El nuevo mundo (2005)

• Título original: The new world
• Año: 2005
• Género: Drama, romance
• Dirección: Terrence Malick
• Intérpretes: Colin Farrell, Christopher Plummer, Christian Bale. Q'Orianka Kilcher, David Thewlis, Eddie Marsan, Noah Taylor
• Guión: Terrence Malick
• Fotografía: Emmanuel Lubezki
• Música: James Horner
• Montaje: Richar Chew, Hank Corwin, Saar Klein, Mark Yoshikawa
• Productora: New Line Cinema

SINOPSIS

En el año 1607 una compañía de barcos decide poner rumbo a América para poder ir estableciendo una nueva colonia a la que llamarán Jamestown. Pero el desembarco no sólo les traerá hambre y desgracias, sino convivir con los indígenas de la selva.

CRITICA

Hay directores que tienen sus propias señas de identidad y, Terrence Malick es uno de ellos. No sólo los guiones pretenden contar una historia en torno a unos personajes y sus vicisitudes, sino también "contar" de alguna forma que todo lo que los personajes tienen a su alrededor pueden decir algo a través de un fotograma o simplemente un plano fijo durante unos minutos.

Es cierto que sobre la historia de Pocahontas y el capitán John Smith hay una leyenda, pero el director ha sido capaz con la documentación de la época poder reconstruir dicha historia, sino también en los momentos en los que parece que hay una serie de lagunas, sabes rellenarlas con diálogos internos de los personajes, de sus propios conflictos; así como mostrar la interacción de los mismos no con palabras, sino con gestos, miradas, planos; todas esas cosas que muchas veces pueden pasar desapercibidas al ojo del espectador. Además de todos y cada uno de los detalles cuidados que hay con la vestimenta, los campamentos, el refugio y las panorámicas que se realiza para que se sienta que podemos verlo todo.

Esta película me parece tan extraordinaria es debido a la capacidad que tiene para despertar emociones y reflexiones, porque sus preciosas imágenes no dejan indiferente y transmiten justamente el mensaje que el director desea, impactando y alterando los sentidos como si estuviéramos en el mismo lugar y la misma época de los hechos, y también porque pocas veces se ha plasmado en la pantalla con tanta sutileza y elegancia una historia de amor tan cercana y tan verdadera, como la que se muestra en El nuevo mundo, una obra maestra que mejora con cada visionado.

Esta película no es lo que parece, puesto que la cuarta película del director Terrence Malick no está hecha para ser consumida como la gran mayoría de las películas que nos llegan de Estados Unidos; la intención no es que el espectador se siente a desconectar, a pasar el rato, sino lo contrario, que experimentes y reflexiones sobre lo que se te muestra en la pantalla. La trama de Smith y Pocahontas es una excusa y la película no se ciñe a ella, no pretende contar lo que pasó realmente o darnos un nuevo enfoque de los hechos, va más allá, y le da igual la historia, porque el propósito es otro, es exponer al espectador la triste y bellísima historia de un paraíso perdido. En definitiva, una belleza de la naturaleza en su máximo esplendor.

Yo la recomiendo profundamente, pero siempre hay que tener en cuenta que las expectativas no siempre son lo que uno espera, porque realmente lo que se espera de esta película es ver que más allá de una historia, está todo lo que nos rodea.

Calificación personal: 8

La decisión (2016)

• Título original: The choice
• Año: 2016
• Género: Romántica
• Dirección: Ross Katz
• Intérpretes: Benjamin Walker, Teresa Palmer, Tom Welling, Tom Wilkinson, Alexandra Daddario, Melissa George.
• Guión: Bryan Sipe
• Música: Marcelo Zarvos
• Fotografía: Alar Kivilo
• Productora: Lionsgate

SINOPSIS

Travis Shaw (Benjamin Walker) es un joven que parece que lo tiene todo en la vida, salvo que no encuentra la estabilidad sentimental puesto que resiste a enamorarse. Eso cambia cuando conoce a Gabby Holland (Teresa Palmer) que se muda a la casa de al lado.

