Wish: El poder de los deseos (2023)

 

Calificación personal: 8

Barbarella (1968)

 

• Dirección: Roger Vadim
• Año: 1968
• Género: Cómics, ciencia ficción
• Intérpretes: Jane Fonda, Ugo Tognazzi, John Philip Law, Anitta Pallenberg, Milo O'Shea, Marcel Marceau, Claude Dauphin, Véronique Vendell, Giancarlo Cobelli.
• Guión: Terry Southern, Roger Vadim
  
• Música: James Campbell, Bob Crewe, Charles Fox, The Glitterhouse
• Fotografía: Claude Renoir
• Vestuario: Paco Rabanne, Jacque Fonteray
• Productora: Dino de Laurentiis, Cinematografica, Marianne Productions

SINOPSIS

Barbarella (Jane Fonda) es un intrépida soldado del espacio que aterriza en un extraño planeta para devolver a un humano a la tierra y así, impedir que use un arma mortal. En la búsqueda, Barbarella descubrirá todo tipo de placeres. peligros y aventuras.

CRITICA

Creo que todo el mundo sabe que el "éxito" de esta película fue básicamente por una persona: Jane Fonda. La cual fue convertida a mito sexual por la intro de los créditos iniciales en los cuales se queda desnuda (un escándalo para aquella época) y eso supuso el mayor atractivo de la película. Más allá de eso, la historia no es muy relevante en lo que se refiere a la trama pero, lo que la salva en mayor medida es la estética futurista poco habitual en los años sesenta (si bien es cierto, que Fritz Lang revolucionó esa estética con Metrópolis en los años veinte).

A medida que la historia va evolucionando se observa que no tiene ni pies ni cabeza en toda su duración. Pero, el simple hecho de ver como se va desarrollando, ver los escenarios, el vestuario, los efectos especiales, las situaciones surrealistas pero sobre todo, ver a la maravillosa Jane Fonda, hace que el espectador pase un rato entretenido.

Realmente es una película surrealista en donde los personajes masculinos no salen bien parados, la erótica de los personajes femeninos se palpan a cada fotograma en las que aparecen (esa tensión entre Anita Pallenberg y Jane Fonda, jugando a esa erótica del poder es maravillosa) y, el momento de la tortura con los pájaros y ver que son periquitos, momento muy hilarante.

Simplemente hay películas que pasan a la historia, no por su elevada carga dramática o por su guión perfectamente escrito, sino por revolucionar una época y un género. Ese fue el efecto que produjo Barbarella y que sigue intacto hoy en día, gracias a una estupenda Jane Fonda.

Calificación personal: 5

El mundo según Garp (1982)

 

• Título original: The world according to Garp
• Año: 1982
• Género: Comedia dramática
• Dirección: George Roy Hill
• Intérpretes: Robin Williams, Glenn Close, John Lithgow, Mary Beth Hurt, Hume Cronyn, Swoosie Kurtz, Peter Michael Goetz, Mark Soper, Jessica Tandy
• Guión: Steve Tesich
• Música: David Shire
• Fotografía: Miroslav Ondricek
• Vestuario: Ann Roth
• Productora: Warner Bros Pictures

SINOPSIS

Jenny (Glenn Close) es una enfermera que decide tener un hijo, por lo que se convierte en madre soltera. Su hijo, T.S. Garp (Robin Williams) vive gran parte de su vida bajo la sombra de su madre y de los éxitos de esta. Por lo que intentará dar un giro a su vida.

CRITICA

Creo que en más de una ocasión he comentado en mi blog que, cuando se habla de una película al final pica tanto la curiosidad que se termina por ver. Pero, cuando llega el momento, suele decepcionar bastante. Que es lo que me ha pasado con El mundo según Garp en la cual, sigo intentando averiguar de que es lo que trata realmente y que pretende transmitir.

La premisa de la que parte es vida que va teniendo Garp a medida que va creciendo y como está siempre bajo la sombra de su madre, ya que ésta se convierte en una defensora de la moral pero a la vez es un emblema dentro del feminismo (lo que choca bastante y resulta contradictorio). En toda la evolución del personaje resulta un poco infantil. Al final lo que pretende hacer es una radiografía de los nuevos valores familiares que se estaban instaurando ya por aquel entonces. Dichos valores abarcaban desde la crianza de una madre soltera, la aparición del feminismo y la libertad sexual.

A lo largo de todo el metraje, va divagando en los temas ya mencionados y en otros tantos intentando abordarlos de forma cómica a la par que trágica pero no alcanza el cenit en ningún caso. Ya que los personajes llegan a caer un poco en la caricatura. Por desgracia, no es una película que llame especialmente la atención, sobre todo si se quiere ver algún film de los protagonistas, destacando que tienen mejores obras en su filmografía.

Calificación personal: 4.5

Barbie (2023)

 

• Dirección: Greta Gerwig
• Año: 2023
• Género: Comedia
• Intérpretes: Margot Robbie, Ryan Gosling, America Ferrara, Will Ferrell, Kate McKinnon, Michael Cera, Rhea Perlman, Issa Rae, Alexandra Shipp, Scott Evans, Simu Liu, Emma Mackey, Kingsley Ben-Adir, Ncuti Gatwa, Ariana Greenblatt, Helen Mirren
• Guión: Greta Gerwig, Noah Baumbach
• Música: Mark Ronson
• Fotografía: Rodrigo Prieto
• Vestuario: Jacqueline Durran
• Montaje: Nick Houy
• Productora: Lucky Chap Entertainment, Warner Bros Pictures

SINOPSIS

Barbie (Margot Robbie) lleva una vida idílica en Barbieland a pesar de que Ken (Ryan Gosling) está todo el día detrás de ella para ser su novio. A pesar de esa vida soñada, Barbie se pregunta por la muerte, lo que provoca una serie de acontecimientos extraños que la hacer ir en la búsqueda de la verdad

CRITICA

Desde el momento en el que terminé de ver la película y escribir la crítica, se que me van a llover varapalos por todos lados. Primeramente eso si, que una película que no sea una secuela, no esté adscrita a los superhéroes ni sea un reboot, consiguiese llevar a tantos espectadores al cine junto con Oppenheimer (ver crítica en este blog); pero, las expectativas que planteaba se queda muy por debajo de lo que realmente pretende: ser un alegato feminista a través de una muñeca tan icónica.

Se puede decir que la película refleja dos realidades: el mundo de Barbieland en que están todas las Barbies y los Kens y, el mundo real. Cuando ambos confluyen debido a que Barbie estereotipo  (Margot Robbie está sublime en su interpretación) piensa en la muerte y todo se viene abajo. En ese momento se da cuenta de que su mundo no es tan perfecto como pensaba y las implicaciones que tiene el ser extremadamente perfecta que es en lo que primeramente se basó la creación de Babie y a las que todas las niñas se querían parecer cuando simplemente era una muñeca. Esto perfectamente se ve reflejado en el poderoso monólogo que hace la actriz America Ferrera en la película, que resumen lo que es realmente ser mujer:

"Es literalmente imposible ser mujer. Eres tan guapa y tan lista y me revienta que no sepas lo que vales. Siempre tenemos que ser extraordinarias, pero no sé cómo siempre lo hacemos mal.

