Al mal tiempo, buen cine...

Queridos lectores y seguidores:

Me permito escribir una líneas para agradeceros a todos (desde todas las partes del mundo) que visitéis mi blog y todo lo que voy publicando. Ante todo comentar que no estoy licenciada en cinematografía pero, doy gracias por haber asistido a cursos y que mis padres me introdujeran al cine con sólo 8 años.

Por eso os animo que escribáis vuestras opiniones sin vergüenza alguna (¡por eso existe la libertad de expresión!) o sugerir cambios o visionados de películas, ya que se convierte en un feedback donde podemos aprender unos de otros.

Para finalizar, gracias una vez más por vuestro tiempo y dedicárselo a mi blog. ¡Seguid disfrutando del cine!

lunes, 30 de marzo de 2020

Una cuestión de tiempo (2013)



  • Título original: About time. 
  • Dirección: Richard Curtis
  • Año: 2013
  • Género: Comedia dramáticaromancefantástico
  • Interpretación: Rachel McAdamsDomhnall GleesonBill NighyTom Hollander, Lindsay Duncan, Margot Robbie, Lydia Wilson, Tom Hughes, Vanessa Kirby, Will Merrick. 
  • Guión: Richard Curtis
  • Música: Nick Laird-Clowes. 
  • Fotografía: John Guleserian. 
  • Montaje: Mark Day
  • Vestuario: Verity Hawkes. 
  • Distribuidora: Universal Pictures International Spain.


SINOPSIS

A los 21 años, Tim Lake (Domhnall Gleeson) descubre que puede viajar en el tiempo. Su padre le cuenta que todos los hombres de su familia han tenido desde siempre ese don, así que decide que su mundo será mejor… y que tendrá novia. Después de trasladarse a Londres para trabajar en un bufete de abogados, acaba conociendo a la preciosa e insegura Mary. Pero según avanza su curiosa vida, Tim descubre que ese don tan especial no puede protegerle de las tristezas ni de los altibajos que afectan a cualquier familia. Incluso viajar en el tiempo tiene limitaciones y puede ser peligroso.


CRITICA

Con el paso del tiempo, el género romántico estuvo un poco de capa caída, no solo porque el cine evolucionase, sino también porque muchas veces no se mantuvo la esencia de las screwball comedies que tuvieron mucho éxito en la época dorada de Hollywood. Por otro lado, el concepto de comedia romántica se desvirtuó un poco con el paso del tiempo, puesto que parecía que se tenía que ceñir al estereotipo de el chico guapo, ligón y mujeriego e incapaz de comprometerse y que de repente, en su vida aparece una mujer que le cambia los esquemas. Por eso me alegro, que dentro de esta falta de criterio, aparezcan películas como ésta, de la cual haré la crítica.

La historia engancha al espectador desde el principio hasta el final, no sólo por el contenido "fantástico" de los viajes en el tiempo sino, por la simplicidad del personaje de Tim que no busca satisfacerse a nivel personal haciendo daño a los demás, sino todo lo contrario, quiere hacer cosas para él pero también para poder ayudar a los que tiene a su alrededor y a los que más quiere. Pero claro, el descubrimiento de poder viajar en el tiempo no le impide eliminar los elementos tristes de su vida que son inevitables y que solo poder experimentar determinados acontecimientos de la vida con los que más quieres, merece más la pena que poder viajar en el tiempo. Puesto que, si viajas en el tiempo para arreglar la vida de los que quieres para que no la destrozen, puede que desajustes tu propia vida. Es una metáfora que lo quiere mostrar es que, es necesario preocuparse por los demás pero no somos quiénes para cambiarla, sino solo elementos de ayuda para que puedan cambiar. Y de alguna forma, también deja entrever que si a veces no nos preocupamos un poco por nosotros, podemos perder algunas oportunidades que nos harían crecer.

Otro de los aspectos a tener en cuenta de la película es que la historia va más allá del estereotipo de chico conoce a chica y como él, decide conquistarla y cuando realiza alguna que otra pifia, decide volver atrás para hacerlo mejor. Sino también una forma de poder apreciar lo que nos ocurre en la vida (ya sea positivo o negativo, alegre o triste) y ver que muchas veces no hay que perder tiempo para poder decirle a alguien un simple "te quiero" o recordar aquellos instantes que nos marcan en nuestro crecimiento personal.

En resumen, es una comedia romántica entretenida, divertida, con encanto y que en más de una ocasión tocará la fibra sensible del espectador y que, por encima de todo, te hará valorar todas aquellas pequeñas cosas que muchas veces despreciamos y no valoramos y que a veces, es necesario pararse un poco para apreciarlas.

Calificación personal: 8


jueves, 26 de marzo de 2020

Luces de la ciudad (1931)



  • Título original: City Lights
  • Año: 1931
  • Género: Comedia, romántica
  • Dirección: Charles Chaplin
  • Intérpretes: Charles Chaplin, Virginia Cherrill, Florence Lee, Harry Myers, Al Ernest Garcia, Hank Mann
  • Guión: Charles Chaplin
  • Música: José Padilla, Charles Chaplin, Arthur Johnson, Alfred Newman
  • Fotografía: Rollie Totheroh, Gordon Pollock
  • Montaje: Charles Chaplin
  • Productora: United Artists


SINOPSIS

Charlot (Charles Chaplin) es un vagabundo que se enamora de una florista ciega (Virginia Cherrill). Entonces Charlot busca la forma para conseguir dinero para que se opere por lo que sufrirá diferentes avatares, así como la ayuda de un millonario que solo es amable con el cuando está borracho.


CRITICA

En todas las películas en las que actuaba Charles Chaplin (en las que también escribía el guión y dirigía el filme) el toque de sus historias era el cómico pero, a su vez escondía alguna que otra temática romántica así como más de una denuncia sobre lo que acontecía en la sociedad, sobre todo para la gente más vulnerable. Lo que demuestra una vez más que las películas mudas o no dialogadas pasaron a ser parte de la historia, cuando muchas veces importaba más lo que se decía con los gestos y las propias imágenes, que con los propios diálogos.

