Al mal tiempo, buen cine...

Queridos lectores y seguidores:

Me permito escribir una líneas para agradeceros a todos (desde todas las partes del mundo) que visitéis mi blog y todo lo que voy publicando. Ante todo comentar que no estoy licenciada en cinematografía pero, doy gracias por haber asistido a cursos y que mis padres me introdujeran al cine con sólo 8 años.

Por eso os animo que escribáis vuestras opiniones sin vergüenza alguna (¡por eso existe la libertad de expresión!) o sugerir cambios o visionados de películas, ya que se convierte en un feedback donde podemos aprender unos de otros.

Para finalizar, gracias una vez más por vuestro tiempo y dedicárselo a mi blog. ¡Seguid disfrutando del cine!

viernes, 28 de diciembre de 2018

Los santos inocentes (1984)



  • Dirección: Mario Camus
  • Año: 1984
  • Género: Drama
  • Intérpretes: Alfredo Landa, Francisco Rabal, Teréle Pávez, Agustín González, Maribel Martín, Juan Diego, Ágata Lys, Belén Ballesteros, Juan sánchez, Susana Sánchez, Mary Carrillo.
  • Guión: Mario Camus, Manuel Matjí, Antonio Larreta
  • Música: Antón García Abril
  • Fotografía: Hans Burmann
  • Productora: Suevia Films


SINOPSIS

Paco (Alfredo Landa) y Régula (Teréle Pávez) son un matrimonio de campesinos que viven con sus tres hijos en una casucha al lado de un Cortijo, donde aguantan todo tipo de humillaciones por parte de sus patrones sin queja alguna. A su precaria situación se une Azarías (Francisco Rabal), hermano de Régula que comienza a trabajar con ellos.


CRITICA

Muchas veces a lo largo de mi vida tenía fija una lista de mis diez películas favoritas pero, con el transcurso del tiempo me he dado cuenta que cuánto más tiempo he ido aprendiendo a ver cine, mi lista va cambiando por momentos y al final, no puedo poner un orden de favoritismo a las películas que voy viendo. Pero de lo que si estoy segura, es que esta cinta forma parte de mis favoritos.

Ciñéndome a la crítica de la película, me parece una obra maestra del cine español, fundamentalmente por dos cosas: una de ellas es la capacidad que tiene de reflejar a la España profunda (se acerca bastante al feudalismo de la Edad Media) y los temas principales de la historia, los cuáles iré abordando poco a poco.

Los temas principales que se van abordando a lo largo de la historia y que se ven cuando se presentan a los miembros de la familia son diversos. Uno de ellos y que se ve claramente es la opresión por parte de los señores a los sirvientes y que tienen que estar veinticuatro horas a su servicio y tendrían que estarles agradecidos porque les dan trabajo (pero para nada es digno). Esto se une con el desprecio y la falta de atención hacia sus criados; eso se ve reflejado en que en ningún momento se les da una oportunidad para prosperar por si sufriesen una revuelta o algo por el estilo.

Otro de los temas que aborda son las humillaciones continuas a las que son sometidos cada día los sirvientes. Dos ejemplos bastante claros son cuando Paco se rompe la pierna y su señorito le obliga a trabajar o el desprecio con el que habla del hijo y del cuñado de éste. El segundo caso es cuando llaman a la casa del señorito a Paco y a Régula para que escriban sus nombres y se ve claramente (que a pesar del esfuerzo de ellos por aprender) cómo no les ayudan a leer o escribir. Esto bien se puede relacionar con la incultura generalizada en las clases bajas de la sociedad de la época, que es un buen reflejo de como los campesinos en la Edad Media no accedían a la cultura; solo lo hacían la monarquía, la nobleza y el clero.

Pero lo más triste (siempre desde mi punto de vista) es la resignación que presentan los miembros de las clases más bajas al aceptar su condición de inferiores, siendo considerados casi como animales porque viven en una absoluta indigencia sin casi poder bañarse, en camastros piojosos, sin un sistema adecuado para calentarse, con ropas harapientas y sin abrigo (de ahí que el personaje de Azarías diga en más de una ocasión: "me orino en las manos pa que no me se agrieten por el frío") o incluso no poder tener una letrina en condiciones para hacer sus necesidades.

Esta película se basa en la gran obra realista que Miguel Delibes escribió en el año 1981 y cuyo título hace referencia a aquellas personas cuya condición social y de vida muchas veces no puede ir a mejor y que son maltratados y sufren abusos por parte de gente que tiene mayor poder sobre ellos.

Tanto la novela como el libro no tienen ningún tipo de desperdicio para observar la España más profunda tras la guerra civil, a pesar de que mucha gente siga manteniendo la idea de que el cine español es malo o que es demasiado realista. Por si muchos espectadores no lo sabían, esta fue la película española más taquillera de ese año.


Calificación personal: 10


Algunos hombres buenos (1992)




  • Título original: A few good men
  • Año: 1992
  • Género: Drama
  • Dirección: Rob Reiner
  • Intérpretes: Tom Cruise, Demi Moore, Kevin Bacon, Jack Nicholson, Kevin Pollak, Kiefer Sutherland, J. T. Walsh, Noah Wyle, Cuba Gooding Jr., James Marshall, Wolfgang Bodison
  • Guión: Aaron Sorkin
  • Música: Marc Shaiman
  • Montaje: Robert Leighton
  • Fotografía: Robert Richardson
  • Productora: Castle Rock Entertainment


SINOPSIS

Tras la muerte de un marine en la isla de la bahía de Guantánamo a manos de dos compañeros, el teniente Daniel Kaffee (Tom Cruise) es asignado para defender su causa. A pesar de que el no quiere ir a juicio con la ayuda de la capitana Joan Galloway (Demi Moore), intentarán demostrar que la muerte del marine fue debido a un código rojo ordenado por el coronel Jessep (Jack Nicholson).


CRITICA

Cuando en una película se tiene a Aaron Sorkin como guionista, el filme es sinónimo de éxito; no porque sea un reputado guionista sino porque es capaz de crear historias en las cuáles va a reflejar todo, con pelos y señales relatará hasta el más mínimo detalle, así como lo evocadores que resultan sus diálogos en los que realiza reflexiones e hila a la perfección todos los elementos de la trama.

