Batman: La lego película (2017)

• Título original: Batman: The lego movie
• Año: 2017
• Género: Animación
• Dirección: Chris McKay
• Doblaje original: Will Arnett, Zach Galifianiakis, Michael Cera, Rosario Dawson, Ralph Fiennes, Mariah Carey, Jenny Slate, Héctor Eliozondo.
• Guión: Seth Grahame-Smith, Chris McKenna, Erik Sommers, Jared Stern, John Whittngton
• Música: Lorne Balfe
• Montaje: David Burrows, Matt Villa, John Venzon
• Productora: Warner Animation Group, Animal Logic, DC Entertainment

SINOPSIS

Tras evitar que El Joker destruya la ciudad de Gotham, el primero dice que es su mayor enemigo pero Batman no se lo cree. El Joker crea un plan para llamar la atención del justiciero y a su vez poder destruir la ciudad de Gotham.

CRITICA

De vez en cuando, cuando se lleva viendo películas con un guión profundo, a veces es necesario desconectar la mente con alguna película de encefalograma plano y esta es una de esas películas que se ven como mero entretenimiento visual y despejarse.

La película no es más que una pequeña continuación de La lego película pero sacando a un personaje de la franquicia. Es de reseñar que el guión de la historia es bastante flojo pero de vez en cuando tiene altos a través de los chistes que hace el personaje y los montajes de las diferentes naves y aparatos con las figuras de lego. Pero también hay que contar que envía algunas mensajes positivos como el dejarse ayudar, aceptar a los que te quieren y que la soledad es buena pero es necesario tener gente a tu alrededor.

En resumen, a pesar de que la película se hace bastante pesada consigue captar la atención del espectador con la aparición de diferentes personajes de DC así como a otros malos que han aparecido en diferentes sagas de películas. Pero puede resultar entretenida para los niños, aunque no es de las mejores películas de animación que he visto.

Calificación personal: 3

La noche de la iguana (1964)

• Título original: The night of the iguana
• Año: 1964
• Género: Drama
• Dirección: John Huston
• Intérpretes: Richard Burton, Ava Gardner, Deborah Kerr, Sue Lyon, Cyril Delevanti, Gladys Hill, Grayson Hall
• Guión: Anthony Veiller, John Huston
• Música: Benjamin Frankel
• Fotografía: Gabriel Figueroa
• Montaje: Ralph Kemplen
• Vestuario: Dorothy Jeakins
• Productora: Metro Goldwyn Mayer

SINOPSIS

Un sacerdote anglicano retirado y alcohólico (Richard Burton) trabaja como guía turístico de mujeres profesoras de edad avanzada. En el camino, será seducido por una joven (Sue Lyon) que se encuentra en este grupo. Al borde de una crisis nerviosa decide refugiarse en el hotel de su amiga Maxine (Ava Gardner) en Puerto Vallarta. Allí conocerá a una mujer algo anticuada (Deborah Kerr). Estas tres mujeres marcarán su vida.

CRITICA

Hay que tener claro desde el principio que cuando se trata de una adaptación del gran dramaturgo Tennessee Williams, la crudeza, la polémica, la desnudez del alma humana aparecen sin ningún tipo de tapujos y permite ahondar bastante en la intrahistoria que se esconde detrás de la historia principal. Además de que el gran escritor, en todas sus obras, siempre plasma parte de su vida y de sus vivencias.

Desde el principio de la película se ve claramente el tormento que le persigue al pastor y cuyo delirios y adicción al alcohol le hacen perder el rumbo de su vida y caer en una espiral de autodestrucción porque lo que le daba fuerzas y sostén en su vida, es decir transmitir la fe y la palabra de Dios, no le permite recuperar su yo anterior. A esto se une los recuerdos de su pasado con una joven que es demasiado precoz sexualmente y que lo que busca es llamar la atención aunque sea a costa de que acusen a un hombre de estupro. Por otro lado la segunda mujer es una antigua amiga que acaba de perder a su marido y que su propia falta amor le hace ser promiscua. La tercera mujer le hace poner los pies en el suelo y ver que la vida es más allá que ver las fatalidades de la vida. En definitiva, estas tres mujeres representan tres momentos concretos de su historia: la joven adolescente que le permite renacer en lo que se refiere a una relación carnal, su antigua amiga que es el amor perdido y la inquilina que le hace ver la realidad del momento de su vida y como los momentos son efímeros.

La verdad es que la película tiene mucha miga que deshacer, empezando por el escritor cuya vida fue bastante tormentosa y muy dolorosa. Se puede decir que el personaje de Richard Burton es el alter ego del dramaturgo ya que había dos mujeres en su vida a las que amaba profundamente: a su madre a la que amaba y odiaba a la vez y a su hermana a la que la sometieron a una lobotomía y quedó como un vegetal y eso le afectó directamente y le impulsó directamente a la bebida.

Todos los tormentos que el escritor sufría y todas sus vivencias a nivel personal, se reflejaba directamente en sus obras y de esa forma era capaz de mostrar sus sentimientos y su homosexualidad reprimida que a veces aparecían en los personajes, como es el caso de la mujer que cuida de la joven que manifiesta su condición sexual evitando que se acerque al reverendo.

En definitiva, el gran Tennessee Williams permitió que quedasen películas clásicas que permitían a los actores mostrar su enorme potencial interpretativo y sacar lo mejor de si mismos. Obviamente, el título de La noche de la iguana hace referencia a lo que hacían los mexicanos con el reptil y los planos de una de ellas raptadas para luego ser comida. Y que al final, nuestro pasado pesa más y no nos permite avanzar como personas y nos limita emocionalmente. Una película que no deja indiferente a nadie.

