El extraño (1946)

• Título original: The Stranger
• Año: 1946
• Género: Thriller
• Dirección: Orson Welles
• Intérpretes: Edward G. Robinson, Loretta Young, Orson Welles, Richard Long, Philip Merivale, Billy House, Byron Keith
• Guión: Anthony Veiller, Victor Trivas
• Fotografía: Russell Metty
• Música: Bronislaw Kaper
• Montaje: Ernest Nims
• Productora: International Pictures, RKO Pictures

SINOPSIS

Wilson (Edward G. Robinson) es un miembro de la comisión de los crímenes de guerra que busca a Franz Kindler (Orson Welles) uno de los que orquestaron el holocausto. Consigue encontrarle al seguir el rastro de un camarada de Kindler hasta Connecticut. Para poder atraparlo, Wilson seguirá la única pista que tiene: la pasión de Kindler por los relojes antiguos.

CRITICA

Orson Welles siempre será uno de los mejores cineastas que ha dado la historia del cine, que fue capaz de contar historias y destriparlas desde el principio, pero siempre manteniendo esa tensión por saber cual va a ser el desenlace del protagonista, además de escoger diálogos demoledores unidos a planos que, cuando se juntas, expresan lo que quiere decir el personaje.

Desde el principio se le deja claro al espectador el personaje que ha encontrado su estabilidad tras el nazismo, pero que sigue teniendo vestigios de su época dorada y de los que no puede huir porque le encanta recrearse en ellos, en ese aspecto se encuentra el arreglar relojes; y además de haber engañado a todo el pueblo con sus aires de sofisticación y buena educación. Pero sus actos atroces le van persiguiendo y siempre encuentra una artimaña para hacer una mentira plausible ante las atrocidades cometidas.

Otro de los aspectos que me gustan del director es los planos detalle que hace de los objetos, de las caras, de lugares en concreto; para que de esta forma el espectador para recalcarle de alguna forma que lo que ha mostrado a través de la cámara, es relevante en la historia sucesiva y que hay que fijarse lo máximo posible.

Para desgracia de muchos, muchos críticos de cine piensan que las mejores películas que dirigió y realizó Orson Welles, se deben ya a su época madura y cuando empezó a engordar y filosofear más de la vida. Pero realmente, cada una de sus películas tiene una singularidad y es que nada pasar por casualidad y que al final la vida de todos los personajes están relacionadas y/o conectadas de algún modo entre sí. Al final se demuestra que no solo es un gran actor, sino que también es un gran director de actores (muchos que trabajan delante y detrás de las cámaras no tienen esa destreza) y sabe transmitir perfectamente todo lo que quiere mostrar.

Desde mi punto de vista, a pesar que desde el principio se desvele la identidad de los personajes y las intenciones que muestran, el desarrollo es magnífico al igual que la última secuela final que, por ironías de la historia, todos al final cosechamos lo que sembramos.

Calificación personal: 7

Cómo robar un millón y... (1966)

• Título original: How to steal a million
• Año: 1966
• Género: Comedia
• Dirección: William Wyler
• Intérpretes: Audrey Hepburn, Peter O'Toole, Eli Wallach, Hugh Griffith, Charles Boyer
• Guión: Harry Kunitz
• Música: John Williams
• Fotografía: Charles Lang
• Montaje: Robert Swinke
• Productora: 20th century fox

SINOPSIS

El padre de Nicole (Audrey Hepburn) es un coleccionista del arte, que tras su jubilación se dedica a falsificar cuadros. Un día decide prestar su famosa Venus de Cellini a un prestigioso museo. Pero la escultura no es la original, sino que la esculpió el abuelo de Nicole, por lo que decide contratar los servicios de Simon Demott (Peter O'Toole) para que le ayude a recuperar la escultura.

CRITICA

Las comedias por lo general, su objetivo principal es el de entretener y que el espectador pase un rato agradable y esta película lo consigue. En primer lugar porque el guión es sencillo y no busca una historia demasiado enrevesada para perpetrar el robo y, en segundo lugar porque la química de la pareja protagonista hacen la película más ligera.

Otro de los grandes atractivos que tiene la historia son las situaciones hilarantes que van ocurriendo entre ambos personajes y las situaciones que se van generando entre ellos; sobre todo en el momento del robo cuando ambos se encuentran en el armario de la limpieza. También llama la atención lo gran actriz que era Hepburn siendo capaz de cambiar las expresiones faciales sin necesidad de inmutarse casi y lo elegante que aparece siempre en sus películas.