Por otro lado, es un reflejo (a lo mejor en parte) de las divisiones en el ejército de los Estados Unidos y cómo dicho ejército realiza sus propios juicios puesto que tienen sus propias leyes (de alguna forma se podría decir que operan "al margen de la ley") pero, se guían por el código ético de la lealtad y del honor ya que ellos, son los que protegen al resto de estadounidenses.

Desde mi punto de vista es una de las películas más sólidas que he visto que están relacionadas con los consejos de guerra militar. La trama es visualmente estática y cuya base se fundamente en los diálogos, además de la solidez y solvencia de sus actores (los protagonistas como los de reparto) resulta fundamental para dar credibilidad a una obra fundamentalmente coral. La cinta puede presumir de un reparto formidable y sin fisuras. Con un estilo sobrio, sin falsas componendas, pero también sin concesiones, esta historia de orgullo militar, traiciones y dignidad humana, la historia que tiene como trasfondo la base naval de Guantánamo que los Estados Unidos usan en Cuba para mofarse de los comunistas y del mundo. En esta historia (que aparece muy bien reflejado) los altos mandos del ejército no demuestran el menor escrúpulo para hacer valer su poder contra los más indefensos, y cuando se cometen errores, dejar a los que te sirvieron con valor a merced de las inclemencias de la vida.

La crítica que subyace bajo la trama es sutil, lo que la acaba convirtiendo en más efectiva. El ejército es tratado con respeto y autoridad, pero ciertos sujetos reciben lo merecido, mientras otros aprenden lo que significa la arbitrariedad del poder, esa que algunos emplean, en teoría, para defender una nación, cuando en realidad lo que están defendiendo son los intereses de los altos mandos, aunque tengan que machacar al más débil.

Además, el juicio se va desarrollando de forma veloz sin que decaiga el ritmo, puesto que a medida que avanza el interrogatorio a los testigos y como poco a poco va surgiendo la verdad por encima de la hipocresía, sobre todo el enfrentamiento verbal que tienen el personaje de Tom Cruise y el de Jack Nicholson (a éste último, con aparecer un par de minutos en la pantalla, se merienda al resto del reparto).

Desde mi punto de vista, es una de las mejores películas que se han realizado en materia de juicios y poniendo como telón de fondo la moralidad o el sentido del honor que en muchos casos es bastante cuestionable y cual es la fina línea que separa el honor de la horadez.


Calificación personal: 9





jueves, 27 de diciembre de 2018

El Bar Coyote (2000)




  • Título original: Coyote Ugly
  • Año: 2000
  • Género: Musical, romántica
  • Dirección: David McNally
  • Intérpretes: Piper Perabo, Maria Bello, Adam garcía, John Goodman, Bridget Moynahan, Tyra Banks, Izabella Miko, Melanie Lynskey, Carol Ann Susi
  • Guión: Gina Wendkos
  • Música: Trevor Horn
  • Maquillaje: Kris Evans
  • Fotografía: Amir M. Mokri
  • Vestuario: Marlene Stewart
  • Montaje: William Goldenberg
  • Productora: Touchstone Pictures


SINOPSIS

Violet Sandford (Piper Perabo) decide abandonar su pueblo de Nueva Jersey para cumplir su sueño en Nueva York de componer canciones para otros artistas. Mientras intenta hacerse un hueco en el mundo de la música, comienza a trabajar en un bar poco habitual llamado Coyote Ugly.


CRITICA

Seguro que muchos espectadores (sobre todo las mujeres) a la hora de ver esta entrada empezarán a recordar su adolescencia, puesto que esta película fue todo un hito al principio de los dos mil y a pesar de que haya pasado el tiempo, siempre ha permanecido en la retina de los adolescentes de esa época.

Como es lógico, el hilo argumental no es de una elevada profundidad pero, cuando se estrenó por aquel entonces, de alguna forma se nos invitaba a soñar a lo grande y no renunciar a nuestros sueños por mucho que nos costase conseguirlos o incluso que fueran imposibles. Eso daba igual porque lo que importaba ante todo era tener sueños.

Por otro lado, lo que también llamaba la atención era que todo el protagonismo se lo llevaban las mujeres y eran ellas las que dominaban la pantalla y, además cantaban y bailaban sin necesidad de tener que ir semidesnudas, solo mostrando su talento y donde una de las dos reglas principales del bar es que a las chicas no se las tocaba.

Suele ocurrirme muy a menudo que en determinadas películas no hago una crítica demasiado extensa. Esto puede ser debido a varios factores: uno de ellos es que la película me haya parecido bastante pésima, el segundo es que no es necesario ahondar demasiado en la historia y por último (en la que se incluye esta película) es que sólo me apetece recordar y rememorar una película (que sin ser extraordinaria) marcó mi adolescencia.


Calificación personal: 6.5



miércoles, 26 de diciembre de 2018

Descalzos por el parque (1967)



  • Título original: Barefoot in the park
  • Año: 1967
  • Género: Comedia, romántica
  • Dirección: Gene Sacks
  • Intérpretes: Robert Redford, Jane Fonda, Charles Boyer, Mildred Natwick
  • Guión: Neil Simon
  • Música: Neil Hefti
  • Montaje: William Lyon
  • Fotografía: Joseph LaShelle
  • Productora: Hall Wallis Productions


SINOPSIS

Los recién casados Paul (Robert Redford) y Corie (Jane Fonda) se trasladan a su primer apartamento en un sexto piso de un viejo edificio sin ascensor. Los problemas empiezan a aparecer con la presencia de su vecino Velasco (Charles Boyer) y la madre de Corie, Ethel (Mildred Natwick).


CRITICA

Creo que mis lectores conocerán a la perfección la predilección que siento por las películas de cine clásico, pero he de reconocer que no siempre todas han sido obras maestras y (como ocurre también en la actualidad) muchas de las películas románticas que se realizaban antiguamente servían únicamente para entretener.