Calificación personal: 8

Lo que el viento se llevó (1939)

• Título original: Gone with the wind
• Año: 1939
• Género: Drama, bélico
• Dirección: Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood
• Intérpretes: Vivien Leigh, Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard, Hattie McDaniel, Alicia Rhett, Harry Davenport, Butterfly McQueen, Barbara O'Neil, Thomas Mitchell.
• Guión: Sidney Howard, Margaret Mitchell, Ben Hecht, Jo Swerling, Jon Van Druten
• Música: Max Steiner
• Vestuario: Walter Plunkett
• Fotografía: Ernest Haller, Lee Garmes
• Montaje: Hal C. Kern, James E. Newcon
• Productora: Metro Goldwyn Meyer

SINOPSIS

Georgia, 1861. En la inmensa plantación de Tara vive la joven rica Scarlett O'Hara (Vivien Leigh) que además es caprichosa y egoísta que suspira por el amor de Ashley (Leslie Howard), el cual está prometido con su prima Melanie (Olivia de Havilland). Tras estallar la guerra de Secesión Americana (1861-1865) Scarlett tiene que hacer frente a situaciones que no había vivido, así como soportar al arrogante galán Rhett Butler (Clark Gable).

CRITICA

A lo largo de toda la historia del cine, se han rodado películas que han marcado un antes y un después por diversas cuestiones como por ejemplo problemas en la filmación, rivalidades, uso de nuevas tecnologías (en las que se incluyen los efectos especiales) y los libretos de los guiones que encumbraron (junto a la interpretación de los actores y actrices) a las película a lo más alto. En el caso de Lo que el viento se llevó, revolucionó la industria cinematográfica de aquella época, además de crear una imagen memorable que queda en la retina de todo espectador que la ve.

Pero, más allá de todas estas cuestiones, deseo centrarme en lo que realmente supone el eje central de la historia, el periodo en el que tiene lugar, es el caso de la guerra de Secesión Americana y la protagonista alrededor de la cual gira la trama y cuyo comportamiento y carácter marca la vida de los que tiene a su alrededor; al ser una personaje completamente egoísta que solo quiere tener y poseer lo que a los demás les da felicidad: desde el dinero, al matrimonio e incluso un hogar.

En contraposición a este personaje, encontramos a Melanie una mujer que ve más allá de la maldad de otras personas y que piensa siempre en el prójimo puesto que si la ayudan (o ayudasen a ella) haría lo mismo por los demás. Aunque no lo demuestre, Scarlett a pesar de "querer" a su amiga, siente celos de ella por su bondad y porque se ha casado con el hombre del que ella está profundamente enamorada y que a toda costa intenta romper ese matrimonio y por despecho, se casa con dos hombres a los que no aman y éstos, amaban a otras mujeres, pero los engatusamientos de la joven, hacen que destruyan la felicidad de los demás, incluida la de sus propias hermanas. Aunque sus planes podrían ser más "perversos" si no fuese por el control que ejerce su esclava Mammy, que de vez en cuando la hace entrar en razón y la controla muchas veces su maldad que subyace a través de su arrogancia.

Como telón de fondo en esta historia está uno de los momentos más horribles que vivió Estados Unidos que fue la Guerra de Secesión, en la cual luchaban los soldados del Norte que estaban en contra de la esclavitud contra los del Sur que estaban a favor de la misma. En todo ese clima de crispación, se ven vidas destrozadas de soldados, de familias, casas saqueadas, persecución a los habitantes del Sur así como un cambio de "poderes" en lo que se refiere a riquezas: los del Norte se han hecho con toda la economía del país y ponen a los del Sur contra las cuerdas.

En definitiva, lo que nos muestra en la película es la situación extrema que puede vivir una persona y los diferentes medios y recursos que debe de aplicar si quiere sobrevivir. También refleja el trasfondo de como en situaciones tan desagradables como es el caso de una guerra, se puede observar como se comporta una persona. En el caso del personaje de Scarlett, se ve que a pesar de todas las vicisitudes, sigue siendo una persona arrogante y egoísta que acaba despreciando a todo el mundo que se ha portado mal con ella o con su familia, a pesar de acabar teniendo todo lo que deseaba: dinero, un marido, una hija; pero no al amor de su vida (aunque luego se descubre la verdad)

Como datos curiosos a tener en cuenta, por la dirección como aparece en la ficha técnica, fueron tres los directores que intervinieron en la grabación de la película, pero que por diferentes cuestiones creativas, se despedían a los directores pero al final, se utilizaron parte de los tres, aunque realmente en los créditos oficiales solo aparezca Victor Fleming. Por otro lado, la actriz que interpreta a Mammy, fue la primera actriz afroamericana que ganó un Oscar (aunque fuera de reparto) pero, la pusieron al final del todo del teatro, que tardó bastante en llegar al escenario a recoger su premio. Y que decir del elenco protagonista: Clark Gable, Vivien Leigh y Olivia de Havilland están espectaculares.

Para concluir esta es una de las película o que amas o que odias (yo es la segunda vez que la he visto y me sigue encantando) como tantas otras que se consideran clásicos del cine. Pero, a pesar de su duración, la historia y todo lo que la propia película contiene, no deja indiferente a nadie (ya sea para bien o para mal).


Calificación personal: 9

Los miserables (2012)

• Título original: Les Misérables
• Año: 2012
• Género: musical, drama
• Dirección: Tom Hopper
• Intérpretes: Hugh Jackman, Russell Crowe, Sacha Baron Cohen, Helena Bonham Carter, Eddie Redmayne, Amanda Seyfried, Anne Hathaway, Samantha Barks, Aaron Tveit, George Blanden
• Guión: William Nicholson, Claude-Michel Schönberg, Herbert Kretzmer, Alain Boublil
• Vestuario: Paco Delgado
• Música: Claude-Michel Schönberg
• Fotografía: Danny Cohen
• Montaje: Chris Dickens, Melanie Ann Oliver
• Productora: Working title pictures

SINOPSIS

En 1815 el ex convicto Jean Valjean (Hugh Jackman) es liberado por el oficial francés Javert (Russell Crowe). Una noche, tras recibir la ayuda de un sacerdote Valjean decide cambiar de vida y volverse honrado y reparar ayudando a lo demás, empezando por adoptar a la hija de Fantine (Anne Hathaway): la pequeña Cossette.