Tienes que estar delgada, pero no demasiado y no puedes decir “quiero estar delgada”, tienes que decir “quiero estar sana”, pero también tienes que estar delgada. Tienes que tener dinero, pero no puedes pedir dinero porque eso está mal. Tienes que ser jefa, pero no mala. Tienes que liderar, pero no machacar las ideas del otro. Se supone que tiene que encantarte ser madre, pero no puedes hablar todo el día de tus hijos. Tienes que ser profesional, pero también cuidar siempre de otros. Tienes que responder por el mal comportamiento de los hombres y si dices algo te echan en cara que te quejas. Tienes que estar guapa para los hombres, pero no demasiado como para tentarles o para amenazar a otras mujeres, porque debes ser parte de la hermandad. Pero tienes que destacar y estar siempre agradecida. Pero sin olvidar que el sistema está amañado así que debes, aún sabiéndolo, estar agradecida. No puede envejecer, ni ser maleducada, ni fanfarrona, ni egoísta, ni derrumbarte, ni fracasar, ni mostrar miedo, ni salirte de lo establecido. ¡Es demasiado difícil! Es demasiado contradictorio y nadie te da una medalla ni te da las gracias. Y, de hecho, resulta que no sólo lo haces todo mal, sino que además todo es culpa tuya".

Pero, en cuanto al resto de la película hay momentos de sin sentido que no se sabe bien que es lo que quiere tratar realmente. Si quiere hablar del patriarcado, del feminismo, el papel de la mujer, la búsqueda de la propia identidad, de las grande corporaciones, del paso de la niñez a la adolescencia y de ahí a la edad adulta. En definitiva, una mezcolanza que lleva un poco a la confusión y que no se sabe bien, que es lo que pretende conseguir. Si que me gustaría concluir que todo lo referente al vestuario y los decorados, emulan a la perfección esos complementos y accesorios que nos comprábamos.

Calificación personal: 5

¡Quiero vivir! (1958)

 

• Título original: I want to live!
• Año: 1958
• Género: Historias reales
• Dirección: Robert Wise
• Intérpretes: Susan Hayward, Simon Oakland, Virginia Vincent, Theodore Bikel, Wesley Lau, Philip Coolidge, Lou Krugman, James Philbrook.
• Guión: Nelson Gidding, Don Mankiewizc.
• Fotografía: Lionel Lindon
• Música: Johnny Mandel
• Productora: Metro Goldwyn Mayer

SINOPSIS

Barbara Graham (Susan Hayward) es una prostituta con muy mala reputación. Cuando dos conocidos suyos comenten un crimen, culpan a Barbara de haberles delatado, por lo que la inculpan y es condenada a muerte por medio de la cámara de gas.

CRITICA

La muerte tenía un precio. Si bien es el título de una película, en este caso es aplicable a esta trágica historia de una mujer que, cuando intenta enderezar su vida se ve truncada cuando la acusan de formar parte del asesinato de una anciana. A pesar de reconocer que su vida no ha sido muy recta, Barbara se reafirma en que no ha asesinado a esa anciana. Al encontrarse presa, ve como su vida y el poder salir de prisión se torna bastante complicado.

Desde el principio, nos muestra al espectador la vida de desenfreno que lleva Barbara y, como quiere cambiar su modo de actuar o incluso dejar su pasado atrás. Pero no le va a resultar fácil, sobre todo si no tiene el dinero suficiente como para salir adelante y también, cuidar de su hijo. Por lo que decide tomar caminos poco honrosos (de nuevo) para no vivir en la miseria. Pero, por desgracia termina en la cárcel donde su destino se torna bastante aciago y que, desde mi punto de vista, no tuvo una defensa justa ni legítima.

En cierto modo, con esta película se pretende mostrar al espectador como muchas veces, el sistemas judicial es poco creíble y no se basan en pruebas fehacientes sino en meras especulaciones. Lo que ha llevado a más de una persona a ser condena a pena de muerte cuando realmente no era culpable. Por otro lado, lo que realmente llega poner los pelos de punta es el momento en el que están preparando toda la cámara de gas, con que planos refleja todo ese proceso para que el espectador no se pierda ninguno de los detalles que debe de tener en cuenta con este proceso.

Película altamente recomendable con una espectacular Susan Hayward y que fue predecesora de película como Ejecución inminente o Pena de muerte (ver crítica en este blog) y, que nos haga pensar realmente en que nadie tiene derecho a quitarle la vida a otra persona sea de la forma que sea.

Calificación personal: 8

Los amigos de Peter (1992)

 

• Título original: Peter's friends
• Año: 1992
• Género: Comedia
• Dirección: Kenneth Brannagh
• Intérpretes: Kenneth Brannagh, Emma Thompson, Hugh Laurie, Imelda Staunton, Stephen Fry, Alphonsia Emmanuel, Phyllida Law, Rita Rudner, Alex Lowe.
• Guión: Rita Rudner
• Fotografía: Roger Lanser
• Montaje: Andrew Marcus
• Productora: Film 4 Productions

SINOPSIS

Tras la muerte de su padre, Peter (Stephen Fry) invita a cinco amigos suyos a los que no ve desde hace unos cuantos años. El reencuentro parece perfecto con las vidas de cada uno, pero, a medida que van pasando las horas, todos ellos empiezan a sacar su peor y su mejor versión.

CRITICA

Una de las peculiaridades del cine británico es que está imbuido por la esencia del resto del cine europeo (puesto que el Reino Unido forma parte de Europa y no de la Unión Europea) y tiene elementos muy característicos en cuanto a la estética y a la esencia de mostrarte en una misma película la parte cómica y la parte dramática (sin llegar a ser una dramamedia).

Si bien es cierto que el argumento es interesante puesto que, ninguno de los protagonistas saben por qué Peter (interpretado por Stephen Fry) les ha invitado a pasar los últimos días del año en casa. Llevan unos cuantos años sin verse pero, a pesar de las vidas ajetreadas que llevan deciden verse. Por otro lado, quieren reflejar que llevan una vida más o menos perfecta pero, cuando se juntan los seis amigos, realmente muestran como se encuentran realmente y que todo era un poco mejor cuando trabajaban juntos y se veían más a menudo y que cada uno, observa las carencias que tiene en su vidas.

Todos estos momentos tristes tienen el contrapunto con momentos graciosos pero, a pesar de todo esto no consigue enganchar del todo al espectador ya que los altibajos son tan continuos que provoca la pérdida de atención unido a esa pérdida de chispa británica. Sin embargo, si que quiero destacar el eje central de la película: la amistad. Habla de esas amistades que a pesar de que pase el tiempo, siempre son duraderas, que siempre hay un amigo que hace que el resto del grupo se mantenga unido y que, cada uno se muestre como realmente es y que lo importante que es seguir siendo uno mismo y no renunciar a esas amistades de verdad.

Calificación personal: 5.5

Elemental (2023)

 

• Dirección: Peter Sohn
• Año: 2023
• Género: Animación
• Doblaje original: Leah Lewis, Mamadou Athie, Ronnie del Carmen, Shila Ommi, Wendi McLendon-Covey, Joe Pera, Catherine O'Hara, Matt Yang King
• Guión: Branda Hsueh
• Música: Thomas Newman
• Montaje: Stephen Schaffer
• Productora: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios

SINOPSIS

En Ciudad Elemento conviven agua, tierra, agua y fuego. Candela, una chica de fuego trabaja en la tienda de su padre, que algún día será suya. Hasta que se topa en su camino Nilo, un joven de agua que hará que Candela tenga otra visión del mundo.