De echo, Luces de la ciudad fue una de las últimas películas mudas que realizó el gran cómico antes de meterse de lleno en el cine sonoro. Centrándome en esta película, como muestra de una manera muy clara la gran diferencia de clases: por un lado están los ricos con esas casas suntuosas y las fiestas abarrotadas; por otros lado estarían los pobres que viven en casas casi cochambrosas y donde el dinero les llega para vivir lo justo y, como a lo largo de la película van apareciendo esos dos escenarios, como si se pasase desde el cielo (la zona de los ricos) a los infiernos (la zona de los pobres). Pero, ante esa distinción social está la esperanza de Charlot en conseguir su objetivo cueste lo que cueste, eso si, sin tener que dañar a nadie.

Pero, además de esos momentos cómicos, también hay momentos es los que se aprecia el toque dramático y el romántico, mostrando en la sencillez y la amabilidad de la florista a ese benefactor que de alguna forma, la sigue ayudando día tras día en su pequeño negocio y claro, como Charlot no quiere decirle que es pobre puesto que se ha enamorado de ella y piensa que si descubre su pobreza, ella lo más seguro es que lo rechace.

También cabe destacar que el personaje del vagabundo interpretado magistralmente por Charles Chaplin, muestra el desprecio y la burla que sufren hoy en día (y también en el pasado) este tipo de personas cuyos recursos son bastante escasos y que son apartados de la sociedad como si fueran basura, sin tener en cuenta que también son personas y que no son ajenas a lo que sucede a su alrededor, aunque muchas veces retiremos la mirada cuando pasamos a su lado.

Con respecto al final, aunque muchos de los espectadores ya lo conozcan o intuyan como es, prefiero no describir nada al respecto para que así cuando se vean los últimos diez minutos de película se pueda grabar en nuestra memoria, una de las mejores escena que ha dado el mundo del cine.


Calificación personal: 8


Testigo de cargo (1957)



  • Título original: Witness for prosecution
  • Año: 1957
  • Género: Suspense
  • Dirección: Billy Wilder
  • Intérpretes: Charles Laughton, Tyrone Power, Marlene Dietrich, Elsa Lanchester, John Williams, Henry Daniell, Ian Wolfe
  • Guión: Billy Wilder, Larry Marcus, Harry Kurnitz
  • Música: Matty Malneck, Ralph Arthur Robert
  • Vestuario: Edith Head
  • Fotografía: Rusell Harlan
  • Productora: United Artists


SINOPSIS

Leonard Vole (Tyrone Power) es un hombre joven y atractivo que es acusado de asesinar a una mujer rica. Para ello recurre al abogado Wilfrid Roberts (Charles Laughton) cuya fama en ganar juicios le precede. A medida que se va desarrollando el mismo, empiezan a aparecer nuevas pruebas sobre la posible inocencia de Leonard.


CRITICA

Generalmente, cuando un guión de una película se basada en una aclamada novela de la escritora Agatha Christie, el éxito del film solía estar asegurado. No solo por la gran adaptación que se solía hacer de sus novelas y/o de sus obras de teatro, sino también por la trama tan bien elaborada que hilaba todos y cada uno de los acontecimientos que iban sucediendo, dejando una atmósfera totalmente electrizante cuyo final era totalmente inesperado.

En el caso de esta película, no solo aporta los elementos de suspense necesarios para el desarrollo de la misma, sino también algún que otro toque cómico que en cierto modo permite mantener la atención sobre el personaje interpretado por Charles Laughton (inmenso como siempre en sus películas) que lleva la batuta como abogado defensor del acusado, no solo ejerciendo su profesión como abogado, sino también para tener toda la cronología y cada uno de los detalles actualizados para llevar el control durante el juicio; este aspecto que se claramente reflejado cuando aparece la mujer de su cliente (interpretada por Marlene Dietrich) la cual permanece a ratos impasible y otras veces preocupada por la situación de su esposo.

Desde un primer momento se muestra al acusado culpable de haber matado a la señora rica pero, después aparecen pruebas que parece que le van a exonerar para que más adelante, aparezcan más pruebas que le vuelven a incriminar. En estas idas y venidas de las pruebas, aparecen elementos o personajes secundarios que parecen un mero "elemento decorativo" de la trama pero, en más de una ocasión resultan relevante para el desarrollo de la historia.

Desde que tengo uso de razón, he visto muchas películas sobre procesos judiciales pero, no siempre me han conseguido mantenerme completamente hipnotizada por la trama pero, con Testigo de cargo cada fotograma es una sorpresa en el giro del guión hasta llegar a su desenlace que hace que el espectador se quede con la boca completamente abierta. Aunque he de reconocer, que la famosa Marlene Dietrich, no termina de darle el toque necesario a su personaje.

Desde mi punto de vista, es una película con un suspense muy abierto en el que no se sabe que es lo que va a pasar realmente y donde las tornas de culpabilidad e inocencia cambian cada minuto que va pasando. Por eso, a los grandes amantes del cine o para aquellos que quieren descubrir grandes obras del cine clásico, Testigo de cargo es su película.


Calificación personal: 8.5


miércoles, 25 de marzo de 2020

Venom (2018)



  • Dirección: Ruben Fleischer
  • Año: 2018
  • Género: Acción, aventuras
  • Intérpretes: Tom Hardy, Michelle Williams, Riz Ahmed, Scott Haze, Reid Scott, Jenny Slate, Peggy Lu.
  • Guión: Scott Rosenberg, Jeff Pinker, Kelly Marcel
  • Música: Ludwig Göransson
  • Fotografía: Matthew Libatique
  • Montaje: Maryann Brandon, Alan Baumgarten
  • Productora: Columbia Pictures, Marvel Entertainment


SINOPSIS

Eddie Brock (Tom Hardy) es un periodista que está investigando la fundación de Carlton Drake (Riz Ahmed) al enterarse que están realizando experimentos con humanos. Tras perder su trabajo y a su prometida, decide seguir investigando y averiguar que la experimentación con seres humanos a través de simbiontes, es cierta.


CRITICA

Uno de los fenómenos de la última década es la adaptación de superhéroes y de diversos personajes de cómic, lo que acaba resultando en un gran negocio para las grandes productoras, ya que es un producto de entretenimiento además de ser un blockbuster asegurado para crear segundas y terceras partes. Lo que hace que Venom no se quede atrás en esta proclama. La única variante, es que el personaje no se engloba dentro de los superhéroes pero, realiza su función.

