Cuando menos te lo esperas (2003)

 

• Título original: Something's gotta give
• Año: 2003
• Género: Romántica
• Dirección: Nancy Meyers
• Intérpretes: Diane Keaton, Jack Nicholson, Keanu Reeves, Amanda Peet, Frances McDormand, Paul Michael Glaser, Jon Favreau.
• Guión: Nancy Meyers
• Música: Hans Zimmer
• Fotografía: Michael Ballhaus
• Montaje: Joe Hutshing
• Productora: Waverly Films

SINOPSIS

Harry Sanborn (Jack Nicholson) es un solterón de sesenta y tres años que solo sale con mujeres más jóvenes que el. Cuando el y su última conquista, Marin (Amanda Peet) han planteado un fin de semana romántico en casa de ella. Pero no están solos, puesto que Erica (Diane Keaton) se ha ido allí. Cuando la primera noche Harry sufre un infarto, tendrá que quedarse una semana en casa de Erica, solo con ella. Nunca había estado a solas con una mujer de su edad.

CRITICA

En los últimos años en el mundo de los famosos, cuando rompe una pareja el hombre, empieza a salir con una mujer que es entre diez y veinte años más joven de el. Y nunca es al revés, lo que puede ser objeto de estudio. Porque tras estar en un matrimonio de más de veinte años, de repente salen con mujeres más jóvenes y hasta parece que está bien visto. Pero si fuese al revés (una mujer mayor con un hombre joven) estaría mal visto. Esta película no solo refleja en clave de comedia romántica este aspecto, sino también saber enfrentarse a las diferentes etapas de la vida.

El planteamiento de la película, a pesar de hacerse en forma de comedia romántica como afrontar diferentes etapas de la vida y que por mucho que queramos no podemos dar atrás en el tiempo y que cada momento de la vida (adolescencia, madurez y vejez) tienes su aspectos bonitos y se puede ser feliz. Y que encontrar a alguien merece la pena. No tiene que ser una pareja sentimental sino, el poder estar rodeados de personas que nos hagan sentir bien, es reconfortante.

El guión sencillo a la par que hilarante porque, para contar el proceso de enamoramiento entre Harry y Erica, hay momentos de humor que producen que la trama sea ligera. Por otro lado, se puede distinguir de forma clara como los dos  personajes se terminan enamorando (pero no haré spoiler del final) pero, lo que realmente destaca es la transformación que sufren todos los personajes, incluso los que rodean a la pareja protagonista. De echo cuando los planes de Harry se van al traste por culpa de su infarto, siente que realmente está solo por mucha mujer joven que le acompañe noche tras noche. Y Erica, también se siente sola tras su divorcio y volver a sentir algo por alguien la trastoca por completo. Eso se observa claramente en el cambio de su forma de vestir, el ser un poco más desinhibida y no se tan cuadriculada en su vida sobre todo habiendo llegado a los sesenta.

 Para Harry también se le trastoca todo su mundo de vividor al que no le importa romper el corazón a mujeres menores de treinta años pero, cuando ve que el suyo está en peligro (tanto a nivel físico como emocional) todo cambia por completo en su forma de ver la vida y que un hombre de su edad puede enamorarse de gente de su edad. El tiene miedo por enfrentarse a algo desconocido y a algo real. Eso le pasa también a ella, ese miedo a lo real, cuando el médico joven de Harry se enamora de ella porque, está acostumbrada a ver esa situación al revés, es decir, un hombre mayor con una mujer joven.

Los diferentes traumas, prejuicios y problemas son solucionados madurando y, por supuesto, como eje principal, el amor. En definitiva, todos los personajes tienen miedo a algo, y generalmente tiene que ver con aceptarse a uno mismo o superar las diferentes barreras que implican ser cómo eres. Todos nosotros podemos vernos reflejados en aquello de aceptar los cambios o enfrentarnos a situaciones que, por cómodas y no salir de nuestro estado de confort, no afrontamos.