CRITICA

El género romántico ha sido explotado en millones de facetas (no confundir con el drama) donde se puede mezclar la realidad con la ficción. Es decir, que las diferentes situaciones que le ocurren a los personajes o el simple echo del enamoramiento, puede ser algo que aparezca a la vuelta de la esquina pero, en determinadas ocasiones se muestra con demasiada empalagosidad.

Desde mi punto de vista, no niego (en cierto modo) que las historias de amor que se plantean muchas veces en las películas no tengan porqué no "suceder" en la realidad, pero si he de reseñar que los diálogos carecen de cierta madurez si lo que se pretender mostrar al espectador un amor adulto y maduro, a la par que tendrían que reflejar que tanto las relaciones de pareja como el matrimonio tiene sus momentos idílicos y con complicidad en la pareja, pero que muchas veces las dificultades se hacen presentes.

Por otro lado a excepción de esta novela/película y la de El diario de Noa muestran ya el amor en la etapa adulta y no tanto en el amor de la adolescencia. Si bien es cierto, que muchas veces las novelas de Nicholas Sparks no se han merecido una adaptación justa ya que se podría haber exprimido un poco más la historia, así como la elección muchas veces del elenco de actores no ha favorecido mucho (aunque he de mencionar que la actriz Teresa Palmer parece la única que se ha involucrado de lleno en su personaje).

En definitiva, es la típica película romántica de esas que te ayudan tras haber visto algún drama profundo o alguna película que te acaba dejando una angustia interior. Así que, a pesar de no ser la mejor adaptación de Nicholas Sparks, se pasa un rato agradable. Y puntualizo, que el subtítulo que se le da en español (En el nombre del amor) no es de forma casual, pero su título original es La decisión.

Calificación personal: 5.5

Resucitado (2016)

• Título original: Risen. 
• Dirección: Kevin Reynolds.
• Año: 2016.
• Género: Drama. 
• Reparto: Joseph Fiennes, Tom Felton, Peter Firth, Cliff Curtis, María Botto, Luis Callejo, Jan Canet. 
• Guion: Kevin Reynolds y Paul Aiello. 
• Música: Roque Baños.
• Fotografía: Lorenzo Senatore
• Vestuario: Mauricio Millenotti
• Montaje: Steven Mirkovich
• Productora: Affirm Films, LD, Entertainment

SINOPSIS

Clavius (Joseph Fiennes), un poderoso militar romano y su ayudante, Lucius (Tom Felton), son asignados para resolver el misterio sobre lo que le ocurrió a Jesús en las semanas posteriores a su crucifixión, con el fin de combatir los rumores del mesías resucitado y prevenir una revuelta en Jerusalén.

CRITICA

De manera habitual vemos películas sobre la vida y la pasión de Jesucristo, pero esta película da un giro completamente a lo que se le tiene acostumbrado al espectador. En este caso, tras la muerte de Jesús, se crea un revuelta porque dicen que ha resucitado y para ello el mejor soldado romano de Jerusalén se "encarga" del caso y así mostrar desde un punto de vista ajeno a los discípulos, de alguna forma nos quiere mostrar es lo que ocurrió realmente.

Al principio, esta idea puede parecer un poco alocada ya que puede transgredir lo descrito en la Biblia pero, todo lo contrario, lo hace desde el más absoluto respeto para observar los dos bandos que se implican ante la resurrección: los judíos y los romanos.

Aunque parezca que la película está enfocada hacia los creyentes no es del todo acertado, ya que lo que se pretende es mostrar la visión a través de un no creyente y dejando en la duda al espectador que es lo que realmente se le pasa por la cabeza al protagonista. Y cómo la búsqueda de un cadáver se puede acabar convirtiendo en una búsqueda de la verdad o simplemente que algo tan extraordinario pueda cambiarte la vida de repente y quieras conocer todas las respuestas. Porque realmente lo que muestra es algo tan grande desde los ojos de un no creyente.

