Nueve cartas a Berta (1966)

 

• Dirección: Basilio Martín Patino
• Año: 1966
• Género: Drama
• Intérpretes: Emilio Gutiérrez Caba, Mari Carrillo, Elsa Baeza, Yelena Samarina, Antonio Casas, Nicolás Perchicot, Josefina Serratosa, Montserrat Blanch, Cecilia Villareal.
• Guión: Basilio Martín Patino
• Música: Carmelo A. Bernaola, Gerardo Gombau
• Fotografía: Luis Enrique Torán
• Productora: Eco Films, Transcontinental Films España.

SINOPSIS

Lorenzo (Emilio Gutiérrez Caba) es un estudiante que ha pasado tres meses estudiando en Londres y ha descubierto otra forma de vida. Cuando regresa a Salamanca, todo le parece extraño y la presencia de su familia, de sus amigos y de su novia, le incomoda. La forma de expresar lo que siente es a través de unas cartas que le escribe a Berta, una hija de españoles emigrados que vivía en Londres.

CRITICA

Al igual que en Francia, en el cine se creó una nueva ola denominada Nouvelle Vague el cual, mostraba (con algunos toques incorporados a esas historias) la vida de Francia de esa época o de años pasados del siglo XX; en España se intentó realizar lo mismo con la "nueva ola de cine español" pero, no llegó a calar del todo en los espectadores de esa época. Quizás porque los españoles sufrían todavía las consecuencias de la guerra civil y la posguerra.

La premisa de la historia en la cual, un joven embelesado por una vida que conoció más allá de España y, por una joven de la que se quedó prendado permite situar al espectador en lo que le ocurre al protagonista, no sin antes mostrar los momentos en los que está viviendo la sociedad española para que, a continuación, por medio de la voz en off, el protagonista vaya mostrando sus inquietudes y su desazón y descontento.

Pero, ante lo que parece en cierto modo una historia interesante y reveladora, se termina por convertir en un hastío para el espectador y que termina de perderse en la vorágine de elementos costumbristas de la España rural y, a la que no termina de encontrar sentido entre lo que cuenta el joven Lorenzo con sus cartas y lo que está ocurriendo en el país.

Si que es cierto que el aspecto positivo que tiene este filme es, la capacidad que ha tenido el director en mostrar la represión franquista y la vida de las personas acaudaladas y no acaudalas y, como el resto de países de Europa iban a la par en avance tras haber sufrido dos guerras mundiales, mientras que España se quedaba rezagada en muchos aspectos sociales. Por lo que podría ubicarse esta película en un documental en lugar de un drama. Y quizás (desde mi punto de vista) le falta una ligera introducción de los personajes y la situación de Lorenzo, para que de alguna forma, el espectador se introdujese en la trama y entender una de las partes más duras de la historia de España.

Calificación personal: 5.5

Siempre estoy sola (1964)

 

• Título original: The Pumpkin Eater
• Año: 1964
• Género: Drama
• Dirección: Jack Clayton
• Intérpretes: Anne Bancroft, Peter Finch, James Mason, Cedric Hardwicke, Rosalind Atkinson, Eric Porter, Richard Johnston
• Guión: Harold Pinter
• Música: Dave Grusin
• Montaje: Jim Clark
• Fotografía: Oswald Morris
• Productora: Columbia Pictures

SINOPSIS

Jo (Anne Bancroft) es una mujer que se ha casado varias veces. Parece ser que su último marido, Jake (Peter Finch) ha encontrado la estabilidad matrimonial que Jo necesitaba. Pero, en el momento en el que descubre que el es infiel y, que ella está embarazada, su vida se desmorona.

CRITICA

En más de una ocasión (y en las últimas entradas recientes de cine clásico), el descubrimiento de películas poco conocidas y a la par que fascinante, porque nos permite desgranar de una forma muy minuciosa estas historias que remueven al espectador y le permite analizar de una forma muy exhaustiva aspectos cuando se visiona un filme de estas características.

Esta historia parte de la premisa mediante la cual nos muestra a una mujer que tiene una soledad y una angustia vital que no consigue llenar, eso le hace recordar el comienzo de su matrimonio con su actual marido para poder averiguar de alguna forma que es lo que hace que ella se encuentre así. La respuesta es fácil: necesita hijos. Es decir, que la forma de combatir la soledad es teniendo más retoños porque es la forma en la que ella se sentirá completa y realizada y de paso, conseguirá que su marido se quede más tiempo en casa y que así el esté más cariñoso con ella. Realmente parece que en un principio el si quiere a su mujer y a los hijos de ella de su anterior matrimonio pero, no desea que todo tenga que girar en torno a la familia y no quiere tener ataduras (a pesar de querer a sus hijastros y al hijo que ha tenido con su mujer). Este aspecto se ve claramente reflejado en los diferentes planos en los que se muestra lo que realiza Jo y, como contrapunto, lo que realiza Jake.

Si se observa con detalle, sobre todo en la escena en la que ambos se encuentran en el salón, Jake se encuentra leyendo un libro, lo que le hace parecer culto; mientras que Jo, se encuentra leyendo una revista de moda. Por otro lado, a Jo se la ve yendo a la peluquería, a unos grandes almacenes o realizando una y otra vez tareas de la casa o con los niños. Estas escenas permiten al espectador plantearse si realmente es el propio marido el que no la ha dejado realizarse, si es ella la que realmente ha decidido tomar ese camino o, ella ha creado una especie de "vida paralela" donde debe de complacer a su marido. Y realmente, eso no es así. Puesto que rápidamente las diferentes figuras masculinas son las que tienen que tener la última palabra en todo (se ve claramente reflejado cuando su padre obliga a que los dos hijos mayores vayan a un internado, de esta forma, cuando Jo interactúa con ellos no hay un vínculo madre e hijo) y por eso cuando Jo realiza una fiesta, va pasando de conversación en conversación como queriendo formar parte de alguna pero sigue vacía, hasta que, se topa con el señor Conway que de una forma sutil con la frase "me gustan las mujeres inteligentes", le lanza un preaviso de lo que se puede avecinar.

También destaca los planos en los que ella siempre le pregunta a Jake por otras mujeres como el domina la situación con palabras más altas que otras y ella, está en puntos de luz más oscuros o con algún elemento de por medio que transmite la realidad: Jo se encuentra en un segundo plano y debe de permanecer en su completa ignorancia. Y este aspecto se acrecienta aún más cuando ella le anuncia que está embarazada y lo que viene a continuación, el espectador se puede imaginar el resto o ver la película para poder ver el desenlace.

Me da rabia que haya joyas ocultas en la filmografía de actores, actrices, directores, etcétera; que se desconozcan para el público, bien porque no se consideran importantes (de lo cual discrepo) o, porque se les ensalza con una determinada película y, no se valora las que haya hecho antes o las más tardías. Lo destaco sobre todo por el caso de Anne Bancroft, que se hizo famosa por El graduado (ver crítica en este blog) que, desde mi punto de vista es una obra menor. Y casi nadie menciona esta gran película o El milagro de Anna Sullivan (ver crítica en este blog) por la que se llevó el único premio Oscar y cuya interpretación es espectacular. En definitiva, muchas veces no se aprecia lo que de verdad es de buena calidad. Al igual que en esta película donde ella misma no se aprecia sin estar sometida al marido, sino más bien porque focaliza toda su vida a una sola cosa, que son los hijos; los cuales son importantes pero sin descuidar esa importancia, se puede realizar muchas otras.