Calificación personal: 8

El loco del pelo rojo (1956)

 

• Título original: Lust for life
• Año: 1956
• Género: Biográfico
• Dirección: Vicente Minnelli
• Intérpretes: Kirk Douglas, James Donald, Anthony Quinn, Pamela Brown, Jill Bennett, Everett Sloane, Henry Daniell.
• Guión: Norman Corwing
• Música: Miklos Rózsa
• Fotografía: Russell Harlan, Freddie Young
• Vestuario: Walter Plunkett
• Montaje: Adrienne Fazan
• Productora: Metro Goldwyn Meyer

SINOPSIS

Vincent Van Gogh (Kirk Douglas) vive atormentado porque no consigue ser reverendo como su padre. Cuando descubre que su verdadera vocación es pintar pero sobre todo, retratar la vida de la gente humilde y de campo se siente liberado pero a la vez atormentado. Porque como genio que es, no encaja en los estándares habituales de los pintores de la época.

CRITICA

Es de bien sabido que los artistas tardan en alcanzar la fama sobre todo en siglos pasados donde el reconocimiento tardaba en llegar porque muchos de esos artistas, no se ceñían a las normas que había establecidas (es decir, los cánones) y cuando fallecían, es cuando realmente obtenían ese reconocimiento que tanto se les había negado en vida. Y uno de esos artistas fue Vincent Van Gogh.

De echo, gracias a esta película y de forma conjunta con las cartas que le escribía Vincent a su hermano Theo, la fama del pintor holandés se disparó como la espuma. Pero, en esta crítica no se va a desarrollar conceptos artísticos del pintor (daría de forma extensa para muchos artículos y comentarios, aunque ya los hay) sino, las cualidades artísticas cinematográficas que reflejan de una forma muy acertada, la vida de un gran pintor y sus cuadros.

Desde el principio, se nos muestra al espectador a un hombre que de por si (aunque intente mostrar lo contrario) no se conforma con mostrar seguir las normas de lo establecido sino que, quiere reflejar al mundo la realidad y formar parte de esa realidad sin ser hipócrita. Lo que pasa es que ese tipo de pensamientos y de ideas no encajan en un mundo tan puritano donde se predica la Palabra de Dios pero no se actúa como realmente dice esa Palabra. Si se extrapola este aspecto al arte, si eras un transgresor y no seguías la norma, no eras aceptado y por ende, se terminaba en la pobreza y muchas veces, el artista moría en soledad. Aunque, el final para el pintor holandés no fuera la soledad, sus ideas y sus problemas mentales fue algo que le atormentó a lo largo de su vida y que no conseguía entender el porque de su situación o de sus cambios de humor.

La verdad es que tanto en el siglo pasado como en el presente, muchas veces los biopics quedaban (o quedan) muy deslucidos cuando se intenta abarca toda la vida del personaje y no se centra la historia en los elementos fundamentales. Sin embargo, para esta película no te cuenta como pintó cada cuadro sino que, según lo que iba contando en sus cartas, aparecía un fotograma de los principales cuadros que pintaba en esa época, lo que permite que el espectador se haga una idea de esa etapa de su vida y su evolución tanto a nivel personal como artística. Todos estos factores se complementan gracias a la interpretación magistral de Kirk Douglas, demostrando su gran talento.

En definitiva, se puede decir que el arte y el talento va unido pero, no todo lo que se haga tiene que ser siempre arte (en pintura, escultura, música, etcétera) y llama la atención que cuando lo es de verdad no se valora. Eso fue lo que le pasó a Van Gogh, siendo la prueba más evidente que uno de los últimos cuadros que se subastó del pintor, se vendió por más de mil millones de dólares. Ahí queda el dato.

