Judy (2019)

 

• Dirección: Rupert Goold
• Año: 2019
• Género: Drama
• Intérpretes: Renée Zellweger, Finn Wittrock, Jessie Buckley, Rufus Sewell, Michael Gambon, Bella Ramsey, Royce Pierreson, Andy Nyman.
• Guión: Tom Edge
• Música: Gabriel Yared
• Fotografía: Ole Bratt Birkeland
• Montaje: Melanie Ann Oliver
• Vestuario: Jany Temime
• Productora: 20th century fox, BBC Films, BFI, Pathé

SINOPSIS

Año 1968. Tras varios años sin conseguir un papel en la industria cinematográfica, Judy Garland (Renée Zellweger) llega a Londres para ofrecer una serie de conciertos que, de alguna forma le ayude a solventar sus problemas económicos y así, poder regresar a casa con su familia.

CRITICA

Desde el momento en el que se sabía que se iba a poner en marcha una película sobre una de las ex estrellas infantiles más cotizadas, toda la familia de Judy Garland se puso a la defensiva (sobre todo su hija Liza Minnelli). Pero, desde mi punto de vista, lo único que quería reflejar, más allá de la decadencia física y artística que tuvo, es como la industria del cine ha sido y siempre será cruel con las mujeres. A pesar de que hoy en día no se apliquen los mismos métodos, las mujeres siempre estarán menospreciadas en la industria.

Como bien se refleja en la película (aunque se observa claramente su decadencia en las últimas películas en las que intervino), como de una forma muy clara siempre estuvo a merced de los estudios y de como ellos podían hacer y deshacer a su antojo para conseguir el prototipo de niña cándida; haciéndola grabar más de doce horas al día, suministrándole anfetaminas para adelgazar y que redujese el apetito e incluso provocarle alteraciones en el sueño. Y, cuando ya estaba completamente destrozada, el mundo del cine la dejó a su suerte, aunque ella, comenzó pronto con las drogas y el alcohol.

Porque, cuando alguien ya no resulta rentable o ha perdido todo su encanto (más en concreto las mujeres), se deben de desechar como si fuese un producto con una fecha de consumo preferente y que, pasado el tiempo, pierden todo tipo de cualidades. Esto no solo le pasó a Judy Garland, sino también a Shirley Temple, a Rita Hayworth, Bette Davis, Olivia de Havilland y un largo etcétera, las cuales no pudieron salir adelante a causa de todos lo problemas y otras, pasaron al ostracismo por haberse enfrentado a los grandes estudios de Hollywood.

Retornando a esta película y, para finalizar, Judy no tuvo buena suerte en lo que a su vida se refiere (más allá de grandes éxitos) y como la fama, la industrias y todo lo que se le pareciese, la dejó en el más absoluto olvido y como la gente sentía lástima por ella. ¿No habían sentido esa lástima cuando la estaban robando y destruyendo su vida? Al fin y al cabo, la hipocresía será siempre la enfermedad de la humanidad, cueste lo que cueste.

Calificación personal: 5.8

Princesa por sorpresa (2001)

 

• Título original: The princess diaries
• Año: 2001
• Género: Romántica
• Dirección: Garry Marshall
• Intérpretes: Anne Hathaway, Julie Andrews, Héctor Elizondo, Heather Matarazzo, Robert Schwartzman, Caroline Goodall, Mandy Moore.
• Guión: Gina Wendkos
• Música: John Debney
• Fotografía: Karl Walter Lindenlaub
• Montaje: Bruce Green
• Vestuario: Gary Coleman
• Productora: Walt Disney Pictures

SINOPSIS

Mia Thermopolis (Anne Hathaway) es una joven de dieciséis años que pasa demasiado desapercibida en el instituto. Un día recibe la invitación de su abuela paterna Clarisse (Julie Andrews) de la que no sabía nada pero, la cual es la reina de Genovia y por lo tanto, Mia es la princesa del país.