CRITICA

Desde que tengo uso de razón (y desde que recuerdo al empezar a ver películas) los musicales siempre me han parecido un género cinematográfico muy atractivo, puesto que la banda sonora junto con sus canciones acaban siendo de lo más pegadizas a la vez que hace la historia entretenida y siempre hay algún número que queda grabado en la retina.

Antes de grabar esta película, esta obra ya se había representado en Broadway y con anterioridad, se habían realizado varias versiones cinematográficas de la gran novela del gran escritor Víctor Hugo, puesto que su novela se compone de dos partes y es una historia muy densa a la par que interesante, puesto que te muestra una época de Francia donde las desigualdades sociales y la hambruna eran muy evidentes (aunque no hay que remontarse a épocas remotas para saber que en la actualidad ocurre algo por el estilo).

A pesar de que el metraje de la película es un poco largo para el género musical (dura algo más de dos horas y diez minutos) hay que destacar que en ese tiempo compila bastante bien los momentos importantes y claves de la novela del escritor francés, además de tener en cuenta determinados momentos musicales destacados que aumentan el clímax de la historia, como la canción I dreamed a dream cantada por Anne Hathaway (que está impecable a pesar de que su papel sea corto). También se aprecia la transformación de algunos actores como Hugh Jackman o la siempre e irreverente Helena Bonham Carter haciendo de mujer excéntrica junto a Sacha Baron Cohen.

Desde mi punto de vista, es un musical que está muy logrado tanto en calidades interpretativas, como en escenografías, vestuario (a cargo del español Paco Delgado) y los saltos temporales que conectan con las vidas pasadas de los personajes. Pero he de reconocer que a mi me atrajeron más las adaptaciones que se hicieron sin ser musicales. Como se suele decir: sobre gustos no hay nada escrito.

Calificación personal: 7.5 

La bella y la bestia (2017)

• Título original: Beauty and the Beast
• Año: 2017
• Género: Romance, musical
• Dirección: Bill Condon
• Intérpretes: Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Kevin Kline, Josh Gad, Ewan McGregor, Emma Thompson, Ian McKellen, Stanley Tucci, Audra McDonald, Gugu Mbatha-Raw
• Guión: Stephen Chbosky, Evan Spiliotopoulos
• Música: Alan Menken
• Maquillaje: Chris Lyons
• Montaje: Virginia Kratz
• Vestuario: Richar Van Der Bergh
• Fotografía: Tobias A. Schliessler
• Productora: Walt Disney Pictures, Mandelville Pictures

SINOPSIS

Un joven príncipe francés y arrogante cae bajo la maldición de una maga convirtiéndole en Bestia. Solo podrá romper el hechizo si encuentra a alguien que le ame antes de que caiga el último pétalo de la rosa que controla el hechizo.

CRITICA

He de reconocer que antes de ver la película, estaba un poco escéptica puesto que todos los que crecimos con el clásico de Disney podríamos pensar que la versión en carne y hueso no estaría a la altura, pero la verdad es que la película es brillante no solo en cuanto al libreto sino también por la escenografía y el vestuario.

Desde el principio hasta el final la película mete de lleno al espectador en la historia y permite que la forma en la que nos habíamos imaginado a los personajes se haga en cierto modo "realidad" además de la interpretación de los números musicales que nos recuerdan a la película de animación del año 1991.

La verdad es que muchas veces no es necesario hacer una crítica demasiado larga sobre una película cuyo único fin es entretener y disfrutar al máximo de una historia que tenga un poco el tópico de la típica historia romántica, es totalmente disfrutable en cualquier compañía.

Por otro lado, el elenco está muy cuidadosamente bien seleccionado y cada uno de los actores y actrices se mimetizan a la perfección con sus personajes y sobre todo a Emma Watson que ya dejó a su personaje de Hermione Granger y muestra que su talento interpretativo es muy favorable. En definitiva, esta película es disfrutable para todas las edades y entretenida y rememorar la infancia. Por cierto, merece la pena verla en versión original ya que se aprecian más los detalles de todas las canciones.

Calificación personal: 7.5

La costilla de Adán (1949)

• Título original: Adam's Rib
• Año: 1949
• Género: comedia
• Intérpretes: Spencer Tracy, Katherine Hepburn, Judy Holliday, Tom Ewell, David Wayne, Jean Hagen.
• Guión: Ruth Gordon, Garson Kanin
• Música: Miklos Rózsa
• Fotografía: George Folsey
• Montaje: George Boemler
• Vestuario: Walter Plunkett
• Productora: Metro Goldwyn Meyer

SINOPSIS

Amanda Bonner (Katherine Hepburn) y Adán Bonner (Spencer Tracy) se enfrentan en un juicio al defender ambos a un matrimonio. El juicio pondrá a prueba no solo su habilidad como abogados sino también su propio matrimonio.

CRITICA

Si se ve la película desde el género que es, es decir, la comedia y las situaciones hilarantes que les ocurre al matrimonio. Pero, aunque no lo parezca hay un trasfondo que trata sobre los derechos de la mujer y como se justifican las acciones de los hombres y se ve como algo normal; puesto que la base del guión es defender a una mujer que ha intentado matar a su marido cuando este le ha sido infiel durante más de un año y se la quiere juzgar por intento de asesinato.

Por un lado, Amanda defenderá a la mujer con la argumentación de que las mujeres tienen que dedicarse a exclusivamente a las tareas de la casa y que el marido puede hacer lo que le venga en gana justificándose en que el es el que lleva el jornal a casa y al que se le puede permitir todo. Por eso, en un momento de la película, aparecen varias mujeres que han superado esas barreras y han conseguido logros profesionales.