Como ya se sabe, este tipo de películas no tiene una profundidad en el guión para ser examinado detalle a detalle puesto que la premisa que tiene es entretener al público y que pase un rato distendido y realmente lo consigue sin ser un filme muy espectacular que el espectador quiera una segunda parte (que no se sabe si se estrenará al final en el año 2020) para ver lo que sucede con el simbionte.

El atractivo de la película no solo está en la aparición de Tom Hardy como el protagonista sino también el simbionte que establece una relación con Eddie Brock un tanto curiosa y que genera una que otra carcajada y momentos de acción un tanto curioso cuando huye con la moto.

Se puede decir que uno de los mensajes que puede llegar a transmitir es como muchas veces en pos de la ciencia y de su avance, se traspasan ciertas barreras que nunca deben de ser traspasadas porque sino la ética médica se pierde en todas direcciones y el beneficio de hacer algo por el ser humano se acaba convirtiendo en maldad.

En definitiva, a pesar de no ser muy fan de los cómics, si que es cierto que esta película es bastante entretenida y pasa rápido a la par que genera momentos graciosos y la presencia de un actor versátil como Tom Hardy hacen que sea más amena.


Calificación personal: 6


sábado, 21 de marzo de 2020

El caso de Lucy Harbin (1964)



  • Título original: Strait Jacket
  • Año: 1964
  • Género: Thriller
  • Dirección: William Castle
  • Intérpretes: Joan Crawford, Diane Baker, Leif Erickson, Howard St. John, John Anthony Hayes, Rochelle Hudson, George Kennedy.
  • Guión: Robert Bloch
  • Música: Van Alexander
  • Fotografía: Arthur E. Arling
  • Productora: Columbia Pictures, William Castle Productions


SINOPSIS

Lucy Harbin (Joan Crawford) sale tras haber estado recluida en un psiquiátrico durante veinte años tras matar a su marido y a su amante. Sin embargo, el difícil reencuentro con su hija Carol que presenció el crimen y las huellas de su pasado, hacen sospechar que Lucy podría volver a matar.


CRITICA

Cuando me encuentro con alguna rareza de cine clásico de la que nunca he oído hablar y después me deja sorprendida, me deja una buena sensación por seguir descubriendo buenas e interesantes películas que han pasado al olvido o incluso, no han llegado a ser la obras cúlmenes de actores y actrices del siglo pasado. Pero para eso están las plataformas de vídeo bajo demanda, para que así se puedan recuperar estas joyas.

Centrándome en lo que me ocupa esta crítica, a pesar de ser un cine "gore" (eso si, muchísimo más suave que el que se produce en la actualidad) si que pone de manifiesto algo de lo que el ser humano ha tenido muchas veces miedo, que son las enfermedades mentales y la reinserción de personas a la sociedad que años atrás habían cometido algún crimen. Ya que la paradoja de esta situación es que muchos de ellos dicen que se han rehabilitado pero, en realidad lo fingen para poder salir de la cárcel o del psiquiátrico. Pero, a la vez se nos plantea la pregunta de si realmente todos los que quieren volver a tener una vida normal, hay algunos que si se han curado y ya no suponen un peligro para ellos mismos ni para la sociedad. Este es el caso de la protagonista, a la que ponen "a prueba" para ver si se puede integrar de nuevo a la vida de su hija.

A medida que la trama va avanzado, aparece la personalidad de Lucy como alguien frágil como la porcelana, que lo único que quiere es recuperar su libertad pero cree que nadie la como una mujer recuperada cuyo instinto asesino no va a volver a aparecer y que se ha reformado durante los veinte años que ha estado en el psiquiátrico. Pero, la sombra de la sospecha está encima de ella durante toda la película y, junto con los diferentes planos que acompañan a la gran Joan Crawford (que interpreta a Lucy Harbin) junto con su brillante interpretación, mantiene al espectador en una zozobra constante y no sabe si lo que ocurre es verdad o no.

No voy a dar más pistas sobre la trama, porque sino voy a destripar toda la película y al final se me va a escapar algún spoiler y no es lo que quiero. Durante los años sesenta empezaron a aparecer muchas películas derivadas un poco de las de serie B, que mostraban un aspecto tenebroso y un poco gore pero al final, se acababan convirtiendo en thrillers de segunda con una gran solvencia. Por eso agradezco una vez más que este tipo de joyas aparezcan en mis manos para deleitarme de vez en cuando con historias un tanto sorprendentes. Pero, de lo que si estoy segura es que de vez en cuando la mente nos puede llegar a jugar una mala pasada.


Calificación personal: 7


jueves, 19 de marzo de 2020

Tully (2018)




  • Dirección: Jason Reitman
  • Año: 2018
  • Género: Drama
  • Intérpretes: Charlize Theron, Mackenzie Davis, Ron Livingston, Mark Duplass, Elaine Tan, Asher Miles Fallica, Lia Frankland.
  • Guión: Diablo Cody
  • Música: Rob Simonsen
  • Fotografía: Eric Steelberg
  • Montaje: Stefan Grube
  • Productora: Bron Studios, Right Way Productions


SINOPSIS

Marlo (Charlize Theron) es una madre de tres hijos y la última una recién nacida y que su hermano le hace un regalo: le contrata una niñera nocturna para que ella pueda descansar. Al principio le parece algo extraño, pero al final acaba estableciendo una relación única con Tully (Mackenzie Davis).


CRITICA

Hay veces que las películas que sorprenden muchas veces por las historias que cuentan aunque muchas veces el estilo narrativo de la película puede ser un poco lento. Pero, lo que realmente resulta de este filme es lo que cuenta acerca de la maternidad y como es siempre la mujer la que lleva el peso en el cuidado de los hijos y como los hombres creen que el papel mayoritario lo tiene que llevar la madre, puesto que con la baja de maternidad ella se queda en casa.

Desde el comienzo se muestra el cansancio físico y mental está perfectamente representado para que entendamos bien qué le lleva a decidirse por aceptar a que una niñera cuide de su hija recién nacida por las noches para poder descansar. Por otro lado la agotadora rutina que lleva Marlo todos los días se muestra de una forma muy visual en el aspecto físico y en la forma de vestir que hacen que el marido viva ajeno a lo que Marlo está haciendo y de esta forma sencilla pero efectiva muestra que pueden aportar el resto de personajes, especialmente el marido el cual se limita a preguntarle a su mujer si "está bien" pero a la vez le extraña un poco el comportamiento de ella.