Desde el principio se muestra a una pareja que vive sus mejores momentos al inicio de su matrimonio con su luna de miel en el Hotel Plaza y como se dedican halagos y mimos constantes, pero las cosas se complican cuando al mudarse a su apartamento ven que es un quinto piso (sin contar las escaleras de la entrada), muy pequeño y con un cristal de la azotea roto en pleno invierno.

Ante esta serie de catástrofes, la positiva e inmadura Corie, intenta mantener viva la llama de la pasión intentando hacer un hogar agradable a pesar de las escasas dimensiones, mientras que Paul ve la realidad de su vida que en ese momento no tiene buena pinta para prosperar y que al final acaba por "enfrentarse" con Corie, puesto que ella vive en una burbuja un tanto aislada.

A este joven matrimonio se une el vecino que encaja más con la personalidad de la joven y, la madre de la misma cuyo carácter es más parecido al de su yerno (es necesario destacar la interpretación genial de Mildred Natwick, justamente nominada al Oscar). Lo que se acaba sacando en claro al final en esta historia es que en el matrimonio hay momentos de pasión y alegría, así como de dificultades y obstáculos que hay que ir sorteando pero que al final, cuando entre ambos cónyuges se complementan, los problemas pueden solucionarse y alguna vez es necesario que entre cada uno se pongan los pies en la tierra.

Dentro de esta comedia romántica y alocada destaca la pareja protagonista que ya había trabajado junta un año antes en La jauría humana y, si en aquella película ya mostraban complicidad, en esta también se observa dicha química; aunque es necesario destacar que la voz cantante la lleva en este caso la gran Jane Fonda.

No es una película excepcional, pero si una película con la que pasar un rato agradable y divertido y ver en una tarde donde no apetezca mucho salir de casa y verla en el sofá y tapados con una manta. Porque al fin al cabo, el cine es un medio de entretenimiento.


Calificación personal: 6.3




Pulp Fiction (1994)




  • Dirección: Quentin Tarantino
  • Año: 1994
  • Género: Thriller
  • Intérpretes: John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Harvey Keitel, Tim Roth, Amanda Plummer, María de Medeiros, Ving Rhimes, Eric Stoltz, Rosanna Arquette, Bruce Willis, Christopher Walken, Quentin Tarantino.
  • Guión: Quentin Tarantino
  • Montaje: Sally Menke
  • Vestuario: Betsy Heimann
  • Fotografía: Andrezj Sekula
  • Productora: A Band Apart, Jersey Films


SINOPSIS

Todo comienza en una cafetería donde una pareja decide mientras desayuna atracarla y robar el dinero de la caja y de los clientes. A partir de ese momento, se irán sucediendo una serie de historias sobre gángsteres que se enlazarán entre si.


CRITICA

En más de una ocasión, escribiendo alguna que otra crítica, hay directores, actores o incluso géneros a los cuáles puedes adorar o disgustan demasiado para ver esas películas. Creo, que en más de una vez he mostrado mi predilección por Quentin Tarantino y por el tipo de películas que hace (dejando a un lado la violencia) y como mantiene una estética a lo largo de toda la historia que quiere contar.

Primero, es necesario destacar el título de la película, donde "pulp" hace referencia a un tipo de impresiones (novelas y/o revistas) que se realizaba con papel barato y dedicadas a narrar historias de crimen y misterio; de esta forma el director pretendió rendirle homenaje a una parte de la cultura estadounidense pero (eso si) metiendo parte de su humor ácido correspondiente.

Todos y cada uno de los relatos están relacionados entre si y donde muchas veces se puede observar como los personajes van teniendo conversaciones de lo más irrelevantes y/o poco profundas, pero que al final acaban por enganchar al espectador por las reflexiones que se realizan y como se van mezclando chistes fáciles pero que no son esperados (la escena del desayuno entre Vincent y Jules cuando en medio de la conversación, el primer dice: "me voy a plantar un pino").

Por otro lado, el director (desde mi punto de vista) utiliza el recurso del Macguffin; esto es, una excusa argumental que motiva a los personajes y al desarrollo de la historia, pero carece de relevancia por sí misma (el maletín, el reloj, el café...). Es una forma de salirse de la trama para llevar al espectador por otras ramas que no le terminan por resolver nada de la historia.

Se puede decir que esta película hay que verla como lo que es: cómo una serie de fascículos donde una serie de eventualidades le van ocurriendo al protagonista o a los protagonistas. En su momento, esta película generó mucha polémica no solo por ganar la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, sino porque los críticos decían que este tipo de película destruían la esencia del cine, cuando más adelante se ha comprobado que la violencia no tiene porqué estar ligada a Tarantino, sino que muchos directores la han utilizado también como sello de identidad.

Lo fascinante de esta película es que cada historia te atrapa con sus diálogos, sus escenas, sus movimientos de cámara y por supuesto la elegancia de la puesta en escena, así como la gran interpretación de todo el reparto coral que hacen que la película esté a la altura de las espectativas.


Calificación personal: 9


¿Quién está matando a los moñecos? (2018)



  • Título original: The happytime murders
  • Año: 2018
  • Género: Comedia
  • Dirección: Brian Henson
  • Intérpretes: Melissa McCarthy, Elizabeth Banks, Maya Rudolph, Joe McHale, Leslie David Baker, Bill Barretta, Dorien Davis, Kevin Clash, Drew Massey, Victor Yerrid
  • Guión: Todd Berger
  • Música: Christopher Lennertz
  • Fotografía: Mitchell Admunsen
  • Montaje: Brian Scott Olds
  • Productora: Henson Alternative, STX Films, On Day Productions.



SINOPSIS

En un mundo alternativo donde las marionetas y los humanos conviven, el investigador privado Phil Phillips, recibe la visita de una clienta que está recibiendo amenazas a través de cartas anónimas. Cuando Phillips inicia su investigación, va descubriendo que las marionetas de un antiguo programa de televisión están siendo asesinadas, y todas las pistas apuntan hacia él.


CRITICA

Creo que en esta crítica seré breve (cómo viene siendo habitual en las críticas sobre comedias) puesto que la trama no es demasiado compleja (aunque he de reconocer que la línea argumental no está tan mal como parece) y, el objetivo de la película es que el espectador pase un rato agradable y divertido.