CRITICA

¡La cantidad de veces que he podido ver esta película y, los buenos ratos que me ha hecho pasar! Cómo es lógico, la primera vez que la vi fue el mismo año de su estreno y mis padres me llevaron a verla. Es cierto que este tipo de película no son excesivamente buenas pero, si consigue entretener al espectador y que este pase un buen rato, su objetivo está más que cumplido.

También se debe de pensar que es una película que está enfocada al público adolescente. Pero, aunque carezca de un guión profundo, intenta reflejar (aunque no de una forma muy realista) que la vida puede cambiar en cualquier momento, ya sea con grandes acontecimientos o con noticias negativas, por lo que es necesario saber apreciar los pequeños momentos que se nos ofrecen.

Tampoco hay que darle demasiadas vueltas a esta historia. Es cierto que tres años más tarde lanzarían la segunda parte para repetir el éxito de la primera y así, la protagonista pudiese cumplir su sueño de tener un príncipe azul (hoy en día si se dice esto, sonaría a misógino y algo retrógrado). Pero, a pesar de eso, sigue mostrando la independencia de la joven Mia Thermopolis y el querer ser normal.

Calificación personal: 6.5

 

Los ojos de Tammy Faye (2021)

 

• Título original: The eyes of Tammy Faye
• Año: 2021
• Género: Historias reales
• Dirección: Michael Showalter
• Intérpretes: Jessica Chastain, Andrew Garfield, Cheey Jones, Vicent D'Onofrio, Frederic Lehne, Louis Cancelmi, Gabriel Olds.
• Guión: Abe Sylvia
• Música: Theodore Shapiro
• Fotografía: Mike Gioulakis
• Montaje: May Jo Markey, Andrew Weisblum
• Productora: Searchlight Pictures, Freckie Films, MWM Studios

SINOPSIS

Tammy Faye (Jessica Chastain) y su marido Jim Bakker (Andrew Garffield) crean la cadena envangelista PTL para transmitir la Biblia. Pero lo que al principio comenzó como un simple servicio de cara a Dios, se acaba convirtiendo en un lucrativo negocio muy peligroso.

CRITICA

De vez en cuando, por nuestra cartelera se proyectan película que pasan desapercibidas pero, cuando llega la temporada de premios, vuelven a salir sobre la palestra y en esta ocasión, no ha sido para menos. No solo por la increíble interpretación y transformación de Jessica Chastain, sino porque nos muestra a una mujer que fue vilipendiada por el mundo, empezando por su propio familia, continuando por su marido y, terminando por la sociedad.

Es cierto que, a nosotros como españoles nos pilla un poco lejos la vida de Tammy Faye pero, aunque la lejanía sea patente, es necesario conocer que estos movimientos o todo lo que muchas veces está relacionado con grandes aglomeraciones, al final no acaba del todo bien. Esto es debido a que la gente que inicia este tipo de movimientos, terminan por abusar de los sentimientos y emociones de la gente para que ellos mismos se llenen sus bolsillos.

Como en todos los aspectos y decisiones de la vida, siempre la intención es buena pero, cuando nos desviamos del camino para conseguir nuestros objetivos y, al final terminamos destrozando a los demás. Por lo que nuestras buenas obras no han servido de gran cosa. En cierto modo es lo que le ocurre a Tammy Faye, cuya idea de llevar el amor de Dios se acabó desvirtuando cuando su marido sucumbía a las riquezas y poseer todo pero, no era capaz de aceptar a los homosexuales ni a cualquier otra persona que se saliese de los cánones morales.

Lo que en definitiva, termina por reflejarnos es como la gente puede jugar con algo tan poderoso como la fe de las personas para sacar un provecho personal. Ante esto podemos pensar, ¿pero la gente no tiene criterios para no dejarse engañar por estos falsos aduladores? La respuesta lo más seguro es que sea si, pero cuando crees en algo de una forma tan férrea, esperas que no te decepciones, sobre todo si esas decepciones hacen que el resto se hagan ricos a tu costa. En conclusión, nos ofrece el ascenso, la caída y la redención de una mujer que solo quería llevar el amor de Dios y que para ella, ciertos aspectos eran secundarios, aunque viviese en la opulencia.