CRITICA

Una vez más, Pixar no decepciona. A pesar de que en los últimos 6 años (tirando a la baja) no ha tenido éxitos muy sonados pero, si han conseguido tocar el terreno emocional de la forma que solo el estudio de animación sabe hacer. Destacar (antes de entrar en materia con la crítica) que fue un fracaso injusto de taquilla, a pesar de tener un repunte durante el verano y que, de alguna forma se ha visto recompensada con nominaciones a mejor película de animación en la temporada de premios. 

A pesar de todos los obstáculos que ha tenido que pasar Elemental, sabe jugar a la perfección con ese toque propio de las comedias románticas de los años noventa, los elementos infantiles y tocar aspectos emocionales. Para ello utiliza a los cuatro elementos (aire, fuego, tierra y agua) para crear su propia esencia y dejar un mensaje claro: la diversidad enriquece a la sociedad.

Claramente desde el principio muestra "Ciudad Elemento" en donde conviven los cuatro elementos, eso si, en barrios separados y sobre todo, intentando no entrar en contacto con nadie de fuego, ya que a su paso todo lo destruye. Pero, ¿qué pasa cuando dos "elementos" opuestos se juntan? Pues que ni uno es tan malo ni tampoco tan bueno y que, lo que equilibra esas relaciones amorosas, de amistad, familiares e incluso (se podría decir) entre países es esa diversidad que enriquece al planeta tierra y que, a pesar de esta rica variedad, siempre se antepondrán los prejuicios y las dudas para abrir esa puerta a la que llamamos convivencia. Esto se ve claramente reflejado entre los personajes de Candela (fuego) y de Nilo (agua) puesto que, si ella se acerca le evapora a él y, si él se acerca a ella, la puede terminar por apagar. Lo que es una contradicción en si misma a pesar de que ambos quieren estar juntos. Por otro lado, refleja lo que pueden hacer cada uno de los elementos y todos los beneficios que con eso conlleva y lo que culmina con una reivindicación clara a esa diferencia y diversidad para destruir todos esos prejuicios.

Aunque está muy bien que a través de la cultura se nos recuerden aspectos morales, todavía andamos lejos de esa realidad libre de esos ya mencionados prejuicios y que nos hace desconfiar del ser humano. Pero siempre que haya alguien que luche a favor de esa diversidad y plurarlismo y poder mirar más allá de la persona, esos elementos no serán tan diferentes y podrán unirse sin ningún problema.

Calificación personal: 8

Pobres criaturas (2023)

 

• Título original: Poor things
• Año: 2023
• Género: Comedia fantástica
• Dirección: Yorgos Lanthimos
• Intérpretes: Emma Stone, Willem Dafoe, Mark Ruffalo, Ramy Youssef, Jerrod Carmichael, Christopher Abbott, Kathryn Hunter, Hanna Schygulla, Margaret Qualley, Suzy Bemba.
• Guión: Tony McNamara
• Música: Jerskin Fendrix
• Fotografía: Robbie Ryan
• Montaje: Yorgos Mavropsaridis
• Vestuario: Holly Waddington
• Productora: Film 4 Productions, TSG Entertainment, Element Pictures

SINOPSIS

Bella Baxter (Emma Stone) es una joven revivida por el poco ortodoxo científico Godwin Baxter (Willem Dafoe). Bajo su protección, Godwin no puede evitar el ansia de conocer el mundo por parte de Bella. Lo que hace que la joven conozca el mundo que hay más allá de las cuatro paredes en las que ha vivido una parte de su vida.

CRITICA

Desde mi punto de vista, ni todos los géneros son para todos los gustos, ni tampoco los directores. Sobre todo aquellos que tienen una visión un tanto perturbadora de las personas y de la propia vida. Aunque, a veces esa visión del mundo no es para nada descabellada. Es lo que ocurre un poco con Pobres criaturas, basada en la novela homónima escrita hace treinta años y que es capaz de reflejar la sociedad decante en la que vivimos.

Como le puede ocurrir a muchos espectadores, con lo que se van a quedar cuando han terminado la película es con las abundantes escenas de sexo (las cuales son numerosas) pero, reflejan muchos de los comportamientos de los personajes así como su propia evolución. Empezando por Bella Baxter (brillantemente interpretada por Emma Stone) que muestra a una mujer con una actitud un poco infantil (se descubrirá el por qué de ese comportamiento) de la cual algunos de los personajes masculinos que aparecen intentan aprovecharse de dicho comportamiento para tenerla bajo su control; pero, cuando Bella empieza a "pensar por si misma" y a se consciente de todo lo que hay en el mundo y a su alrededor, empiezan los menosprecios pero que a la par, reflejan como son realmente en su interior.

Es fácil de verlo en el personaje de Godwin Baxter (interpretado por Willem Dafoe) que hace de doctor Frankenstein al crear a Bella y de alguna forma, no errar en la experimentación que hizo su padre con él. Duncan Wedderburn (interpretado por Mark Ruffalo), un hombre mujeriego que atrae a las mujeres para que caigan en sus encantos pero, Bella no lo consigue y el cae rendido ante esa liberación sexual empoderamiento de ella (más que de su propia belleza). Ver también como a través de ese viaje surrealista, victoriano y futurista del mundo, es una visión que tiene Bella de ir adquiriendo una mentalidad más adulta y dejar atrás esa mentalidad infantil. Tomar más consciencia de lo que es la vida, de su propio cuerpo y de ese mundo en el que es necesario que la mujer se reivindique con su total y absoluta libertad.

El resultado es una película perturbadora porque es capaz de ahondar en todo aquello que el ser humano piensa o que en algún momento ha pensado (ya lo demostró el director en otras películas como Canino, Alps o El sacrificio de un ciervo sagrado) pero, no lo ha verbalizado. A veces, el cine hace que el espectador disfrute, pero también, le puede hacer pensar.

Calificación personal: 8

Cualquiera menos tú (2023)

 

• Título original: Anyone but you
• Año: 2023
• Género: Comedia romántica
• Dirección: Will Gluck, 
• Intérpretes: Sydney Sweeney, Glen Powell, Alexandra Shipp, GaTa, Michelle Hurd, Hadley Robinson, Dermot Mulroney, Rachel Griffiths, Darren Barnet, Bryan Brown, Charlee Fraser.
• Guión: Will Gluck, Ilana Wolpert
• Música: Este Haim, Christopher Stracey
• Fotografía: Danny Ruhlmann
• Montaje: Tia Nolan
• Productora: Sony Pictures, Fifty-Fifty Films, RK Films.

SINOPSIS

Bea (Sydney Sweeney) y Ben (Glen Powell) tienen un primer flechazo en una cafetería y, tras pasar una noche juntos, la situación empieza a torcerse entre ambos. Tanto es así, que terminan odiándose y tienen que fingir que son pareja en una boda a la  que ambos han sido invitados.

CRITICA

¡Por fin puedo decir que una comedia romántica es buena! No creo que Cualquiera menos tú sea el descubrimiento del año en este género, pero si que puedo pensar que es la película que puede revitalizar este género. Desde mi punto de vista, se estaba muriendo poco a poco y necesitaba aparecer una película que lo sacase a flote y, puede ser el comienzo de una bonita amistad.