Creo que es una de las críticas más cortas que he realizado desde que empecé el blog, pero lo bueno que tiene esta historia es que habla por si sola, desde la forma de realizar el robo, el encuentro de los personajes y todo lo que rodea a la escultura y las falsificaciones. Es una comedia muy ligera que se deja ver con mucha facilidad y con un reparto que no tiene desperdicio.

Calificación personal: 6

Cómo acabar con tu jefe (2011)

• Título original: Horrible bosses
• Año: 2011
• Género: Comedia
• Dirección: Seth Gordon
• Interpretación: Jason Bateman, Charlie Day, Jason Sudeikis, Jennifer Anistons, Colin Farrell, Kevin Spacey, Jamie Foxx, Donald Sutherland, Julie Bowen.
• Guión: Michael Markowitz, John Francis Daley, Jonathan Goldstein
• Música: Christopher Lennertz
• Fotografía: David Hennings
• Vestuario: Carol Ramsey

SINOPSIS

Nick, Dale y Kurt son tres amigos cuyos jefes les hacen la vida imposible. Hartos de sufrir tantas humillaciones deciden poner tierra de por medio. Pero la huida no es una opción. Sólo queda una salida: eliminarles para siempre de sus vidas.

CRITICA

La verdad es que todo el mundo, antes de ver una secuela siempre se ve la primera parte para ver de qué va la historia y, si le ha gustado la película, ve la segunda parte. Pues en este caso yo lo hice al revés, me vi la segunda y después la primera. El espectador puede preguntarse: "¿cambia en algo ver una antes que la otra?". Realmente, no afecta del todo, puesto que solo aparecen unos personajes sin saber muy bien que tienen que ver con los protagonistas.

Creo que en más de una ocasión muestro mi desconcierto en las comedias, pero la verdad es que en este caso (tanto la primera parte como la segunda) tiene unos golpes muy buenos a la par que hace una crítica (aunque un poco exagerada) del mundo laboral y como muchas veces los que tienen poder ningunean a los que están por debajo de ellos. Además, los tres casos que se plantean en la película son bastante fieles a la realidad: el jefe que te menosprecia y se cree que todo lo hace bien y tu no, el jefe (o jefa) que puede ser acosador y el que asume un puesto de responsabilidad sólo porque es el hijo del jefe y lleva a la quiebra a la empresa sin importarle nada ni nadie, solo sus vicios.

En medio de toda esta vorágine de malos jefes, los tres amigos plantean un plan tras otros (es decir, un fracaso tras otro) para entre ellos maten a sus jefes sin que nadie sospeche pero, las situaciones hilarantes y las torpezas de cada uno, hacen que resulten más culpables de lo que en realidad son.

Realmente sería una comedia negra, puesto que se tratan temas un tanto delicados con bastante brusquedad a la par que se utilizan frases y expresiones bastante ordinarias. Aún así, es una película para pasar un buen rato entre amigos.

Calificación personal: 7

Sospecha (1941)

• Título original: Suspicion
• Año: 1941
• Género: Suspense
• Dirección: Alfred Hitchcock
• Intérpretes: Cary Grant, Joan Fontaine, Cedric Hardwicke, Nigel Bruce, May Whitty, Isabel Jeans, Heather Angel, Leo G. Carroll
• Guión: Alma Reville, Joan Harrison, Samson Raphaelson
• Música: Franz Waxman
• Montaje: William Hamilton
• Fotografía: Harry Stradling Sr.
• Productora: RKO Pictures

SINOPSIS

Lina (Joan Fontaine) conoce accidentalmente en un tren al joven y atractivo Johnny Aysgarth (Cary Grant). Ambos se enamoran, se casan y todo es felicidad. A pesar de ello, se empiezan a poner de manifiesto las obsesiones de Johnny por el dinero y las apuestas; hasta tal punto que Lina teme por su vida.

CRITICA

Independientemente de como termine la película (es una cosa que no voy a revelar) la tragedia y/o el suspense es algo que se va mascando a lo largo de todo el metraje; sobre todo a través de las expresiones faciales de la protagonista e incluso se podría decir al despiste al que juega el personaje de Cary Grant.