Es cierto que la historia tiene altibajos sobre todo en el momento de la búsqueda de un cadáver, pero se recompone a medida que se va descubriendo todo lo que hay detrás. Puede definirse como una película detectivesca en tiempos de Jesucristo pero tener disposición de mantener una mente abierta.

Calificación personal: 6

María Antonieta (2006)

• Título original: Marie Antoinette
• Año: 2006
• Género: Drama
• Dirección: Sofia Coppola
• Intérpretes: Kirsten Dunst, Rose Byrne, Jason Schwartzman, Judy Davis, Rip Torn, Asia Argento, Molly Shannon, Jamie Dornan, Danny Huston, Steve Coogan, Tom Hardy
• Guión: Sofia Coppola
• Fotografía: Lance Acord
• Música: Jean Philippe-Rameau
• Montaje: Sarah Flack
• Vestuario: Milena Canonero
• Productora: Columbia Pictures Corporation, I want candy, Pricel.

SINOPSIS

María Antonieta (Kirsten Dunst) a sus 14 años debe abandonar la corte de Austria para casarse con el futuro Luis XVI (Jason Schwartzman). Ante la indiferencia de su marido y al verse utilizada como un simple peón en una alianza, ella busca refugio en la decadencia de la aristocracia francesa.

CRITICA

En el momento del estreno de la película, hubo bastantes detractores al respecto puesto que mostraba a una María Antonieta superficial, que solo le interesaban las fiestas y lo derrochadora que era en su ámbito privado y lo poco cercana al pueblo francés. Pero hay que entender, que aunque la película se base en una novela sobre la biografía de este personaje, se ha realizado una adaptación bastante libre en cuanto a dicho libro, para centrarse un poco más en el modo de vida en aquella época.

Cualquier lector sabrá que el destino tanto de Luis XVI como de María Antonieta fue la muerte por guillotina (entre otros personajes con alto rango) al producirse la Revolución Francesa. Y es cierto pensar que en cierto modo, la decadencia de una monarquía en estas circunstancias, refleja lo que ha ocurrido a lo largo de toda la historia en otras monarquías en la antigüedad: pensar en su propio beneficio y seguir exigiéndole al pueblo más y más impuestos.

Desde un primer momento lo que se nos quiere mostrar al espectador es a una María Antonieta como una joven de nuestro tiempo que solo piensa en divertirse y en eludir responsabilidades. Una chica infantil e inmadura que bien podría compararse con cualquier personaje de las películas actuales. En definitiva, es una mujer que no consigue adaptarse a otro país, a otro pueblo ni a una corte donde el cotilleo está a la orden del día. Y, lo que al fin y al cabo lo que le acaban atrayendo son los lujos y las excentricidades. Además remarca una actitud un tanto feminista, donde la imagen que quiere reflejar (en cierto modo) es poder vivir una independencia en lugar de tener que estar "encerrada" casi todo el día en un palacio donde es objeto de cotilleos, chismorreos y donde la hipocresía se respira en cada momento. No cabe duda de que en la película se muestra de forma detallada como se pasa de la opulencia a su caída en desgracia, sin entrar en detalles de lo que pasó después de que huyeran de Versalles.

Sofia Coppola, hace mucho que dejó de ser la hija de Francis Ford Coppola y consolidó su carrera como directora gracias al excelente trabajo de Las vírgenes suicidas (ver crítica en este blog) y es capaz de crear historias que hace que el espectador pueda sentir un rechazo y un amor a la vez por un personajes y, mostrar la verdadera fragilidad de los mismos. A su vez, realiza unos enfoques de cámara muy detallistas para que el espectador pueda fijarse bien en todo lo que rodea al personajes.

Desde mi punto de vista, es una película entretenida que se toma sus licencias artísticas (que director y/o guionista no lo hace) para mostrar en cierto modo la vida de una mujer que fue más odiada que amada, criticada que alabada y cuya fama (sea buena o mala) no ha desaparecido con el paso del tiempo a pesar de su triste final.