A pesar que desde el principio refleja el tópico del enamoramiento de este género, a los quince minutos de haber empezado la película, lo derriba por completo. Es decir, esa primera chispa que sienten entre los dos protagonistas se convierte en odio cuando ambos se empiezan a odiar por haber pensado que el otro y/o otra pasaba olímpicamente. Hasta que, por una situación inesperada, se van encontrando de manera casi continua en donde su odio no para de crecer. Todo ese odio se refleja bastante bien en el tira y afloja de insultos y situaciones cómicas que provocan bastante el interés del espectador.

A medida que aparecen los momentos cómicos y los insultos, aparecen las inseguridades de ambos que muchas veces se ven marcadas por los aspectos familiares, el entorno o la sociedad que les hace no tener cierta libertad. Y creo, que el espectador se hace una idea de como acaba la película porque, a pesar de ser una comedia romántica sin una historia profunda, lo que tiene que genera es interés y entretenimiento. Y lo consigue bastante bien. Esperemos que las próximas comedias románticas vayan mejorando progresivamente y no sean el tostón de antaño.

Calificación personal: 8

El color púrpura (1985)

 

• Título original: The color purple
• Año: 1985
• Género: Drama
• Dirección: Steven Spielberg
• Intérpretes: Whoopi Goldberg, Danny Glover, Oprah Winfrey, Margaret Avery, Willard E. Pugh, Laurence Fishburne, Akosua Busia, Desreta Jackson, Adolph Ceaser.
• Guión: Menno Meyjes
• Música: Quincy Jones
• Fotografía: Allen Daviau
• Montaje: Michael Kahn
• Productora: Amblin Entertainment, Warner Bros.

SINOPSIS

Celie (Whoopi Goldberg) tras haber sido violada por su padre y haberse visto obligada a dar a sus hijos en adopción, se casa con Albert Johnson (Danny Glover), el cual la maltrata de forma continua. Celie sobrevivirá con la esperanza de volver a reencontrarse con su hermana Nettie.

CRITICA

Llevaba bastantes años deseando ver esta película y, ya lo he conseguido. La verdad es que a pesar de haber oído hablar de ella durante mucho tiempo y no me ha decepcionado en absoluto, ya que mostraba no solo la vida de los negros en una época en donde el racismo estaba en un punto culmen, sino también la vejación y la desdicha que sufrían las mujeres de color.

A pesar de su extensa duración y estar basada en la novela de Alice Walker que publicó en el año 1982, no está exenta de polémica por alguno de los temas que va tratando a lo largo de la película. Uno de esos elementos es la violencia y el desprecio del hombre hacia la mujer y como debe de ser su esclava para todos y cada uno de los aspectos domésticos y, para evitar que la mujer sufra no puede ceder ni un ápice, sobre todo en el periodo en el que se desarrolla la historia, en la cual la esclavitud está recién abolida y a los negros se les mira con lupa.

Esta violencia es la que establecerá la columna vertebral de toda la película en todos y cada uno de los personajes, como una forma de manifestar que, esa opresión a la que estuvo reprimida la raza negra, se pone de manifiesto y en contra de las mujeres. Por otro lado, el personaje de Celie (el mejor papel que ha interpretado Whoopi Goldberg) nos muestra que el problema no está en la familia, sino en como está instituida la misma. Es decir, de una forma muy clara se ve como Celie y Nettie tienen una hermosa relación pero, entre Celie y su esposo o incluso con padrastro, es mala, no por culpa de ella; sino por como la usan y el concepto que tienen sobre la mujer. Ese concepto se ve totalmente desvirtuado con la aparición de Sofía (extraordinaria Oprha Winfrey) y de Shug Avery, dos mujeres que deciden reivindicarse como mujeres y que no se van a someter a los roles de la sociedad y, como su propia comunidad las dan de lado y es la propia Celie, las que las "rescata", aunque ella también es "rescatada" por estas dos mujeres.

Al final, lo que muestran estas tres mujeres es el cariño y afecto que son capaces de ver y dar a pesar de sus penurias. Esto hace que el final sea el que se merece y refleja que incluso en los días más grises, es posible la alegría. Indagando un poco más en la novela homónima, ésta se prohibió durante varios años en los colegios puesto que mostraba la crudeza de la violencia y cierto reflejo de la homosexualidad pero que, gracias a Steven Spielberg, la volvió a poner en el radar del público americano (a pesar de haber sido vilipendiada por la Academia de Hollywood al no llevarse ninguna de las once nominaciones) y, actualmente se ha grabado una versión musical. Soy sincera, no me gustan para nada los remakes, no suelen aportar una visión fresca.

A modo de conclusión podemos decir que la violencia no distingue de razas ni color de piel, el maltrato a la mujer tampoco y que a veces, esas estructuras tan antiguas lo que provoca es destruir al ser humano en lugar de establecer uniones fraternales. Pues como decía Hobbes: "El hombre es un lobo para el hombre". Siempre.

Calificación personal: 8

La sociedad de la nieve (2023)

 

• Dirección: Juan Antonio Bayona
• Año: 2023
• Género: Hechos reales
• Intérpretes: Enzo Vogrincic, Matías Recalt, Agustín Pardella, Felipe González Otaño, Luciano Chatton, Valentino Alonso, Francisco Romero, Agustín Berrut, Andy Pruss, Manuela Olivera, Simón Hempe, Juan Caruso.
• Guión: Juan Antonio Bayona, Bernat Vilaplana, Jaime Marques, Nicolás Casariego.
• Música: Michael Giacchino
• Fotografía: Pedro Luque
• Montaje: Jaume Martí
• Productora: Misión Audaces Films, El Arriero Films, Netflix

SINOPSIS

En el año 1972, un avión de una compañía de vuelo uruguaya se estrella en medio de los Andes. De los 45 pasajeros, solo 29 de ellos consiguen sobrevivir ante las duras inclemencias meteorológicas en una zona totalmente desangelada.

CRITICA

Quizás a muchos de nosotros le pille algo lejano o incluso desconozcan esta historia tan dolorosa como esperanzadora y, como gracias al cine se ha vuelto a recuperar y descubrir como la verdadera unión entre los supervivientes hizo posible su rescate y una historia que ha merecido ser contada de nuevo. Si bien es verdad que en la década de los noventa se había rodado ¡Viven!, esta película no deja indiferente a nadie que la haya pasado por su retina. 

Como es lógico, tras los primeros quince minutos de haber empezado la película, el espectador sabe perfectamente lo que va a ocurrir y cual es el desenlace de la mayoría de ellos pero, lo que realmente llama la atención es el comportamiento de todos ellos: desde esa capacidad de unión hasta no forzar al otro para que se alimente de los cadáveres de aquellos que han fallecido; también de esa capacidad de ayuda, esa capacidad de escucha y de recordarlo mejor de cada uno.

Otro de los aspectos que me llamó especialmente la atención es el cuidado y el respeto cuando los superviviente deciden alimentarse de los cadáveres, es decir, practicar el canibalismo; como con mucho respeto no se recrea en ese acontecimiento tan doloroso para muchos de ellos sino el entender esa forma de sobrevivir como último recursos. Otro motivo por lo que la película deja sin respiración es, sobre todo, por como trata a todos y cada uno de los personajes: sus momentos de angustia, de desesperanza, de pequeñas risas que son acompañados por esa impresionante fotografía que sumerge de lleno en ese desolado paisaje.