Calificación personal: 7

El callejón de las almas perdidas (2021)

 

• Título original: Nightmare alley
• Año: 2021
• Género: Thriller psicológico
• Dirección: Guillermo del Toro
• Intérpretes: Bradley Cooper, Rooney Mara, Cate Blanchett, Toni Collette, Willem Dafoe, Richard Jenkins, Ron Perlman, David Strathaim, Mary Steenburgen.
• Guión: Guillermo del Toro, Kim Morgan
• Música: Alexandre Desplat
• Fotografía: Dan Laustsen
• Montaje: Cam McLauchlin
• Productora: TSG Entertainment, Double Dare You Productions

SINOPSIS

Año 1939, Stan Carlile (Bradley Cooper) es un vagabundo que, tras estar varios días sin tener un rumbo fijo, comienza a trabajar en un circo de freaks (gente rara). Tras conseguir salir de ese circo con los trucos de Pete (David Strathaim) con Molly (Rooney Mara), comienzan a embaucar a la gente. Hasta que se le cruza en su camino con la psiquiatra Lilith (Cate Blanchett), con la que comienza una red de estafas.

CRITICA

A pesar de que la academia de Hollywood ha reconocido en algunos premios (incluyendo mejor película), ha pasado desapercibida tanto para el público estadounidense como para el resto. Sobre todo, no cayó en gracia porque no es el estilo propio del director mexicano Guillermo del Toro, ya que en su extensa filmografía, introduce bastante elementos de fantasía y criaturas un tanto de criaturas extrañas, esta historia se sale de su tónica habitual. Desde mi punto de vista, algo parecido le pasó a Martin Scorsese con la película Silencio (ver crítica en este blog), es de lo mejor que ha hecho el mexicano, independientemente de que nos deje un mal sabor de boca. Después de esta introducción, vamos a entrar en materia.

Desde el comienzo se le muestra al espectador la vida de un feriante pero sobre todo, de feriantes que no crean ilusión en los viandantes, sino que les están estafando, a la vez que están jugando con sus emociones y sentimientos profundos. Y en estos elementos, son en los que se fija Stan para poder llevar a cabo su estafa pero a un nivel más alto y si además con ello, su remuneración económica es bastante suculenta para así, poder quitarse el lastre de haber sido un pobre.

A pesar de que el eje de la historia es el personaje de Stan tiene una maldad oculta, pero esta también está patente en el resto de los circenses que justifican su crueldad para con su trabajo. Para más tarde, esa crueldad se traslada al mundo de la gente pudiente, los cuáles se creen inmunes con tener una cantidad ingente de dinero y buscan a la desesperada que se les solucione y se les alivie esa angustia vital que no consiguen eliminar de su vida. Ante este tipo nuevo de público, se cruza en su camino una psiquiatra que descubre el secreto de Stan y con el que establece una relación de seducción y de manipulación para que ambos puedan sacar un beneficio de su relación un tanto tóxica. Lo que al final produce un desenlace desagradable (más todo lo que lleva consigo desde el principio), refleja claramente como la avaricia, la ambición desmedida y, pagar tus desdichas con gente que no se lo merece.

Como he comentado al principio de la crítica, la película no ha tenido una gran acogida a pesar de que tiene un reparto estelar y, que entre ellos se muestra una gran química. Además de recordar la atmósfera del cine noir y que su esencia se parece también a la película de Shutter Island (ver crítica en este blog). A mi no me ha disgustado pero, aviso al espectador, que hay que tener un poco de estómago para digerirla, por todo lo que representa.