La premisa de un mundo donde las marionetas actúan como los seres humanos da juego en la historia, puesto que realizan lo mismo que las personas pero eso sí, las mayores obscenidades y sordideces se dicen en el mundo muñequil, donde todos ellos intentan actuar como humanos pero la diferencia es que ellos son de gomaespuma.

Que el espectador no se lleve a engaño creyendo que esta película es para niños (aunque el director de la película es el creador de Los teleñecos) puesto que el humor negro es un gran aliciente para esta historia que no tuvo mucho éxito en los cines pero que, si se quiere pasar un rato divertido y desinhibido y no pensar en nada, esta puede ser tu película.

Es cierto que no es una gran película y que los diálogos son bastante guarros y ordinarios pero, la forma de soltar cada expresión y cada comentario se dice en su justa medida y el humor no decae en ningún momento. Pero como siempre comento, para gusto los colores y puede que a alguien le resulte desagradable la película.


Calificación personal: 5.5 



martes, 18 de diciembre de 2018

Rosas rojas (2005)



  • Título original: Imagine Me & You
  • Género: Romántica
  • Año: 2005
  • Dirección: Ol Parker
  • Intérpretes: Piper Perabo, Lena Headey, Matthew Goode, Celia Imrie, Anthony Head, Boo Jackson, Sue Johnston, Darren Boyd.
  • Guión: Ol Parker
  • Música: Alex Heffes
  • Fotografía: Ben Davis
  • Productora: Fox Searchlight Pictures, Focus Pictures


SINOPSIS

Rachel (Piper Perabo) se va a casar con su novio Heck (Matthew Goode). En el día de su boda conoce a Luce (Lena Headey) la florista y siente una atracción hacia ella. Con el transcurso de las semanas, ella sienten la atracción pero, que Rachel esté casada hace que ambas refrenen sus sentimientos.


CRITICA

La verdad es que la película me sorprendió bastante por lo delicado que trata la relación homosexual entre dos mujeres. Pero más allá de ese aspecto, es el decoro con el que se trata la historia, ya que no es algo meramente sexual como se viene reflejando últimamente en las películas de la última década (como es el caso de La vida de Ádele).

Siempre se piensa que el amor a primera vista no existe, pero, siempre puede ocurrir que en un pequeño instante, con una simple mirada, se pueda saber que esa persona esta hecha para ti. Por otro lado, lo que también me llamó la atención es como las protagonistas son conscientes de su situación: una de ellas está casa y la otra, no quiere entrometerse en la relación puesto que no quiere ser la causante de la ruptura del joven matrimonio. Aunque al final tenga que pasar lo inevitable.

También me gustaría destacar el papel del marido, que viendo que su mujer se va alejando más de él, decide apartarse para no acabar sufriendo y vivir un matrimonio que esté basado en la mentira, puesto que ve como su entorno de trabajo es una continua bola de mentiras y no lo aprueba.

Lo bueno que tiene la película, es que la historia arrastra por completo al espectador ya que es un guión sin giros complicados y el guión se va desarrollando en torno a la historia de amor y que además, todos a pesar de la condición sexual tenemos derecho a amar y ser amados e incluso (y yo creo que lo más importante) sentirnos respetados ante todo.

Para finalizar (y como pequeño cotilleo) Lena Headey antes de convertirse en la famosa Cersei Lannister de Juego de Tronos hacía película y ya era una reconocida actriz. En el caso de Piper Perabo, creo que todos los de mi quinta la recordarán por la película El Bar Coyote.


Calificación personal: 6.5


jueves, 13 de diciembre de 2018

Jezabel (1938)



  • Título original: Jezebel
  • Año: 1938
  • Género: Drama
  • Dirección: William Wyler
  • Intérpretes: Bette Davis, Henry Fonda, George Brent, Margaret Lindsay, Donald Crisp, Fay Bainter, Richard Cromwell
  • Guión: John Huston, Clements Ripley, Abem Finkel, Robert Buckner.
  • Música: Max Steiner
  • Fotografía: Ernest Haller
  • Montaje: Warren Low
  • Vestuario: Orry-Kelly
  • Productora: Warner Bros. Pictures


SINOPSIS

Julie Marsden (Bette Davis) es una joven bella, impetuosa y temperamental que vive en Nueva Orleans a mediados del siglo XIX. Con su actitud siempre desafía a cualquiera incluso para llamar la atención de su prometido Preston (Henry Fonda). En un baile de debutantes donde todas las jóvenes solteras deben de vestir de blanco, Julie se presenta con un vestido rojo. A partir de ese momento, la vida de la joven cambiará pero ella, seguirá siendo la misma.


CRITICA

Yo creo, que es necesario que antes de comenzar con la crítica, el espectador ha podido preguntarse el porqué del título de la película, si la protagonista se llama Julie. Pues bien, el título hace referencia a una mujer que estuvo casada con un rey hebreo, que aparece en el Libro de los Reyes de la Biblia. Al parecer, la fama que se le atribuía a esta mujer era bastante lamentable, ya que consiguió manipular durante su reinado a su marido y a sus dos hijos; así como desafiar a los distintos profetas hebreos e imponer la idolatría en el pueblo judío en lugar de alabar a Dios. Obviamente, su destino no fue muy agradable que se diga: ya que la arrojaron por una ventana y murió al estrellarse con el suelo.

Con esta pequeña introducción, podemos relacionar (en cierto modo) el personaje bíblico con el de la joven Julie. El lector puede preguntarse: "¿por qué esa comparación?". La respuesta es muy sencilla, porque esta joven adinerada vive según sus apetencias y según la atención que desea acaparar sin pararse a reflexionar la ofensa que le puede causar a sus seres queridos más que a los extraños, así como jugar a dos bandas y con dos hombres.

Su objetivo es ser el centro de atención a toda costa, aunque eso conlleve a desafiar la estética, las normas y/o las tradiciones de su ciudad; además de pensar que una provocación a la alta sociedad de Nueva Orleans la va hacer más respetable y más libre. Pero al final, acabará destruyendo el aprecio que su círculo más cercano la tiene, así como el favor de su prometido que sufre sus constantes impertinencias y su temperamento de joven malcriada.