Calificación personal: 9

Encanto (2021)

•  Dirección: Byron Howard, Jared Bush, Charise Castro Smith
• Año: 2021
• Género: Animación
• Doblaje Original: Stephanie Beatriz, María Cecilia Botero, John Leguizamo, Angie Cepeda, Mauro Castillo, Jessica Darrow, Wilmer Valderrama
• Guión: Jared Bush, Charise Castro Smith
• Música: Lin-Manuel Miranda, Germaine Franco.
• Fotografía: Thomas Baker, Alessandro Jacomini, Nathan Warner
• Montaje: Jeremy Milton
• Productora: Pixar, Walt Disney Pictures

SINOPSIS

La familia Madrigal, viven en una casa en las montañas de Colombia, en un enclave denominado Encanto. La magia del lugar ha dotado a todos los miembros de la familia con un don, excepto a Mirabel, la cual empieza a descubrir que la casa peligra y ella es la única que puede salvarla.

CRITICA

Creo que es de todos conocido que tanto Pixar como Disney saben realizar películas enfocadas al público infantil y, películas infantiles que suelen tener una temática adulta, como es el caso de esta película que (a pesar de haber tenido los efectos de la pandemia en su año de estreno) ha estado solo dos meses en cartelera y de ahí ha saltado a la plataforma; ha atraído al espectador.

La trama tiene cierta miga, sobre todo porque demuestra que las presiones sociales y lo que digan las personas que están a nuestro alrededor, no demuestra lo que realmente vale una persona. A lo que me quiero referir con esto, es que todos los miembros de la familia Madrigal tienen un don extraordinario pero hay un miembro que no tiene ninguno (este don lo da la magia de la vela que empezó por la matriarca) y parece que su valía es inferior que la del resto o incluso que puede llegar a provocar cierta deshonra de la familia. Lo que ocurre es que realmente ese don a muchos miembros de la familia les supone también un lastre porque no les dejan ser quien realmente son y las personas de su alrededor tienen unas elevadas expectativas sobre ellas y eso, tampoco es positivo.

Cuando empiezan a salir todos esos afectos y sentimientos que son los que realmente ponen en peligro la magia de la familia (por esa presión social que no les deja ser ellos mismos) y todos ellos se unen para evitarlo, sin poner cortapisas y excusas para no dejar de ser una familia. Esto permite demostrar que todos tenemos pequeños dones que nos hacen inigualables y diferentes unos a otros; además no es necesario realizar grandes cosas puesto que, lo más importante es ser uno mismo y quererse y valorarse a uno mismo. Porque, la mejor opinión que nos debe de importar, es la nuestra para nuestra valía.

Calificación personal: 8

Jack (1996)

 

• Dirección: Francis Ford Coppola
• Año: 1996
• Género: Drama
• Intérpretes: Robin Williams, Diane Lane, Brian Kerwin, Jennifer Lopez, Fran Drescher, Bill Crosby, Michael McKean, Todd Bosley, Adam Zolotin.
• Guión: James DeMonaco, Gary Nadeau
• Música: Michael Kamen, Bryan Adams, Robert Lange
• Fotografía: John Toll
• Montaje: Barry Malkin
• Productora: American Zoetrope, Hollywood Pictures

SINOPSIS

Jack (Robin Williams) es un niño atrapado en un cuerpo de un adulto, su desarrollo físico está acelerado, mientras que su cerebro es el de un niño de diez años. Las relaciones de familia para Jack y con los niños de su edad son complicadas para que el se sienta parte del mundo.

CRITICA

Tras haber filmado la trilogía de El Padrino (ver la crítica de la trilogía en este blog), cuando el director estrenó esta película, le llovieron infinidad de críticas puesto que no era un género habitual en su filmografía, o incluso porque llegaba a resultar un tanto empalagoso. Aunque, sus pretensiones son las únicas para reflejar un trastorno que se da en los niños.

Lo que intenta reflejar es la progeria. Es una enfermedad genética en donde los niños sufren un envejecimiento acelerado aunque, dichos niños nacen de forma "normal", es decir, sin ningún cambio físico que aparente ese envejecimiento. En este caso, para la película es un poco exagerado que se muestre a una persona tan adulta uniéndola a esta enfermedad puesto que lo que prima sobre todo es la baja estatura y en este caso, el protagonista es excesivamente alto.

Por otro lado, la que hace que flojee un poco la trama es que intentan mezclar la mentalidad del niño de diez años con el aspecto físico de un adulto no encontrando un punto medio entre ambos mundos pero, lo que realmente tiene que prevalecer es el intentar que alguien que tiene alguna enfermedad, hay que hacerle la vida lo más normal posible pero, hacerles conscientes de su realidad de la forma más cariñosa y cuidadosa posible porque al fin y al cabo, solo hay una vida y hay que vivirla de la mejor forma posible a la vez que si se tiene una familia y un ambiente acogedor, es lo que importa.

Calificación personal: 6

La favorita (2018)

 

• Título original: The favourite
• Año: 2018
• Género: Drama
• Dirección: Yorgos Lanthimos
• Intérpretes: Olivia Colman, Rachel Weisz, Emma Stone, Nocholas Hoult, Joe Alwyn, Mark Gatiss, James Smith, Jenny Rainsford
• Guión: Debora Davis, Tony McNamara
• Fotografía: Robbie Ryan
• Música: Johnnie Burn
• Vestuario: Sandy Powell
• Montaje: Sam Sneade
• Productora: Element Pictures, Scarlet Films, Film4 Productions

SINOPSIS

Año 1708. Gran Bretaña está sumida en una guerra constante con Francia y la reina Anne (Olivia Colmn) ostenta el trono, aunque realmente la que gobierna es su amiga Lady Sarah (Rechela Weisz) por el carácter y el estado de salud de la monarca. Cuando llega Abigail (Emma Stone) como nueva sirviente de la reina y siendo prima de Lady Sarah, las cosas en palacio empiezan a complicarse.

CRITICA

La verdad es que he tardado un tiempo en ver esta película, sobre todo porque soy una gran admiradora del director griego pero, cuando la he visionado me he quedado un tanto fría con respecto a esta historia; sobre todo porque aparece el toque humorístico y erótico propio del director y que lo mantiene gracias al gran trío de mujeres que se dan la réplica entre ellas tres.

Lanthimos sumerge al espectador en una visión ligeramente distorsionada de la vida en palacio, con pasillos secretos y con estancias con una insuficiencia de iluminación para intentar mostrar las intrigas palaciegas así como las desavenencias entre las primas, que confabulan con la reina para ganarse su favor y hundirse mutuamente.

Se mire por donde se mire, la historia que se refleja está dominada por tres mujeres las cuales actúan como si fuesen robots o alienígenas (es algo habitual en el director griego, sobre todo en su película Canino cuya crítica se puede leer en este blog), puesto que en ningún momento ninguna de ellas, muestra de una forma clara algún tipo de sentimientos sobre todo porque, han tenido que sobrevivir en un mundo dominado por hombres.