Calificación personal: 8

Uncharted (2022)

 

• Dirección: Ruben Fleischer
• Año: 2022
• Género: Aventuras
• Intérpretes: Tom Holland, Mark Wahlberg, Antonio Banderas, Sophia Taylor Ali, Tati Gabrielle, Rudy Pankow, Manuel de Blas.
• Guión: Art Marcum, Matt Holloway
• Música: Ramin Djawadi.
• Fotografía: Chung Chung-Hoon
• Montaje: Rick Pearson, Chris Lebenzon
• Productora: Columbia Pictures, Atlas Entertainment, PlayStation Productions

SINOPSIS

Nathan Drake (Tom Holland) es un joven carterista que trabajan en un bar poniendo copas. Hasta que una noche se topa con Victor Sullivan (Mark Wahlberg), que le ofrece la posibilidad de conseguir el tesoro del barco de Magallanes. Eso si, no exento de peligros.

CRITICA

De vez en cuando es necesario ver películas de "encefalograma plano" para descansar de ver filmes con gran profundidad. Pero, a pesar de que en el caso de esta película ha tenido mucho éxito y todo el mundo habla, de que es una película entretenida. Realmente, a mi no me enganchó lo suficiente e incluso, se me hizo bastante pesada.

Siempre hay que tener en cuenta que está basada en un videojuego pero, a la hora de trasladarlo a la gran pantalla, se excede en demasía en los momentos de acción creando situaciones inverosímiles (hay que tener en cuenta, que en los videojuegos, te pegas a veces unos leñazos considerables y, no pasa nada) así como que lo que va ocurriendo no es demasiado creíble.

Creo que en más de una ocasión he escrito que, cuando una película no me ha llamado la atención o no ahondo en la temática de la película, no suelo escribir mucho más. Desde mi punto de vista, entre los dos actores protagonistas no hay química (aunque el resto de espectadores o críticos dicen que la tienen) y todo es demasiado rocambolesco. Aunque habrá segunda parte, no creo que mis ojos la vean.

Calificación personal: 4.8

El crisol (1996)

 

• Título original: The crucible
• Año: 1996
• Género: Drama
• Dirección: Nicholas Hytner
• Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Winona Ryder, Joan Allen, Paul Scofield, Bruce Davison, Jeffrey Jones, Peter Vaughan, Frances Conroy, George Gaynes.
• Guión: Arthur Miller
• Música: George Fenton
• Fotografía: Andrew Dunn
• Montaje: Tariq Anwar
• Productora: 20th Century Fox

SINOPSIS

En 1692, en la ciudad puritana de Salem (Massachussets), un grupo de jóvenes es acusado de practicar brujería. Una de esas jóvenes, Abigail Williams (Winona Ryder) es acusada pero, consigue desviar la atención a otros miembros de la comunidad, sobre todo a John Proctor (Daniel Day-Lewis) y de su mujer Elizabeth (Joan Allen), al haberla echado de la casa de ellos.

CRITICA

La verdad es que siempre había tenido ganas de verla y siempre la dejaba para más adelante y al final, encontré el tiempo y la oportunidad. A pesar de que se intenta juzgar a mujeres por brujería, realmente no hay ningún elemento ni práctica de brujería. Puesto que realmente lo que refleja es como a través del miedo y de la histeria colectiva que se puede llegar a sembrar, la gente es capaz de vender hasta a su propia madre por salvar su propio pellejo. 

A pesar de que la película está ambientada en una época que puede ser extraña para más de uno, si que es cierto que entre los siglo XVII y XVIII se perseguía a aquellas personas que practicaban brujería o tenían algún contacto con el demonio (sobre todo el sector protestante más puritano, ya que en aquella época había muchas ramas del protestantismo). Más allá de todo esto, lo que refleja es una persecución sin compasión a aquellas personas que realmente no tienen maldad y que no se "infectan" de esa histeria colectiva. Por otro lado, lo que de alguna forma también pretende mostrar es el comportamiento que la sociedad tiene muchas veces (y que es realmente lo que da miedo) ante lo que a veces no conocemos y/o no entendemos y, como podemos manipular las creencias de otros para producir diferentes efectos que pueden ser perjudiciales.