Cuando ella ve que su prometido se ha ido, ella se ve sumida en una tristeza y melancolía por haber perdido al único hombre que la amado de verdad. Pero cuando se entera de su regreso, la luz vuelve a brillar sobre su luz y pretende volver a encandilar a su ex prometido. Pero cuando el susodicho regresa con una sorpresa, la joven Julie no se anda con miramientos y vuelve a las andadas a su comportamiento infantil, dañino hacia los demás y egoísta, donde solo mira para sí misma y sus intenciones; lo que se podría definir de una forma más popular, es que todo el mundo le tiene que estar "bailando el agua". Ante estas situaciones, destaca el papel de la tía de la joven, que ve como ella misma está arruinando su vida (a pesar del dinero y la posición social) y además, hay una frase que dice la tía: "Solo veo a la Jezabel de la Biblia", estableciendo así la conexión entre ambas.

A pesar de todos los comentarios que le hace su tía y sus allegados, ella es consciente de que no está actuando de la forma más apropiada pero, en lugar de reconocer su error y de rectificar, se mantiene firme en su posición de mujer fría y manipuladora que al final, ella decide hacerse a un lado en lo que refiere a su entorno social.

La interpretación de la gran Bette Davis es memorable (por esta película ganaría su segundo y último Oscar como mejor actriz, aunque seguiría recibiendo nominaciones) y muestra su amplio registro en la gestualidad dependiendo del acontecimiento. También el gran Henry Fonda, que interpreta al joven Preston, como se mantiene impertérrito antes los desaires de su prometida. En definitiva, hacen una pareja con mucha química.

Desde mi punto de vista, aunque el guión no sea de mucha profundidad, si que es necesario observar la evolución del personaje de Julie así como las diferentes situaciones en las que se ve comprometida o que compromete a los demás y, además es un fiel reflejo del romanticismo en su versión más cruel. Merece la pena verla y de disfrutar de las interpretaciones de dos grandes actores.


Calificación personal: 8







miércoles, 12 de diciembre de 2018

El milagro de Ana Sullivan (1962)




  • Título original: The miracle worker
  • Año: 1962
  • Género: Drama, hechos reales
  • Dirección: Arthur Penn
  • Intérpretes: Anne Bancroft, Patty Duke, Victor Jory, Inga Swenson, Andrew Pine, Kathleen Comegys.
  • Guión: William Gibson
  • Fotografía: Ernesto Caparrós
  • Montaje: Aram Avakian
  • Música: Laurence Rosenthal
  • Productora: Playfilm Productions


SINOPSIS

La joven Helen Keller (Patty Duke) es una joven sordociega desde la infancia debido a un caso grave de escarlatina. Sus padres, aterrorizados e indefensos, se ponen en contacto con una escuela para ciegos y, les envían a una exalumna, Ana Sullivan (Anne Bancroft) para enseñar a la joven Keller. Con el transcurso del tiempo, no solo se fraguará una enseñanza firme, sino también el amor y la persistencia.


CRITICA

Prácticamente toda mi vida he oído el título de esta película y las alabanzas que se decían sobre ella, pero nunca me había parado a verla; hasta que un día la encontré entre mi colección de DVD y cuando empecé a verla, no podía apartar mis ojos de ella. No solo por las escenas impactantes, sino porque fue una historia real y necesitaba conocer más ésta historia.

Cómo creo que le pasará a todo espectador que la vea, se desprende una cierta empatía y comprensión hacia la joven Helen a la par que, se puede llegar a sentir cierto "desprecio" por la figura de los padres que en cierto modo la dejaron abandona a su suerte y parece que no lucharon, ni siquiera un poco, por poder darle a su hija una vida un poco acorde a su situación. Pero, al recurrir a la escuela para ciegos, la vida de toda la familia dará un giro radical.


De dicho giro se encargará Ana, una antigua exalumna operada nueve veces de su ceguera que a pesar de ver, todavía arrastra consigo alguna que otra secuela. Obviamente su función es enseñar a la niña a comunicarse, pero Ana quiere ir más allá: desea que Helen sepa lo que está tocando gracias a la lengua de signos y sobre todo, que el tener una enfermedad no es una excusa para comportarse de una forma brusca y consentida. Para ello tendrá que recurrir a métodos poco escrupulosos para educar a Helen; lo que le lleva muchas veces a enfrentarse a los padres de la joven que no ven con buenos ojos su método de enseñanza pero, es necesario recurrir a ellos por el bien de la joven.

En el transcurso de la historia, el espectador se mimetiza con la situación de la institutriz y de la alumna a nivel emocional, porque puede llegar a removerle por dentro lo insignificantes que somos a veces con pequeñas vanalidades frente a personas que sufren y que sin embargo han conseguido salir adelante y no se ven como personas con unas limitaciones, sino personas con ganas de vivir. Evidentemente, también impactan bastante las situaciones en las que se ven las peleas entre ambas y las formas bruscas de la institutriz (en varias ocasiones se ven reflejadas su sufrimiento en la infancia).

La película de echo no tiene ningún desperdicio, no solo por la historia sino también de las interpretaciones de Anne Bancroft y de Patty Duke, las cuales ya habían trabajado juntas en la representación de la obra homónima. Comentar también que todos lo golpes y peleas son reales entre ambas y, lo que hicieron para no salir lastimadas consistía en ponerse protecciones debajo de la ropa para que no les saliesen moretones (sobre todo en la pelea de nueve minutos en el salón).

Desde mi punto de vista y más allá de las interpretaciones, esta película debería de ser de visionado obligatorio en institutos puesto que muchas veces la permisividad no hace que una persona madure, sino a veces cierta disciplina férrea que pueda ayudar a forjar el carácter de una persona. Además de que a pesar de la rudeza por parte de la institutriz, el amor sobresale por encima de cualquier palabra, gesto o pensamiento. Para mí, una de las mejores películas del siglo XX.