Estos aspectos se ven reflejado en los momentos de humor negro (bastante ácido) para así contrarrestar realmente el entrar en otra película de época. Todo esto se reflejado en el guión, el cual está dividido en ocho actos para reflejar la caída en desgracia de la reina Anne y, como Lady Sarah y Abigail luchan por subir un escalafón dentro de la corte de la reina, lanzándose alguna que otra pulla con sus acciones y comentarios hirientes y lascivos.

En el año de su estreno se consideró como una de las películas revelación del año pero, desde mi punto de vista es otra película más cuyo atractivo es el juego de luces, sombras y planos que atrapan al espectador y, a pesar de todo, no deja indiferente a nadie. Eso lo puedo asegurar.

Calificación personal: 6.8

Un tranvía llamado Deseo (1951)

 

• Título original: A streetcar named Desire
• Año: 1951
• Género: Drama
• Dirección: Elia Kazan
• Intérpretes: Marlon Brando, Vivien Leigh, Kim Hunter, Karl Malden, Peg Hillias, Rudy Bond, Nick Dennis.
• Guión: Tennessee Williams
• Música: Alex North
• Fotografía: Harry Stradling
• Montaje: David Weisbart
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

Blanche (Vivien Leigh) es una mujer madura que visita a su hermana Stella (Kim Hunter) y a su marido Stanley (Marlon Brando) y decide quedarse un tiempo. A Stanley no le agrada mucho que su cuñada se quede con ellos sobre todo, cuando se entera que Blanche ha perdido la casa familiar. Por lo que indaga para averiguar lo que ha ocurrido realmente.

CRITICA

La primera vez que vi esta película me impactó tanto que no supe como reaccionar por la dureza de la historia de tres personajes cuyas vidas están entrelazadas y que terminarán por contaminarse unos a otros. Como muchas otras de sus obras, Tennessee Williams muestra la fragilidad humana provocada por traumas familiares que el mismo vivió y que plasmó letra a letra en una extensa obra y, que ha sido llevada a la gran pantalla y al teatro más de una vez. Aunque en un principio puede mostrar aspectos que puedan resultar irrelevantes, refleja comportamientos sociales, familiares, personales y psicológicos que son dignos de analizar por medio de esta película.

Lo que es importante destacar es el título, Un tranvía llamado Deseo, cuando solo aparece una sola vez en toda la película. Es al principio cuando Blanche sube al ya mencionado tranvía para ir a casa de su hermana. Ese título del tranvía (Deseo) es un claro ejemplo de las metáforas que solía emplear el escritor americano para reflejar sus deseos y anhelos más profundos. Ese "deseo" es la esperanza de los protagonistas de intentar tener una vida mejor, alejada de los problemas más acuciantes en una sociedad trastocada por la guerra, amén del comportamiento machista de los hombres rudos y que justifican su masculinidad actuando de tal forma que las mujeres tienen que servirles.

En segundo lugar cabe destacar a los tres personajes principales en torno a los cuales gira esta historia. Por un lado tenemos a Blanche, que tras perder su casa se instala en casa de su hermana Stella; pero, Blanche no pasa desapercibida para el rudo marido de Stella, Stanley, el cual tiene dudas de la hermana de su mujer por su extraño comportamiento, lo que provoca que el "rudo" de Stanley se comporte constantemente de forma violenta e intimidando de forma constante a la "educada" Blanche para generarla todo tipo de malestar que le hará que saquen los demonios y traumas más profundos de esa mujer que ha estado sola y que ha sufrido abusos. Eso abusos que ha sufrido Blanche no se describe de forma directa pero, por medio de los diálogos se lee perfectamente entre líneas que la vida de la joven ha estado llena de abusos físicos, que terminaron en aspectos psicológicos.

De echo, en esta obra se refleja de forma clara como era la vida del escritor. Su padre era muy abusivo y violento, que bebía más de la cuenta y le pegaba (es el personaje de Stanley) y el cual, obligó a su madre a que sometiera a su hermana a una lobotomía, perdiendo todo control sobre su vida (reflejado de una forma más sutil en el personaje de Blanche) y donde la progenitora no puso límites a su marido (claramente apreciado en el personaje de Stella) y el joven Tennessee, fue el espectador que sufrió los abusos de todo tipo de su padre, la ausencia de una hermana a la que han anulado y una madre inoperante afectada por el sometimiento del marido y por ende, le atormentó por completo a lo largo de toda su vida y como reflejó en todas y cada una de sus obras.

Todos y cada uno de estos aspectos están reflejados en los personajes magistralmente interpretados por el gran elenco, sobre todo por Marlon Brando y Vivien Leigh. En el caso de esta gran actriz, por aquel entonces sufría de trastorno bipolar que lo extrapoló a su personaje y para nada fue ayudada por su compañero que llevaba al extremo sus interpretaciones y la sometió a vejaciones de todo tipo; puesto que el justificaba que si tenía que interpretar lo hacía al máximo. También su conducta violenta era del todo conocida entre los actores y, sobre todo las actrices a las que forzaba muchas veces.

Para concluir (y así evitar entrar en chismes innecesarios) el reflejo de una infancia destrozada por medio de aquellos que supuestamente te deben de cuidar y proteger y así, poder desarrollarse como persona. Los traumas muchas veces tardan en curarse o que muchas veces no se curan, por lo que la fragilidad de la mente humana no es un juego y que las personas que sufren de estos trastornos no deben de ser desechadas de la sociedad sino, a intentar vivir en ella.

Calificación personal: 10

Kika (1993)

 

• Dirección: Pedro Almodóvar
• Año: 1993
• Género: Comedia
• Intérpretes: Verónica Forqué, Peter Coyote, Rossy de Palma, Álex Casanovas, Victoria Abril, Anabel Alonso, Bibiana Fernández, Karra Elejalde, Jesús Bonilla, Santiago Lajusticia
• Guión: Pedro Almodóvar
• Música: Enrique Granados, Kurt Weill, Bernard Hermann
• Fotografía: Alfredo F.Mayo
• Montaje: José Salcedo
• Productora: Ciby 2000, El Deseo

SINOPSIS

Kika (Verónica Forqué) es una maquilladora que un día recibe un encargo un tanto particular: maquillar a un muerto llamado Ramón (Álex Casanovas). En realidad, no está muerto y ambos terminan enamorándose. A pesar de ello, el padrastro de Ramón también se enamora de Kika. En roda esta vorágine de personajes y sentimientos aparece Andrea "Cara Cortada" (Victoria Abril) que tiene relación con los hombres de la vida de Kika.

CRITICA

Creo que todo el mundo conoce la volubilidad de la filmografía del director manchego tiene bastantes altibajos (suele ser la opinión de la gran mayoría y que yo comparto) y que cuando ha realizado o realiza sus películas, hay elementos de la trama que se escapan y que al final toda la historia termina por desvanecerse en interminables diálogos que no llegan a ningún sitio. Y con Kika, ocurren parte de estos elementos que hacen que se pierda la esencia del filme.