Calificación personal: 6

Jurassic World: El reino caído (2018)

• Título original: Jurassic World: Fallen Kingdom
• Año: 2018
• Género: Ciencia Ficción
• Dirección: J.A. Bayona
• Intérpretes: Christ Pratt, Bryce Dallas Howard, James Cronmwell, Rafe Spall, BD Wong, Toby Jones, Justice Smith, Gerladine Chaplin, Jeff Goldblum.
• Guión: Colin Trevorrow, Derek Conolly
• Música: Michael Giachinno
• Fotografía: Óscar Faura
• Montaje: Bernat Vilaplana
• Vestuario: Sammy Sheldon
• Productora: Universal Pictures, Amblin Entertainment, Legendary Pictures

SINOPSIS

Tras la desaparición del parque temático de Jurassic World en la isla Nublar hace tres años, comienza una erupción volcánica en la isla que amenaza con la destrucción de todas las especies presentes en la misma. Para poder salvar algunas de ellas Claire (Bryce Dallas Howard) y Owen (Chris Pratt) se vuelven a reunir para salvarlas, pero durante el viaje descubren cual es el verdadero propósito a la hora de salvar las especies.

CRITICA

El reinicio de una saga no impide que muchas veces se pueda beber de las originales, ya que ésta sigue de alguna forma determinados patrones de Jurassic Park: El mundo perdido, los cuáles consiste en llevar a los dinosaurios a la "civilización", pero marcando aquí el aliciente del tráfico de animales, al igual que intentar seguir intentando a jugar a ser Dios.

Cómo es obvio, esta secuela tiene un guión ligeramente más elaborado que su predecesora, pero aún así no se alcanza el clímax propio de la trilogía original y, lo que más se ve es la destrucción de los dinosaurios a causa del volcán, que momentos épicos.

La verdad es que es cierto que mantiene al espectador pegado a la pantalla, aún así no es lo más espectacular del mundo y espero que con la tercera entrega (que la dejan muy abierta) se consiga poner un buen clímax y meter algo más de ciencia más explicado y ver el desarrollo de los experimentos con estos animales. en definitiva, si se quiere pasar un rato entretenido, porque no elegir Jurassic World: El reino caído.


Calificación personal: 5

American Beauty (1999)

• Dirección: Sam Mendes
• Año: 1999
• Género: Drama
• Intérpretes: Kevin Spacey, Annette Benning, Thora Birch, Mena Suvari, Wes Bentley, Chris Cooper, Allison Janney, Peter Gallagher.
• Guión: Allan Ball
• Música: Thomas Newman
• Fotografía: Conrad L. Hard
• Maquillaje: Thania McComas
• Vestuario: Julie Weiss
• Sonido: Scott Martin Gershin
• Montaje: Tariq Anwar, Christopher Greenbury
• Productora: DreamWorks, Jinks/Cohen Company

SINOPSIS

Lester Burnham (Kevin Spacey) cercano a los 40 años, vive una vida monótona donde su mujer se considera la perfecta mujer, además su hija adolescente ya casi no le dirige la palabra; hasta que conoce a Angela (Mena Suvari) la joven y atractiva amiga de su hija, con lo que su vida empieza a dar un giro radical.

CRITICA

Siempre siento la curiosidad cuando una película recibe tan buenas críticas y no se para de hablar constantemente de ella, verla y así poder granjearme mi propia opinión al respecto. Por lo que a mi respecta, American Beauty peca no de carecer de un guión sólido, sino de haber recibido determinados premios de la Academia de Hollywood que a lo mejor (desde mi punto de vista) no eran merecedora.

Es cierto que no pretende ser un drama profundo, sino una sátira dramatizada sobre determinadas actitudes y condiciones del ser humano, es decir, la faceta que tiene para su familia y la que tiene para gente extraña o gente no familiar; a la vez que ridiculiza esa visión que tiene el mundo sobre tener cumplir su sueño de vivir una vida americana. Todos estos aspectos se van reflejando en cada uno de los personajes. Por eso yo creo, que sería bueno analizar un poco el carácter de los personajes.