La conexión que establece Marlo con la niñera le permite recuperar la imagen de persona con sueños e ilusiones y no solo una madre que está pendiente de sus hijos y que a veces necesita un poco de tiempo para ella para descansar cuerpo y mente pero realmente ella se siente un poco abnegada a seguir el rol de madre, el cual adora pero que le hace entrar en una espiral de agotamiento. Por eso, la llegada de la niñera le hace recordar sus tiempos de juventud y a a la vez poderse relajar con alguien con quien compartir esa rutina de ser madre.

En definitiva, la película muestra como muchas veces ser madre es un trabajo y una dedicación que no tiene ningún tipo de recompensa pero, lo único que se necesita es que tu compañero esté al pie del cañón porque también son sus hijos y, porque no hay que ayudar, lo que hay que hacer es compartir la dura tarea de ser padre. Con esto no quiero decir, que haya hombres que no se impliquen pero, algunos deberían de hacerlo un poco más.

Cómo siempre, Charlize Theron está impresionante metiéndose de lleno en el papel de madre que se ha descuidado así misma para dedicarse por entero a sus hijos y como el agotamiento y el insomnio se ve claramente en su rostro (por este papel y otros muchos es una gran actriz). Por eso hay que recordar que ser madre no viene con un manual de instrucciones, sino que hay que adaptarse a lo que venga con tranquilidad y por supuesto, con ayuda.


Calificación personal: 6.5


miércoles, 18 de marzo de 2020

Los hermano Karamazov (1958)



  • Título original: The brothers Karamazov
  • Año: 1958
  • Género: Drama
  • Dirección: Richard Brooks
  • Intérpretes: Yul Brynner, Maria Schell, Claire Bloom, Lee J. Cobb, Albert Salmi, Richard Basehart, William Shatner
  • Guión: Richard Brooks, Julius J. Epstein, Philip G. Epstein
  • Música: Bronislau Kaper
  • Vestuario: Walter Plunkett
  • Fotografía: John Alton
  • Montaje: John D. Dunning
  • Productora: Metro Goldwyn Mayer


SINOPSIS

Rusia, siglo XIX. Los hermanos Karamazov han vivido la actitud libertina, manipuladora y oportunista de su padre (Lee J. Cobb). La relación entre todos ellos se establece alrededor del dinero y de las mujeres y todos ellos desean la muerte de su progenitor, incluso el hijo bastardo del padre.


CRITICA

La película se basa en la novela homónima de Fiódor Dostoyevski, el cuál siempre escribía sobre su amada Rusia con historias sobre entornos familiares complicados y dudosas cuestiones de moralidad que cae sobre cada uno de ellos. Pero desde el punto de vista del escritor, intentaba buscar siempre la redención de los personajes y apelaba a su humanidad y su bondad por mucho que el ser humano atisbe un poco de maldad.

En la historia se refleja la relación que tienen los tres hermanos con su progenitor, el cual desprecia a su prole porque solo tiene en mente divertirse y pasar lo que le queda de vida en torno a la bebida y las mujeres, para ello su deseo es desheredar a sus hijos a los cuales nunca ha valorado por su talento: uno de ellos se hizo sacerdote, otro es un famoso periodista y el tercero es un militar que a pesar de su afán desmedido por el juego y las deudas, pero que en su fuero interno quiere cambiar y ser una mejor persona pero nadie le cree capaz ya que la falta de amor hacia su padre es manifiesta, a la vez ha visto que ha impedido las posibilidades de sus hermanos y las suyas. Pero eso cambia cuando conoce a la querida de su padre que inicialmente quería hundirle, reconoce en el mayor de los hermanos Karamazov a una persona atormentada por su infancia y por no recibir el cariño y respeto por parte de sus hermanos y de su padre.

El guión está bastante bien elaborado a pesar de que las adaptaciones de los libros del novelista ruso son bastante complejas, no solo por la aparición de un gran número de personajes que establecen una relación entre ellos sino por el volumen de sus novelas. Por eso, al principio puede parecer que las conexiones entre los personajes y temporales no tienen mucho sentido o incluso la aparición de personajes secundarios, no se sabe realmente si influye o no en el desarrollo de la historia. Independientemente del caos que se puede generar, lo que es realmente importante es el trasfondo de la historia. Uno de esos aspectos es como muchas veces el simplemente haber dado la vida a un hijo, no se es padre, puesto que ser progenitor implican muchas cosas y a veces no hay preocupación por los hijos. Por otro lado, los hijos no sienten aprecio por su padre y creen que ha sido un ser despreciable y creen que estaría mejor muerto. Cuando eso ocurre, el hermano mayor es sospechoso, se pone de manifiesto que realmente los tres hermanos son lo único que tienen entre ellos.

Con lo que hay que quedarse realmente de esta historia es que el asesinato no está justificado de ninguna forma y que sobre todo, el ser humano puede equivocarse y a la vez se puede arrepentir y ver cuáles son los errores que ha cometido. Porque todo aspecto negativo siempre tiene su lado positivo, entre los cuales se encuentra el perdón, el arrepentimiento, respeto y la ayuda a los demás.



Calificación personal: 7


martes, 17 de marzo de 2020

El hombre invisible (2020)



  • Título original: The invisible man
  • Año: 2020
  • Género: Thriller
  • Dirección: Leigh Whannell
  • Intérpretes: Elisabeth Moss, Aldis Hodge, Storm Reid, Harriet Dyer, Oliver Jackson-Cohen, Michael Dorman
  • Guión: Leigh Whannell
  • Música: Benjamin Wallfish
  • Fotografía: Stefan Duscio
  • Productora: Blumhouse Productions


SINOPSIS

Después de que su abusivo ex novio se suicidara, Cecilia (Elisabeth Moss) decide reconstruir su vida para mejor. Según van avanzando los días y los pequeños acontecimientos que la rodean, Cecilia sospecha de que realmente su novio, no esté muerto.


CRITICA

Hace como unos tres años aproximadamente, Universal había anunciado que iba ha realizar un nuevo "lavado de cara" a sus monstruos más icónicos rodando nuevas películas, pero parece ser que todo eso quedó en agua de borrajas cuando tras el fiasco del remake de La momia, nada más se supo, hasta que llegó a nuestras pantallas El hombre invisible donde la trama no tenía nada que ver con las cintas clásicas y este aspecto novedoso es lo que me trajo la atención para ver esta película.