Partiendo de una premisa sencilla en la cual una mujer ingenua se enamora de un muerto (y viceversa), que realmente no está muerto, empiezan a convivir y por medio está el padrastro de él, cuya presencia a veces no se sabe muy bien porque se encuentra ahí y cuyo protagonismo se va perdiendo y que el director lo intenta solucionar haciéndoles protagonista del desenlace de la trama; pero al final, no es algo que resulte interesante.

De alguna forma, se intenta rellenar la vida de Kika y de sus idas y venidas (más de sus idas que de sus venidas) introduciendo personajes que no son muy relevantes en la trama junto con momentos cómicos entre las mujeres con diálogos absurdos pero que causan alguna que otra carcajada (momento confidencia entre Juana y Kika sobre la belleza y el momento de maquillarse) pero que, termina ensombrecido por la violación a la protagonista que se introduce en clave cómica y termina siendo un tanto repulsiva a la par que desagradable.

Cierto es que muestro bastante admiración por el director manchego y que es sin duda, el que mejor sabe tratar a los personajes femeninos así como reflejar las costumbres y formas que más nos caracterizan a los españoles. Pero, en esta película se desinfla por completo y pierde el norte con respecto a las películas que le hicieron famoso en los años ochenta. Película que ha pasado por mi retina sin pena ni gloria y que perdura por la gran interpretación de la ya y gran fallecida, Verónica Forqué. 

Calificación personal: 5

Gladiator (2000)

 

• Dirección: Ridley Scott
• Año: 2000
• Género: Acción
• Intérpretes: Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Conniel Nielse, Djimon Hounsou, Oliver Reed, Derek Jacobi, Ralf Möller, Spencer Treat Clark, Richard Harris
• Guión: John Logan, William Nicholson, David Franzoni
• Música: Hans Zimmer, Lisa Gerrard
• Fotografía: John Mathieson
• Montaje: Pietro Scalia
• Productora: Scott Free Productions

SINOPSIS

Año 180. Tras la victoria del ejército romano contra los bárbaros, el emperador Marco Aurelio (Richard Harris) decide transferir el poder al comandante Máximo (Russell Crowe) pero, el hijo del emperador, Cómodo (Joaquin Phoenix) no está por la labor por no perder el poder.

CRITICA

La primera vez que vi esta película, fue el mismo año del estreno con mi hermano. Por aquel entonces el tenía doce años y yo tenía diez y (cómo es lógico) la vimos acompañados de nuestros padres. Mi madre el tema de la violencia no le agrada pero mi padre, le encantó y nosotros disfrutamos. El estreno de esta película supuso un revulsivo para el género de acción pero en concreto, para una época de la historia de la que Hollywood se nutrió bastante en su época dorada.

Lo que realmente engancha de esta película (que por siempre jamás, quedó en la retina de todos aquellos que la vieron y la siguen viendo) es la capacidad de mostrar al Imperio Romano y todo lo que concernía alrededor de el y, desde la perspectiva de un personaje cuyo destino no estaba definido porque no se sabía que iba a ser de el: el del gladiador. El manejo de ese "submundo" es tratado con una maestría e impecabilidad que he visto muy pocas veces en el cine. Destaca también la ambientación y todo el montaje que se hacía en torno a la recreación de los momentos lúdicos de los romanos.

Si que es cierto que en muchas de las críticas que he hecho en este blog, he destacado la importancia de los guiones sólidos que cuenten una historia relevante y que se plasme de tal forma, que no resulte aburrida al espectador. Con Gladiator, a pesar de no ser una trama muy elaborada la capacidad de tratar una historia sencilla sin demasiadas florituras y que va a lo sencillo y a lo seguro. Puede ocurrir que los grandes puristas digan (y dijeron) que hay inexactitudes históricas y que hay referencias que no se corresponde (en ningún momento indican que sean verdad) puesto que lo que se pretendía es entretener y relacionar la época con una historia de un gladiador inexistente.

Obviamente, hay elementos de personajes históricos que aparecen en la película, como es el caso de Cómodo, cuyo estado de locura fue real y toda inseguridad la reflejaba con actos cobardes como herir a contrincantes, luchar con soldados mutilados, sembrar un miedo constante (aparece perfectamente reflejado en la novela Yo, Julia de Santiago Posteguillo) y; la aparición en este filme de mujeres como aurigas, es un acontecimiento que ocurría en la antigua Roma.

Para concluir, esta película se encuentra dentro de mis favoritas por la sencillez de la trama, su capacidad para enganchar al espectador, su recreación y por tener un guión que a pesar de ser muy básico, posee grandes cualidades para recordar esas épicas películas que engrandecen un género que se ha ido diluyendo con el paso del tiempo.

Calificación personal: 10

La casa Gucci (2021)

 

• Título original: House of Gucci
• Año: 2021
• Género: Biopic
• Dirección: Ridley Scott
• Intérpretes: Adam Driver, Lady Gaga, Al Pacino, Jared Leto, Salma Hayek, Jack Huston, Jeremy Irons, Camille Cotton, Reeve Carney.
• Guión: Becky Johnston, Roberto Bentivegna
• Música: Harry Gregson-Williams
• Fotografía: Dariusz Wolski
• Montaje: Claire Simpson
• Vestuario: Janty Yates
• Productora: Metro Goldwyn Mayer, Scott Free Productions

SINOPSIS

En 1995, Maurizio Gucci (Adam Driver) es asesinado a manos de un sicario contratado por su mujer Patrizia Reggiani (Lady Gaga). Para llegar a esa situación, hay que remontarse al año 1978, cuando ambos se conocieron y ambicionaron más allá de sus posibilidades.

CRITICA

Este año Ridley Scott estrena por partida doble (la primera ha sido El último duelo, cuya crítica se puede leer en este blog) y lo hace cuando la pandemia todavía sigue patente en el mundo del cine. Las críticas por ambos trabajos han sido mixtas pero, la puesta en escena de ambos filmes suplen en cierto modo algunas carencias (sobre todo de esta película), de las cuales vamos analizar unas pocas.

El morbo que presentaba esta película es contar un crimen que dio la vuelta al mundo pero que sobre todo conmocionó a Italia y cuya protagonista, Patrizia Reggiani, fue conocida como la "viuda negra de Italia" pero, esa esencia se pierde en algunos momentos por un metraje un tanto largo además de dotar de humor algunas situaciones y/o personajes que no son necesarios por lo que puede desconcertar un poco al espectador. Pero, más allá de todo eso, es necesario ahondar en lo que es más relevante: las intrigas que siempre ocurren de esta forma cuando hay grandes fortunas de por medio.

Claramente, la aparición de Patrizia en el clan de los Gucci revoluciona por completo, no para mejorar la situación de su futuro marido sino, porque cree poseer todo aquello que nunca ha podido tener ese mundo de lujos, dinero y excesos y que ahora por derecho, cree que le pertenece. Por supuesto, ella no es solo la culpable de la caída en desgracia de la marca e impero "Gucci" sino también Maurizio, que aprovecha esa ambición de su mujer para quedarse con todo y de paso, defenestrar tanto a su tío como a su primo y no son simplemente daños colaterales; al fin y al cabo son personas a pesar de manejar cantidades elevadas de dinero, sin haber hecho daño a nadie.