Calificación personal: 10


Jackie (2016)



  • Dirección: Pablo Larraín
  • Año: 2016
  • Género: Drama, historias reales
  • Intérpretes: Natalie Portman, Greta Gerwig, Peter Sarsgaad, Max Casella, Beth Grant, Billy Crudup, Richard E. Grant, John Hurt.
  • Guión: Noah Oppenheim
  • Música: Mica Levi
  • Montaje: Sebastián Sepúlveda
  • Fotografía: Sthépane Fontaine
  • Productora: Fabula, Bliss Media, Protozoa Pictures, LD Entertainment, Wild Bunch, Why Not Productions.


SINOPSIS

Relato de la primera dama de los Estados Unidos Jaqueline Kennedy (Natalie Portman) en la Casa Blanca y su vida en los días siguientes tras la muerte de su marido John F. Kennedy en el año 1963 en Dallas.


CRITICA

He de recordar que más de una vez he comentado en mis entradas del blog que las películas que están basadas en hechos reales, tienen sus pros y sus contras. En el caso de los pros, si es la vida de algún personaje conocido o que nos resulta familiar, siempre se siente la curiosidad de saber más de él. En el caso de los contras puede ocurrir que el espectador no se sienta atraído por la historia o que a la hora de ver la película, el desarrollo de la misma le sea un tanto tediosa.

En el caso de esta película, he de reconocer que el ritmo de desarrollo es demasiado pausado; quizá porque relata la vida de la primera dama tras el asesinato del presidente de los Estados Unidos, pero también (desde mi punto de vista) en cierta medida nos permite el acercamiento a una figura un tanto desconocida o que todo el mundo asociaba a la frivolidad y los lujos.

Tampoco sé hasta que punto (como ocurre con todas las películas que están basadas en hechos reales) todo lo que se cuenta en la película es real o si ha quedado constancia de lo que Jackie Kennedy contó en aquella entrevista. Lo que si me ha parecido bastante interesante es como de la noche a la mañana, alguien que ha formado parte de la vida de un país, pase a un ocaso en el cual la gente hace caso omiso, así como el reflejo de una profunda depresión continua que debe de enmascararse con el cargo que ostenta. Además. también hay que tener en cuenta que el papel de la mujer en el siglo pasado (y aún en la actualidad) se veía reducido única y exclusivamente a ser la imagen bonita de un hogar confortable y cuidado, y de esta forma poder fingir un dolor profundo.

Por otro lado, destacar la gran puesta en escena de los diferentes lugares donde Jackie va sufrir la transformación, así como el vestuario impecable que Natalie Portman va llevando a lo largo de toda la película. Y qué decir de su magnífica interpretación, donde es capaz de pasar de una sonrisa fingida a una tristeza absoluta. Cómo siempre, esa joven que apareció por primera vez junto a Jean Reno en León (El profesional) se ha convertido en una actriz de renombre.

Yo creo que merece la pena verla no solo para conocer la historia de una mujer "desconocida" sino también para observar que una mujer no es un mero objeto, tiene sentimientos y reflexiona sobre su vida (muy importante la conversación con el sacerdote). Desde mi punto de vista, una belleza visual.


Calificación personal: 7




martes, 11 de diciembre de 2018

Días de vino y rosas (1962)



  • Título original: Days of wine and roses
  • Género: Drama
  • Año: 1962
  • Dirección: Blake Edwards
  • Intérpretes: Jack Lemmon, Lee Remick, Jack Klugman, Charles Bickford, Alan Hewitt, Jack Albertson, Tom Palmer.
  • Guión: J.P. Miller
  • Música: Henry Mancini
  • Montaje: Patrick McCormack
  • Fotografía: Philip H. Lathrop
  • Vestuario: Don Feld
  • Productora: Jalem Productions


SINOPSIS

Joe Clay (Jack Lemmon) conoce a su mujer Kirsten Arnesen (Lee Remick), una brillante secretaria de la que se enamora y, se acaban casando. Tienen una hija y parece que todo va bien. Pero Joe llega muchas veces a casa borracho o incluso se acaba emborrachando en su propia casa, arrastrando a su mujer consigo a un alcoholismo profundo.


CRITICA

Cuando comencé a ver esta película, la primera impresión que me dio fue que el objetivo de la misma era que a partir de ver a su mujer sufrir, el protagonista da un giro radical en su vida y decide dejar la bebida por su mujer y, la película acaba teniendo un final feliz. Pero, a medida que iban avanzando los minutos, el giro de guión que se produce, deja al espectador (o al menos a mí) atónito por como la situación no era como pensaba y, como el alcohol puede destruir a nuestro entorno más cercano.

Uno de los acontecimientos que más me han impactado, es como el matrimonio va evolucionando en su caída al alcohol y como la gran mayoría de las veces su felicidad depende en estar ebrios o, el pasar el rato como matrimonio depende también del mismo. Hasta cierto punto, no son "conscientes" de lo que la bebida está produciendo en sus vidas: despido del trabajo de él, atender a su hija estando borrachos, comprar cantidades ingentes de alcohol, pero; en definitiva se traduce en como ambos están arruinando sus vidas.

En un determinado momento de la película, vemos que el personaje de Joe es consciente de que tanto él como su mujer tienen un problema serio y deciden huir de él y dejar directamente de beber sin ayuda de nadie. Poniendo a veces en su problema la excusa de "por un poquito no pasa nada" o "bebemos solo una copa y paramos", pero es un autoengaño constante así mismos que les lleva incluso a ser internados en un sanatorio mental porque su adicción es tan fuerte, que no disciernen nada ni a nadie y sobre todo, porque suponen un problema para su hija y, cada vez van cayendo aún más en el pozo de la indigencia donde sus únicos acompañantes son las bebidas espirituosas.

Por otro lado, hay un momento en la película donde el personaje de Joe quiere redimirse y volver a ser como antes, es decir, que el alcohol no forme parte de sus vidas; y cuando se da cuenta de que sigue queriendo a su mujer sin estar ebrio; ella ve que estando sobria su vida es mucho más aburrida y ya no encuentra a su marido gracioso ni cariñoso. Inicialmente, el fue quien arrastró a ella hacia el alcohol y más adelante, las tornas se darán la vuelta.

Cuando ves que ambos personajes se "enfrentan" cara a cara sobrios, ambos se dan cuenta de lo que les produce el alcohol y que hay remedio para ello. Él, lucha por ser un marido y un padre mejor. Ella, siendo consciente de la mala vida que lleva no decide en ningún momento poner solución a su situación ni por el bien de su hija.