Muchas veces, ante situaciones difíciles hay que elegir una situación que uno empieza a vivir y las decisiones que a veces hay que tomar y que no se elige y que cualquier situación traumática te cambia la vida. La cuestión es saber como enfrentarse a ella y saber que, a pesar de que te cambie por dentro y por fuera, habrá algo que te ayude a levantarte.

Calificación personal: 9

El padre (2020)

 

• Título original: The father
• Año: 2020
• Género: Drama
• Dirección: Florian Zeller
• Intérpretes: Anthony Hopkins, Olivia Colman, Imogen Potts, Rufus Sewell, Olivia Williams, Mark Gatiss.
• Guión: Florian Zeller, Christopher Hampton
• Música: Ludovico Einaudi
• Fotografía: Ben Smithard
• Montaje: Yorgos Lamprinos
• Productora: F comme film, Trademark Film, Film4, Canal+

SINOPSIS

Anthony (Anthony Hopkins) es un hombre de ochenta años que termina por rechazar a todas las cuidadoras que su hija Anne (Olivia Colman) contrata para cuidarle. Ante el deterioro progresivo que sufre su padre, Anne tendrá que tomar una decisión difícil.

CRITICA

Hay películas que marcan de una forma muy clara en la retina del espectador. No solo por el tema del que trata, sino también porque uno no para de darle vueltas a esa historia que ha cautivado de principio a fin y que necesitas hablar sobre ella y el impacto que ha producido. Esto es lo que a mi me ha causado El Padre, la cual habla de una forma demoledora sobre una enfermedad terrible: el alzhéimer.

A la hora de visualizar esta película, el espectador debe dejarse interpelar no solo por la sensibilidad que transmite Anthony (que está interpretado de una manera grandiosa por Anthony Hopkins) sino también lo que deben de padecer las personas con esta enfermedad. Siempre se ha comentado que las personas que tienen alzhéimer no sienten nada porque han olvidado todos sus recuerdos. Pero en realidad no es así, porque en cuanto tienen una momento de lucidez e intenta ubicarse de nuevo en su vida, les es imposible porque hay recuerdos que no los han vivido como suyos y entran en un bucle de confusión y angustia y vuelven a encerrarse en ellos mismos; volviendo a ese laberinto de confusión interna y a un sufrimiento también para sus familiares.

La forma de reflejar esta situación se encuentra muy bien establecida por la dupla que forman el ya mencionado Anthony Hopkins y Olivia Colman interpretando a la hija que sufre por la degeneración de su padre y que a pesar de tratarle con toda la normalidad que puede pero, es inevitable tener que tomar una decisión para que su padre pueda seguir conviviendo con esa enfermedad que arrasa con todos los recuerdos de tu vida de un plumazo.

El padre nos ayuda a recordar la fragilidad de la vida y de los recuerdos. De amar esos recuerdos y generar siempre los buenos. De evitar que los malos recuerdos engullan a los buenos. Del amor y el respeto a quien más lo necesita. De poder amar a esa persona pase lo que pase y que los recuerdos que tengamos de una persona, que siempre sean alegres.

Calificación personal: 10

Toy Story 4 (2019)

 

• Dirección: Josh Cooley
• Año: 2019
• Género: Animación
• Doblaje original: Tim Allen, Tom Hanks, Annie Potts, Tony Hale, Keanu Reeves, Joan Cusack, Christina Hendricks, Ally Maki, Jordan Peele, Jay Hernández.
• Guión: Andrew Stanton, Stephany Folsom
• Música: Randy Newman
• Fotografía: Patrick Lin, Jean Claude Kalache
• Montaje: Axel Geddes
• Productora: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures

SINOPSIS

Woody siempre ha tenido claro el cuidar del niño que le tuviese: Andy o Bonnie. Pero cuando la pequeña Bonnie añade a Forky a su colección, Woody hará todo lo que esté en su mano para evitar perder al nuevo integrante.

CRITICA

Creo que es de sobra conocido que el hacer secuelas ad infinitum de las películas, trae consigo repetir determinados estereotipos y hacen que sus predecesoras pierdan la esencia que las encumbró, simplemente para explotar aún más ese producto. Y en el caso de Toy Story 4 es muy claro, sobre todo para darle un buen cierre al personaje de Woody.

Al igual que en las tres entregas anteriores, la historia sigue girando en torno a los juguetes, aunque el centro de atención sigue siendo el vaquero Woody como el juguete protector y cuya función consiste en mantener unido a todo el grupo. Pero todo cambia cuando el mismo se siente relegado a un segundo plano para Bonnie (la niña que heredó los juguetes de Andy) sobre todo cuando fabrica un "juguete" con la basura y Woody se siente en la necesidad de cuidarlo y de hacer todo lo que esté en su mano para recuperarlo. En ese proceso, se encuentra con Bo Beep (¡todos nos preguntábamos que había sido de ella al no aparecer en la tercera entrega!).

Lo refrescante también de esta nueva entrega es la aparición de personajes secundarios que dan un toque de humor bastante interesante (los mejores son el conejo y el pato de peluche que están unidos) y, que Buzz Lightyear tenga un poco más de protagonismo (aunque le ponen como un poco tonto la verdad). En parte porque consiguen hacer un desenlace para poder terminar con la aventura de los juguetes que nos han acompañado casi treinta años. Y aunque no esté a la altura de la original, termina por dejar un buen sabor de boca que nos hace disfrutar de nuevo.

Calificación personal: 6.5

Toy Story 2 (1999)

 

• Dirección: John Lasseter, Lee Unkrich, Ash Brannon
• Año: 1999
• Género: Animación
• Doblaje original: Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Kelsey Grammer,Don Rickles, Wallace Shawn, John Ratzenberger, Annie Potts, Wayne Knight, John Morris, Laurie Metcalf
  
• Guión: Andrew Stanton, Rita Hsiao, Doug Chamberlain, Chris Webb
• Música: Randy Newman
• Fotografía: Sharon Calahan
• Montaje: Edie Bleiman, David Ian Salter, Lee Unkrich
• Productora: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures

SINOPSIS

Tras un pequeño accidente, Andy rompe una parte del brazo de Woody y no se lo lleva al campamento. En su ausencia, la madre de Andy realiza un mercadillo y pone a la venta un juguete. Woody en su intento de rescatarlo acaba en manos de Al McWhiggin, que lo mandará a un museo de Tokio.

CRITICA

Pase el tiempo que pase, hay películas que son atemporales y que se quedan siempre en la retina del espectador. Además de verlas una y otra vez en bucle y no aburrirse nunca. Muchos dicen que esta segunda parte es mucho mejor que la primera entrega. Desde mi punto de vista es una película con muy buena calidad pero, el espectador tenía muy reciente (habían pasado cuatro años con respecto a la primera película) a su predecesora y el fracaso que supuso Bichos: una aventura en miniatura.

Como ya ocurrió con su predecesora, todos aquellos que crecimos con la primera deseábamos seguir con las aventuras de los juguetes que cobraban vida y de paso, volver a mostrarnos un mensaje positivo. Desde no abandonar a los amigos en los malos momentos, luchar siempre que esté en nuestras manos y que por un simple tropiezo, nuestro destino no está determinado.

Además de estos valores, no regalan momentos muy divertidos de los juguetes cuando van en búsqueda de Woody (quitando el momento un poco baboso cuando se encuentran a las Barbies) y las luchas continuas para llevar a cabo el rescate. Tampoco hay mucho más que decir cuando la propia historia lo cuenta todo y hacen que tanto pequeños como grandes sigan disfrutando.