Cuando ambos se han "quitado de en medio" a aquellos miembros que denigraban la marca, tanto Patrizia como Maurizio provocan también el declive de su propio nombre, debido a sus ambiciones y al dedicarse al gasto y a despilfarrar para llevar a la marca al borde de la quiebra. Y eso a la "modesta" Patrizia no le gusta y, donde el final se vaticina de forma clara y evidente. Desde un principio muestran sin tapujos la ambición de todos ellos pero, intentan reflejar a Patrizia como si fuera alguien débil y de la que hay que tener compasión y la verdad, es que no es así; puesto que todos tienen culpa de lo que hicieron con una de las más grandes marcas de moda del mundo y que por sus excesos y fraudes, casi la llevan a la ruina. Por otro lado, reflejar cierto toque humorístico en Paolo (el primo de Maurizio) no es del todo acertado, ya que se le muestra como un ser frágil y despreciado por su familia.

A nivel técnico e interpretativo, la estética está perfectamente reflejada gracias al vestuario y al maquillaje y peluquería y se complementa con las interpretaciones (que es lo que salva realmente la película) sobre todo la de Lady Gaga que se compenetra con el resto de sus compañeros y, que sobe todo lleva el peso de la trama y que sobre todo con Adam Driver se complemente muy bien. En definitiva, la ambición, el poder el dinero y la vida desmedida, tiene sus consecuencias negativas.

Calificación personal: 6

Los paraguas de Cherburgo (1964)

 

• Título original: Les parapluies de Cherbourg
• Año: 1964
• Género: Musical
• Dirección: Jacques Demy
• Intérpretes: Catherine Deneuve, Anne Vernon, Nino Castelnuovo, Marc Michel, Mireille Perrey, Ellen Farner, Jean Champion.
• Guión: Jacques Demy
• Música: Michel Legrand
• Fotografía: Jean Rabier
• Montaje: Anne-Marie Cotret, Monique Teisseire
• Productora: Parc Film, Beta Film

SINOPSIS

Geneviéve (Catherine Denueve) vive con su madre y la ayuda en la tienda de paraguas que tiene en Cheburgo, pero en sus planes se encuentran casarse con Guy (Nino Castelnuovo) hasta que le envían a la guerra de Argelia. Ante la situación económica que atraviesan madre e hija, la primera insiste a su hija que se case con un joyero influyente.

CRITICA

Aunque esta película forma parte del género musical, si que es cierto que de alguna forma intenta alejarse de este género por la trama que se desarrolla, puesto que trata un tema que es muy habitual en casi todas las películas: el amor juvenil y soñador entre jóvenes cuyo deseo es casarse y formar una vida juntos; pero, la realidad supera muchas veces esa situación. De echo, se establece una metáfora entre los colores de la tienda de paraguas con lo que es en si la vida y el no estar muy maduros para tomar determinadas decisiones (sobre todo aquellas que son importantes).

El tema principal de esta película es (como comentaba al principio) el amor en diferentes formas y vertientes. También sobre las diferentes vicisitudes que muchas veces asolan nuestra vida y que, nos hacen que nuestras decisiones cambien por completo y, como nos enfrentamos muchas veces a esos obstáculos que nos hacen cambiar el rumbo de nuestra vida. Por eso, estos temas se reflejan a través de los colores de los paraguas que, en el mundo del cine, tienen un significado.

En el caso del amor, la vitalidad y la felicidad están representados por los colores rosas, turquesas y amarillos (aunque éste último, también representa la mala suerte que le puede acontecer a un personaje) y, en los momentos tristes, los colores que los representan son grises y negros. En el caso del blanco puede representar no solo la pureza, sino también la neutralidad.

En definitiva, por medio de esta trama romántica unida a los colores de los paraguas, nos refleja que al igual que el amor a veces es algo que no se asemeja con el mundo ni con la realidad que nos rodea pero, tenemos que tener armas (en este caso, colores) para superar esos momentos de dificultad y de desamor, para poder aprovechar otros aspectos maravillosos de la vida. A pesar de todo, la vida sigue siendo un mundo lleno de colores para mezclarlos y aprovechar sus diferentes contrastes.

Calificación personal: 7

Siete días de mayo (1964)

 

• Título original: Seven days in may
• Año: 1964
• Género: Thriller
• Dirección: John Frankenheimer
• Intérpretes: Burt Lancastesr, Kirk Douglas, Frederich March, Martin Balsam, Edmond O'Brien, Andrew Duggan, Hugh Marlowe, Ava Gardner.
• Guión: Rod Serling
• Música: Jerry Goldsmith
• Fotografía: Ellsworth Fredericks
• Montaje: Ferris Webster
• Productora: Paramount Pictures, Warner Bros.

SINOPSIS

En plena Guerra Fría entre Estados Unidos y Rusia, el soldado Jiggs (Kirk Douglas) sospecha que su jefe, el coronel Scott (Burt Lancaster) pretende derrocar al presidente de los Estados Unidos. Para evitarlo, el presidente solo dispone de siete días para evitar que suceda.

CRITICA

La Guerra Fría, que tuvo lugar durante los años sesenta entre Estados Unidos y Rusia fue un acontecimiento que mantuvo al mundo en vilo puesto que no se sabía que iba a ocurrir con los misiles que ambos países tenían para lanzarse entre ellos. Ante esta situación, muchos hombres querían sacar provecho para intereses personales y así poder desestabilizar desde dentro y generar odio entre los ciudadanos. Estos aspectos se ven claramente reflejados en esta película que está basada en la novela de Fletcher Knebel y Charles W. Bailey II.

Pero, lo que realmente interesa de esta película (más allá de la tensión entre estos dos países) es, los diferentes dilemas a los que se van enfrentando los personajes para evitar el golpe de estado que tiene pensado el general Scott. Dicho general, se propone al tratado que ha firmado el presidente americano con el gigante ruso y para ello, decide tomar la presidencia por la fuerza lo que genera una pregunta: ¿Cómo serían los Estados Unidos si fuese gobernado por un militar que tiene una ambición desmedida y, además, está apoyado por el pueblo? Pues la verdad, es que saldría una dictadura que es, con lo que ha estado luchando Estados Unidos a lo largo de toda su historia.

En el momento en el que se empiezan a desentramar todos los elementos del golpe de estado, aquellos que se consideran "buenos" tienen que poner sobre la mesa dos tipos de estrategias; aquellas en las que se puede jugar limpio (es decir, conseguir pruebas para derrocar al general) o jugar sucio (utilizar movimientos que no solo empañen la figura del general, sino que además tengan que usar métodos poco ortodoxos para evitar su ascenso al poder de forma fraudulenta). En todo este entramado político, por mucho que piensen el presidente y el general Scott que están pensando en los ciudadanos y en sus interese, realmente piensan en sus propios intereses; lo que deja en entredicho (y a la vez muestra una realidad) que un político por mucho que lo intente, siempre tenderá a barrer para su terreno.