Ante la histeria colectiva, se encuentra el reverendo del pueblo y su sobrina Abigail, los cuáles hacen crecer el temor y el miedo de la presencia del ser maligno y, que hay diversas personas que no creen en lo que está sucediendo pero, no son impasibles ante las diferentes sentencias que se van dando en los diferentes juicios y deciden actuar. Por medio de esta valentía, se les empieza a acusar también de brujería y de estar aliados con el demonio. Pero, el cinismo máximo que se ve reflejado, ocurre cuando mandan a una eminencia de predicador que solo se ciñe a la Palabra de Dios y al pecado de los hombres y mujeres y, por tanto son también servidores del señor del mal. Cuando tienen la oportunidad de "redimirse" (puesto que realmente no son culpables de nada) no es ni su soberbia ni su orgullo sino, el ver que su nombre puede ser manchado de una forma tan ruin y vil, aún sabiendo el resto de la gente del pueblo que no hay culpables y que todo es una pantomima y una farsa.

El autor de esta novela (que también es el guionista) no es otro que el gran dramaturgo Arthur Miller, que aprovechó la leyenda de las brujas de Salem para hacer un reflejo de "La caza de brujas" llevada a cabo por el senador McCarthy. Como se dedicaba el político a perseguir a grandes personalidades del mundo del arte por tener un pensamiento diferente (que no tenía que ser el del comunismo) y, se realizaban acusaciones y juicios sin fundamento; apuntando en una famosa "lista negra" a todos aquellos a los que llevaban al ostracismo (como el guionista Dalton Trumbo). A pesar de reflejar la injusticia, el propio Arthur Miller era un cínico en si mismo (maltrató a Marilyn Monroe y, uno de sus hijos, que nació con síndrome de Down, le internó en una institución psiquiátrica, porque no quería saber nada de el).

En conclusión, esta película me removió lo más profundo y me llegó a provocar las lágrimas, por la injustica que sufren los personajes que, a pesar de su pecados y equivocaciones, no han causado ni han hecho daño a nadie y, lo más importante, no le desean el mal a otros aunque eso les lleve a su muerte. Película necesaria que es desconocida para el público.

Calificación personal: 8.5

Red (2022)

 

• Título original: Turning Red
• Año: 2022
• Género: Animación
• Dirección: Domee Shi
• Doblaje original: Rosalie Chiang, Sandra Oh, Wai Ching Ho, Maitreyi Ramakrishnan, Jordan Fisher, Josh Levi, James Hong, Sasha Roiz.
• Guión: Julie Cho, Domee Shi
• Música: Ludwig Göransson, Billie Eilish, Finneas O'Connell
• Fotografía: Mayhar Abousaeedi, Jonathan Pytko.
• Montaje: Nicholas C. Smith, Steve Bloom
• Productora: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures

SINOPSIS

Mei Lee es una niña china canadiense de trece años, que siente que es completamente adulta y que, es capaz de tomar sus propias decisiones y se complementa con su grupo de amigas. Pero, a pesar de tener una buena relación con su madre, siente que no es del todo libre. Todo empieza a cambiar cuando Mei sufra una situación embarazosa en la que su progenitora, tiene mucho que ver.

CRITICA

Creo que es de todos conocidos, la capacidad que tiene Pixar para tratar temas poco comunes y, de llegar de alguna forma, tanto al público infantil como al público adulto. En esta película (cuyo estreno es exclusivo en Disney +) entra de lleno en la etapa de la adolescencia a través de una leyenda familiar que afecta solo a las mujeres de la familia de Mei Lee pero que de alguna forma, las hace ser esclavas de sus propios deseos y sentimientos.

Aunque no lo parezca, la propia película tiene un mensaje no muy oculto. De alguna forma, la manifestación del panda rojo (cuando Mei y el resto de mujeres de su familia, tienen emociones fuertes) es todo aquello que de alguna forma quieren ser y no pueden, desean manifestar y tampoco pueden; lo que se puede traducir en que realmente no pueden ser ellas mismas y que tienen que reprimir toda esa maraña de emociones y sentimientos. Siendo lo más curioso que se manifiestan con el comienzo de la adolescencia de las mujeres (se hace patente cuando la madre de Mei cree que le ha bajado la menstruación y así, empieza su nueva etapa como mujer).