Calificación personal: 7

Juan Nadie (1941)

 

• Título original: Meet John Doe
• Año: 1941
• Género: Drama
• Dirección: Frank Capra
• Intérpretes: Barbara Stanwyck, Gary Cooper, Edward Arnold, Walter Brennan, Spring Byington, James Gleason, Gene Lockhart.
• Guión: Robert Riskin
• Música: Dimitri Tiomkin
• Fotografía: George Barnes
• Montaje: Daniel Mandell
• Productora: Frank Capra Productions

SINOPSIS

Ann Mitchell (Barbara Stanwyck) para evitar ser despedida del periódico en el que trabaja, decide publicar una falsa carta de un ciudadano que va a suicidarse el 24 de diciembre. Para que el periódico vuelva a tener éxito, contratan a un vagabundo (Gary Cooper) para hacerse pasar por ese hombre.

CRITICA

Hacía bastante tiempo deseaba ver esta película por la fama que la precedía y también por todo lo que cuenta en un guión, el cual es brillante de principio a fin. Ninguno de los personajes está carente de análisis durante toda la duración de la película. Como a través de una mentira (que es bastante peligrosa) se empiezan a fraguar una serie de encuentros, donaciones y formaciones políticas que termina por destrozar la esencia de lo realmente importante: esas personas anónimas.

Primeramente destacamos a la protagonista Ann Mitchell (una siempre increíble Barbara Stanwyck) que para mantener su puesto a toda costa escribe la carta de un hombre que se va a suicidar y junto al dueño del periódico empieza a hilvanar una serie de planes para darle una cierta credibilidad al periódico y, llevar a todas las ciudades la figura de Juan Nadie para paliar el ruido de sus propias conciencias. Pero, ¿quién es realmente Juan Nadie? Es aquella persona que representa a los fracasados, marginados, personas sin hogar a las que nadie les hace caso.

A este colectivo (por llamarlo de alguna manera) se encuentra un Juan Nadie real (Gary Cooper): una persona sin hogar, sin trabajo, que pasa hambre y que solo responde al anuncio para poder conseguir un trabajo y poder salir de su situación. Pero, como suele ocurrirle a todo aquel que le llega la fama, no sabe gestionarla y le gusta tanto que no quiere abandonarla; hasta que se da cuenta que esa figura anónima de la que el ha sido partícipe, se da cuenta de como se ha generado una cadena de favores entre las personas y como al final solo se explotan las ganancias o la imagen política que pueda dar.

Al final, el falso Juan Nadie se da cuenta de la verdad cuando le descubren ante el mundo de quien es realmente como la gente se vuelve en su contra, encontrándose solo y sin un motivo para vivir decide poner en práctica lo que decía en su carta: acabar con su vida el 24 de diciembre y ver si realmente cumple su promesa. Esta situación provoca que aquellos que le dieron la espalda tienen miedo de que realmente vaya a cumplir su promesa. Lo que demuestra una vez más que el cine clásico nunca pasa de moda y que esas historias que se contaron hace más de cincuenta años, siguen teniendo su eco en la actualidad. Porque todos nos sentimos Juan Nadie en algún momento de nuestra vida o tenemos a alguno más cerca de lo que creemos. No esperemos para hablar con ese Juan Nadie. Porque todos necesitamos de la compañía de otro ser humano.

Calificación personal: 9

Buena suerte, Leo Grande (2022)

 

• Título original: Good Luck to you, Leo Grande
• Año: 2022
• Género: Drama
• Dirección: Sophie Hyde
• Intérpretes: Emma Thompson, Darryl McCormack
• Guión: Katy Brand
• Música: Stephen Rennicks
• Fotografía: Bryan Mason
• Montaje: Bryan Mason
• Productora: Lionsgate UK, Hulu, Searchlight pictures

SINOPSIS

Nancy Stokes (Emma Thompson) es una mujer viuda y jubilada que contrata los servicios de Leo Grande (Darryl McCormack), ya que nunca ha tenido un orgasmo en toda su vida. En esa búsqueda sexual, entre ambos empezarán a mostrarse poco a poco como realmente son, sin identidades flasas.

CRITICA

No sé por donde empezar con esta película. Más que nada porque tengo una serie de pensamientos encontrados con lo que pretende predicar esta historia. Por un lado tenemos al personaje de Nancy (maravillosa Emma Thompson) que está luchando contra todos esos estereotipos que se les impone a las mujeres cuando llegan a una determinada edad y como ella intenta romper con esos estereotipos. Y por otro lado está Leo Grande, que encarna lo que muchas mujeres desean pero, promueve la prostitución aunque sea de una forma voluntaria.

El paso del tiempo es algo que todo ser humano experimenta a lo largo de su vida y que suele costar bastante aceptar, sobre todo si se trata de una mujer, ya que a veces está más condicionada por el paso del tiempo y, a nivel sexual no se siente deseada y piensa que ha perdido mucho el tiempo y quiere volver a sentirse mujer en ese sentido. Pero la gran pregunta que planteo es: ¿era necesario que recurriese al sexo del pago para sentirse mujer, sobre todo si ella estaba totalmente en contra de los servicios sexuales? Al final se acaba convirtiendo en una especie de "terapia sexual" en la cual se van intercalando diálogos sobre aspectos sexuales y otras veces sobre la vida personal de ambos.

Por desgracia, a medida que van avanzando los minutos de la película se va haciendo bastante previsible, no solo por el final que está bastante claro, sino también por esos momentos de reflexión íntima en los cuales quieren mostrarse como son y lo que sienten realmente pero, necesitan preservar parte de su intimidad para no sentirse expuestos a la verdad que el otro le está revelando.

El cambio que dan ambos personajes y que muestran la fragilidad de sus corazones es un reflejo que en parte han sido ellos mismos los que han decidido elegir su vida, en parte por su pasado que les han hecho pensar que no merecen nada más que lo que son en realidad, cuando lo que importa es poder cambiar y ser alguien mejor y siempre poder sacar la mejor versión de uno mismo. 

A pesar de intentar sacarle aspectos grandiosos a esta película, se me queda a mitad de camino sin poder explicar realmente aspectos profundos de la historia que me hayan llamado la atención. Si que es verdad que Emma Thompson llena la película y rompe con todos esos estereotipos en los cuales dictaminan que una mujer pasados los cuarenta, no merece la pena. Pues en eso, se equivocan.

Calificación personal: 6

Toy Story (1995)

 

• Dirección: John Lasseter
• Año: 1995
• Género: Animación
• Doblaje original: Tom Hanks, Tim Allen,  Don Rickles, Jim Varney, Wallace Shawn, John Ratzenberger, Annie Potts, John Morris, Laurie Metcalf, Erik Von Detten.
• Guión: Andrew Stanton, Joss Whedin, Joel Coen, Alec Sokolow
• Música: Randy Newman
• Montaje: Robert Gordon, Lee Unkrich
• Productora: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures

SINOPSIS

Los juguetes de Andy (un niño de seis años) temen que su final esté cerca con los nuevos regalos que le hagan a Andy por su cumpleaños. A pesar de los miedos, el vaquero Woody (Tom Hanks) les tranquiliza, hasta que aparece Buzz Lightyear (Tim Allen). Entre ambos se generará una rivalidad que irá cambiando hacia una amistad.

