisma y aporta ligereza, aunque su desarrollo es más limitado y se centra en reforzar su relación con Judy. La dinámica entre ambos sigue siendo el corazón de la película: su química, basada en la confianza y las diferencias, sostiene gran parte del interés. Los nuevos personajes amplían el universo, pero en muchos casos funcionan más como apoyo narrativo que como figuras con verdadero peso dramático.

En conjunto, Zootrópolis 2 es una secuela sólida y entretenida que mantiene el espíritu de la original, aunque sin alcanzar el mismo nivel de frescura. Su guion es eficaz pero previsible, y sus personajes siguen siendo atractivos, especialmente como dúo protagonista. Es una continuación que apuesta por ampliar el mundo y reforzar sus temas, más que por reinventar la fórmula que ya funcionó.

Calificación personal: 9

Encadenados (1946)

•  Título original: Notorious
• Año: 1946
• Género: Suspense
• Dirección: Alfred Hitchcock
• Intérpretes: Gary Grant, Ingrid Bergman, Claude Rains, Louis Calhern, Leopoldine Konstantin, Moroni Olsen.
• Guión: Ben Hecht
• Música: Roy Webb
• Fotografía: Ted Tetzlaff
• Montaje: Theron Warth
• Productora: RKO Radio Pictures

SINOPSIS

Alicia Huberman (Ingrid Bergman) es reclutada por el gobierno estadounidense para infiltrarse en un grupo de nazis en Brasil. Para cumplir su misión, deberá acercarse a Alexander Sebastian (Claude Rains), un antiguo conocido que está enamorado de ella. Mientras tanto, surge una relación ambigua y tensa con el agente Devlin (Cary Grant), su contacto en la operación. Atrapada entre el deber y sus sentimientos, Alicia se ve envuelta en una peligrosa red de espionaje. El riesgo aumenta cuando su verdadera identidad amenaza con ser descubierta, poniendo su vida en juego.

CRITICA

Encadenados, dirigida por Alfred Hitchcock, es uno de los ejemplos más refinados del cine clásico en el que el suspense y el melodrama romántico se entrelazan con precisión. El guion, escrito por Ben Hecht, se construye sobre una premisa de espionaje aparentemente sencilla —una mujer infiltrada en un grupo de nazis en Brasil tras la Segunda Guerra Mundial—, pero su verdadera fuerza reside en el conflicto emocional que sostiene toda la trama.

Narrativamente, el guion destaca por su economía y su capacidad para generar tensión a partir de elementos cotidianos. Hitchcock desplaza el suspense desde la acción hacia los detalles: una llave, una botella, una mirada sostenida más de lo debido. La famosa escena de la bodega o la del beso prolongado no solo son icónicas por su puesta en escena, sino porque condensan la esencia del relato: el peligro exterior siempre está ligado a la vulnerabilidad emocional de los personajes. El guion evita explicaciones innecesarias y confía en la inteligencia del espectador, construyendo una progresión dramática donde cada escena añade una capa de riesgo, tanto físico como sentimental.

En cuanto a los personajes, el triángulo formado por Alicia Huberman (Ingrid Bergman), Devlin (Cary Grant) y Alexander Sebastian (Claude Rains) es el verdadero motor de la película. Alicia es uno de los personajes femeninos más complejos del cine de Hitchcock: marcada por su pasado y utilizada como herramienta por los servicios secretos, su evolución está atravesada por la necesidad de redención y de afecto. Devlin, lejos de ser un héroe convencional, es emocionalmente reprimido y ambiguo; su incapacidad para expresar sus sentimientos genera una tensión constante y, en cierto modo, contribuye al sufrimiento de Alicia. Por su parte, Sebastian es un antagonista atípico: más que un villano frío, es un hombre vulnerable, enamorado y atrapado en un entorno peligroso, lo que lo convierte en una figura trágica.

El guion, en definitiva, convierte una historia de espionaje en un drama sobre el amor, la manipulación y la confianza. Los personajes no solo están “encadenados” por la trama política, sino por sus propias emociones y decisiones. En conjunto, Encadenados es una obra que demuestra cómo el suspense puede construirse tanto desde la amenaza externa como desde la fragilidad interna de sus protagonistas, logrando un equilibrio excepcional entre tensión narrativa y profundidad emocional.