Por otro lado, la estrategia de Adán es justificar al marido con el argumento de que la mujer le estaba haciendo la vida imposible y que el no era feliz en su matrimonio y que el estrés del trabajo y de los niños le hacían la vida estresante. Lo que se demuestra que es un argumento totalmente absurdo se mire por donde se mire. La defensa del matrimonio para cada uno de los acusados, provoca que el matrimonio de abogados lleven los problemas del juzgado a su casa y a su vida marital. Pero a la vez se ve como en su casa ambos se tratan por igual y comparten tareas pero aunque no lo parezca, a cada uno le hiere en su orgullo porque cada uno defiende a su cliente.

En este aspecto la película se debe ver por el trasfondo sobre la igualdad de la mujer frente al hombre y como es algo que ha venido apareciendo en toda la historia de la humanidad. Por lo demás, es una película que genera cierto estrés por el ritmo que lleve y hay comedia clásicas con mayo calidad. Pero el espectador es libre de ver o no ver la película.

Calificación personal: 4

Ivanhoe (1952)

• Dirección: Robert Thorpe
• Año: 1952
• Género: Aventuras
• Intérpretes: Robert Taylor, Elisabeth Taylor, Joan Fontaine, George Sanders, Emlyn Williams, Robert Douglas, Felix Aylmer, Finlay Curie.
• Guión: Marguerite Roberts, Noel Langley
• Música: Miklos Rózsa
• Fotografía: Freddie Young
• Montaje: Frank Clark
• Producción: Metro Goldwyn Mayer

SINOPSIS

Wilfred Ivanhoe (Robert Taylor) tras volver de las cruzadas va en busca de Ricardo Corazón de León tras saber que está preso, para ello va en busca de ayuda para obtener el rescate para salvarle y restaurarle en el trono de Inglaterra.

CRITICA

Basada en una novela de Sir Walter Scott relata las andanzas de un caballero en busca del rey de Inglaterra. De echo, la historia de Ricardo corazón de León y la usurpación de su trono por parte de su hermano (Juan Sin Tierra). Por lo que se relata es toda la serie de acontecimientos para conseguir el rescate para el rey.

Durante el transcurso de la película se desarrollan también acontecimientos propios de una historia de aventuras y de la edad media, el romance del caballero con su amada, los asaltadores de caminos, la convivencia entre las diferentes religiones y la vida de los caballeros medievales.

Realmente la película no tiene una análisis demasiado exhaustivo puesto que la historia no es demasiado profunda, pero que nos refleja con bastante precisión la vida que se daba en la Edad Media y la muestra de los duelos a caballos, que es parte del atractivo de la película.

Desde mi punto de vista, no es necesario dedicarle más palabras a la crítica porque las imágenes hablan por si solas y además resulta ser bastante entretenida y con grandes actores que engrandecen aún más la historia. Una película para disfrutar.

Calificación personal: 7

¿No es romántico? (2019)

• Título original: Isn't it romantic
• Año: 2019
• Género: romántica, comedia
• Dirección: Todd Strauss-Schulson
• Intérpretes: Rebel Wilson, Adam Devine, Liam Hemsworth, Priyanka Chopra, Betty Gilpin, Faith Logan, Doris McCarthy, Thomas Canestraro.
• Guión: Erin Cardillo, Dana Fox, Katie Silberman
• Música: Jon Brion
• Fotografía: Simon Duggan
• Productora: New Line Cinema, Netflix.

SINOPSIS

Natalie (Rebel Wilson) es una arquitecta que trabaja en Nueva York que solo quieren que la reconozcan en su trabajo. Por si fuera poco, todo lo que haga referencia al amor (incluidas la películas románticas) lo aborrece. Un día al salir de trabajar es atracada en el metro y sufre un fuerte golpe en la cabeza y, cuando se despierta, su vida se ha convertido en una comedia romántica.

CRITICA

¡Por fin una película que parodia pero a la vez muestra que lo que nos quieren vender en las películas románticas no es real! Y aunque sea a modo de parodia plasma perfectamente todos los tópicos de este género de películas.

Reconozcamos que esta no es una gran película pero si, que el personaje de Rebel Wilson a medida que se va transcurriendo la trama comenta los tópicos como por ejemplo que la vida de los personajes es perfecta a nivel laboral, que poseen un piso de lujo o la aparición de números musicales para impresionar al chico que te gusta. Y a pesar de todo esto, estas películas siguen apareciendo y siguen teniendo la misma dinámica.

Realmente la película no tiene una crítica demasiado profunda, puesto que la propia historia refleja lo comentado en los dos párrafos anteriores y que no es necesario volver a repetir. Solamente, si el espectador quiere pasar un rato divertido y reírse sobre el género romántico, esta es su película.

Calificación personal: 6

Anastasia (1956)

• Dirección: Anatole Litvak
• Año: 1956
• Género: Dramas, historias reales
• Intérpretes: Ingrid Bergman, Yul Brynner, Helan Hayes, Akim Tamiroff, Martita Hunt, Felix Aylmer, Sacha Pitöef, Natalie Shafer.
• Música: Alfred Newman
• Montaje: Bert Bates
• Fotografía: Jack Hildyard
• Vestuario: René Hubert
• Productora: 20th century fox corporation

SINOPSIS

París, 1928. Un general ruso (Yul Brynner) vive en la capital francesa tras la muerte de toda la familia del zar al estallar la revolución bolchevique. Un día conoce a una joven (Ingrid Bergman) que dice ser Anastasia, la única heredera del zar que sobrevivió. A raíz de este acontecimiento, el general ruso elaborará un plan para obtener la fortuna de ella depositada en bancos suizos.

CRITICA

A  la hora de clasificar la película dentro de un género concreto, me he decantado por las historias reales puesto que en el año 2017 una mujer reafirmaba que ella era hija del zar de Rusia, Nicolás II, e incluso se realizaron pruebas de ADN para poder determinar si era verdad o no. En definitiva, no se llegó a una conclusión que resolviese el paradigma.