CRITICA

La llegada de Toy Story en el año 1995 a los cines cambió por completo la forma de hacer cine de animación. No solo por la tecnología sino también por dejar atrás determinados estereotipos a los que Disney nos tenía acostumbrados. De esta forma, los que crecimos con esta película nos abrieron el mundo a lo que pensábamos cuando éramos pequeños.

Cuando he vuelto a ver de nuevo esta película pensaba que le había hecho la crítica en el blog y cuando revisé que no la había hecho y la verdad es que me produjo mucha ilusión poder plasmar lo que he sentido al volver a verla. Lo primero ha sido poder transportarme de nuevo a mi infancia y como me montaba mis historias con mis juguetes e incluso me llegaba a imaginar que ocurriría si realmente cobrasen vida. Pero, más allá de ese sueño, la película transmitía una serie de valores a los más pequeños.

Se observaba claramente a través de los sentimientos que iban expresando cada uno de los juguetes de Andy que es como nos sentíamos a la larga cuando nosotros éramos niños: un juegue nuevo, dejar de lado a nuestros otros juguetes, comprarnos todo aquello que estaba relacionado con nuestro nuevo juguete, preocuparnos por la pérdida de ese juguete e incluso juntarlos a todos y jugar con aquellos que nos han acompañado a lo largo de nuestra vida y los nuevos. En definitiva, como nos acompañan a lo largo de todo nuestro crecimiento y los buenos recuerdos que tendremos. El contrapunto a todo es el personaje de Sid, el vecino malvado de Andy que se dedica a maltratar juguetes de mil maneras diferentes, un fiel reflejo de la maldad y de como no se valora lo que uno tiene y maltratar aquellas cosas que muchos niños desean: tener un único juguete.

Para concluir, Toy Story no solo nos transmite un mensaje de como cuidar nuestros juguetes y aprovechar esa infancia, sino también de esas amistades que son de verdad y basadas en la sinceridad y en el cariño y en permanecer siempre unidos. Porque al final, tus amigos se terminan convirtiendo en tu familia sin esperarlo.

Calificación personal: 10

La llave (1958)

 

• Título original: The key
• Año: 1958
• Género: Drama
• Dirección: Carol Reed
• Intérpretes: William Holden, Sophia Loren, Trevor Howard, Oskar Homolka, Kieron Moore, Bernard Lee, Noel Purcell.
• Guión: Carl Foreman
• Música: Malcolm Arnold
• Fotografía: Oswald Morris
• Montaje: Bert Bates
• Productora: Open Road Films, Highwoods productions

SINOPSIS

Stella (Sophia Loren) es una mujer que vive en el Londres de la Segunda Guerra Mundial. Con el paso de los años la llave de su casa ha ido de mano en mano con varios amantes, aunque la relación con ellos ha sido fría y distante. Un día llega su vida el capitán David Ross (William Holden) con el que volverá a recuperar la ilusión.

CRITICA

Hay periodos de la historia que marcan profundamente a la humanidad y también, a la hora de hacer cine. Sobre todo si se trata del periodo de la Segunda Guerra Mundial, los americanos supieron sacarle un buen partido (y hoy en día lo siguen explotando). También lo hicieron los británicos para sacar partido a sus producciones. Es lo que ocurre con La llave y con su argumento que no puede ser más misógino desde el principio.

Como suele ser habitual en esas producciones de época, el "elemento" débil es la mujer y como necesita del soporte masculino para salir adelante. Todo esto enmascarado de una forma demasiado sutil a través de un romance un tanto imposible y melodramático. Para poder rellenar gran parte del metraje se introduce en el metraje la labor de los barcos remolcadores de otro y mostrar la peligrosidad de dicho trabajo. Pero no me quiero parar en esa minucia, sino en el triángulo amoroso que se genera. Y en concreto en el personaje de Stella (interpretada por una contenida Sophia Loren).

Realmente ninguno de los dos marineros que conforman ese triángulo con Stella realmente está muy mal enfocado ya que parece que ella es una especie de viuda negra y cada hombre que ha estado con ella termina por fallecer cuando sale a alta mar. La muestran también como una pobre desgraciada que para sobrevivir siempre necesita la compañía de un hombre (si bien es cierto, que en esa época las mujeres eran más vulnerables) y que para que ella no esté sola y sentirse realizada, el amante actual debe de dejarle la llave del apartamento al siguiente.

Desde mi punto de vista no es una película que me aporte algo nuevo en el cine clásico y que se quede en mi retina para recomendársela a alguien. Tampoco es el estilo del director Carol Reed (si, el que hizo El tercer hombre) y a pesar de tener tres actores de gran relevancia, no termina por impactar en el espectador y simplemente es una película más.

Calificación personal: 5

Hija de su padre (2018)

 

• Título original: Like father
• Año: 2018
• Género: Drama
• Dirección: Lauren Miller
• Intérpretes: Kristen Bell, Kelsey Grammer, Paul W. Downs, Zach Appelman, Seth Rogen, Leonard Ouzts, Mary Looram, Bret Gelman.
• Guión: Lauren Miller
• Música: Roger Neill
• Fotografía: Seamus Tearney
• Montaje: Mollie Goldstein
• Productora: Netflix, aBard Production

SINOPSIS

El día de su boda, Rachel (Kristen Bell) es plantada en el altar y allí se encuentra a su padre, Harry (Kelsey Grammer) al que no veía hace veinticinco años. Juntos realizan el viaje de la luna de miel de Rachel y será el momento perfecto para encontrarse de nuevo.

CRITICA

Gran parte de los beneficios que va adquiriendo Netflix con el paso del tiempo es gracias a producciones propias, especialmente en pequeñas películas con una tendencia melodramática o de comedia romántica que le permite posteriormente hacer grandes inversiones en otros proyectos. De esta forma, estrenan película semanalmente y son siempre de un corte entretenido, como es el caso de Hija de su padre.

Además de realizar este tipo de películas pretenden mandar algún tipo de mensaje a través de las historias que cuentan. En el caso de este filme se observa de forma clara como el paso del tiempo ha marcado a un padre y a su hija tras veinticinco años sin verse y que, por circunstancias dolorosas para ambos, se van juntos en un crucero.

En ese viaje se encontrarán un poco a sí mismos y el poder establecer de nuevo vínculos. Pero, ¿qué es lo que realmente pasa con esta película? Pues que ya hemos visto en múltiples ocasiones este tipo de historias y de múltiples formas. Por lo tanto, no reflejan nada nuevo, salvo que en este caso ambos personajes están obsesionado con su trabajo de tal manera que no terminan de disfrutar de la familia, de un viaje o que no son capaces de desconectar y terminan por alejar a las personas más importantes de su vida y eso a la larga pasa factura.

Como ocurren con muchas películas que sacan en las plataformas de vídeo bajo demanda, es una más del catálogo que se puede ver si se quiere pasar un rato entretenido sin tener que pensar demasiado y poder despejar la mente pero tampoco es una película grandiosa. Solo una más de Netflix.