Como es lógico, la historia comienza con algo sencillo: dos jóvenes enamorados que se sacan, viven en un pueblecito inglés en donde se encuentran rodeados de lujos y de personas de la alta sociedad (es decir, la vida que ellos realmente viven), hasta que los problemas empiezan a comenzar y todos los habitantes del pueblo se hacen eco de los problemas de juego del marido de Lina. Pero como puede ocurrir en algunos casos, el amor es ciego y ella prefiere vivir con las mentiras que el le va contando acerca de como consigue el dinero y de los proyectos que tiene en mente.

Cuando logra ver que se esconde tras la turbulenta mente de su marido, Lina comienza a indagar para ir recabando información va descubriendo los planes siniestros que Johnny tiene en mente. En este caso a la joven se le va generando un dilema de si creer lo que ve o seguir viviendo en su burbuja perfecta.

Hasta este punto es donde puedo contar puesto que es necesario que el espectador que vaya a ver la película se fije en los pequeños y evidentes acontecimientos y echos que aparecen en torno a esta historia. La verdad es que el director tuvo un buen ojo al elegir a los actores. En el caso de Cary Grant porque su galantería le ha permitido trabajar tanto papeles dramáticos como cómicos y, en el caso de Joan Fontaine por el cambio de sus expresiones en cuestión de segundos para pasar de alegría a tranquilidad y de ahí a preocupación; lo que hace la historia más inquietante.

Hay unas pequeñas curiosidades que querría compartir con respecto al entorno de esta película. El primero de ellos es que una de las guionistas es la mujer del propio director (Alma Reville), por otro lado Joan Fontaine tuvo mucho valor al volver a trabajar con el maestro del suspense tras el sufrimiento que pasó a manos del director en Rebeca, un año antes. Y por último, comentar que por esta película la joven Fontaine ganó el Oscar a la mejor actriz y, cuando su hermana y archienemiga Olivia de Havilland se acercó para felicitarla, le denegó el saludo delante de toda la prensa.

Para resumir, el estilo que sigue Hitchcock es el habitual en sus películas, pero he de reconocer que no es de las mejores que he visto de su filmografía (hasta el propio director mencionó que el final no le gustaba y que no podía cambiarlo). A pesar de todo, merece la pena verla porque mantiene cierta tensión a lo largo de toda la trama y con los magníficos planos detalle.

Calificación personal: 6.7

Ben-Hur (1959)

• Dirección: William Wyler
• Año: 1959
• Género: Drama
• Intérpretes: Charlton Heston, Jack Hawkins, Haya Harareet, Stephen Boyd, Hugh Griffith, Martha Scott, Cathy O'Donnell, Sam Jaffe,
• Guión: Karl Tunberg
• Música: Miklós Rózsa
• Sonido: Sash Fisher, William Steinkamp
• Fotografía: Robert Surtees
• Montaje: John D. Dunning, Ralph E. Winters
• Vestuario: Elizabeth Haffenden
• Productora: Metro Goldwyn Meyer

SINOPSIS

Judah Ben-Hur (Charlton Heston) es un príncipe israelita que vive en Judea que se encuentra bajo el mando de Roma. Cuando regresa a Judea Mesala (Stephen Boyd) amigo de la infancia de Judah, empiezan a acrecentarse los problemas cuando este último no decide ayudar a Mesala. Cuando llega el nuevo gobernador a Judea, por accidente le cae una teja del tejado de la casa de Judah, ante esta situación Mesala cegado por el odio, manda encarcelar a la hermana y a la madre de Judah y a éste, le manda a galeras.

CRITICA

A nivel mundial se reconoce a esta película como una de las mejores películas de todos los tiempo, así como ser la primera película en ganar un total de 11 Oscar (nunca han sido superados, pero si igualados por Titanic y por El Señor de los Anillos: El retorno del rey) y por todo el montaje y producción que tuvo a lo largo de su filmación. Como me ocurre algunas veces, al principio me descarrilo un poco en lo que se refiere a la crítica, por eso retorno a ella.