Centrándonos ahora en la trama, la crítica no va a ir mucho más allá de lo que cuenta la película salvo por todos los detalles que se hacen sobre la protagonista para hacerla pasar por Anastasia y como la nobleza rusa tuvo que exiliarse por completo tras estallar la revolución. Las esperanzas de la nobleza que alberga que algún miembro de la familia del zar hubiese sobrevivido a la masacre les consuela que en algún momento la monarquía rusa se pueda volver a instaurar.

Por otro lado se muestra como una mujer que no sabe nada de su vida quisiera poder tener una y como un hombre ambicioso trama todo tipo de planes para conseguir un dinero que no es suyo a costa del sufrimiento de una pobre mujer que sufre de amnesia. De todas formas, el desarrollo de la película habla por si sola.

La realización de esta película supuso el retorno de Ingrid Bergman a Hollywood, puesto que de algún modo la habían "desterrado" por su escandalosa relación con el director de cine italiano Roberto Rossellini, ganando el Oscar a la mejor actriz (no es una interpretación sublime pero si tiene fuerza) y el siempre enigmático Yul Brynner que ganaría el Oscar al mejor actor pero por su interpretación en El rey y yo.

Cuarenta y un años después se realizó la película de dibujos animados contando parte de los acontecimiento que se relatan en esta historia. Podría decirse que es una historia curiosa para conocer uno de los rumores que más se extendieron durante el siglo XX.

Calificación personal: 6

¡Qué verde era mi valle! (1941)

• Título original: How green was my valley
• Año: 1941
• Género: Drama
• Dirección: John Ford
• Intérpretes: Walter Pidgeon, Maureen O'Hara, Anna Lee, Donald Crisp, Roddy McDowall, John Lodder, Sara Allgood, Barry Fitzgerald, Patrick Knowles.
• Guión: Philip Dunne
• Música: Alfred Newman
• Maquillaje: Guy Pearce
• Fotografía: Arthur C. Miller
• Montaje: James B. Clark
• Vestuario: Gwen Wakeling
• Productora: 20th century fox

SINOPSIS

La familia Morgan trabaja en la mina de Gales y todos y cada uno de sus miembros están orgullosos de trabajar allí. Pero cuando el trabajo en la mina empieza a escasear, la realidad de la familia se muestra a través del hijo más pequeño: Huw Morgan

CRITICA

Creo que esta película será una de las que se me quedará grabada en la retina no solo por mostrar una realidad que (aunque nos parezca lejana) en la actualidad se sigue viviendo; sino porque el concepto de familia aparece muy marcado a lo largo de toda la película y también la solidez de un matrimonio donde el proyecto en común que tenían era criar a unos hijos con valores. Todo esto se ve gracias a los recuerdos de Huw en su edad adulta.

Primero destacar las condiciones tan precarias en las que los trabajadores bajaban a las minas y los peligros que conllevaba pero aún así, se sentían orgullosos de su trabajo porque lo hacían con alegría y sabían hacerlo bien y eso les daba una gran satisfacción. En definitiva, se sentían realizados. Pero cuando las condiciones de trabajo empeoraron, los hijos no podían ver como a su padre le humillaban por ser tan bondadoso y siempre tan preocupado de sus hijos.

Por otro lado, hay que fijarse tanto en la figura del padre y de la madre, donde cada uno tiene sus tareas pero en ningún momento el marido se encuentra por encima de la mujer y viceversa; sino que son capaces de expresar sus puntos de vistas sin tener que humillarse mutuamente. Dentro de este aspecto se observa como el hijo más pequeño tiene la oportunidad de poder estudiar y no dedicarse a la mina y el quiere ser lo que es su padre, porque ve que es un trabajo honrado (corroborado por la madre). A pesar de que el padre quería un futuro mejor para su vástago más pequeño, le enseña el oficio con cariño.

Otra de las figuras relevantes de la película es el predicador (uno de los tantos que hay en la región) que proclama la palabra de Dios no solo en el púlpito, sino también con sus actos al estar siempre disponible para ayudar a los mineros, para estar con ellos en grandes acontecimientos y para enseñarles aspectos positivos del amor de Dios. Por el contrario, se observa como está los predicadores que señalan con el dedo acusador como si ellos estuviesen libres de toda culpa y pecado y juzgando los actos de los demás como si ellos tuvieran poder sobre la vida de las personas del pueblo (esto también se ve reflejado en las mujeres del pueblo que murmuran).

Es una de las películas más icónicas del legendario director John Ford que, siempre con gran acierto es capaz de mostrar la vida de los más humildes pero a la vez mostrar la alegría que hay en sus vidas simplemente con tener a la familia al lado y valorarla por encima de todo. Mi frase predilecta es que "es una película para un amante del cine" porque transmite valores que hoy en día se han ido perdiendo con el tiempo pero de los cuales queda aún un pequeño resquicio de esperanza.

Calificación personal: 9

La gata negra (1962)

• Título original: Walk on the wild side
• Año: 1962
• Género: Drama
• Dirección: Edward Dmytryk
• Intérpretes: Laurence Harvey, Jane Fonda, Capucine, Barbara Stanwyck, Anne Baxter, Joanna Moore, Richard Rust, Karl Swenson, Don Barry.
• Guión: John Fante, Edmund Morris
• Música: Elmer Bernstein, Jimmy Smith
• Fotografía: Joseph McDonald
• Montaje: Harry Gerstad
• Productora: Columbia Pictures

SINOPSIS

Un hombre (Laurence Harvey) sale desde Texas hasta Nueva Orleans en busca de su antigua amada, Hailee (Capucine). Con el paso de los días, descubre que trabaja en un burdel y desea sacarla de allí para darle una vida mejor.