Calificación personal: 4

Los tipos malos (2022)

 

• Título original: The bad guys
• Año: 2022
• Género: Animación
• Dirección: Pierre Perifel
• Doblaje original: Sam Rockwell, Marc Maron, Anthony Ramos, Awkwafina, Craig Robinson, Richard Ayoade, Zazie Beetz, Alex Bornstein, Lilly Singh.
• Guión: Etan Cohen
• Música: Daniel Pemberton
• Montaje: John Venzon
• Productora: DreamWorks Animation

SINOPSIS

El señor Lobo, el señor Serpiente, el señor Tiburón, el señor Piraña y la señora Tarántula, son cinco delincuentes que tienen una oportunidad de transformarse en tipos buenos con la ayuda de una adorable cobaya. ¿Podrán conseguirlo?

CRITICA

En los últimos diez años (aproximadamente) la tendencia que tenían las películas de animación estaba más enfocada al público infantil pero, lo que buscan al final es que sirvan para entretener a los más pequeños y a los no tan pequeños y centrarse sobre todo en mostrar una serie de valores que son necesarios en los seres humanos. Pero en este caso lo hacen a través de personajes infantiles cuya trayectoria nunca ha sido positiva.

Lo que intenta transmitir con esta película es que la gente mala puede cambiar y convertirse en alguien bueno pero, también la gente buena no siempre lo es realmente y puede tener sus momentos de maldad. Esta premisa que se plantea en el guión viene marcada con momentos cómicos entre los diferentes personajes para hacer esa conversión de la maldad a la bondad. También destaca la famosa frase "las apariencias engañan", ya que no siempre todo el mundo es quien dice ser en realidad. Es decir, que ni el malo es realmente tan malo ni el bueno es realmente bueno.

Aunque no es una película grandiosa, si que es verdad que sale un poco de los estándares habituales de la animación y parece ser que le da un soplo de aire fresco a la productora DreamWorks. Es entretenida y con algunos momentos cómicos. Ideal para pasar el rato en familia.

Calificación personal: 6

Matar a un ruiseñor (1962)

 

• Título original: To kill a mockingbird
• Año: 1962
• Género: Drama
• Dirección: Robert Mulligan
• Intérpretes: Gregory Peck, Mary Badham, Philip Alford, John Megna, Paul Fix, Brock Peters, Robert Duvall, Rosemary Murphy, Frank Overton.
• Guión: Horton Foote
• Música: Elmer Bernstein
• Fotografía: Rusell Harlan
• Montaje: Aaron Stell
• Vestuario: Rosemary Odell
• Productora: Universal Pictures, Brentwood Productions

SINOPSIS

Atticus Finch (Gregory Peck) es un abogado viudo con dos hijos. Un día, el juez del pueblo de la ciudad sureña en la que vive, le pide que defienda a un hombre negro acusado de violar a una mujer blanca. Atticus acepta el caso, lo que va a provocar un cambio en su vida y en la de sus hijos.

CRITICA

Esta película está catalogada como una de las mejores de la historia, y la verdad es que, debido a todo lo que relata, merece estar en esa categoría. Por un lado, no solo es una de las mejores adaptaciones al cine, sino que en la época en la que se estrenó reflejaba muy bien la denuncia racial, los derechos civiles, la igualdad, la amistad y la empatía. Todo esto se refleja a través de un viudo con dos hijos y todo lo que les va sucediendo.

Aunque parece que la historia que pretende contar es a través de los ojos de Scout (la hija del abogado Atticus Finch), lo que nos muestra son historias cruzadas en donde las apariencias físicas es lo que cuenta y lo que realmente determina la identidad de un hombre. A pesar de ser una película que se estrenó hace más de sesenta años su esencia sigue perdurando al igual que el libro en el que se basa. 

Parece que trata temas sociales pasado pero realmente siguen estando vigentes hoy en día. A raíz de que a Atticus Finch le asignan la defensa de un hombre negro acusado de violación, empiezan a salir a la luz los verdaderos "yoes" de la gente que vive en el pueblo sureño. Comienzan a despreciar a Atticus, le amenazan a el y a su familia e incluso al acusado. Todo esto ocurre sin perder de vista a Scout y a su hermano Jem, que a pesar de ser unos niños han visto obrar a su padre de una forma recta y darse también cuenta de que la bondad de una persona no viene definida por el color de la piel. Ese aspecto se observa de una forma clara en el momento en el que ambos hermanos se suben al primer piso del juzgado que es donde se encuentran todos los hombres de raza negra, lo que demuestra esa segregación racial y el hacer de menos a otros seres humanos.

Otro de los aspectos que también se mencionan es la figura que representa Atticus Finch. Es David luchando contra miles de Goliat y donde él, sigue luchando con el arma más poderosa que tiene, que son sus principios. Por eso, el juez del pueblo va a visitarle y le pide que defienda al acusado porque conoce la nobleza de sus actos y es el único que va a actuar sin ningún tipo de prejuicio. Esto provoca que tanto Scout como Jem estén orgullosos de su padre porque nunca pierde la compostura.

Para evitar hacer spoiler, el espectador sabrá como terminará la película o más directamente todo aquello relacionado con el juicio. Por lo que nos viene a decir que la justicia no es sorda ni ciega, pero que muchas veces se mueve hacia el lado que más le interesa y le conviene para evitar cualquier tipo de problema. Lo que se puede resumir en que los que menos tienen siempre se ven más perjudicados y los que más tienen, beneficiados.

A modo podemos concluir que esta película enseña valiosas lecciones de vida: integridad humana, el sentido del deber, la honestidad, ser fiel a unos principios, saber vivir en comunidad y evitar los prejuicios. Sabemos que hay mucha maldad en el mundo y que siempre la habrá pero, entre tanta zarza siempre crece una espiga de trigo.

Calificación personal: 10

De perdidos a Rio (2023)

 

• Dirección: Joaquín Mazón
• Año: 2023
• Género: Comedia
• Intérpretes: Pablo Chiapella, Carlos Santos, Fran Perea, Esther Acebo, Jorge Cremades, María Botto, Carlos Areces, Paulo Pires, Kira Miró.
• Guión: Antonio Mercero, Juana Macías, Daniel Corpas.
• Música: Carolina Fontecha, Aida Ten
• Fotografía: Alfonso Segura.
• Productora: Pecado Films, La Claqueta PC, Sony Pictures España.

SINOPSIS

Tres amigos que se acercan a la cuarentena tienen que viajar a Río de Janeiro para reconocer el cuerpo de un viejo amigo. Pero cuando llegan a la ciudad brasileña, la situación se complica al descubrir que el muerto no está realmente muerto.

CRITICA

De vez en cuando al espectador le gusta pasar un rato entretenido y evadirse con una película cómica pero muchas veces, las comedias puedan resultar un poco aburridas o empiezan bien y su ritmo gracioso va decayendo a medida que pasan lo minutos. Por otro lado el intentar hacer una copia de un éxito americano o intentar emularlo, no es la mejor opción, sobre todo porque se pierde la esencia del verdadero cine español.

En el caso de esta película a medida que pasan los minutos va perdiendo fuerza y al final, todos y cada uno de los chistes que aparecen no hacen gracias o los meten con calzador para hacer la historia más ligera, pero realmente cuesta. A pesar de que la elección del reparto es muy certero, el guión es bastante flojo y no consiguen sacarlo adelante.

Al igual que me ha pasado en otras películas hay veces que cuando una películas no te dice gran cosa o no hay una gran profundidad en ella, dedicarle unas líneas de más en mi crítica puesto que ha pasado por mi retina sin pena ni gloria y no creo que se la recomiendo a nadie en un futuro.

Calificación personal: 5.5