En el personaje de Kevin Spacey (Lester), vemos como su vida y la apatía por la misma le ha insensibilizado frente al carácter de su mujer (espectacular Annette Benning) la cual le dice que hacer, que no debe hacer, que todo debe de llevar un orden, que ella es la que lleva las riendas de la situación familiar; pero llega un momento en el que Lester decide dejar de ser un "esclavo" y empezar a vivir y no regirse tanto por las normas ni los convencionalismos sociales y que basta de aparentar lo que no es y vivir acorde a nuestros pensamientos. Por otro lado está su hija Jane (Thora Birch) que se ha dado cuenta de que el matrimonio de sus padres no es más que pura fachada y que vive en una constante "dictadura" y a eso hay que añadirle que se siente acomplejada por su amiga Angela. Ya que presume por el instituto de los tíos con los que se ha acostado y todo lo que ha hecho con ellos, pero en realidad es una simple tapadera para esconder sus inseguridades y mostrar que el que dirán de ti y lo más importante, que hablen sobre ti es relevante.

Por otro lado está la familia que vive al lado de Lester, una matrimonio donde la mujer está totalmente ausente de lo que sucede a su alrededor, el padre un ex marine que muestra su animadversión a todo aquello que no esté bajo una disciplina o un control, sobre todo con su hijo que aunque de la sensación de ser el "raro" es el que es capaz de descubrir las debilidades de cada persona y "subir" ligeramente la autoestima de los que se sienten inferiores.

De echo, el título de American Beauty hace referencia a una variedad de rosas rojas intensas que se cultivan artificialmente y que en la película se utilizan como elemento conductor de muchos personajes. En el caso de Lester, es el despertar de todos sus deseos y pasiones, la puerta de la casa para que destaque sobre el resto, las propias plantas que cultiva la madre e incluso la presencia en la casa que contrarreste los colores claros de la casa. Además es un color que aparece a lo largo de toda la película en los diferentes lugares. También es como una metáfora de que las cosas tan simples y sencillas pueden llegar a resultar bellas sin tener que ser ordinarias.

A pesar de todos los elementos que se pueden sacar de la historia, si es cierto que a veces el guión trascendiese a una locura donde el espectador no sabe muy bien por donde va a continuar la trama o la aparición de elementos que se convierten en importantes y no acaban por finalizar. A pesar de esto, se puede realizar una reflexión por el carácter y comportamiento de los personajes como ya he comentado anteriormente y permite plantearnos una pregunta: ¿es más importante aparentar que ser uno mismo y a la vez libre?

Calificación personal: 7

Campeones (2018)

• Dirección: Javier Fesser
• Año: 2018
• Género: Comedia
• Intérpretes: Javier Gutiérrez, Juan Margallo, Athenea Mata, Luisa Gavasa, Daniel Freire, Itziar Castro, Julio Fernández, Sergio Olmo, Jesús Lago, José de Luna, Gloria Ramos, Fran Fuentes, Alberto Nieto Fernández, Roberto Chinchilla, Stefan López, Luis Bermejo.
• Guión: Javier Fesser, David Marqués
• Música: Rafael Arnau
• Fotografía: Chechu Graf
• Productora: Morena Films, Movistar +, Películas Pendelton

SINOPSIS

Marco Montes (Javier Gutiérrez) es un entrenador de baloncesto y que tras tener un juicio por conducir borracho le dan dos opciones: pasar casi dos años en la cárcel o entrenar a un equipo de baloncesto con gente discapacitada llamado "Los amigos".

CRITICA

Una vez más, reivindico el poder del cine español sobre cualquier cosa, no sólo porque ha dejado de mostrar historias sórdidas y realistas (aunque esta lo es por sus protagonistas), sino porque también sabe transmitir mensajes positivos con una buena historia y sin llegar a los sentimentalismos. Esto es lo que hace a Campeones tan especial.