La premisa es sencilla, una mujer que es maltratada por su pareja decide poner tierra de por medio abandonándolo y poder comenzar una nueva vida. Así, desde el minuto uno se va generando esa atmósfera de tensión y de angustia cuando la protagonista decide huir sin que su novio se despierte. Cuando lo consigue y posteriormente le comunican que el ha fallecido, ella piensa que es algo liberador y que va a poder continuar con su vida. Pero, realmente hay algo en su cabeza que le indica todo lo contrario y que su pareja realmente la sigue persiguiendo.

Esa generación de angustia de saber o no saber si realmente está vivo, acompañado de planos detalles junto con momentos de oscuridad, hace que el espectador se meta por completo en la película así como en la piel de Elisabeth Moss (que deja a June Osborne de la serie El cuento de la criada por una interpretación nada desdeñable de una mujer angustiada por su pasado) porque no se sabe que es lo que va a ocurrir a continuación y si realmente ella está loca o no.

Por otro lado y desde mi punto de vista, encierra en cierto modo una crítica del efecto que hay del maltrato sobre la mujer, porque a pesar de que puede conseguir despegarse de su pasado y que su ex pareja no le va a volver a dañar, en su fuero interno saben que el miedo, la angustia, la sensación de persecución es algo que van a tener impreso a fuego toda su vida en su memoria. Como es lógico, la historia que se narra en la película es una forma de sacar a la palestra una realidad un dura y que se vive día a día.

La tensión que se va reflejando a lo largo de toda la trama permite que el espectador no despegue ni un momento los ojos de la película para no perderse ni un solo detalle para poder descubrir que es lo que está pasando realmente y, como es lógico, va acompañado de más de un susto y/o sobresalto que no se espera. Estos elementos han sido posibles gracias al guión limpio y bastante depurado y la dirección de Leigh Whannell que sorprendió al público en el año 2004 con Saw (ver crítica en este blog) donde sabe en que puntos y con que elementos sabe poner al espectador en máxima tensión.

La verdad es que me quedé gratamente sorprendida al ver este filme y poder haber podido disfrutar durante toda su duración. Además, creo que si a las historias de terror se les da un toque más "enigmático" pueden salir películas aptas para todos aquellos a los que no les guste mucho el cine de terror (como es el caso de una servidora)


Calificación personal: 8





Como Dios (2003)



  • Título original: Bruce Almighty
  • Año: 2003
  • Género: Comedia
  • Dirección: Tom Shadyac
  • Intérpretes: Jim Carrey, Morgan Freeman, Jennifer Aniston, Steve Carrell, Philip Baker Hall, Catherine Bell, Lisa Ann Water, Nora Dunn
  • Guión: Steve Koren, Mark O'Keefe, Steve Oedekerk
  • Música: John Debney
  • Fotografía: Dean Semler
  • Montaje: Scott Hill
  • Productora: Spyglass Entertainment, Shady Acres, Pit Bull


SINOPSIS

Bruce Nolan (Jim Carrey) es un insatisfecho reportero que ve como le dan el puesto de presentador a su mayor competencia en la cadena. Lo que lleva a Bruce a quejarse de Dios y de sus "malas gestiones" para/con él. Un día, recibe un mensaje en su busca y llega a un edificio vacío en donde se encuentra con el mismo Dios (Morgan Freeman) el cual le cede todos sus poderes para ver si él, es capaz de hacerlo mejor.


CRITICA

Desde que tengo uso de razón, he visto muchas películas protagonizadas por Jim Carrey y, nunca me ha gustado ni como actor, ni como cómico; pero he de reconocer que este ha sido el único filme del actor que me gustó y que su interpretación no me resultó demasiado histriónica y exagerada y que posee algunas "dotes" interpretativas. Pero, para no seguirme andando por las ramas, voy a comenzar la crítica de esta película.

A pesar de que el guión esté escrito en tono de comedia (lo cual hace que sea bastante amena), también realiza una crítica al ser humano que aún teniendo de todo (y que no hace falta que sea material) no está conforme con nada y lo único que hace es quejarse porque Dios no le concede lo que pide o lo que desea y que, para cuando un poco de suerte en su vida. Y cuando Dios se toma "unas vacaciones", el protagonista hará y deshará a su antojo, hasta que se da cuenta que hay que atender a las oraciones en vez de tenerse que estar todo el día mirándose el ombligo.

Esa mirada hacia si mismo, es lo que hace que su relación se acabe resintiendo y que no se haya fijado en que hay otra persona que forma parte de su vida y, también es necesario tener que ser un poco altruista y ayudar a los demás en pequeñas cosas que pueden resultarles un mundo. En este ir devenir a su antojo actuando con los poderes de Dios, se da cuenta de que muchas veces no es necesario las cosas materiales para satisfacer las cosas importantes de la vida. Esto me lleva a reflexionar que, en estos momentos en lo que el mundo entero, está casi de cuarentena por el coronavirus, mucha gente ha sido capaz de sacar lo mejor de si misma en estos momentos de incertidumbre y de paso, valorar aquellas pequeñas cosas a las que muchas veces no les hacemos caso porque estamos enfrascados en nuestro trabajo y muchas veces no salimos de ese círculo vicioso.

Termino diciendo que a veces se puede dedicar un poco de tiempo (aunque sean cinco minutos) a ayudar de forma desinteresada a otros pero, que no sea de manera forzada ni para sentirse bien con uno mismo sino, porque realmente se quiere ayudar a la gente que realmente lo necesita y que al fin y al cabo, nuestra vida tampoco es tan horrorosa, sino que no sabemos apreciarla lo suficiente. Por eso, pienso que con esta dosis de humor a través de esta película, pueda hacernos cambiar un poco la mentalidad tan cerrada y egoísta que tenemos a veces.


Calificación personal: 7


Nine (2009)



  • Dirección: Rob Marshall
  • Año: 2009
  • Género: Musical
  • Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Marion Cotillar, Penélope Cruz, Judi Dench, Fergie, Nicole Kidman, Kate Hudson, Sophia Loren
  • Guión: Anthony Minghella, Michael Tolkin
  • Música: Andrea Guerra
  • Fotografía: Dion Beebe
  • Vestuario: Colleen Atwood
  • Montaje: Claire Simpson, Wyatt Smith
  • Productora: The Weinstein Company, Relativity Media

SINOPSIS

Guido Contini (Daniel Day-Lewis) intenta planear su próxima película tras su último fracaso. Mientras piensa como escribir el guión, empieza a recordar elementos importantes de su vida y las mujeres que le marcaron durante la misma y las que le influyen en la actualidad que lo han amado y lo han dejado.