Está basada en la novela de Lewis Wallace, relata una época convulsa para el pueblo de Israel, puesto que esperaban la llegada de un Mesías que les liberaría del poder de Roma. Por otro lado, como es lógico, los israelitas no podían revelarse puesto que eso les suponía la muerte. En medio de esa confusión se encuentra Judah que a pesar de tener una buena relación con Roma pero no quiere traicionar a su pueblo. Ante un accidente acaecido con una teja que se cae de su casa, su mejor amigo aprovecha la oportunidad para mandarle a las galeras; mientras que Judah solo piensa en una cosa: en regresar para vengarse contra Mesala. Pero, con lo que el joven hebreo no cuenta, es que en medio de su destierro, un misterioso hombre le abrirá los ojos (a nivel más espiritual) para sobrevivir más allá del odio y poder reencontrarse con su hermana y con su madre.

En todo ese cautiverio se aprecia en la personalidad del joven que lo que le mantiene con vida es la lucha interna entre el odio y/o la esperanza de poder regresar un día a su casa. Cuando lo consigue, se ve que la esperanza se ha desvanecido y que el odio es lo único que alberga en su corazón. De esta forma se está "convirtiendo" como en su antiguo amigo Mesala. Pero, en medio del ir y devenir del personaje, aparece una figura trascendental en la historia que se encuentra en un segundo plano pero, que le ablandará el corazón a nuestro protagonista: Jesucristo. En el cual, Judah ve algo en el que le es familiar.

La historia en si no es más que la lucha interna de un hombre para que exista un equilibrio entre la mente y el corazón y sobre todo, que éste último no le juegue una mala pasada. Para ello también tiene la ayuda de la mujer a la que ama, que le hará más de una vez volver a poner los pies en el suelo.

En toda la historia del cine de aquella época, no se habían hecho producciones de tales dimensiones. Esto se debió a la cantidad de extras que se llegaron a utilizar en la famosa y espectacular carrera de cuádrigas (7000 extras) y la ya mencionada carrera. Tuvo una duración total en la película de nueve minutos que se rodó durante cinco semanas a lo largo de tres meses (todos los aurigas, caballos, carros, etc; no se hizo con efectos especiales con pantalla verde). Los actores rodaron toda las escenas a excepción de dos, cuando Judah choca con un carro y se cae y retorna a su posición y, los caballos que pasaron por encima a Mesala, ya que era un maniquí.

Esta película es mítica en la historia de la televisión porque la fecha más señalada para ponerla es Semana Santa y por determinadas metáforas que contiene la película sobre el amor, el perdón y el momento de la muerte de Jesucristo, cuando la sangre va tiñiendo las aguas en señal de que limpia todo el mal del mundo. A pesar de su extensa duración, merece la pena verla no solo lo que hay a nivel técnico, sino también en el trasfondo de la historia.

Calificación personal: 8.5

Ha nacido una estrella (2018)

• Título original: A star is born
• Año: 2018
• Género: Romántica, musical
• Dirección: Bradley Cooper
• Intérpretes: Bradley Cooper, Lady Gaga, Sam Elliott, Andrew Nice Clay, Dave Chapelle, Anthony Ramos, Rebecca Field, Bonnie Somerville, Michael Harney.
• Guión: Bradley Cooper, Will Fetters, Eric Roth
• Montaje: Jay Cassidy
• Fotografía: Matthew Libatique
• Productora: Jon Peters Entertainment, Gerbert Pictures, Joint Effort, Live Nation Entertainment

SINOPSIS

Jackson Maine (Bradley Cooper) es una estrella consagrada del mundo de la música y muy aficionado a la bebida. Una noche en un bar, oye cantar a Ally (Lady Gaga) a la que ayudará a cumplir sus sueños  y de la que se acabará enamorando.

CRITICA

Como suele ser habitual en Hollywood, cuando hay escasez de ideas para nuevas historias o nuevos guiones, buscan en películas clásicas (y a veces no tan clásicas) hacer el remake correspondiente. En el caso de esta película es el tercer remake que se realiza para la gran pantalla y (aunque no he visto los otros dos) he de reconocer que la película me fascinó desde un primer momento y la banda sonora me cautivó.

Además de todos los aspectos musicales que posee la película, aunque no lo parezca tiene unos cuantos mensajes en lo que se refiere al trasfondo de la historia. Por mencionar el primero, la forma de gestionar la fama; puesto que el personaje de Jackson ama su profesión pero todo el vacío que contiene lo canaliza en la bebida; en el caso del personaje de Ally, ha visto cumplido su sueño pero eso no le ha impedido seguir siendo la misma chica de siempre ni tampoco olvidar las cosas más importantes para ella.