Calificación personal: 7.5

Vaiana 2 (2024)

 

• Título original: Moana 2
• Año: 2024
• Género: Animación
• Dirección: David G. Derrick Jr.
• Doblaje original: Dwayne Johnson, Auli'i Cravalho, Nicole Scherzinger, Tempera Morrinson, Rose Matafeo, David Fane, Alan Tudyk.
• Guión: David G. Derrick Jr
• Música: Mark Mancina, Emily Bear, Abigail Barrow, Opetaia Foai.
• Productora: Walt Disney Animation Studios, Pixar.

SINOPSIS

Vaiana emprende una nueva aventura más allá de los límites que ya conocía del océano. Guiada por una llamada ancestral, deberá explorar territorios desconocidos y peligrosos. En el viaje, se reencuentra con Maui y forma un nuevo equipo de aliados. Juntos enfrentarán desafíos que pondrán a prueba su valentía y su capacidad de liderazgo. Esta travesía la llevará a comprender mejor su destino y el vínculo con sus antepasados.

CRITICA

El guion sigue una estructura muy clásica dentro del cine de animación: hay una llamada a la aventura, un viaje lleno de obstáculos y un aprendizaje final. En este sentido, no resulta especialmente innovador, ya que repite en gran medida el esquema de la primera película, aunque lo hace con un ritmo ágil que mantiene el interés, especialmente para el público más joven. La historia apuesta más por la expansión del mundo —nuevos lugares, nuevos desafíos— que por un conflicto profundo o inesperado.

A nivel temático, el guion refuerza ideas como la identidad, el liderazgo y la conexión con los antepasados. Vaiana ya no es solo una joven que busca su lugar, sino una figura que debe guiar a otros, lo que introduce un matiz interesante en su evolución. Sin embargo, algunos conflictos se resuelven de manera algo rápida o previsible, lo que reduce el impacto emocional en ciertos momentos clave.

En cuanto a los personajes, Vaiana sigue siendo el eje absoluto de la película y es quien muestra una evolución más clara: es más madura, más segura y consciente de su responsabilidad. Maui, por su parte, mantiene su carisma y humor, pero su desarrollo es más limitado y funciona principalmente como apoyo y alivio cómico. Los nuevos personajes aportan frescura y dinamismo al grupo, pero en muchos casos no tienen suficiente tiempo para desarrollarse en profundidad, quedándose en roles bastante definidos.

En conjunto, Vaiana 2 es una secuela entretenida y visualmente atractiva que cumple con lo que se espera de ella. Su guion es sencillo y efectivo, aunque algo previsible, y sus personajes funcionan bien dentro de la aventura, aunque sin alcanzar la fuerza y el impacto de la primera entrega. Es una película que apuesta por el espectáculo, el mensaje positivo y la continuidad más que por la innovación.

Calificación personal: 5,5

Chicken Run: El amanecer de los nuggets (2023)

 

• Título original: Chicjen Run: Dawn of the nugget
• Año: 2023
• Género: Animación
• Dirección: Sam Fell
• Doblaje original: Thandiwe Newton, Zachary Levy, Bella Ramsey, Imelda Staunton, David Bradley, Jane Horrocks, Daniel Mays, Miranda Richardson.
• Guión: Karey Kirpatrick, John O'Farrell, Rachel Tunnard
• Música: Harry Gregson-Williams
• Productora: Aardman Studios, Neftlix

SINOPSIS

Ginger y Rocky viven felices con su hija Molly en una isla donde las gallinas son libres. Todo cambia cuando Molly, curiosa por el mundo exterior, descubre una nueva y peligrosa granja industrial. Ginger y el resto del grupo deberán infiltrarse en las instalaciones para rescatarla. La misión pondrá a prueba su valentía y su ingenio frente a un sistema aún más sofisticado. Lo que parecía una vida tranquila se convierte en una nueva aventura por la libertad.