Calificación personal: 7.5

After: Almas perdidas (2021)

 

• Título original: After we fell
• Año: 2021
• Género: Romántico
• Dirección: Castille Landon
• Intérpretes: Josephine Langford, Hero Fiennes-Tiffin, Arielle Kebbel, Stephen Moyer, Louise Lombard, Chance Perdomo, Carter Jenkins, Rob Estes.
• Guión: Sharon Soboil
• Música: George Kallis
• Fotografía: Rob Givens, Joshua Reis
• Productora: CalMaple, Wattpad

SINOPSIS

Tessa (Josephine Langford) toma la decisión de irse a trabajar a Seattle pero, a Hardin (Hero Fiennes-Tiffin) se opone ante esta decisión. Ambos son conscientes de que quieren estar juntos pero, cuando secretos del pasado de la vida de ambos salen a la luz, ya nada será como antes.

CRITICA

Desde mi punto de vista, el momento de ver películas que están más enfocadas al público adolescente ya debería de haber terminado (en parte no es así, porque me estoy volviendo a releer una trilogía que leí en mi adolescencia, que me fascinó) pero, la curiosidad de ver esta adaptación (la tercera parte) y ver que esta, sigue siendo igual o más que mala que la anterior; me pone de manifiesto la calidad pobre con la que se realizan algunas películas, solamente, para hacer dinero.

Creo que es evidente que, cuando una película no me ha llamado lo más mínimo la atención, mi crítica no es muy larga, ya que, no merece que desperdicie muchas palabras para rellenar huecos. Desde el principio la historia se presenta de forma bastante torpe y atropellada, intentan meter con calzador a nuevos personajes sin hacerle una introducción un poco digna. También, el cambio de actores para varios personajes se hace evidente (si ya llamó la atención en la segunda parte en esta tercera aún más). Por otro lado, a pesar de que la pareja protagonista sea joven, siguen teniendo muy poca madurez interpretativa y no hacen que el espectador se crea nada de sus interpretaciones.

Por último y para no extenderme mucho más (porque no es necesario) la relación de ellos llega a unos extremos de toxicidad que llega hasta repeler y, el comportamiento de ambos es extremadamente infantil y absurdo. Si a todo esto se le une un guión, que está llevado con pinzas (para salir al paso), sale una película calamitosa que ningún adolescente querrá recordar.

Calificación personal: 2

El honor de los Prizzi (1985)

 

• Título original: Prizzi's honor
• Año: 1985
• Género: Suspense
• Dirección: John Huston
• Intérpretes: Jack Nicholson, Kathleen Turner, Robbert Loggia, William Hickey, Anjelica Huston, Lawrence Tierney, John Randolph, Lee Richardson.
• Guión: Richard Condon, Janet Roach
• Música: Alex North
• Fotografía: Andrzej Bartkowiak
• Montaje: Kaja Fehr
• Productora: ABC Corporation

SINOPSIS

Charley Partanna (Jack Nicholson) es un asesino a sueldo que trabaja para la familia Prizzi, una de las familias más poderosas de la mafia. En la boda de uno de los miembros de la familia, se encandila de una invitada, a la que termina de conocer su nombre: Irene Walker (Kathleen Turner). La cual tiene secretos que se irán desvelando poco a poco.

CRITICA

Los años ochenta fue una época prolífica para el cine de gánsteres que inició Francis Ford Coppola en los años setenta con El Padrino (ver crítica en este blog) y que se prolongó hasta principios de los años noventa. Para esta película coge como referencia la novela del escritor Richard Condon (que lleva el mismo nombre) para reflejarnos la vida de la mafia. Pero, lo que resulta aún más curioso es que en este caso nos muestra a una mujer como una asesina a sueldo, cuando los asesinatos encargados por la mafia, lo solían hacer los hombres.

Parte del "encanto" de esta película es que no se recrudece en asesinatos para destacar el poder de la familia Prizzi, sino, como todos y cada uno de los elementos, los personajes y las circunstancias están estrechamente relacionados, para no perder la trama y ver como la pareja protagonista se ha visto atrapada en un crimen sin salida.