Como segundo aspecto, se podría mencionar la relación de pareja entre Jackson y Ally. Porque a pesar de la fama de ambos siguen manteniendo su sencillez como personas, como pareja e incluso en su estilo de vivir (puesto que no viven en una suntuosa mansión). Pero el aspecto más importante en la relación es como la enfermedad de él afecta a su relación, pero ella en ningún momento se rinde y lucha para que el se cure y pueda a ser el de antes y también que el se sienta bien consigo mismo.

Un tercer aspecto que se puede reseñar es como no solo en el mundo de la música, hay gente que solo vive por y para la imagen y por y para el dinero. Es decir, cuánta mayor publicidad se haga del artista mejor, cuánta mejor imagen se muestre, también mejor, conseguir contratos, conciertos, etc. Pero, cuando llega el momento en el que a un artista no se le puede sacar todo el partido (o ya se le ha exprimido bastante) se le relega a un segundo plano como si nunca hubiese existido. Por desgracia, así funciona el mundo de la fama.

En cuanto a la ficha artística comentar que el inicio en la dirección del actor Bradley Cooper puede mejorar (aunque no lo ha hecho nada mal) pero su interpretación en un estado de embriaguez constante y bien llevada es sublime. En cuanto a la cantante Lady Gaga, que se introduce como protagonista en una película de gran magnitud, muestra (aunque no lo parezca) sus grandes dotes interpretativas al igual que su impresionante voz; y añadir que está bastante guapa sin maquillaje. Comentar también que todas las canciones son originales y compuestas entre los dos actores y los que ayudan a componer a Lady Gaga algunas de sus canciones para sus discos (por cierto, la voz de ella, recalco una vez más que es impresionante).

Recomiendo ver la película no solo por sus canciones y el glamour que destella toda ella, sino como ya he comentado anteriormente, por la relación de pareja entre ambos que es más fuerte que cualquier obstáculo, aunque eso suponga tener que renunciar a tantas cosas.

Calificación personal: 9

Atormentada (1949)

• Título original: Under Capricorn
• Año: 1949
• Género: Drama
• Dirección: Alfred Hitchcock
• Intérpretes: Ingrid Bergman, Joseph Cotten, Michael Wilding, Margaret Leighton, Jack Watting, Cecil Parker, Harcout Williams, John Ruddock.
• Guión: James Bridie
• Música: Richard Addinsell
• Fotografía: Jack Cardiff
• Montaje: A.S. Bates
• Vestuario: Roger Furse
• Productora: Trasanlantic Pictures

SINOPSIS

Australia, siglo XIX. A este territorio llega Charles Adare (Michael Wilding) sobrino del gobernador. Al día siguiente, conocerá a un exconvicto que se ha enriquecido llamado Sam Flusky (Joseph Cotten), el cual le invitará a cenar a su casa. Durante la velada, Charles conocerá a la mujer de Sam, Henrietta (Ingrid Bergman) a la que recordaba de su adolescencia.

CRITICA

El maestro del suspense vuelve a mostrar una vez más su enorme talento a la hora de poner una historia al límite y que el espectador espere para averiguar que es lo que ocurre. Pero claro está, que esta trama del todo no le hace justicia a sus películas, ya que no solo le falta carácter sino que también, la fama que arrastraba por aquellos tiempos Ingrid Bergman con su relación extramarital con el director de cine italiano Roberto Rossellini, le trajo más de un quebradero de cabeza al director.

Con todo esto, no quiero decir que las interpretaciones de los actores y actrices sean mediocres (ni mucho menos) pero si cuesta encontrar los sentimientos que solían transmitir las películas de Hitchcock. En algunos momentos, el director intenta emular películas anteriores de su filmografía, como la película Rebeca; a la hora de introducir el personaje del ama de llaves y su tratamiento entre el amor de la pareja. Y, posteriormente consiguió un buen resultado con Encadenados. También cabe destacar la relación un tanto empalagosa que se produce entre el personaje de Adare y de Henrietta que camina entre la amistad y el amor.