CRITICA

Lo primero de todo que habrá llamado la atención es la traducción nefasta del título de la película pero, como ese aspecto no es de gran importante de la crítica. Aunque parezca una película bastante desconocida (yo fui la primera sorprendida a la hora de verla) no tiene nada que despreciar en cuanto a la temática que transmite y la vida tan dura que lleva mucha gente y de la que casi nadie sabe.

La historia gira en torno a un hombre y cuatro mujeres que aunque el quiera o no, de alguna forma le ayudarán o evitarán que logre su objetivo el cual es recuperar a su amada. Por un lado está la joven ingenua (Jane Fonda) cuyo objetivo es conseguir a toda costa dinero, pero que no le importa hacerlo aunque para ello tenga que usar su cuerpo, lo que muestra la prostitución desde la perspectiva del querer ejercer esa profesión.

Por otro lado está la mujer viuda dueña de su café (Anne Baxter) que emana generosidad y desea ayudar al hombre que busca a su antigua amada, pero como suele ocurrir la gran mayoría de las veces; ella siente un amor no correspondido y a pesar de saber cual es la profesión de la amada y además de tener ser una férrea católica, no juzga lo que hace la mujer, sino quiere ayudarla.

La tercera en discordia es la madame del burdel, que aunque no lo parezca disimula muy bien "el negocio" al que se dedica, ya que le da a sus chicas todo cuánto necesitan, pero las tiene esclavizadas a excepción de Hailee de la que se ha quedado prendada locamente (se refleja claramente en la relación que mantiene con la susodicha) y los diferentes arrebatos de celos que le dan.

Por último está Hailee que vive una vida acomodada en un mundo al cual fue introducida por el periodo de la Gran Depresión, lo que supuso olvidar su vida pasada. Pero, la aparición de su antiguo amor le hace replantearse verdaderamente si desea seguir con esa vida acomodada (más de una vez lo manifiesta) o seguir a su corazón y huir (que también se ve reflejado en el film).

En definitiva, lo que nos quiere mostrar la película es que cada persona tiene sus problemas y tiene que afrontarlos de la mejor forma posible y a veces como se puede y que salir de mundos tan sórdidos es a veces complicado y que sobre todo, querer vivir del pasado es más doloroso que tener que vivir el presente.

Calificación personal: 8

Captain Fantastic (2016)

• Dirección: Matt Ross
• Año: 2016
• Género: Drama, cine independiente
• Intérpretes: Viggo Mortensen, George McKay, Samantha Isler, Annalise Baso, Nicholas Hamilton, Shree Crooks, Charlie Shotwell, Steve Zahn, Kathryn Hann, Frank Langella, Ann Dowd.
• Guión: Matt Ross
• Música: Alex Somers
• Fotografía: Stéphane Fontaine
• Productora: Electric City Entertainment, ShivHans Pictures

SINOPSIS

Ben (Viggo Mortensen) un padre con seis hijos vive desde hace diez años en los bosques de Estados Unidos criando a sus hijos de una forma especial junto a su mujer. Un día, un acontecimiento trastocará la vida de esta particular familia que les hará enfrentarse al mundo real.

CRITICA

Cualquiera que vea esta película puede pensar que hay un surrealismo que se esconde detrás de toda esta historia, aunque realmente realiza una crítica tanto positiva como negativa de alejar a los hijos del mundo real puesto que a la vez que es beneficioso para ellos el contacto con el mundo, también les es perjudicial por todo aquello que les rodea. Por otro lado, también es una crítica a la globalización del mundo y las consecuencias que trae consigo.

La película es bastante detallista en lo que se refiere a "vivir aislados de la civilización" y "el volver a la civilización". Simplemente, hay que ver que el punto de vista del padre no es equivocado (hasta cierto punto) puesto que los hijos han aprendido cosas sobre literatura, política, filosofía, etc; también le ha ayudado a que piensen por si mismos y a como sobrevivir en el día a día a la hora de buscarse la comida y el sustento. Por otro lado, el progenitor les ha aislado de lo que hay más allá de los bosques sin darse cuenta, que puedes educar a tus hijos para que piensen por ellos mismos pero no mostrarles la realidad de un mundo que para bien o para mal es en el que les ha tocado vivir y que deben de enfrentarse a los problemas que la sociedad les puede llegar a plantear en todos los campos.

Por eso, a medida que va transcurriendo la película el mismo se llega a cuestionar si realmente les ha educado de (no de forma correcta) tal forma que puedan vivir en el mundo de hoy día y si realmente les ha sobreprotegido o les ha hecho más libres. Pero cuando los hijos se dan cuenta de que hay algo más de todo aquello que les han enseñado y donde han vivido, empiezan a cuestionarse si de verdad quieren seguir viviendo como estaban o integrarse en la sociedad.

Es cierto que durante la película hay bastantes toques de humor entre todos los miembros de la familia, pero también muestra una realidad que aunque nos pueda parecer lejana, nos es cercana con cosas de nuestra vida como la mala prensa hacia las vacunas, la contaminación, el reciclaje, etc. Un sin fin de temas que pueden debatirse.

Desde mi punto de vista creo que la película debería de verse en los institutos para mostrar a los adolescentes que hay vida más allá de la tecnología y del consumismo pero lo más importante es que deben de aprender a pensar por si mismos y tener conocimientos.

Calificación personal: 8

La heredera (1949)

• Título original: The heiress
• Año: 1949
• Género: Drama
• Dirección: William Wyler
• Intérpretes: Olivia de Havilland, Montgomery Clift, Ralph Richardson, Miriam Hopkins, Vanessa Browns, Mona Freeman, Ray Collins, Selena Boyle, Sam Harris, Donald Kerr.
• Guión: Ruht Goetz, Augustus Goetz.
• Música: Aaron Copland
• Vestuario: Edith Head, Gile Steele
• Fotografía: Leo Tover
• Montaje: William Hornbeck
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Año 1849, en Nueva York, Catherine Sloper (Olivia de Havilland), una rica heredera, tímida, inocente y poco agraciada y no muy joven, es pretendida por un apuesto joven (Montgomery Clift). Ella se enamora apasionadamente de él pero, su cruel y despótico padre se opone a la relación de su hija con el joven.