En toda esta vorágine destaca el soldado Jiggs (muy bien interpretado por Kirk Douglas) el cual sigue los dictados evidentes conforme a su educación militar y su amor eterno a su adorada patria pero que acaba sucumbiendo cuando utiliza a la antigua amante de su tan amado coronel para poder hacerle daño de una forma directa. Lo que termina derivando todo en que cada uno se mueve por su intereses y que, cuando estos se ven afectados, se intentan proteger así mismos dejando de lado al hombre al que apoyaban y admiraban. En este thriller político, la suerte está echada en sietes días cruciales en donde nadie es bueno, por mucho que quieran serlo.

Calificación personal: 8

Manos libres (2021)

 

• Dirección: Pablo Fuentes, Kike Maíllo
• Año: 2021
• Género: Corto de ficción
• Intérpretes: Hiba Abouk, Pep Muñoz, Jael Borrás, Paula Vives
• Guión: Pablo Fuentes
• Música: Georgina L. Wolkowicz
• Fotografía: Sergi Canellas
• Productora: Audi

SINOPSIS

Una joven ejecutiva con un buen puesto en su empresa realiza un viaje de vuelta a casa conduciendo. Pero su viaje se volverá una pesadilla.

CRITICA

Los cortometrajes (ya sean de animación, de ficción o no ficción) no suelen tener un atractivo visual para el espectador pero, hay algunos que transmiten emociones por parte del espectador. A pesar de haber tenido este cortometraje una gran publicidad (sobre todo por parte de Audi) a la hora de visionarlo genera tensión por lo que le está sucediendo a la joven pero el final deja bastante tibio puesto que no muestra ninguna relación con lo que ha ido ocurriendo en los minutos previos. Desde mi punto de vista, no me ha dicho gran cosa ni me ha dicho nada, me ha dejado igual que al principio.

Calificación personal: 3

Triple 9 (2016)

 

• Dirección: John Hillcoat
• Año: 2016
• Género: Thriller
• Intérpretes: Chiwetel Ejiofor, Casey Affleck, Anthony Mackie, Clifton Collins Jr., Aaron Paul, Kate Winslet, Woody Harrelson, Gal Gadot, Norman Reedus, Teresa Palmer
• Guión: Matt Cook
• Música: Atticus Ross, Bobby Krlic, Leopold Ross, Claudia Sarne
• Fotografía: Nicolas Karakatsanis
• Montaje: Dylan Tichenor
• Productora: Worldwide Entertainment, Sierra Pictures

SINOPSIS

Un grupo de policías corruptos han sido contratados por la mafia rusa para robar un banco. Pero deben de hacer un último robo en un edificio con alta seguridad. Para ello necesitan un chivo expiatorio, por lo que deciden en la misión de uno de ellos proclamar el código triple 9: agente caído.

CRITICA

Uno de los géneros que más me apasionan es el thriller y, los de las últimas décadas no es que hayan sido grande películas con grandes historias. Es lo que le pasa a este filme que, a pesar de relacionar a todos y cada uno de sus personajes para poder realizar ese código triple nueve, se observa como hay momentos en que se pierde el rumbo de lo que realmente nos quieren contar y al final se queda en un simple robo sin ningún tipo de tensión que haga que el espectador se mantenga pegado a la pantalla.

La ejecución de los robos (tanto el del principio como el del final) y de todos los detalles acerca de los mismos, están perfectamente ejecutados y refleja cada uno de los detalles para que el espectador entienda los movimientos pero, en el momento en el que deben de planificar el segundo la historia termina por perderse no solo en el policía que han elegido como chivo, sino en el resto del desarrollo de los personajes que al final, resulta un poco tedioso con metraje.

Desde mi punto de vista salvan a la película la ejecución perfecta de los atracos y la redada policial, al mostrando todos los detalles de forma muy minuciosa pero no termina de tener la fuerza suficiente para mantener ese punto de thriller y acción y que simplemente, se queda en otra película de atracos más.

Calificación personal: 4.5

El cover (2021)

 

• Dirección: Secun de la Rosa
• Año: 2021
• Género: Romántica
• Intérpretes: Álex Monner, Marina Salas, Carolina Yuste, Lander Otaola, Susi Sánchez, Juan Diego, María Hervás, Carmen Machi
• Guión: Secun de la Rosa
• Música: Lucas Vidal
• Fotografía: Santiago Racaj, Amando Crespo, Johnny Yebra
• Productora: Nadie es Perfecto, Stop Line, Amazon Prime Video

SINOPSIS

Dani (Álex Monner) es un joven al que le encantan las canciones y cantarlas pero, le cuesta expresar su talento por si fracasa como sus padres. En el verano, mientras trabaja de camarero conocerá a Sandra (Marina Salas) que le enseñará el mundo que hay detrás de los covers y vivir una relación auténtica.

CRITICA

A pesar de ser una película que rinde homenaje a aquellas personas que de alguna forma, hacen amenas las veladas nocturnas en los hoteles a los turistas, es una crítica de alguna forma a la sociedad de hoy en día, la cual nos muestra dos caras: la verdadera que tendemos a ocultar a lo demás y la falsa, que es la terminamos de enseñar al mundo; cuando realmente tendría que ser al revés.

Como comentaba al principio podría entenderse como una metáfora del mundo actual, en el cual mostrar nuestro verdadero yo está muchas veces oculto ya que, para encajar de alguna forma no podemos ser nosotros mismo, sino más bien un reflejo que se manifiesta por medio de lo que se publica en las redes sociales o el postureo que hacemos. De alguna forma es lo que les ocurre a los covers, que les hacen interpretar a un cantante y al final les conocen por ese personaje que interpretan pero, si se quitasen ese disfraz nadie les reconocería. Por lo que prefieren seguir viviendo dentro de esa personalidad creada para momentos de esparcimientos.

Se puede decir que ese universo de covers (que en realidad son unos farsantes sin pretenderlo) conecta con el público mostrando unos tiempos en los que una crisis económica (que ahora se vive de otra forma debido a la pandemia del coronavirus) se une en cierta medida con lo emocional y lo sentimental. Y de esta forma nos refleja a personajes que desean no solo crecer de forma artística sino también personal y a los que no les deben de decir que se deben de conformar con hacer imitaciones de grandes iconos de la música.

Todos estos elementos que de alguna forma se manifiestan en el metraje de la película, termina por quedarse un poco frío, ya que en determinados momentos de la trama parece que esta no avanza y por ende, tampoco avanzan los personajes. Aunque es cierto que demuestra frescura, originalidad y respeto por aquellos que quieren cambiar o salir de su rutina pero desde la esperanza y la alegría.

Calificación personal: 6

¿A quién ama Gilbert Grape? (1993)

 

• Título original: What's eating Gilbert Grape?
• Año: 1993
• Género: Drama
• Dirección: Lasse Hallström
• Intérpretes: Johnny Depp, Leonardo DiCaprio, Juliette Lewis, Darlene Cates, Laura Harrington, Mary Steenburgen, John C. Reilly, Crispin Glover.
• Guión: Peter Hedges
• Música: Alan Parker, Björn Isfält
• Fotografía: Seven Nykvist
• Montaje: Andrew Mondshein
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

En Endora, un pequeño pueblo de Estados Unidos vive Gilbert Grape (Johnny Depp), que trabaja en una pequeña tienda de ultramarinos y que cuida de su hermano Arnie (Leonardo DiCaprio) y su madre obesa. Hasta que conoce a Becky (Juliette Lewis) y le hace tener esperanza.