Desde el principio, se nos muestra a un grupo de adultos con discapacidad intelectual que no buscan ningún tipo de compasión por parte de nadie, sino que ellos mismos se sientan como un equipo y que se les siga valorando por sus cualidades y, pueden desempeñar un trabajo como otro cualquiera y que pueden tener una total autonomía. En definitiva, que sientan que pueden formar parte de algo importante, como un simple equipo de baloncesto.

En contraposición, nos encontramos al personaje del entrenador que aunque no lo demuestre siente cierto rechazo a entrenarles (sobre todo por cumplir su condena por conducir borracho) y les trata con cierta brusquedad, pero siempre desde un punto de vista cómico; hasta que consigue dar con el punto exacto para que ellos puedan aprender a jugar al baloncesto, tener un concepto de equipo y que incluso él mismo sepa como tratarles pero sin ser demasiado condescendiente.

Esta situación además, supone un reto para Marco, no solo porque haya "tocado fondo" en su vida (crisis matrimonial, juicio por conducir bebido, vivir con su madre, despido del trabajo, etc) sino porque entrenar a un grupo de gente con discapacidad intelectual no sólo le supone un reto, sino que no se puede caer más bajo. Hasta que se da cuenta de que no son tan "tontos" intelectualmente. Esto se ve reflejado en un momento de la película cuando van a jugar un partido y el entrenador les dice: "¡Vamos a machacarlos!" y una jugadora le dice: "No estoy de acuerdo. Vamos a ganar pero no a humillarles".

Por otro lado, de alguna forma le plantea una pregunta al espectador: ¿qué significa ser normal?, ¿no tener ningún tipo de discapacidad mental o física? Porque, si a fin de cuentas, si todos nos miramos un poco, no somos normales tampoco: algunas personas sufren de alergias o intolerancias a ciertos alimentos, algunas personas tienen que tomar pastillas para regular algunas hormonas, tenemos enfermedades hereditarias y un largo etcétera. Lo que demuestra que aunque todos tengamos un hándicap, todos somos normales.

Desde que comienza la película no para de sucederse puntos cómicos en los cuáles el espectador no para de reírse, gracias a la naturalidad del equipo y de su forma de ser que les hace ser únicos y que además les hace ser de por sí campeones. Este acontecimiento hará que la vida del entrenador cambie, no solo en su relación con su mujer sino también con los chicos y de forma natural. Uno de los jugadores (Manuel) en medio de una charla le pregunta al entrenador :"Entrenador, ¿tú me quieres?" y le contesta: "Yo te quiero un huevo Manuel" y se verá siempre el vínculo entre los dos.

Si vemos "una parte negativa" es como la sociedad da de lado a esta gente y ni siquiera las organizaciones municipales y gubernamentales (aunque digan que si) fomentan la integración de las personas con cierta discapacidad, porque parece que no se puede trabajar y/o convivir con ellos, cuando se demuestra todo lo contrario. Desde el principio, todo el elenco está sublime, su interpretación es natural y una vez más, Javier Gutiérrez muestra sus dotes interpretativas (tanto en la comedia como en el drama) y se reafirma como uno de los mejores actores españoles actuales.

De todo corazón, recomiendo la película y digo una vez más que no muestra ningún tipo de sentimentalismo, sino esfuerzo, alegría, superación, lucha, amistad (las palabras que aparecen en la pared del polideportivo) y todos los calificativos que se le puedan dar (para mí gusto) a una de las mejores película del cine español.

Calificación personal: 10

Cisne negro (2010)

• Título original: Black swan. 
• Dirección: Darren Aronofsky.
• Año: 2010. 
• Género: Drama, thriller psicológico. 
• Interpretación: Natalie Portman, Vincent Cassel, Mila Kunis, Barbara Hershey, Winona Ryder. 
• Guion: Mark Heyman, Andrés Heinz y John McLaughlin. 
• Producción: Mike Medavoy, Arnold W. Messer, Brian Oliver y Scott Franklin. 
• Música: Clint Mansell. 
• Fotografía: Matthew Libatique. 
• Montaje: Andrew Weisblum. 
• Diseño de producción: Thérèse DePrez. 
• Vestuario: Amy Westcott. 
• Distribuidora: Hispano Foxfilm.