CRITICA

Simple y sencilla en su argumento aunque a simple vista no lo parezca, esta película emana una gran fuerza en el estilo directo de sus diálogos, llevados con maestría por sus intérpretes que con sus gestos y sus rostros manifiestan todos los sentimientos que albergan en su interior. Además de la gran fuerza que desprende la siempre estupenda Olivia de Havilland.

Partimos de la premisa de un padre que no es capaz de ver en su hija ningún tipo de virtudes y/o talentos que tenían las mujeres de aquella época y además anda preocupado porque (aunque su hija, en cierto modo sigue siendo joven) no consigue que su única heredera se relacione con gente de su edad o incluso que sea demasiado tímida y haga muy pocas cosas para tener una vida social. Para ello recurre a su hermana para que la pueda introducir en la alta sociedad y haga un poco de "carabina".

En una fiesta conoce al joven señor Townsend que la mira con otros ojos, lo que le permite a la joven Catherine salir un poco de su "burbuja" y que un hombre la corteje. Cuando el padre se entera de la relación, el se opone rotundamente y aquí es donde surge la gran pregunta: ¿estará el joven realmente enamorado o solo quiere casarse con la joven por su elevada fortuna?, ¿son ciertos los sentimientos del joven pretendiente? Ante estas preguntas que el padre se cuestiona, decide tomar tierra de por medio y alejarles, pero ni en la distancia (ni aún más es distintos continentes) ellos dejan de quererse, hasta tal punto que deciden fugarse juntos pero, la noche de la fuga algo cambiará por completo en la vida de Catherine.

A partir de aquí es fácil de averiguar que puede ocurrir pero desde mi punto de vista lo que más me impresionó fue el cambio de registro en su actuación es espectacular y el giro de los acontecimientos y en general de todos los personajes y ver que ocurre cuando realmente se dice lo que se está pensando o cuando se busca una justificación en cosas injustificables para hacernos sentir mejor con nosotros mismos. Pero la realidad, es que cuando ya se ha hecho daño a una persona de una forma tan cruel, es difícil que se recupere la confianza.

En definitiva, para mi resulta una película enigmática en lo que se refiere a la evolución de los personajes, pero también como una vez más la mujer es vilipendiada pero, como posteriormente sale airosa de su situación y, como ya he dicho anteriormente, Olivia de Havilland está inmensa y el careo que hace siempre con el actor que interpreta a su padre, es brillante. Queridos espectadores, la van a disfrutar.

Calificación personal: 9

Desde la terraza (1960)

• Título original: From the terrace
• Año: 1960
• Género: Drama
• Dirección: Mark Robson
• Intérpretes: Paul Newman, Joanne Woodward, Myrna Loy, Ina Balin, Leon Ames, Barbara Eden, Elizabeth Allen, George Grizzard, Patrick O'Neal, Felix Aylmer
• Guión: Ernest Lehman
• Música: Elmer Bernstein
• Fotografía: Leo Tover
• Productora: 20th Century Fox

SINOPSIS

Alfred eaton (Paul Newman) es un joven que al volver de la guerra desea prosperar en los negocios sin tener que deberle nada a su padre. En su ascenso conocerá a Marie St. John (Joanne Woodward) con la que se casará pero, su matrimonio no irá como esperaba.

CRITICA

La película es sencilla desde el principio hasta el final pero, si hay que destacar que aunque la historia no sea demasiado elaborada (además de estar basada en una novela) si que tiene detalles muy importantes: desde la relación paterno filial, a la ambición sin mesura, casarse solo para adquirir una posición social y el estar atrapado en un matrimonio sin amor.

Si nos fijamos en la relación paterno filial, vemos como el protagonista siente rechazo hacia su padre, puesto que éste no ha sido capaz de superar la muerte de su hijo mayor por una meningitis, porque no le trató como a un hijo y, si a esta relación turbulenta se añade la relación extramarital de su madre, marcan (aunque el protagonista no lo crea) la vida de Alfred; puesto que siente amor y odio a sus progenitores en todos los aspectos. Puesto que acabará viviendo la vida que tenían sus padres. Casarse con alguien a quién supuestamente amas pero ves que fue un matrimonio de conveniencia, llegar al éxito sacrificando su felicidad, aparentar ser lo que no es (sobre todo en el ámbito privado) y al final, tener que deberle algo a alguien.

Por otro lado, también se refleja en la película la exaltación de los sentimientos, donde se puede ver claramente que las infidelidades son el medio de justificar la soledad o que las muestras de afecto en público son más importantes que el amor de verdad. Puesto que, al final esto acaba destruyendo a una relación de pareja. Aunque no lo parezca, también enfatiza la ironía sobre el amor que está cimentado más por las convenciones sociales que por el afecto en sí.

El guionista y el director supieron mostrar la exaltación de los sentimiento siempre con un plano picado, haciendo referencia a que esas vistas "desde la terraza" son mejor desde lo alto y marca sobre todo los verdaderos sentimientos que siente Alfred por otra mujer. Aunque no lo parezca, tanto Paul Newman como Joanne Woodward (matrimonio en la vida real) consiguieron reflejar a la perfección los momentos de alegría en un matrimonio como las crisis, demostrando una vez más su química en pantalla.

En definitiva, es una película sencilla y sin ningún tipo de pretensiones que lo que intenta mostrar al espectador es lo que muchas veces se refleja en la vida de un matrimonio y las apariencias que se deben mostrar al exterior no reflejan del todo la realidad.