Creo que he podido hacer más de un spoiler sobre esta película, pero realmente ella habla por si sola a medida que la historia se va desarrollando y se ve una clara involución de los personajes, su comportamiento, su conciencia e incluso su propia vida. Pero, a pesar de destripar un poco la historia, merece totalmente la pena ver esta extraordinaria película en donde se pueden observar tanto las miserias como las alegrías de los personajes; así como las interpretaciones espectaculares tanto del Jack Lemmon (el cual siempre tuvo una gran facilidad para hacer drama y comedia) como de Lee Remick que hace una interpretación soberbia.

En definitiva, nunca debemos de poner las esperanzas en el alcohol ni en aquellas cosas que nos permitan evadirnos de nuestros problemas durante unas horas, puesto que no solo nuestra vida está en juego, sino también nuestra propia integridad. Es una película imprescindible que hará que el espectador no se olvide de ella.


Calificación personal: 9


lunes, 10 de diciembre de 2018

Abierto hasta el amanecer (1996)




  • Título original: From Dusk Till Dawn
  • Año: 1996
  • Género: Terror
  • Dirección: Robert Rodríguez
  • Intérpretes: George Clooney, Harvey Keitel, Juliette Lewis, Quentin Tarantino, Salma Hayek, Danny Trejo, Ernest Liu, Tom Savini, Cheech Marín, Fred Williamson, John Hawkes, Michael Parks.
  • Guión: Quentin Tarantino
  • Fotografía: Guillermo Navarro
  • Música: Graeme Revell
  • Montaje: Robert rodríguez
  • Productora: Dimension Films, A Band Apart


SINOPSIS

Los hermanos Gecko (George Clooney y Quentin Tarantino) intentan llegar hasta México tras cometer una serie de robos y asesinatos de policías y civiles. Para ello toma como rehenes al pastor Jacob Fuller (Harvey Keitel) y a su familia. Cuando atraviesan la frontera, esperan en un bar de carretera de mala muerte. Pero, lo que esperaban que fuese una noche tranquila, se acaba convirtiendo en un infierno.


CRITICA

¿Qué puede salir de la unión entre Quentin Tarantino y Robert Rodríguez? Pues una película con un ambiente que recuerda a las películas de serie B que se hacían en los años 70 y 80 y, donde el guión es de lo más absurdo pero, lo que al final acaba atrapando al espectador no es el guión, sino la historia secundaria o la relación que se establece entre los distintos personajes.

Tarantino tiene una idea un tanto peculiar de escribir guiones, puesto que pone mucho énfasis en que el espectador esté pendiente del diálogo que se generan entre dos o más personajes y que al final van a la par con el resto de la historia. Bien podría decirse, que esta película fue de alguna forma de revulsivo para el guionista y director tras su éxito con las películas Reservoir Dogs y Pulp Fiction, donde las historias interconectadas de los personajes permiten seguir el hilo de la historia.

Por mucho que intente salvar a esta película, me es imposible no solo por su estética un tanto mediocre en lo que se refiere al estilo vampírico, sino también porque la huida de los dos hermanos hasta la llegada al bar de carretera, puede llegar a ser un tanto pesada; uniéndolo al personaje demasiado fuera de si de Tarantino, como el de su hermano (interpretado por George Clooney) que está igual de loco que él.

Por otro lado, lo que me llama mucho la atención es el análisis filosófico que realizan los supervivientes sobre los vampiros, cuando no es necesario dedicarle demasiado tiempo (como yo a esta entrada, la cuál acabaré en las próximas líneas). Se podría resumir como una película un poco bizarra y recomendable para aquellos que son amantes del cine de vampiros, del cine de autor y sobre todo, del violento y sanguinolento Quentin Tarantino.



Calificación personal: 6


Red de mentiras (2008)



  • Título original: Body of lies
  • Año: 2008
  • Género: Thriller
  • Dirección: Ridley Scott
  • Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Russell Crowe, Oscar Isaac, Mark Strong, Golshifeth Farahani, Vince Colosimo, Ali Suliman, Simon McBurney.
  • Guión: William Monahan
  • Fotografía: Alexander Witt
  • Música: Harry Gregson-Williams, Marc Streitenfeld
  • Montaje: Pietro Scala
  • Productora: Scott Free Productions, De Line Pictures


SINOPSIS

Roger Ferris (Leonardo DiCaprio) es un agente de campo de la CIA que busca células terroristas, en concreto la de Al-Saleem. Con la ayuda de su jefe Ed Hoffman (Russell Crowe) desde Washington intentan buscar y atrapar a este terrorista.


CRITICA

Desde hace mucho tiempo, veo películas del director Ridley Scott y me he dado cuenta que con el transcurso del mismo, las historias que cuenta son cada vez más aburridas o pretenden alargar el guión de tal forma que le sale una película sumamente larga sin ningún tipo de garra. Puesto que, lo que intenta contar es una historia donde no se sabe bien por donde se van a producir los giros y por consiguiente, acaba aburriendo al espectador.

El director se preocupa más por la forma que por el fondo, de esta forma la película aparece como un thriller de acción perfectamente presentado, con un armatoste artificioso que en realidad oculta una historia floja y titubeante, inverosímil por su desarrollo y sencillamente simplona en su resolución.

He de reconocer que con el paso del tiempo con determinados géneros me he vuelto más exigente, no porque busque una perfección en la historia, sino porque su guión (aunque a veces pueda ser sencillo) me llegue a enganchar con la trama. En el caso de esta película, esto no llega a suceder en ningún momento y, a medida que van pasando los minutos he visto que no se cerraban historias o incluso se iban introduciendo otras que al final no tenían nada que ver con la original.

La película no solo se salva por sus escenas de acción bien planteadas, sino por la gran interpretación de Leonardo DiCaprio que una vez más muestra su talento y su soberbia interpretación. Por otro lado, el personaje de Russell Crowe parece una caricatura humana del personaje del gato Garfield y cómo su filmografía también anda un poco de capa caída.