También destacar las conversaciones eternas sobre la nada e intrascendentes que no son de relevancia para la película y, las secuencias aún más largas que afectan al ritmo del filme y que apenas despiertan interés. Por otro lado destacar la presencia de los actores, en la cual Ingrid Bergman no volvería a trabajar con el director puesto que acabó harta de todo el proceso de filmación. Michael Wilding que compone un personaje que va desde lo cursi hasta lo irritante y que (desde mi punto de vista) no era necesaria su presencia. Por otro lado el gran Joseph Cotten que en este caso me inquieta bastante donde crea un personaje un tanto ambiguo que no se sabe bien por donde se mueve su personaje sin darle cierta "vida" que permita al espectador indagar un poco en su alma. A pesar de tener un plantel de buenos actores, no se desprende una química entre ellos por lo que se siente una relación amorosa estática, es decir, que no hay fluctuaciones de los sentimientos.

En resumen, esta película se revela como un filme demasiado largo, y únicamente es disfrutable en el virtuosismo técnico del director y de algunos golpes de efecto muy logrados en determinados momentos. Esta película fue el tercer fracaso consecutivo en la taquilla y en la filmografía del director. En los siguientes años, consiguió resarcirse con grandes obras del suspense como Extraños en un tren o La ventana indiscreta.

Calificación personal: 4

Vaiana (2016)

• Título original: Moana
• Año: 2016
• Género: Animación
• Dirección: Ron Clements, John Musker
• Doblaje original: Auli'i Carvalho, Dwayne Johnson, Temuera Morrison, Jemaine Clement, Alan Tudyk, Nicole Scherzinger.
• Música: Mark Mancina, Lin-Manuel Miranda, Opetaia Foa'i
• Guión: Jared Bush
• Fotografía: Rob Dressel, Adolph Lusinsky
• Montaje: Jeff Draheim
• Productora: Walt Disney Pictures, Walt Disney Animation Studios

SINOPSIS

Vaiana, una joven de 16 años de la tribu de Motonui, le inquieta averiguar que hay más allá del arrecife; pero su padre (el jefe de la tribu) se lo impide. Siguiendo los consejos de su abuela Tala, Vaiana se embarca para conocer los antepasados de su tribu y, conoce al semidios Maui que la ayudará a evitar la destrucción de la isla.

CRITICA

Ya sabemos que las traducciones al español de las películas es bastante nefasta en lo referente al título, pero he de reconocer que me parece más atractivo el título que se le ha puesto en español que el inglés. Pero, ciñéndonos a lo que nos atañe, la historia que se narra está basada en una leyenda de las tribus que habitaban en las islas de Hawaii, lo que hace al filme más atractivo.

Desde que se estrenase Frozen: El reino de hielo, cada vez e más habitual ver películas de animación donde la protagonista es una mujer (o una joven) y que puede desarrollar las mismas funciones que puede ser una heroína al igual que lo sería un hombre.

Cómo siempre ocurre con las películas de animación, están enfocadas a los más pequeños, pero eso no quita que a los adultos de vez en cuando nos guste ver una película de estas características. Lo que transmite esta historia va desde el amor a la familia, luchar por los sueños que uno tiene e incluso no tener que encasillarse en una posición que aunque le corresponda, prefiere estar más en contacto con el mundo.

Por otro lado está la comparativa que en cierto modo se realiza entre Vaiana y Maui. Mientras que la primera lucha con todas sus fuerzas para poder llegar a su destino y salvar la isla donde está su pueblo, el segundo se ha resignado a una vida sin esfuerzo y ha dejado al lado su condición que posee: la de ser un semidios. De alguna forma, ambos se van a complementar.

Todo esto unido a los momentos graciosos que aparecen en la película (sobre todo el gallo), con las canciones que animan la historia y los momentos emotivos que aparecen en la misma; es una película ideal para ver con los más pequeños y disfrutarla. Porque hay que recordar, que toda meta conlleva un esfuerzo y un sacrificio y que cuando se consigue de la forma correcta, es gratificante.

Calificación personal: 7.5

En la sombra (2017)

• Título original: Aus dem Nichts
• Año: 2017
• Género: Drama
• Dirección: Fatih Akin
• Intérpretes: Diane Kruger, Denis Moschitto, Ulrich Tukur, Johannes Krisch, Samia Chancrin, Numan Acar, Rafael Santana
• Guión: Fatih Akin
• Música: Josh Homme
• Montaje: Andrew Bird
• Fotografía: Rainer Klausmann
• Productora: Bombero International, Macassar Productions

SINOPSIS

La vida de Katja (Diane Kruger) se hunde cuando su marido y su hijo mueren en un atentado con bomba. Tras el duelo, el juicio y la posterior injusticia, a Katja solo le queda sitio para la venganza.