De echo, hay un elemento cinematográfico importante en las película que está relacionado con los colores. Es decir, que cuando un actor y/o actriz lleva un determinado color para su personajes, tiene un significado. En este caso tiene que ver con el amarillo, el cual significa que algo malo va a ocurrir; como es lo que le ocurre a Charley que, cuando se encuentra en California con Irene, lleva una chaqueta amarilla, lo que vendrá a desencadenar problema para Charley. No es porque haya llevado esa prenda aposta sino, es una especie de metáfora para indicar que algo desafortunado va a ocurrir. Y es exactamente lo que está ocurriendo a medida que ambos se conocen y empiezan a trabajar juntos, que todo se termina por torcer y complicando las cosas para la familia Prizzi.

A pesar de este elemento perturbador, hay otro elemento que es la antigua prometida de Charley que realiza sus propios enredos para sembrar discordia entre el matrimonio de Charley e Irene y con su propia familia mafiosa. Todos los elementos que se han mencionado antes junto con un guión preciso en los detalles y personajes hacen una historia redonda pero, que termina por ser un poco excesiva en el metraje y que pierde un poco de ritmo cada vez que avanzan los minutos. Aunque hay que reconocer, que para ser la penúltima película del director americano, supo revitalizar el cine mafioso, contando todos los elementos posibles y haciendo que el espectador se interese por la trama.

Calificación personal: 7.5

Mujercitas (2019)

 

• Título original: Little women
• Año: 2019
• Género: Romántico
• Dirección: Greta Gerwig
• Intérpretes: Saoirse Ronan, Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, Laura Dern, Timotheé Chalamet, Tracy Letts, Chris Cooper, Meryl Streep, Bob Odenkirk, James Norton
• Guión: Greta Gerwig
• Música: Alexandre Desplat
• Fotografía: Yorick Le Saux
• Vestuario: Jacqueline Durran
• Montaje: Nick Houy
• Productora: Columbia Pictures, Di Novi Pictures, Pascal Pictures, New Regency Pictures

SINOPSIS

Jo (Saoirse Ronan), Meg (Emma Watson), Amy (Florence Pugh) y Beth (Eliza Scanlen) son cuatro hermanas adolescentes que tienen diferentes anhelos juveniles y vocaciones artísticas diversas. En su desarrollo personal irán descubriendo la importancia del amor y los lazos familiares.

CRITICA

Sabemos que es lo que le pasa a Hollywood cuando está carente de ideas (por no decir que desde que empezó el siglo XXI), realiza remakes, secuelas y precuelas de todo tipo, readaptación de novelas o incluso la revisión de los clásicos. Esto no lo digo porque la realizadora de esta película sea una mujer, sino porque es un hecho innegable, ya que es la propia cartelera de los cines (o en las plataformas de streaming) las que hablan por si solas.

Con esta película, nos presentamos a la sexta adaptación del clásico literario de Louise May Alcott (han sido en total, cuatro adaptaciones cinematográficas y dos, en forma de serie o miniserie) y que claramente, rompe con la estética de la novela (la cual me he leído) e intenta focalizarse en las cuatro hermanas de una forma más extensa, no solo en Jo, que es sobre la que gira principalmente toda la historia. No solo refleja uno de los momentos más duros de los Estados Unidos, que fue la Guerra de Secesión y, el papel que desempeñaban las mujeres durante ese momento. Y a la larga, su papel que han desempeñado siempre a lo largo de toda la historia. Pero centrándonos en esta película, desea salirse del convencionalismo de la novela para destacar la importancia de las mujeres y demostrar que los hombres, tampoco saben vivir sin las mujeres y como se las ponían las cortapisas.