CRITICA

La secuela Chicken Run: El amanecer de los nuggets retoma la historia años después de la fuga de la granja, mostrando a Ginger y Rocky viviendo en una aparente utopía junto al resto de las gallinas. Sin embargo, el guion introduce un nuevo conflicto cuando su hija Molly siente curiosidad por el mundo exterior y termina vinculada a una amenaza que recuerda el pasado que intentaban dejar atrás. La estructura es clara y dinámica: misión de rescate, infiltración en una granja industrial y enfrentamiento final. Aunque el planteamiento es efectivo y mantiene el ritmo, la película no alcanza la frescura ni la sorpresa narrativa de la original; el esquema de “huida del sistema opresor” se repite con variaciones más tecnológicas.

El guion apuesta por ampliar el mensaje hacia una crítica contemporánea a la industria alimentaria y al consumo masivo, lo que le da una dimensión actual. Sin embargo, la construcción del conflicto es más directa y menos ingeniosa que en la primera entrega. La tensión funciona, pero muchas situaciones se apoyan en fórmulas conocidas del cine de aventuras y espionaje, priorizando la acción sobre la ironía más sutil que caracterizaba a la película original.

En cuanto a los personajes, Ginger mantiene su rol de líder valiente y estratégica, aunque ahora el eje emocional gira en torno a su faceta como madre protectora. Rocky conserva su carisma despreocupado, pero queda algo relegado frente al protagonismo de Molly, cuya curiosidad y rebeldía juvenil impulsan la trama. Molly representa el choque generacional: no vivió el trauma de la granja y, por tanto, no comparte el mismo miedo. Este contraste añade un conflicto interesante, aunque su desarrollo podría haber sido más profundo. Los secundarios —como las inseparables amigas de Ginger— aportan humor y continuidad, pero sin grandes evoluciones.

En conjunto, es una secuela entretenida, con una animación en stop-motion impecable y un ritmo ágil, pero cuyo guion resulta más funcional que sorprendente. Amplía el universo y actualiza su mensaje, aunque sin alcanzar la originalidad y el ingenio narrativo que hicieron memorable a la primera película.

Calificación personal: 6

Avatar: Fuego y Cenizas (2025)

 

• Título original: Avatar: Fire and Ash
• Año: 2025
• Género: Ciencia Ficción
• Dirección: James Cameron
• Intérpretes: Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Kate Winslet, Oona Chaplin, Stepehn Lang, Cliff Curtis, Jack Champion, Joel David Moore, Edie Falco, Bailey Bass.
• Guión: James Cameron, Rick Jaffa, Amanda Silver
• Música: Simon Franglen
• Fotografía: Russell Carpenter
• Montaje: James Cameron, Stephen Rivkin, David Brenner, John Refoua
• Productora: 20th Century Fox, Lightstorm Entertainment

SINOPSIS

La película mantiene el foco en la familia de Jake y en los conflictos que ponen a prueba su unión. Aunque la trama sigue un camino bastante reconocible, logra mantener el interés gracias a la carga emocional. Los personajes, especialmente Neytiri, muestran un lado más vulnerable y fuerte al mismo tiempo. Es una entrega espectacular y emotiva, que apuesta más por el sentimiento que por las sorpresas.

CRITICA

Avatar: Fuego y cenizas continúa la expansión del universo de Pandora desplazando el eje simbólico del agua hacia el fuego, tanto en lo visual como en lo emocional. La introducción de un nuevo clan Na’vi vinculado a entornos volcánicos amplía el mapa cultural del mundo creado por James Cameron y, al mismo tiempo, complica la mirada idealizada que las primeras entregas ofrecían sobre los pueblos originarios. El guion mantiene la estructura épica característica de la saga —conflicto entre colonización humana y resistencia Na’vi atravesado por el drama familiar de los Sully—, pero intenta introducir una mayor ambigüedad moral al mostrar fracturas internas dentro del propio universo indígena.