CRITICA

Simplemente espectacular y una historia que te deja sin aliento y donde Diane Kruger ha pasado a ser una actriz con un gran talento mostrando que puede ser mucho más que un cuerpo y una cara bonita. Por otro lado, el director Fatih Akin vuelve a dejar al espectador impactado tras su gran película del año 2004 Contra la pared. Pero, voy a centrarme en la crítica.

La película se divide en tres capítulos fundamentales que nos muestran la evolución del personaje de Katja desde el inicio hasta el final. El primero es la familia, donde se quiere mostrar al espectador los momentos anteriores a la pérdida de su marido y su hijo y la muestra del drama emocional y el dolor que va mostrando Katja. Esto se refleja en todo el proceso de la investigación, cuando se ve a una mujer totalmente obnubilada por el dolor y que muchas veces no sabe donde vive ni si ha ocurrido de verdad. Lo que le lleva en determinados momentos a perder el control sobre si misma y a iniciar un proceso de autodestrucción muy lenta y doloroso.

El segundo capítulo sería el de la justicia, ligado con muy buen acierto con el primero, puesto que en todo el proceso judicial se van mostrando detalles del caso que para la protagonista son desgarradores. Hay un momento clave en la película que es cuando la forense está detallando la autopsia del hijo, la cámara se va acercando lentamente hasta fijarse en la expresión facial de la actriz que muestra dolor pero a la vez rabia y cuando decide abandonar la sala, se enfrenta con uno de los asesinos y libera todo aquello que la está oprimiendo. Este capítulo termina con el veredicto del juicio (del que no haré spoiler) con el que Katja se encuentra confundida y ve que el sistema de justicia es un verdadero coladero.

El tercer y último capítulo se titula "el mar" donde claramente la protagonista intenta paliar su dolor buscando la justicia por la muerte de su marido y de su hijo. En este proceso de búsqueda se van alternando con pequeños vídeos familiares que le hacen a ella tomar la decisión importante (con la que al final terminará la película). A pesar de que toda la historia se muestre de esta forma, el director de forma muy astuta nos plantea un dilema ético en el cual nos muestra el viaje que hace la protagonista a las tinieblas de su corazón y que en algunos momentos se atisba un resquicio de esperanza.

Cómo bien aparece reflejado en la película, todo el peso de la misma recae sobre Diane Kruger (que recibió la Palma de Oro a la mejor actriz en el Festival Internacional de Cannes en el año 2017) que muestra una evolución tanto a nivel artístico (alejándose de esa figura de sex symbol) centrándose en papeles más serios y una vez más mostrar que en Europa hay grandes actores y actrices. Y por supuesto, el siempre fantástico director Fatih Akin que sin ningún tipo de miramientos, en todas sus películas muestra los problemas actuales en lo que se refiere a xenofobia, los extremismos religiosos y los extremismos políticos.

Es una película que deja totalmente sin aliento y que al espectador le hará reflexionar más de una vez (sin lugar a dudas) y mirar a quién tenemos alrededor y que aunque no se quiera reconocer, tenemos muchos más prejuicios de lo que pensamos y así es como se genera más odio en la sociedad.

Calificación personal: 10

The Brave (1997)

• Dirección: Johnny Depp
• Año: 1997
• Género: Drama
• Intérpretes: Johnny Depp, Elpidia Carrillo, Luis Guzmán, Marshall Bell, Lupe Ontiveros, Marlon Brando, Frederic Forrest, Max Perlich, Alexis Cruz.
• Música: Iggy Pop
• Guión: Johnny Depp, Paul McCudden, D.P. Depp
• Fotografía: Vilko Filac
• Productora: Majestic Films, Jeremy Thomas, Acappella Pictures.

SINOPSIS

Raphael (Johnny Depp) es un indio nativo americano que intenta buscar trabajo para sacar a su familia de la pobreza y del lugar donde viven. Un día, un hombre le ofrece una gran cantidad de dinero, a cambio de una sola cosa: que le deje grabar su muerte.