CRITICA

Basado en el famoso musical de Broadway y que a su vez se basa en la película del director italiano Fellini sobre la crisis artística de un director que no sabe como abordar el guión (el cual no tiene) para rodar su siguiente filme mientras, el sigue esquivando las responsabilidades que tiene como artista, director y marido para justificar su comportamiento.

Es cierto que cuando se visiona un musical, es un poco complicado realizar una crítica objetiva, puesto que lo prima un poco en este tipo de películas es la calidad de las canciones como de los números musicales aunque es verdad que para que se desarrollen los mismos es necesario cierta solidez del guión para que la historia cobre cierto sentido.

La verdad es que no es una película del género musical espectacular pero si que es necesario mencionar que, a pesar de que la historia gire en torno al director atormentado (interpretado por Daniel Day-Lewis, en uno de sus papeles más silenciosos), las verdaderas protagonistas aquí son las diferentes mujeres que han pasado por su vida, interpretadas por grandes actrices que demuestran grandes dotes de baile y canto y que son las que realmente sacan la película hacia delante. Si bien es cierto, que uno de los mayores reclamos que tuvo el filme fue volver a ver a la veterana Sophia Loren de nuevo en la pantalla. Por otro lado, la cantante Fergie hacía su primera incursión en el mundo del cine con el número más espectacular de la película.

Este musical fue dirigido por Rob Marshall, habitual de este género que se dio mundialmente a conocer cuando en el año 2002 estrenó Chicago (ver crítica en este blog) y que se amolda a la perfección a la historia creando el mismo la coreografía e ideando parte de los escenarios, lo que hace que la película brille en los momentos más destacados.

Como ya he comentado anteriormente, el género musical tiene una función principal que es la de entretener y que el espectador pase un agradable rato tarareando las canciones y mostrar el gran trabajo que hay muchas veces detrás de una coreografía. Por eso, con esta película, sean ustedes... Italianos.



Calificación personal: 6


domingo, 15 de marzo de 2020

Dos mujeres (1960)



  • Título original: La cociara
  • Año: 1960
  • Género: Drama
  • Dirección: Vittorio de Sica
  • Intérpretes: Sophia Loren, Jean-Paul Belmondo, Eleonora Brown, Carlo Ninchi, Raf Vallone, Emma Baron, Curt Lowens.
  • Guión: Cesare Zavanttini, Vitorio de Sica
  • Música: Armando Trovajoli
  • Fotografía: Gábor Pogány
  • Montaje: Andrea Novelli
  • Productora: Compagnia Cinematrografica, Champion, Cocinor


SINOPSIS

Italia, Segunda Guerra Mundial, Cesira (Sophia Loren) decide abandonar Roma junto con su hija Rosa (Eleonara Brown) por los bombardeos constantes. Emprenden el camino al pueblo donde nació Cesira pero aún así la guerra llega allí. Tras unos años, deciden regresar a Roma pero en la vuelta son violadas por mercenarios marroquíes.


CRITICA

El cine italiano del siglo pasado me ha enamorado siempre porque mostraba un realismo de una de las épocas más complicadas de su historia (su segundo peor momento es el que está viviendo actualmente) y como ha mostrado a diversos colectivos y grupos de la sociedad más vulnerables y que muchas veces les ignoramos porque nos solemos preocupar más de nosotros que el ver que hay gente que necesita un poco de nuestra ayuda. En este caso, el gran Vittorio de Sica muestra la capacidad de una mujer soltera de salir adelante sin ningún tipo de ayuda.

Cómo se muestra desde el minuto uno, refleja como una madre y una hija huyen de la gran ciudad para refugiarse en el campo de los horrores de la guerra pero, la realidad llegará a ser mucho más cruel con ellas dos. Cómo ya hiciera en dos de sus películas anteriores (Ladrón de bicicletas y Umberto D, cuyas críticas están en este blog), Vittorio de Sica muestra las dificultades por las que atravesaron muchos italianos y en concreto un episodio real que aconteció a las mujeres italianas de aquella época sufrieron violaciones por parte de marroquíes contratados por las tropas aliadas.

El desarrollo de la película parece que de vez en cuando se tambalea un rato y no sigue un ritmo concreto, puesto que el personaje deambula de un lado a otro sin aclarar del todo la historia que hay detrás. Pero, más allá de eso se refleja claramente la lucha de una mujer para sacar adelante a su hija y todo lo que realiza para valerse por si misma. Aún asín eso no impide que a ambas les ocurra un acontecimiento horrible donde a nadie le importa lo más mínimo ya que lo primordial en aquel momento era la guerra pero había otras "guerras" que había que combatir en aquel momento: pobreza, hambre, muertes y violaciones de las que muchos salieron impunes.

Lo que acaba resultando la película es exaltar el papel y la importancia de la mujer cuyo papel es importante en diferentes facetas y aspectos de la vida pero que al final es la que acaba sufriendo las enormes secuelas físicas de una violación que la marcan de por vida por vulnerar su cuerpo y tener que sentirse sucia y culpable el resto de su vida por algo que le han hecho.

Con esta película, la actriz italiana fue la primera mujer extranjera en ganar el Oscar a la mejor actriz principal poniéndola en el disparadero de Hollywood, así como colocar a Italia de nuevo en el disparadero del cine internacional, recordando que el cine realista italiano mostraban la realidad sin miramientos para que el espectador fuese consciente de la gente que hay a nuestro alrededor. Pero no solo en aquella época, sino también ahora y siempre.