Narrativamente, la película vuelve a apoyarse en una progresión clara y emocionalmente directa. El motor dramático sigue siendo la familia: Jake Sully ya no es solo el héroe rebelde, sino un líder marcado por la pérdida y por el peso constante de la responsabilidad. Su arco gira en torno al miedo a fallar como protector, mientras que Neytiri adquiere una dimensión más oscura, atravesada por el duelo y por una relación cada vez más compleja con la violencia. Los hijos, como en la entrega anterior, funcionan como espejo generacional, mostrando distintas maneras de afrontar el trauma y la guerra. La posible presencia de un clan más radical o endurecido por el sufrimiento introduce personajes que cuestionan la idea de una resistencia moralmente homogénea, aportando tensiones internas que enriquecen el conflicto.

No obstante, aunque la ampliación temática aporta matices, la estructura general puede resultar familiar: amenaza externa, dispersión, reagrupamiento y reafirmación de la identidad colectiva. El guion apuesta más por la intensidad emocional y la expansión del mundo que por giros narrativos inesperados. En conjunto, Avatar: Fuego y cenizas parece consolidar la saga como una epopeya sobre familia, identidad y supervivencia en un entorno hostil, buscando mayor complejidad en sus personajes sin abandonar el modelo épico que ha definido la franquicia desde sus inicios.

Calificación personal: 7

A Real Pain (2024)

 

• Dirección: Jesse Eisenberg
• Año: 2024
• Género: Drama
• Intérpretes: Jesse Eisenberg, Kieran Culkin, Will Sharpe, Jennifer Grey, Liza Sadovy, Kurt Egyiawan, Daniel Oreskes, Ellora Torchia.
• Guión: Jesse Eisenberg
• Fotografía: Micha Dymek
• Productora: Topic Studios

SINOPSIS

Dos primos viajan a Polonia para honrar la memoria de su abuela fallecida. El recorrido por los lugares vinculados a su historia familiar reabre viejas heridas y tensiones entre ambos. Sus personalidades opuestas —una más contenida y otra impulsiva— chocan constantemente durante el viaje. Entre momentos de humor incómodo y confrontaciones emocionales, afloran reproches y vulnerabilidades. Lo que comienza como un homenaje se convierte en una exploración íntima del duelo y de los lazos familiares.

CRITICA

La película A Real Pain, escrita, dirigida y protagonizada por Jesse Eisenberg, es un drama íntimo que explora el peso de la memoria, la herencia familiar y las contradicciones emocionales a través del reencuentro de dos primos que viajan a Polonia para honrar a su abuela fallecida. Lo que podría haber sido un simple “road movie” sentimental se convierte en un estudio incómodo sobre el duelo, la culpa y la dificultad de conectar incluso con quienes comparten nuestra historia.

Desde el punto de vista del guion, la película se sostiene en una estructura sencilla pero eficaz: el viaje físico funciona como catalizador del viaje emocional. No hay grandes giros argumentales ni revelaciones melodramáticas; el conflicto es interno y relacional. Eisenberg construye el relato a partir de diálogos aparentemente cotidianos que esconden tensiones profundas. El tono oscila con habilidad entre la comedia incómoda y el drama contenido, evitando caer en la solemnidad pese al trasfondo histórico vinculado al Holocausto. El guion destaca por su naturalismo: las conversaciones se sienten orgánicas, a veces torpes, llenas de silencios y reproches indirectos, lo que aporta verosimilitud. Sin embargo, esa misma contención puede hacer que algunos momentos parezcan narrativamente estáticos o poco concluyentes para quienes esperan una resolución más clara.

En cuanto a los personajes, la película se articula en torno al contraste entre los dos primos. El personaje interpretado por Eisenberg encarna la ansiedad contenida, la rigidez emocional y la necesidad de control; es alguien que procesa el dolor de forma intelectualizada. En cambio, el personaje de Kieran Culkin es impulsivo, carismático y emocionalmente transparente, pero también inestable y profundamente herido. Este contraste genera la tensión dramática principal: no se trata solo de diferencias de personalidad, sino de maneras opuestas de habitar el trauma y la memoria familiar. Lo más interesante es que ninguno queda reducido a caricatura; ambos resultan contradictorios, a ratos irritantes y a ratos profundamente vulnerables.