CRITICA

En la industria del cine hay actores que siguen siéndolo toda su vida, hay directores que lo son toda su vida y, por otro lado está la "faceta" de los actores que se ponen detrás de las cámaras. Pero sobre todo, cuando realizan su debut cinematográfico es un poco más complejo porque no se sabe que ocurrirá, si harán una película mediocre, o por el contrario su ópera prima será un éxito y repetirán más veces a lo largo de su carrera estando unas veces delante de la cámara y otras veces detrás (o incluso ambas a la vez). En el caso de Johnny Depp, un batacazo en toda regla.

Hay que tener en cuenta también que el rol de director por parte del actor es un tanto peliagudo (se podría decir así) puesto que trata el tema (aunque sea un poco de soslayo) de lo que se conoce como las snuffs movies (esas películas donde la tortura y la muerte si son reales), que no suele ser un tema comercial y del que se suele huir en las películas.

Es cierto, que se comenta que la intención es lo que cuenta; pero hay que saber que muchas veces el resultado que se pueda obtener sea otro. Esta historia no convence en su guión, que en su mayoría está plagado de diálogos anodinos sin seguir una línea temporal acorde con lo que quiere contar, ni tampoco en su realización, en la que se observa que al actor le queda mucho por aprender, puesto que el ritmo de la película es bastante lento, los planos son bastante feos y, el larguísimo metraje para no indagar de manera más profunda en la vida del personaje.

Por otro lado, no termina de resultar mínimamente jugoso todo lo que se podría sacar del indio, así como los "malos" de esta historia que parecen una copia barata en forma humana de marionetas; incluso el personaje interpretado por Marlon Brando que cómo se ve reflejado en la película, a pesar de su aspecto físico podría haber seguido siendo un gran actor.

Siempre hay actores, actrices, directores, guionistas, etc; que reniegan de determinadas películas que hicieron en sus inicios o para remontar sus carreras, pues este es uno (de las muchas películas) a las que Johnny Depp debería renegar porque al final, el espectador se queda como al principio: sin saber nada.

Calificación personal: 3

Copycat (1995)

• Dirección: Jon Amiel
• Año: 1995
• Género: Suspense
• Intérpretes: Sigourney Weaver, Holly Hunter, Dermot Mulroney, Harry Connick Jr., William McNamara, J.E. Freeman, Will Patton.
• Guión: Ann Biderman, David Madsen
• Música: Christopher Young
• Montaje: Jim Clark
• Fotografía: Lásló Kovács
• Productora: Warner Bros. Pictures

SINOPSIS

La doctora Helen Hudson (Sigourney Weaver) es una psicóloga experta en asesino en serie que padece de agorafobia. Mientras en San Francisco se van produciendo una serie de asesinatos, la inspectora Monahan (Holly Hunter) recurrirá a la doctora para atrapar al asesino.

CRITICA

Cuando en una película se presentan dos grandes actrices ante lo que promete ser una historia que acaba atrapando al espectador, lo que al final se acaba viendo es que sus interpretaciones no van acorde con el guión puesto que este va presentando lagunas a medida que la trama va avanzando.

Inicialmente, se plantea una buena historia donde se ve el porqué de la famosa psicóloga a salir de su casa y lo que además le hace vivir siempre en un estado de reclusión permanente. A continuación, aparece el personaje de la inspectora que se siente "atraída" por la opinión de la misma y como poco a poco van desentrañando la estela de los diferentes asesinatos. Creo que es una buena premisa. Pero, a mitad del metraje la historia va decayendo cuando se van introduciendo subtramas que lo único que hacen es rellenar los vacíos de un guión que tenía un principio y un final, pero no un intermedio.

Por otro lado (siempre desde mi punto de vista) cuando los asesinatos se van identificando con los modus operandi y cada vez se está más cerca de encontrar al asesino, de una forma precipitada se va anticipando el final; y si lo unimos con el actor que interpreta al asesino en serie, menos credibilidad tiene la historia que (como ya he mencionado anteriormente) no le hace justicia a dos grandes actrices.

También destacar, una subtrama amorosa que no tiene mucha relevancia cuando se va desarrollando el caso así como la persona que le provocó esa agorafobia a la doctora, que aparece en el final de la película con una frase que carece de todo sentido y, donde el personaje se introduce un poco con calzador para que pueda encajar en toda la trama.

Yo creo, que la película presenta unas expectativas un poco altas para como acaba terminando la película y, por los saltos de guión que se van haciendo en determinados momentos sin orden ni concierto que acaban por despistar a cualquiera. En definitiva, hay mejores películas de suspense.

Calificación personal: 5.1