CRITICA

La película desde el principio nos muestra un deseo tan básico en el ser humano como infinito: como ser quienes queremos ser en realidad y, compaginarlo con quienes debemos ser, es decir, ser buenas personas. Porque muchas veces nuestro deseos y aspiraciones no se cumplen o las dejamos aparcadas porque tenemos otro tipo de responsabilidades que tenemos que cumplir pero a veces, el sacrificio que uno hace no nos debe de impedir a veces cumplir los sueños son necesarios.

Por lo que al final se puede contestar a la pregunta que plantea el propio título. Porque de alguna forma sin saberlo, el propio Gilbert ama a su madre con una obesidad mórbida y a su hermano, que a pesar de tener una discapacidad mental, confía siempre en su hermano Gilbert. Sabe que forman parte de su vida, una vida que no es fácil, pero a la vez le genera nuevas capacidades. Lo que nos puede ayudar a ver que de alguna forma esa discapacidad se puede transformar en una "capacidad" de esas personas que son apartadas de la sociedad y a las que que tenemos que amar y que nos muestran muchas veces una lección de vida.

Los diferentes escenarios que se nos muestran reflejan la evolución no solo de Gilbert Grape, sino también en el resto de los miembros de la familia que a pesar de mostrar sus disensiones entre ellos, muestran su respeto y cuidado hacia su madre, cuya tragedia se ve reflejada en esa obesidad como un reflejo de la dejadez de su vida ante sus tragedia pero que a pesar de todo, ella quiere a sus hijos sobre todo a su hijo Arnie. Pero, no se ha preocupado por ella misma y eso ha terminado por afectar a su prole y como no quiere que se avergüencen de ella. Todo ello acompañado de una preciosa fotografía que envuelve cada escena, una banda sonora que encandila y un reparto muy bien elegido.

Al final todo se resume en lo que he contado al principio de la crítica. Nuestra vida está a veces condicionadas por nuestra situación familiar pero, eso no significa que no podamos realizar nuestro sueños, sino que tendremos que ir compaginando. Porque al fin y al cabo, la vida es una sucesión de acontecimientos y a pesar de los sinsabores, hay que aprovechar los momentos felices e intentar dar la vuelta ante las situaciones negativas y ayudarnos unos a otros.

Calificación personal: 7.5

El último duelo (2021)

•  Título original: The last duel
• Año: 2021
• Género: Drama histórico
• Dirección: Ridley Scott
• Intérpretes: Matt Damon, Jodie Comer, Adam Driver, Ben Affleck, Harriet Walker, Nathaniel Parker, Marton Csokas, Michael McElhatton, Zeljko Ivanek
• Guión: Matt Damon, Ben Affleck, Nicole Holofcener
• Música: Harry Gregson-Williams
• Fotografía: Dariusz Wolski
• Montaje: Claire Simpson
• Vestuario: Janty Jates
• Productora: Scott Free Productions, Pearl Streat Films

SINOPSIS

Francia siglo XIV, Marguerite de Carrouges (Jodie Comer) le cuenta a su marido Jean (Matt Damon) que en su ausencia ha sido violada por un antiguo amigo de su esposo, Jacques Le Gris (Adam Driver). Al no ser creído por nadie, Jean acusa a su antiguo amigo ante el rey Carlos VI y pide un duelo a muerte. Basada en hechos reales sobre el último duelo a muerte que tuvo lugar en Francia.

CRITICA

He de reconocer que no tenía muchas esperanzas de que esta película llegase a la cartelera, puesto que su grabación se inició justo un mes antes de la pandemia mundial del año 2020, posteriormente se retomó en septiembre de ese mismo año sin muchas garantías (puesto que todo el rodaje se realizó en Europa, ya fuese en exteriores o estudios) y no sabiendo como iba a ser su distribución. Por otro lado, al director británico le tenía bastante atravesado, lo que no me ofrecía garantías pero, es de las pocas veces que viendo el trailer, salgo con plena satisfacción de la proyección.

Lo primero de todo, siempre digo que hay que tener una historia (lo correcto sería decir, un buen guión) y saber plasmar los elementos y puntos claves que se quieren contar sin parar de forma excesiva en las florituras para no sobrecargar al espectador y que, la historia no le parezca aburrida, tediosa o que termine por perderse. En el caso de El último duelo no ocurre porque, a pesar de contar con tres puntos de vista diferentes, en los cuales van a converger los tres, solo se centra en los detalles que son importantes para el espectador aprecie los matices y que parezca que se aplica la técnica pictórica del trampantojo, así se pregunta: "hay un error en este plano con el gesto del actor...", pero se dará cuenta rápidamente y pensará: "no es su versión de los acontecimientos". 

Lo que se ha comentado mucha a colación del estreno de este filme es que ha aparecido en plena ola del movimiento del MeToo. Pero yo planteo una pregunta al aire: ¿es necesario un movimiento para ver como a lo largo de toda la historia, se ha denigrado y se sigue denigrando a la mujer? Dejándolo de una forma clara, tratándola como un pedazo de carne de la cual los hombres pueden disponer de ella cuando quieran y donde quieran, para satisfacer sus necesidades, es decir, sin poner en tela de juicio sus acciones, sin embargo, a las mujeres hay que juzgarlas por su actos; como se refleja claramente en la película (y no hace falta, en los libros de historia aparece) que si una mujer no llegaba al clímax sexual y por ende no concebía era por su culpa u, observar que la mujer llegaba virgen al matrimonio mientras que el hombre se habría acostado ya con varias mujeres. Y que al final, lo que les tocaba era resignarse ante su situación y que si las forzaban (es decir, violaban), se dejasen, no eran nada ni nadie sin un hombre y ellas siempre eran las culpables de todo.

De ahí que se reflejen los tres puntos de vista reflejando que era lo que pensaba cada uno. Lo poco que he podido leer, se recogió todo el juicio, así como parte de los testimonios de los tres en disputa antes del duelo pero, imagino que se habrán tomado algunas licencias artísticas. Aunque al final uno puede plantearse: ¿Cuál de los tres decía la verdad? Solo por ver la desproporción de los castigos, claramente se ve una clara ganadora, a pesar de que algunos críticos cinematográficos comentan que es un poco pretencioso poner directamente que el punto de vista de Marguerite es "La verdad". Ahí puede haber debate sobre si ponerlo o no.

En lo que se refiere al guión, el tádem Damon-Affleck (acompañada de una gran Nicole Holofcener, que hizo un gran guión y dirección de Sobran las palabras) muestran con claridad la evolución de los tres personajes desde sus inicios (se podría decir así) y toda la evolución que sufren para centrarse en lo que realmente importa que son los puntos conflictivos en los que ambos amigos se van a ver siempre las caras unidos con el punto justo de violencia y vísceras y con un duelo final espectacular. Eso si, la mejor perspectiva la de Marguerite, puesto que la ponen de mala malísima cuando es la que ha sufrido el agravio. En este papel está la gran Jodie Comer que ensombrece a sus compañeros de reparto y, que despegó con la serie Killing Eve (yo ya la descubrí en Doctora Foster) y a la que no hay que perder la pista; al igual que a Adam Driver que repetirá dupla con Ridley Scott en La casa Gucci y que muestra ser un titán de la interpretación y, Matt Damon soberbio como ha sabido reinventarse y Ben Affleck, resurgir de las cenizas cual ave Fénix.