Algo que no ha ocurrido en las otras adaptaciones anteriores es, contar la historia de la novela que está escribiendo Jo, como parte de la trama. De esta forma, se divide la película en dos líneas temporales que permiten indagar en los sentimientos de todas y cada una de las hermanas. Aferrándose en cierto modo en esos sueños que tenían o en esos ideales con los que soñaban. Lo que termina en cierto modo con "arruinar" sus sueños es la imposición de que siendo mujer hay que casarse y eso es una idea que Jo quiere desterrar por completo pero, muchas veces, se sea hombre o mujer, no queremos estar solos. Pero, eso no siempre tiene que erradicarse introduciendo una pareja sentimental, también el amor de una familia es lo que hace que uno no se encuentre solo.

A pesar de ser la película que se ha salido de los convencionalismos de la novela, lo que si he echado un poco de menos es lo que realmente mueven a cada una de las hermanas a la hora de realizar ciertos actos (por ejemplo, la relación fría y distante entre Amy y Jo) e incluso, veo un poco forzadas algunas de las interpretaciones masculinas, sin llegar a conectar con las femeninas por lo que sus interacciones no son creíbles. Lo que oculta de alguna manera el que los personajes femeninos brillen con luz propia.

En conclusión, al igual que otras muchas novelas se sigue revisionando en el mundo del cine y muchas quedan deslucidas por la grandiosidad de su primigenias. Pero, en este caso, se nos demuestra una vez más que las mujeres siempre serán y son grandes artistas multidisciplinares y que, hay que mirar a la historia para saber que esta, se encuentra llena de grandes mujeres.

Calificación personal: 6.8

Las cosas que decimos, las cosas que hacemos (2020)

 

• Título original: Les choses qu'on dit, les choses qu'on fait
• Año: 2020
• Género: Romántico
• Dirección: Emmanuel Moret
• Intérpretes: Camelia Jordana, Niels Schneider, Vicent Macaigne, Émilie Dequenne, Guilliame Gouix, Julia Piaton, Jean-Baptiste Amonoum, Fanny Gatibelza.
• Guión: Emmanuel Moret
• Fotografía: Laurent Desmet
• Productora: Moby Dick Films, Canal +, Ciné +

SINOPSIS

Daphné, que está embarazada de tres meses, acoge a Maxime, el primo de su pareja, François. Mientras están juntos, ambos empiezan a conocerse y contarse todo acerca de sus desengaños amorosos y sus fracasos sentimentales. Los cuatro días que van a pasar juntos, no solo harán que se abran, sino que despertarán sentimientos encontrados.

CRITICA

Una fracción del cine francés se basa en la realización de películas románticas en las cuáles, no solo se pone de manifiesto las relaciones de pareja sino, todo aquello que concierne a las mismas, a la par que muestra aquellos aspectos externos que desvirtúan una relación de pareja. En cierto modo, es lo que se pretende mostrar con este filme pero (desde mi punto de vista) no llega a alcanzar o, trata de forma un tanto banal, elementos importantes que se deben de tener en cuenta en las relaciones de pareja.

Con esta película, lo que se pretende es reflejar (como si fuese un drama romántico) los diferentes diálogos, contradicciones y, sobre todo, las diferentes contradicciones entre el sentimiento amoroso y la forma de racionalizarlo (muy parecido a las películas de la Nouvelle Vague de Éric Rohmer). Pero, lo que no me llega a convencer del todo es la forma que tiene de justificar el sentimiento del enamoramiento o el querer a alguien con el engaño a la pareja.

Es decir, no niego la evidencia de que esté con una persona y empieces a conocer a otra persona y empiecen a aflorar los distintos sentimientos pero, cuando esto ocurre no se debe de recurrir a la infidelidad sino, hablar con la otra persona, hablarlo y ya poder seguir cada uno con su camino (aunque hay que reconocer que una ruptura, siempre duele). Por lo que pienso, que mezcla ese enamoramiento romántico con la infidelidades y en mi caso no me termina de convencer del todo.

Lo que puedo destacar de forma positiva es que permite al espectador estar atento en todos y cada uno de los movimientos de los personajes y, la forma de relatar sus diferentes fracasos de una forma ágil y comedida, sin caer en la repetitividad ni en el aburrimiento.