Calificación personal: 7.3


sábado, 14 de marzo de 2020

En un lugar solitario (1950)



  • Título original: In a lonely place
  • Año: 1950
  • Género: Suspense, crine negro
  • Dirección: Nicholas Ray
  • Intérpretes: Humphrey Bogart, Gloria Grahame, Frank Lovejoy, Carl Benton Reid, Art Smith, Jeff Donnell, Robert Warwick, William Ching.
  • Guión: Edmund H. North, Andrew Solt
  • Música: George Antheil
  • Fotografía: Burnett Guffey
  • Vestuario: Viola Lawrence
  • Productora: Columbia Pictures


SINOPSIS

Dixon Steele (Humphrey Bogart) es un guionista de Hollywood cuya carrera se ha estancado, pero le han encargado la tarea de adaptar un best-seller. Sin ganas de leerse la novela, invita a su casa a Mildred, la chica del guardarropa que se ha leído la novela para que se la relate. A medianoche se despiden y Mildred regresa a casa. Pero a la mañana siguiente, debe de ir a comisaría puesto que la chica ha aparecido asesinada y el es uno de los principales sospechoso.


CRITICA

Desde que tengo uso de razón cuando comencé a ver cine clásico la mayoría de los actores y actrices me gustaban, menos Humphrey Bogart. Pero al ver esta película la opinión sobre él ha cambiado ligeramente, puesto que al descubrir este filme desde mi punto de vista, es la mejor interpretación que ha realizado en su carrera y mostrar su volubilidad a nivel interpretativo. Voy a comenzar la crítica de una gran historia de suspense.

El inicio de esta historia es un tanto inquietante puesto que comienza mostrando al personaje Dixon Steele como alguien solitario e iracundo donde todo le molesta y su reacción consiste siempre en buscar pelea y usar la violencia como su mecanismo de acción y reacción y que se ve a medida que la historia va transcurriendo y cuando empieza la relación con su vecina de enfrente la cual se enamora perdidamente de el pero, a medida que pasan los días y las sospechas sobre ella y sobre Dixon sobre el asesinato de una joven que intentaba ayudar a Dixon sobre la adaptación de una novela.

El desarrollo de la trama es lineal y poco a poco se van mostrando todos y cada uno de los pasos que se realiza en la investigación sobre el asesinato y como las dudas se van cerniendo sobre la pareja por las ideas para realizar un crimen por parte de el y por la relación amorosa por parte de ella. Pero a medida que la historia se va desgranando, se ve las caras de ambos y las debilidades y dudas que se siembran en torno a ellos y la relación de los protagonistas.

Desde mi punto de vista, que es una historia de suspense bastante interesante donde no solo se plantea la idea de cometer un crimen, sino también las sospechas poco fundadas que a veces se hace sobre las personas, la capacidad de reacción de las personas ante las situaciones extremas y sobre todo, como el carácter de una persona puede destruir las amistades y la fama que a veces uno mismo se puede ir granjeando poco a poco. Es interesante ver esta película porque incluso a veces hace dudar al espectador sobre quién es realmente el culpable del crimen y hasta que punto se llega a conocer realmente a una persona. Disfrutad de una de las mejores películas de cine negro de la época dorada de Hollywood.


Calificación personal: 8




domingo, 1 de marzo de 2020

Hasta que la boda nos separe (2020)



  • Dirección: Dani de la Orden
  • Año: 2020
  • Género: Comedia
  • Intérpretes: Álex García, Belén Cuesta, Silvia Alonso, Adrián Lastra, Antonio Dechent, Gracia Olayo, Mariam Hernández, Salva Reina, Leo Harlem, Jordi Sánchez, Malena Alterio, Antonio Resines, Ernesto Sevilla.
  • Guión: Eric Navarro, Olatz Arroyo, Marta Sánchez
  • Música: Zacarías M. de la Riva, Alfred Tapscott
  • Fotografía: Chechu Graf
  • Montaje: Alberto Gutiérrez
  • Vestuario: Saioa Lara
  • Productora: Atresmedia Cine, Álamo Producciones

SINOPSIS

Marina (Belén Cuesta) es una treinteañera que se gana la vida organizando bodas. En una de las bodas que organiza conoce a Carlos (Álex García) con el que tiene una noche de pasión sin ataduras. Cuando la novia de Carlos, Alexia (Silvia Alonso) descubre una tarjeta de Marina, deciden casarse pero; lo que no saben es que ambas ya se conocen desde la infancia.


CRITICA

De vez en cuando es necesario relajar la mente y ver alguna película que permita que puedas pasar un rato entretenido y agradable y si viene con un poco de moraleja, pues también mejor. En definitiva, a pesar de ser una comedia, lo que nos quiere presentar también es que muchas veces por no haber estado solos, por no haber hecho cosas que nos gustaría, por miedo, por el que dirán o por pensar que se nos está pasando el tiempo, decidimos dar el paso de casarnos cuando a lo mejor hay parejas que están toda la vida juntos sin necesidad de tener que pasar por el altar. Y en medio de todos esos miedos, muchas veces aparecen esas infidelidades y determinados secretos que a la larga se pueden descubrir en una pareja y que hubiese sido mejor haberlos dicho a tiempo.

Es lo que les ocurre un poco al trío protagonista que se ve envuelto en esta boda surrealista donde los que no se quieren casar se casan, lo que se quieren casar o tener una relación no la tienen; en definitiva, una serie de infortunios que pondrá los preparativos de la boda patas arriba, volverán a aparecer rencillas del pasado y las relaciones se tambalearán y, en medio de todo esto, situaciones un tanto cómicas que soltarán la carcajada del espectador aunque si es cierto, que a veces el ritmo de la película puede decaer un poco.

Destacar sobre todo el papel de Belén Cuesta que desde mi punto de vista ha sido en estos últimos cincos años una gran revelación en el cine español tanto en el ámbito cómico como en el dramático y mostrando sus múltiples facetas interpretativas y destacando la maravillosa serie española Paquita Salas.

Si se quiere pasar un rato divertido con amigos, familia o en pareja es una película para pasar la tarde, porque los momentos graciosos que hay en la trama te hacen reír de verdad y a pesar de la "montaña rusa" de la historia, se pasa un rato entretenido y el espectador no sale decepcionado.


Calificación personal: 6.5



El hombre que sabía demasiado (1956)



  • Título original: The man who knew too much
  • Año: 1956
  • Género: Suspense
  • Dirección: Alfred Hitchcock
  • Intérpretes: James Stewart, Doris Day, Brenda De Banzie, Bernard Miles, Ralph Truman, Daniel Gélin, Christopher Olsen.
  • Guión: John Michael Hayes
  • Música: Bernard Hermann
  • Vestuario: Edith Head
  • Fotografía: Robert Burks
  • Montaje: George Tomasini
  • Productora: Filwite Productions

SINOPSIS

El matrimonio McKenna (James Stewart y Doris Day) junto con su hijo están pasando unos días de vacaciones en Marruecos. En el autobús que les lleva a la ciudad conocen al francés Bernard, un hombre un tanto extraño. Al cabo de los días, Bernard es asesinado en la plaza muriendo en manos de McKenna revelándole un secreto, sin saber que la vida de su hijo correrá peligro.