SINOPSIS

Nina, una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza. Nina vive con su madre, Erica, una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija. Cuando el director artístico Thomas Leroy decide sustituir a la bailarina principal en la nueva producción de la temporada, “El lago de los cisnes”, Nina es su primera elección. Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily, que también ha impresionado gratamente a Leroy. “El lago de los cisnes” requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla.


CRITICA

Rara vez suelo ver una película más de una vez (salvo que me haya apasionado tanto, que me haya atrapado por completo), pero en este caso con Cisne negro, vi que no se encontraba entre mis críticas del blog ya que lo empecé un año después. Y quería hacer un análisis y/o crítica sobre una película que no es perturbadora de por si, sino que se puede leer más allá de cada uno de los planos.

Claramente desde el principio se le muestra al espectador la "vida" de una bailarina profesional de ballet pero, a la vez esconde pequeñas rarezas a la par que su yo interior "real" que desea salir a toda costa y poder expresarse en su máximo esplendor. Pero ese yo que todo ser humano tiene en su interior es realmente el que tiene una búsqueda obsesiva por la perfección y el éxito y que a veces, de manera dramática lleva al humano a su propia autodestrucción.

En este caso, la diferencia entre la vida real y los propios tormentos, llevan al personaje de Nina a imaginarse situaciones, cambios en su aspecto físico, apariciones de los temores y los miedos de forma muy intensa que puede destruir a cualquiera su estabilidad mental. Pero ante este acontecimiento negativo, de una forma muy clara se refleja la forma de llevar una vida con cierta armonía tanto a nivel personal, psicológico como profesional; puesto que el obsesionarse con una meta y/o objetivo a veces puede destruirse en cuestión de segundos. Eso unido a los movimientos frenéticos de la cámara para mostrarnos la vida tan descontrolada de la protagonista y que a su vez, pretende hacer que el espectador viaje al interior de Nina para que saque su lado perverso; que es a lo que le insta varias veces el director de la compañía si quiere convertirse en la verdadera protagonista. Su ambición por tener su momento de gloria sobre el escenario la obliga a dejar de ser esa niña dulce de técnica perfecta para soltarse y transmitir pasión y vida al espectador, aunque sea contaminándose con el mal.

La expresividad de Natalie Portman es espectacular ya que refleja sus emociones con respecto a las personas que hay a su alrededor. Como el caso de la madre, que la trata como si fuese una niña pequeña y mimándola constantemente y sobreprotegiéndola puesto que se proyecta en ella. El personaje de Mila Kunis (Lily) a la ve como una potente rival pero que realmente disfruta del trabajo que le gusta y a la vez disfruta de su vida y sabe reconocer cuando no se porta de manera correcta y aceptar de manera cortés una derrota. Por otro lado está el director que no sólo es dueño de la compañía y de la adaptación, sino que se cree con poder para destruir "vidas" humillando a los demás.

El director Darren Aronofsky nos tiene muy acostumbrados a este tipo de dramas psicológicos donde pretende hacer pensar al espectador sobre su vida (aunque lo haga de forma subrepticia) como ya hiciera en título previos como Pi: Fe en el caos, Requiem por un sueño y la más reciente Madre! donde desmonta cualquier tipo de expectativa y que nosotros mismos podemos caer en una locura transitoria. Desde mi punto de vista, hay que verla con bastante mente abierta e intentar en determinados puntos de la película entrar dentro de la cabeza del personaje y que dependiendo de cuál sea la situación ver que es lo que ocurre alrededor. Pero no apta para mentes y estómagos delicados.



Calificación personal: 8