Calificación personal: 5.5

No mires arriba (2021)

 

• Título original: Don't look up
• Año: 2021
• Género: Comedio
• Dirección: Adam McKay
• Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Rob Morgan, Jonah Hill, Meryl Streep, Mark Rylance, Cate Blanchett, Melanie Lynskey, Tyler Perry, Timotheé Chalamet, Ron Perlman, Ariana Grande, Scott Mescudi.
• Guión: Adam Mckay
• Música: Nicholas Britell
• Fotografía: Linus Sandgren
• Montaje: Hank Corwin
• Productora: Netflix, Bluegrass Film

SINOPSIS

Dos astrónomos descubren un cometa y, al realizar los diferentes cálculos, llegan a la conclusión de que se estrellará en la Tierra. El único problema es que a nadie le importa, a pesar de haber hablado en los medios y con la presidenta de los Estados Unidos. Solo quedan seis meses para que impacte el cometa y nadie mira arriba.

CRITICA

La expectación a la hora de poder ver en la plataforma de streaming esta película fue máximo porque, no solo es que es una comedia con un gran reparto coral sino, porque a la hora de visionarla el espectador salió asustado por el tema del fin del mundo con un meteorito de por medio. Pero, más allá de un evento futurible (cercano o lejano), todos y cada uno de los personajes se pueden desgranar bastante porque aunque no lo parezca, son los problemas que se reflejan en la sociedad moderna.

A pesar de ser una comedia negra, en eta historia se refleja claramente como la sociedad parece "inmune" a los grandes problemas que hay en el mundo. Es decir, que hay que vivir día a día pero sin olvidar el presente. Esto es evidente puesto que los dos científicos que intentan contar la verdad pero se van encontrando a diferentes personas que no quieren que cuenten lo científicamente demostrable.

Empezando por los propios científicos es un reflejo de como la ciencia está a la orden del día pero no se le da la importancia necesaria y, por otro lado, cuando un científico adquiere cierta reputación, algunas veces se termina por desviar de sus verdaderas motivaciones profesionales (es el personaje de Leonardo DiCarpio que a pesar de ser muy bueno en su campo, nunca ha obtenido el reconocimiento y parece que ahora es su momento) y cuya perspectiva se pierde ante el éxito y la fama. Es lo que le suele ocurrir a muchas personas cuando la fama termina por subirse. A la par está la joven estudiante (interpretada por Jennifer Lawrence) que no busca su momento de gloria sino que salga la verdad, pero hay gente que quiere silenciarla porque hace "mucho ruido". Dicho "ruido" es silenciado sobre todo por una persona con una cuenta bancaria con demasiados ceros, lo que representa claramente que los que tienen el poder no son ni los políticos ni el propio pueblo, sino gente con dinero los que terminan por controlar de alguna forma la vida de la humanidad (experimentos, viajes al espacio, compra continua de grandes empresas, control en países más desfavorecidos y, un largo etcétera).

Otros personajes que destacan es la presidenta (grande, como siempre, Meryl Streep) que pretende no darle importancia a un acontecimiento que se acerca de forma inminente a la Tierra y que manipula la mente de las masas con el mensaje "¡No mires arriba!" (de ahí el título de la película) y que el pueblo no debe de permitir que les manipulen, lo que evidencia de forma clara el antiguo gobierno de Donald Trump y su "no evidencia" con el coronavirus y lo que ha rodeado a todas sus política durante su mandato. De esa relación con la presidenta está su hijo, que refleja como muchas personas adquieren puestos de importancia sin tener ningún tipo de cualidad ni nada que se le parezca y que es un hedonista que necesita publicar todo en redes sociales para sentirse importante, lo que se relaciona en cierto modo cuando importa más la vida personal y elementos absurdos; que es lo que hacen también los presentadores del programa, el cual es presentado por una mujer que debe de vivir de su apariencia. En definitiva, un sin fin de subtramas para entender que lo que de verdad importa, son grandes aspectos de la vida y no estupideces al fin y al cabo. Todos esos detalles que van apareciendo en la trama, lo mezcla con el patriotismo que tienen los americanos. Es decir, que ese gobierno siempre ensalza el lema “por la patria” para así esconder los problemas más acuciantes de la sociedad.