Disfrutable y recomendable al cien por cien. Eso si, aviso que es un poco extensa y a lo mejor puede generar un poco de ansiedad puesto que se espera que el principal acontecimiento ocurra al principio pero, tal y como nos muestra a los personajes y, para cerrar la trama con las perspectiva de ella a través de ella, es la mejor forma de completar una de las mejores películas de lo que llevamos de año, desde mi punto de vista. Aunque aún me quedan por ver. Que la disfrutéis. 

Calificación personal: 9

Salomón y la reina de Saba (1959)

 

• Título original: Solomon and Sheba
• Año: 1959
• Género: Drama histórico
• Dirección: King Vidor
• Intérpretes: Yul Brynner, Gina Lollobrigida, George Sanders, Marisa Pavan, David Farrar, John Crawford, Finlay Curie.
• Guión: Anthony Veiller, Paul Dudley, George Bruce
• Música: Mario Nascimbine
• Fotografía: Freddie Young
• Montaje: Otto Ludwig
• Productora: United Artists

SINOPSIS

Salomón (Yul Brynner) sucede a su padre el rey David como el futuro rey de Israel. En contra de su hermano Adonías (George Sanders). Por otro lado, el rey de Egipto tampoco está a favor de que Salomón sea el nuevo rey de Israel, para ello manda a la reina de Saba (Gina Lollobrigida) para poder seducirlo y perder el favor de Dios.

CRITICA

Es bien conocido, que en los años cincuenta, Hollywood se dedicó ha grabar películas basadas en relatos bíblicos o en grandes conquistadores históricos, era algo habitual, por lo que las producciones eran fastuosas y se cuidaban al milímetro todos y cada uno de los detalles para dar una mayor verosimilitud al relato. Y como no iba a ser menos con Salomón y la reina de Saba.

De todos es bien sabidos la historia de Salomón, antes de conocer a la famosa reina de Saba (que por cierto, era un país en el que la dinastía había sido gobernada única y exclusivamente por mujeres, todo un hito en la época antes de Jesucristo), que era un rey recto y sabio y que respetaba a los otros gobernantes con otras religiones pero, al conocer a esta reina estuvo a punto de hundir en todos los sentidos al pueblo de Israel simplemente por una mujer; aunque ya se encargaban las malas lenguas de decir que si Yavhé no estaba con Salomón era por la reina. O, ¿no sería realmente el propio Salomón el que llevó la ruina a Israel y no la reina? Esos aspectos de la Biblia en los que siempre se culpa a la mujer de las desgracias del pueblo hebreo.

Centrándonos más en el relato histórico-bíblico si que supuso su relación el principio del fin del fin del ultimo rey de Israel, así como la conversión de la reina a la religión judía y el posterior mito que esta suscitó a lo largo de toda la historia. Aunque realmente, todo esto no se plasma en la película, sino más bien esa seducción y la atracción que se da entre ambos gobernantes. Lo que acaba ocurriendo es que acaban "estirando demasiado el chicle" y provoca que la duración sea un tanto excesiva, se pierda la historia o incluso, que no se sepa realmente lo que se quiere transmitir al espectador; y se quede simplemente en una superproducción romántica, como lo fue posteriormente Cleopatra.

Calificación personal: 5.6

No serás un extraño (1955)

• Título original: Not as a stranger
• Año: 1955
• Género: Drama
• Dirección: Stanley Kramer
• Intérpretes: Olivia de Havilland, Robert Mitchum, Frank Sinatra, Gloria Grahame, Charles Bickford, Lee Marvin, Broderick Crawford, Lon Chaney Jr.
• Guión: Stanley Kramer
• Música: George Antheil
• Fotografía: Franz Planer
• Productora: Stanley Kramer Productions 

SINOPSIS

Lucas (Robert Mitchum) es un estudiante de medicina que ve como su sueño se puede ver truncado al quedarse sin recursos decide casarse con Kristina (Olivia de Havilland) una enfermera del hospital en el que realiza las prácticas. Ella lo ama, pero el a ella no. Incapaz de abrirse a los demás y de ver más allá de su profesión, descubrirá la otra cara de la medicina cuando le destinen a una pequeña población rural.

CRITICA

La diferencia de los actores del Hollywood clásico de los de los años 80, 90 y de los 2000 hasta la actualidad, es que prácticamente todas sus películas no solo tenían mucho eco sino que, aquellas que eran prácticamente desconocidas o, que no eran malas pero habían pasado desapercibidas y muy pocas veces las películas que rodaban eran fracasos. Esto se debía también en mayor medida a que los guiones eran bastante sólidos y construían una historia con cierto trasfondo por muy pequeño que fuese. Es lo que le ocurre a No serás un extraño.

Con esta película no solo nos muestra los entresijos de la medicina (más bien los inicios) en una época donde había muchos avances tras haber salido de dos guerras mundiales, sino también la ambición por convertirse en médico como elimina la perspectiva humana de una profesión en la que no solo hay que desempeñar un trabajo, sino que hay que dar tu vida por amor a los demás y que no son un trozo de papel o un trozo de carne con el que poder practicar y conseguir tus objetivos. Este aspecto se ve claramente reflejado cuando los alumnos tienen como proyección conseguir buenos coches con los que destacar y que cuando les vean pasar, la gente les diga: "esos de ahí son médicos".

En el caso del protagonista, tiene esa disyuntiva que no se termina de difuminar del todo y que trae de cabeza al espectador puesto que actúa y habla con el aspecto humano pero también, a veces el componente racional va haciendo mella en la relación con su mujer que termina dejando de lado su brillante carrera como mujer (como siempre, tiene que terminar por servir al marido en pos de que el obtenga un mejor reconocimiento y eso que tanto ansía) por amor. Lo que termina por intoxicar la relación entre ambos y se muestran las verdaderas intenciones del protagonista y, como una vez más se sabe que toda persona que decida su futuro laboral debe de tener vocación pero hay tres que (desde mi punto de vista) deben de tener una extrema vocación sin querer obtener como objetivo final fama, ni dinero, ni prestigio (este último, que sirva para ayudar): todo lo relacionado con la medicina, profesor/a y ser sacerdote.

Lo que veo que no termina por "arrancar" de la película (por poder utilizar algún término) es que todos esos elementos aparecen pero no terminan por unirse y hacer cierres entre los personajes que rematen por completo la historia. También observé que el casting puede que no fuese el más correcto para esta trama, quitando eso si a la gran Olivia de Havilland que siempre llenaba la pantalla y cuyo personaje femenino tenía peso y fuerza. No es una gran película, pero hay aspectos destacables.

Esto me recordó a un vídeo que encontré en una gala de los Oscar del año 2003 donde ella hizo una presentación y estaban varios actores de la época dorada (lo dejo a continuación) y recuerda que el cine sigue siendo un noble arte y que deben de recuperarse buenas historias.

Calificación personal: 6