CRITICA

Ya en el año 1934 el maestro del suspense había realizado la misma película pero con reparto británico y cosechando y gran éxito de crítica y público, consiguió un par de décadas después realizar el remake americano con más dinero. A pesar de que son películas que parten de una misma premisa (un matrimonio que está de vacaciones que debe de rescatar a su hijo de una red de espías que planean un atentado) el estilo narrativo difiere en pequeños matices. Pero tal y como Hitchcock le expresó al director francés François Truffaut en su famosa entrevista, la primera versión es la obra de un novato mientras que la segunda es de un profesional.

A la hora de presentarnos la película, parece que lo que se pretende contar al espectador es una historia que va a seguir el hilo relacionado con las vacaciones de una familia que se siente intimidada por le misterioso hombre francés al que conocen pero, como bien va mostrando el personaje de Doris Day (que hace de manera impecable el papel de madre doliente pero a la vez mantiene la cabeza fría para pensar con claridad), se le van pasando determinadas ideas y gestos que la van desconcertando y que le resultan un tanto incómodos, lo que la hace sospechar del más mínimo movimiento. Aunque, por lo que más fue recordada la actriz en esta película fue por la canción "Que será, sera", puesto que era una actriz que estaba más acostumbrada a comedias y musicales pero, que en este caso tiene una buena química con su compañero de reparto. Por otro lado, la forma de ir descifrando paso a paso el mensaje que le dio Bernard al señor McKenna antes de morir para saber que es lo que va a ocurrir.

Desde mi punto de vista, uno de los elementos que le eché en falta en la película mientras la estaba viendo fue el que tuviese algún villano con cierta categoría y/o estilo que supiese seguir el juego del personaje interpretado por James Stewart (que se encontraba en plena madurez artística y ya había trabajado en más de una ocasión con el director) y que diese ese toque final de suspense (y un poco de humor tal vez) a los filmes del maestro del suspense; aunque El hombre que sabía demasiado es uno de los films más conocidos del director tanto a nivel literal como económico.

A pesar de ser una servidora una mera amante del cine y expresar su opinión sobre las películas que ve, Hichcock siempre me ha parecido un visionario a pesar de que (como a todo director de cine) flojee en algún momento de su filmografía, sabe captar el detalle a la perfección así como la esencia de lo que realmente debe de ocurrir en cada escena para que así el espectador no se pierda ni un solo detalle de la trama y disfrute de la película desde el principio hasta el final.


Calificación personal: 6.8


La soga (1948)



  • Título original: Rope
  • Año: 1948
  • Género: Suspense
  • Dirección: Alfred Hichcock
  • Intérpretes: James Stewart, John Dall, Farley Granger, Cedric Hardwicke, Constance Collier, Douglas Dick, Edith Evanson, Dick Hogan, Joan Chandler.
  • Guión: Ben Hecht, Arthur Laurents
  • Música: Leo Forbstein
  • Fotografía: William V. Skall, Joseph A. Valentine
  • Montaje: William H. Ziegler
  • Productora: Warner Brothers

SINOPSIS

Brandon (John Dall) y Philip (Farley Granger) dos amigos universitarios estrangulan a un compañero en su piso en plena luz del día antes de dar una fiesta, estimulados por las ideas de su profesor de instituto Rupert Cadell (James Stewart). Esconden el cadáver dentro del arcón del salón sobre el cual, servirán la cena, para darle un toque más siniestro al crimen.


CRITICA

Tras haber realizado varias películas en blanco y negro, el gran maestro del suspense se atrevió con este filme ha realizarla en color y la verdad es que fue todo un acierto porque, gracias a los movimientos de cámaras tan meticulosos que realiza, permite al espectador no perder ni un solo detalle de lo que ocurre durante la fiesta en ese apartamento. Pero, el ritmo con el que mueve dicha cámara, no va acorde con el de la historia. Me voy a explicar al respecto. Desde el primer minuto se sabe quiénes son los que han perpetrado el asesinato y cuáles son sus medios: mostrar que su superioridad intelectual les permite cometer un acto de esas dimensiones pero, las interpretaciones por parte de los dos actores que interpretan a los asesinos no son nada creíbles, al contrario, son demasiado forzadas, lo que hace de un tema y una trama interesante, algo aburrido y pretencioso.

Aunque la obra de teatro en la que se basa la película y que a su vez se basa en un crimen real que ocurrió a principios de 1920 (algo que posteriormente realizaría Truman Capote cuando escribió su libro A sangre fría), intenta justificar que un individuo por ser intelectualmente superior (por el simple echo de serlo) tiene el derecho de cometer un crimen y justificar dicho acto, validando de esta forma la teoría del "Superhombre" que promulgó Nietzsche (y que a su vez es un calco fiel de la novela rusa Crimen y Castigo, totalmente recomendable). Y, lo que podría resultar un interesante tema de argumentación y de debate se acaba quedando en la atmósfera de la película sin entrar en ningún tipo de discusión, lo que hace que la historia parezca más una pelea entre dos enamorados que otra cosa.

De echo, en la época de su estrenó consiguió pasar todas las censuras a pesar de mostrar con sutileza (aunque con bastante claridad) la relación homosexual entre ambos protagonistas (de echo, ambos actores eran gays declarados) y en los remordimientos posteriores que les iban entrando a cada uno por el crimen cometido, que por realizar una especie de "cluedo" con los presentes. Incluso, ese nerviosismos, esos pequeños cabos sueltos (haciendo también referencia al título) que el espectador puede pensar al ver el primer plano, hacen que la película decaiga en todo su ritmo. Pero, como siempre la genialidad del maestro del suspense y la interpretación sólida de su actor fetiche, James Stewart, aprueba a esta película por los pelos. Si bien, esto no significa que el director no hiciera un filme malo, sino que no estaba a la altura de su gran calidad artística.


Calificación personal: 5