El viaje por los lugares vinculados al pasado familiar no se convierte en un discurso histórico explícito, sino en un espejo que amplifica las fracturas personales. La película sugiere que el dolor heredado no siempre se manifiesta de forma solemne; a veces aparece en forma de incomodidad, resentimiento o incapacidad para comunicarse. En este sentido, el guion evita moralizar y se limita a observar cómo dos personas intentan, sin demasiado éxito, entenderse.

En conjunto, A Real Pain es una obra sobria, dialogada y emocionalmente honesta. Su fuerza reside más en la química entre los protagonistas y en la sutileza de sus intercambios que en una trama compleja. Es una película que apuesta por el matiz y la ambigüedad, ofreciendo un retrato sensible —y a veces incómodo— de cómo el pasado y el duelo moldean nuestras relaciones presentes.

Calificación personal: 8

Flow (2024)

 

• Dirección: Gints Zilbalodis
• Año: 2024
• Género: Animación
• Guión: Gints Zilbalodis, Matiss Kaza, Ron Dyens
• Música: Gints Zilbalodis, Rihards Zalupe
• Fotografía: Gints Zilbalodis
• Montaje: Gints Zilbalodis
• Productora: Dream Well Studio, Take Five, Sacrebleu Productions

SINOPSIS

Un gato solitario despierta en un mundo cubierto por el agua tras una misteriosa inundación. Para sobrevivir, se refugia en una pequeña embarcación donde coincide con otros animales muy distintos entre sí. Al principio desconfían unos de otros, pero pronto deberán colaborar para enfrentar los peligros del entorno. El viaje por paisajes sumergidos pondrá a prueba su instinto, su valentía y su capacidad de adaptación. En medio del silencio y la incertidumbre, aprenderán que la cooperación es su única esperanza.

CRITICA

La película de animación Flow, dirigida por Gints Zilbalodis, es una propuesta singular dentro del cine animado contemporáneo: una obra prácticamente muda que confía en la imagen, el ritmo y el comportamiento animal para construir su relato. Lejos de la estructura clásica de la animación comercial, Flow apuesta por la contemplación y por una narrativa sensorial donde el guion se articula más a través de la acción y la atmósfera que del diálogo.

Desde el punto de vista del guion, la historia es sencilla en su premisa: un gato solitario debe sobrevivir en un mundo cubierto por el agua tras una gran inundación y acaba compartiendo viaje con otros animales en una pequeña embarcación. Sin embargo, esa simplicidad es deliberada. El guion prescinde de explicaciones sobre el origen del desastre y evita humanizar en exceso a los personajes. No hay moralejas explícitas ni conflictos verbales; el desarrollo dramático se basa en la convivencia forzada, la desconfianza inicial y la construcción progresiva de una cooperación silenciosa. La tensión surge de situaciones físicas —corrientes, ruinas sumergidas, depredadores— más que de antagonismos tradicionales. Esta elección narrativa convierte la película en una experiencia casi universal, aunque también puede resultar exigente para quien espere una trama más estructurada o con clímax convencional.

En cuanto a los personajes, el gran logro de Flow está en su caracterización sin palabras. El gato protagonista no es un héroe antropomorfizado, sino un animal con instintos claros: miedo, curiosidad, territorialidad. Su evolución no pasa por discursos, sino por pequeños gestos —compartir espacio, aceptar ayuda, arriesgarse por el grupo— que revelan un aprendizaje emocional. Los demás animales funcionan como energías complementarias: algunos más confiados, otros más impulsivos o prudentes. No son personajes psicológicamente complejos en el sentido humano, pero sí coherentes en su comportamiento, lo que refuerza la autenticidad del relato.

El guion, en definitiva, se construye sobre la observación y el ritmo. La ausencia de diálogos obliga a que cada acción tenga peso narrativo. Esto fortalece la dimensión poética de la película, pero también reduce la explicitud emocional: el espectador debe proyectar e interpretar. Flow no busca el impacto dramático inmediato, sino una experiencia inmersiva y meditativa sobre la supervivencia, la adaptación y la cooperación en un entorno incierto.