Es importante destacar que, aunque se centre todo sobre Estados Unidos, el comportamiento de cada uno de los personajes es perfectamente aplicable a todos y cada uno de los países del globo terráqueo. Ya que, siempre cualquier político que accede al poder lo “hace por el pueblo” pero realmente lo hace por su propio interés y, no le importa lo más mínimo el ciudadano. Porque siempre que se llega al poder, este corrompe y ocultan lo importante. Por lo que el título del filme podría ser realmente una metáfora de lo que hacen los políticos: “no mires arriba para no enfrentarte a la verdad y a la realidad que te rodea”.

Lo que se puede concluir con esta película es que, a pesar de tratarlo en clave de humor, hay que vivir el día a día y estar atentos a todo lo que ocurre, sin ser pesimista y hay que vivir todo pero, que no nos dejemos amedrentar por lo poderosos y que tengamos nuestro propio criterio y tener poder, dinero o influencias no te hace ser una persona recta sino, tener unos principios sólidos que duren siempre. Feliz fin del mundo queridos lectores.

Calificación personal: 7

Falso culpable (1956)

 

• Título original: The wrong man
• Año: 1956
• Género: Drama, historias reales
• Dirección: Alfred Hitchcock
• Intérpretes: Henry Fonda, Vera Miles, Anthony Quayle, Harold J. Stone, Richard Robbins, Charles Cooper, Nehemiah Persoff.
• Guión: Maxwell Anderson, Angus McPhail
• Música: Bernard Herrmann
• Fotografía: Robert Burks
• Montaje: George Tomasini
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

Manny Balestrero (Henry Fonda) es un hombre de familia que trabaja en un club de lujo como contrabajista. Un día, decide ir la correduría de seguros para que le adelanten parte de la póliza de su mujer. Parte de los empleados le confunden con un atracador. Lo que empezaba como un día tranquilo, supuso un infierno para Manny.

CRITICA

Quizás es una de las películas más desconocidas del maestro del suspense, que nos pone sobre la palestra una situación que con el paso de los años sigue sucediendo aunque, no es algo que aparece ni en la prensa escrita ni en el telediario puesto que, el sistema de justicia acepte un error grave en el juicio, posterior condena e incluso a veces la pena de muerte. Seguramente que hoy en día, existirán casos en los que muchas personas son declaradas culpables, cuando realmente son inocentes.

El tema mencionado en el párrafo anterior, se une al suspense para que el maestro de este género haga su película más realista. Esta película podría decirse que es como si fuese un semi-documental ya que, va guiando al espectador en el día a día de Manny, para mostrarnos que es un hombre sencillo y honrado y, que no hay verdadera maldad en los diferentes aspectos de su vida.

Pero lo que realmente llama la atención es que no pretende mostrar realmente ser fiable en todos y cada uno de los acontecimientos sino como el sistema de justicia no es infalible y que, por muchas pruebas, testigos o indicios, el sistema puede fallar porque está formado por seres humanos y no siempre es un sistema cien por cien efectivo. Dentro de este aspecto llama la atención como los cónyuges (es decir, Manny y su mujer) se enfrentan de forma diferente a una situación más peliaguda para el, puesto que está acusado de forma injusta pero, la mujer se exaspera por lo que se imagina que es lo que va a ser de ella y de sus hijos sabiendo que su marido es inocente.

Como he comentado anteriormente, su objetivo principal es reflejar todo lo que ocurrió realmente con todos y cada uno de los detalles sino reflejar una situación que, a pesar de mostrarse en un película, es algo terriblemente actual a la par que silenciado.

Calificación personal: 7