Desde mi punto de vista, queridos espectadores, me plantearía bastante el ver una película dirigida por Ridley Scott porque en la mayoría de las ocasiones decepciona bastante (o también que los guionistas que le ofrecen un guión deben de pulirlo un poco más) y que provoca cierto rechazo. Si no la ven o la tienen en su lista de película pendientes, pueden irla eliminando.


Calificación personal: 5



domingo, 9 de diciembre de 2018

Focus (2015)



  • Dirección: Glenn Ficarra
  • Año: 2015
  • Género: Thriller, comedia romántica
  • Intérpretes: Will Smith, Margot Robbie, Rodrigo Santoro, B.D.Wong, Adrian Martinez, Robert Taylor, Sthephanie Honore, Kate Adair, Joe Chrest.
  • Guión: Glen Ficarra, John Requa, Nick Urata
  • Fotografía: Xavier Pérez Grobet
  • Montaje: Jan Kovac
  • Productora: Warner Bros. Pictures


SINOPSIS

Nicky (Will Smith) un maestro de la estafa comienza un romance con la novata Jess (Margot Robbie), le enseña los trucos del oficio. Tras dejarla en la estacada, tres años después se reencuentra con ella en Argentina en un circuito de carreras donde se realizan apuestas muy elevadas y peligrosas.


CRITICA

Cómo bien sabe todo espectador, hay películas que se basan en el puro entretenimiento y en la mayor recaudación posible. En el caso de esta película, no iba a ser menos; sobre todo con dos actores cuyas carreras siguen en alza y despuntando. Pero he de reconocer, que la trama está bastante bien llevada y de vez en cuando hay giros de guión que uno no se espera.

Desde el principio se muestra como actúan los estafadores, en mil formas que aunque no lo parezca dan miedo de verdad porque le procura a uno estar alerta en cualquier lugar al que vaya como en cualquier otro país y, las formas más normales para que se produzcan los robos.

Luego muestra como se pueden producir estafas a gran escala donde lo que importa realmente es el dinero y como muchas veces se juega con la sugestión de las personas (y se manipulan a otras) para lograr el objetivo fijado.

En definitiva, la película es entretenida de principio a fin, con pequeños giros de guión que despitan al espectador pero que le hacen estar pendiente de lo que está ocurriendo y como se va desenvolviendo cada uno de los robos. Pero tampoco hay que echar campanas al vuelo con esta película, puesto que su única finalidad es el entretenimiento.


Calificación personal: 6


martes, 4 de diciembre de 2018

El gran Gatsby (2013)





  • Título original: The great Gatsby 
  • Dirección: Baz Luhrmann 
  • Año: 2013
  • Género: Drama, romance. 
  • Interpretación: Leonardo DiCaprio, Tobey Maguire, Carey Mulligan, Joel Edgerton, Isla Fisher, Jason Clarke, Elizabeth Debicki. 
  • Guion: Baz Luhrmann y Craig Pearce 
  • Producción: Baz Luhrmann, Catherine Martin, Douglas Wick, Lucy Fisher y Catherine Knapman. 
  • Música: Craig Armstrong. 
  • Fotografía: Simon Duggan. 
  • Montaje: Jason Ballantine, Matt Villa y Jonathan Redmond. 
  • Diseño de producción: Catherine Martin. 
  • Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.


SINOPSIS

Nick Carraway (Tobey Maguire), deja el medio oeste y llega a Nueva York en la primavera de 1922, una época de relajamiento moral, deslumbrante jazz, reyes del contrabando y en la que la bolsa sube como la espuma. Nick, que busca su propia versión del sueño americano, tiene como vecino a un misterioso millonario que da muchas fiestas, Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio), y al otro lado de la bahía están su prima Daisy y el mujeriego marido de sangre azul de ésta, Tom Buchanan. Así es como Nick se verá inmerso en el mundo cautivador de los grandes millonarios, sus ilusiones, amores y engaños.


CRITICA

Cómo muchos espectadores sabrán, a finales de los años 70, se hizo una adaptación a la gran pantalla del libro de F. Scott Fitzgerald y el personaje principal fue interpretado por Robert Redford. He de reconocer que no he visto esa película, por lo que no puedo realizar ninguna comparativa al respecto. Pero, puedo romper una lanza a favor de esta nueva adaptación no solo por la historia, sino también por la fastuosidad del vestuario y como con canciones modernas, se han puesto al servicio de una década ya antigua.

Muchos ya se habrán leído el libro del gran escritor y sabrán (cómo es lógico) cual es su desenlace. Pero no está de más, el poder desentrañar mucho más acerca de la historia que hay detrás de ese hombre misterioso que se hace llamar Gatsby.

Lo que nos va revelando acerca del personaje, es gracias a un amigo suyo escritor que en cierto modo le tiene endiosado pero a la vez va descubriendo las carencias emocionales que tiene y que sigue anclado al pasado para hacerlo realidad en el presente. Cuando realmente el pasado no puede volver ni puedes imaginártelo en tu vida actual. Eso es lo que le ocurre al personaje de Gatsby que, por intentar darle una vida mejor a la mujer de la que estaba (y sigue estando) enamorado, pierde toda la perspectiva de recuperarla porque solo se acuerda del pasado.

Aunque parezca algo surrealista y aunque todo suene a fantasía, también hay que visualizar al marido de ella: un vividor que nunca ha estado pendiente más que de sí mismo y cuando ve que su matrimonio peligra intenta quedar a toda costa como un mártir. Porque es como el perro del Hortelano: "ni come ni deja comer", es decir, que quiere tener todo lo deseado y quiere tener todo bajo su control y su dominio. Eso, se lo acaba transmitiendo esos miedos a su mujer y ella no es capaz de luchar por su felicidad y prefiere la comodidad.

Al final lo que se demuestra es que siempre se mira cada uno su porvenir y sus propios intereses y sobre todo cuando ya no le compete nada o ver que una persona está de capa caída, ya no les interesa. Cómo siempre Leonardo DiCaprio está sublime y llena a su personaje de una intensa soledad y desgarro emocional increíble. Ahora admito es uno de los mejores actores de esta generación. Merece la pena leer el libro, ver la película clásica y la moderna; puesto que la historia da que pensar.



Calificación personal: 7.5