En conjunto, es una obra minimalista y arriesgada que demuestra que la animación puede sostener una historia compleja sin recurrir a fórmulas convencionales. Su guion es austero pero coherente, y sus personajes, aunque silenciosos, transmiten una evolución clara a través de la acción. Más que una aventura tradicional, Flow es una fábula visual sobre la convivencia y la fragilidad del mundo.

Calificación personal: 9

La cena (2025)

 

• Dirección: Manuel Gómez Pereira
• Año: 2025
• Género: Comedia
• Intérpretes: Alberto San Juan, Mario Casas, Asier Etxeandía, Nora Hernández, Elvira Mínguez, Óscar Lasarte, Martín Páez, Carmen Balagué, Carlos Serrano, Eva Ugarte, Antonio Resines.
• Guión: Joaquín Oristrell, Yolanda García Serrano.
• Música: Anne-Sophie Versnaeyen
• Fotografía: Aitor Mantxola
• Montaje: Vanessa Marimbert
• Productora: Crea SGR, A contracorriente Films

SINOPSIS

La película española La cena narra el encuentro de varias parejas que se reúnen para compartir una velada que promete ser especial. Lo que comienza como una cena distendida pronto se ve alterado por una noticia inesperada que sacude la aparente armonía del grupo. A partir de ese momento, afloran secretos, reproches y tensiones ocultas tras años de amistad. Las conversaciones se vuelven cada vez más incómodas y reveladoras, dejando al descubierto las verdaderas relaciones entre ellos. La noche termina convirtiéndose en un punto de inflexión que cambiará para siempre el vínculo entre los protagonistas.

CRITICA

La película española La cena se construye sobre un dispositivo dramático clásico: una reunión alrededor de una mesa que, poco a poco, deja de ser un encuentro cordial para convertirse en un espacio de confrontación. El guion apuesta por la unidad de espacio y tiempo, apoyándose casi exclusivamente en el diálogo como motor narrativo. Esta decisión le otorga intensidad y una sensación de inmediatez casi teatral, pero también exige una gran precisión en la escritura para mantener la tensión, algo que la película logra de forma irregular.

El libreto se articula como una progresiva revelación de secretos y resentimientos. La conversación avanza en capas, y cada intervención reconfigura lo que el espectador creía entender sobre las relaciones entre los comensales. El conflicto no surge de un gran acontecimiento externo, sino de dinámicas acumuladas: viejas rivalidades, frustraciones personales y diferencias ideológicas que afloran en un contexto aparentemente cotidiano. En sus mejores momentos, el guion maneja bien los silencios, las interrupciones y las miradas, utilizando lo no dicho como elemento dramático. Sin embargo, en ciertos tramos los diálogos pueden resultar excesivamente explicativos, subrayando conflictos que ya se intuían y restando sutileza al conjunto.

En cuanto a los personajes, están diseñados como piezas complementarias dentro del engranaje del conflicto. Cada uno encarna una posición emocional o moral clara —el conciliador, el resentido, el provocador, el que intenta mantener las apariencias— lo que facilita la dinámica coral pero limita, en ocasiones, la profundidad psicológica. Más que evolucionar radicalmente, los personajes se desnudan ante el espectador, revelando contradicciones y vulnerabilidades que complejizan su imagen inicial. La tensión surge del choque entre esas identidades y de la imposibilidad de sostener la fachada social en un espacio tan cerrado.

En conjunto, La cena es un drama contenido que encuentra su fuerza en la palabra y en la incomodidad creciente entre sus protagonistas. No pretende grandes giros ni un despliegue visual espectacular; su apuesta es íntima y centrada en el comportamiento humano. Cuando el guion confía en la ambigüedad y en la interpretación, la película gana densidad; cuando se vuelve demasiado explícito, pierde parte de su impacto. Aun así, funciona como un retrato incisivo de las tensiones contemporáneas que pueden estallar en el lugar más cotidiano: una mesa compartida.

Calificación personal: 7