Por otro lado, también se refleja como de alguna forma los hijos quieren empezar con su independencia (aunque sean en cosas pequeñas) y que sus padres (sobre todo las madres) no las agobien. Aunque puedan pensar que están rompiendo todos los vínculos paterno filiales, y realidad no lo es. Es una forma de hacer entender que el querer tomar decisiones propias aunque no coincidan con la de nuestros padres, no significa que no queramos saber más de ellos.

Este aspecto se ve claramente reflejado en el momento en el que todas las mujeres de la familia de Mei, tienen que intervenir en el ritual para que la joven elimine al panda rojo de su vida, pero ella no lo desea porque forma parte de su ser y de su identidad y lo que hace que sea realmente ella misma. Lo que podemos sacar en conclusión es que, muchas veces intentamos siempre complacer a los demás y guardando nuestros verdaderos talentos o la libertad para poder escoger y equivocarnos y también, dejarnos guiar por los que de verdad nos quieren aunque nos cueste admitirlo.

Calificación personal: 7.5

Hierve (2021)

 

• Título original: Boiling Point
• Año: 2021
• Género: Drama
• Dirección: Philip Barantini
• Intérpretes: Stephen Graham, Vinette Robinson, Alice Feetham, Hannah Walters, Malachi Kirby, Izuka Hoyle, Jason Flemyng, Ray Panthaki.
• Guión: Philip Barantini, James Cummings
• Música: Aaron May, David Ridley.
• Fotografía: Matthew Lewis
• Montaje: Alex Fountain
• Productora: Ascendant Film, Burton Fox Films

SINOPSIS

En una de las noches más concurridas del año, uno de los restaurantes más famosos de Londres, el jefe de cocina Andy (Stephen Graham) sufre una crisis personal y profesional amenazando su estabilidad. La visita de un inspector de sanidad y de un antiguo compañero suyo, lleva a Andy al extremo.

CRITICA

La verdad es que es poco habitual determinadas temáticas en el mundo del cine y de las series. En este caso, se nos plantea una historia en donde un único plano secuencia nos permite, no solo observar el comportamiento de los diferentes empleados del hotel, sino también el comportamiento que tienen algunos de los comensales y como puede influir en la moral de los trabajadores y en su actitud entre ellos; provocando tiranteces.

Por un lado nos refleja diferentes aspectos relacionados con la calidad, la higiene y la seguridad alimentaria, de la que muchas veces la gente se queja, pero que es necesario para evitar accidentes (como uno de los que aparece en la película) y evitar aspectos negativos a la hora de servir los diferentes platos. Pero, hay que reconocer que el mundo de la hostelería es muy duro y no siempre el cliente debe de tener la razón, puesto que las formas son un elemento muy importante tanto para la persona que atiende como para la atendida.

Otro de los aspectos que se ve reflejado con mucha claridad en el filme, es la falta de comunicación entre los empleados, ya sea entre el chef de cocina con sus diferentes pinches e incluso, la jefa de sala que se cree con la potestad de hacer lo que quiera para satisfacer a los clientes descuadrando todo el menú y los platos que ya hay asignados, solo para conseguir críticas favorables o un buen caché sin proteger a sus empleados y/o compañeros (dependiendo de como se mire).

De echo, el título en inglés (al igual que el español) puede ser una metáfora clara en el momento en el que una persona puede llegar a estallar (puesto que, agua empieza a hervir a 100º grados y en ese momento ya está demasiado caliente) lo que puede ser una referencia clara a lo que ocurre en un de las noches más concurridas del año y que provoca un desastre para el chef tanto a nivel personal como a nivel profesional. Es cierto que dicen que hay que separar la vida profesional de la personal y viceversa pero, hay veces que una de los dos aspectos invade al otro, provocando un colapso en la persona provocando resentimiento en su salud. Por eso, siempre, la salud es lo primero.

Calificación personal: 7