Calificación personal: 6.5

El espía que me plantó (2018)

• Título original: The spy who dumped me
• Año: 2018
• Género: Comedia
• Dirección: Sussana Fogel
• Intérpretes: Mila Kunis, Kate McKinnon, Sam Heughan, Justin Theroux, Gillian Anderson, Fred Melamed, Ivana Sakhno.
• Guión: Sussana Fogel, David Iserson
• Música: Tyler Bates
• Fotografía: Barry Peterson
• Montaje: Johnathan Schwartz
• Productora: Lionsgate Entertainment, Imagine Entertainment

SINOPSIS

Audrey (Mila Kunis) y Morgan (Kate McKinnon) son dos amigas que tras el cumpleaños de la primera, se ven involucradas en una trama de espionaje internacional al descubrir que el novio de Audrey, era un antiguo espía.

CRITICA

Como creo que mis lectores sabrán, el género de la comedia como el género romántico a veces se me atraganta un poco pero es cierto que el primero ha ido generando cierta empatía y he ido viendo que poco a poco ha mejorado progresivamente. En el caso de esta película, a pesar de tener altibajos, si que mantiene al espectador atento a la trama pero no por lo que va a acontecer, sino por las protagonistas, sobre todo por Kate McKinnon que está brillante.

La verdad es que el toque humorístico lo ponen el género femenino, mientras que el toque más serio va por parte del masculino, lo que demuestra que las mujeres cada vez más van dominando la pantalla en el género cómico y de echo, sus películas resultan más divertidas.

Las situaciones a las que se van exponiendo las protagonistas son bastante inverosímiles y surrealistas pero que generan mucha risa. Es cierto que en este género la trama no es lo importante, pero aquí alcanza cierta relevancia para que nuestras protagonistas puedan desenvolverse de una forma más o menos sutil.

Desde mi punto de vista, es una película que se deja ver y que permite pasar un buen rato con amigos, con la familia, con la pareja e incluso solo puesto que se tienen las risas aseguradas y (repito) si está Kate McKinnon, mejor que mejor.

Calificación personal: 6.5

Agente contrainteligente (2016)

• Título original: The brothers Grimsby
• Año: 2016
• Género: Comedia
• Dirección: Louis Leterrier
• Intérpretes: Sacha Baron Cohen, Mark Strong, Isla Fisher, Rebel Wilson, Penélope Cruz, Annabelle Wallis, Gabourey Sdibe, Ian McShane, Scott Atkinks, Johnny Vegas.
• Guión: Sacha Baron Cohen, Phil Johnston, Peter Baynham
• Música: Erran Baron Cohen, David Buckley
• Vestuario: Paco Delgado
• Fotografía: Oliver Wood
• Montaje: Debra Neil-Fisher, James Thomas
• Productora: Village Roadshaw Pictures

SINOPSIS

Un espía británico (Mark Strong) se ve forzado a trabajar con su hermano Nobby (Sacha Baron Cohen), un hincha del fútbol inglés despreocupado de la vida para escapar de una banda de asesinos que quieren acabar con su vida. Ambos hermanos terminarán en Santiago de Chile, para deshacerse de la banda de asesinos.

CRITICA

Creo que he comentado en más de una ocasión, que el humor del actor Sacha Baron Cohen (que ejerce de guionista en casi todas las películas en las que aparece) suele ser demasiado ácido, negro y soez; pero he de reconocer que en el caso de esta película; a pesar de tener todos estos ingredientes, aparecen en el momento justo y en su justa medida para que la comedia no resulte demasiado desagradable (pero tampoco es que sea una comedia espectacular).

La clave del humor en esta película se basa sobre todo en la contraposición de los personajes, en donde hay un cerebro de la operación y que piensa de una forma más "racional" y por otro lado el hermano que va sobreviviendo con sus estupideces poniendo en peligro a su otro hermano y que acaba metiéndole en líos (le va más la fiesta que otra cosa).

Ya sabemos que en una comedia el propósito que tiene es que el espectador pase un rato entretenido y agradable, pero en este caso de alguna forma se puede ver que en una relación siempre hay alguien que mueve la balanza hacia el desequilibrio y la otra persona hacia el equilibrio; de esta manera se acaban compensando.

Lo que siempre me pregunto es como en este tipo de películas los actores son capaces de guardar el tipo y que al final del montaje aquellos que interpretan a personajes serios no se acaben riendo de las escenas que tienen que interpretar. Pequeña curiosidad: aparece en la película Penélope Cruz que vuelve a la comedia tras Zoolander Nº2 y que el diseñador del vestuario también es español. En definitiva, se pasa un rato entretenido con la película (aunque es un poco bestia) y hay momentos de risas y una trama bastante desternillante.

Calificación personal: 6

¿Qué fue de Baby Jane? (1962)

• Título original: What Ever Happened to Baby Jane?
• Año: 1962
• Género: suspense
• Dirección: Robert Aldrich
• Intérpretes: Bette Davis, Joan Crawford, Victor Buono, Marjorie Bennett, Maide Norman, Anna Lee, B.D. Merrill.
• Guión: Lukas Heller
• Música: Frank De Vol
• Fotografía: Ernest Haller
• Montaje: Michael Luciano
• Vestuario: Norma Koch
• Productora: Seven Arts Productions

SINOPSIS

En los gloriosos años veinte, la niña estrella Baby Jane Hudson triunfa en los teatros con solo seis años. Con el paso del tiempo, ya nada queda de esa niña dulce y encantadora, sino una mujer alcohólica (Bette Davis) que cuida de su hermana inválida Blanche (Joan Crawford) quien la hizo sombra en la madurez. Ambas viven en un ambiente de resentimientos del pasado, que harán sacar lo peor de cada una de ellas.

CRITICA

¡Por fin he podido ver esta película! No significa que no viviese sin esta película, pero si tenía ganas por la fama que le precedió debido al enfrentamiento entre las dos actrices y también la tensión y el suspense que se genera a lo largo de todo el metraje que hace que el espectador esté pendiente cada segundo de lo que va sucediendo, sin dejar de preguntarse que es lo que pasó entre ambas hermanas.

Como he comentado en el párrafo anterior, uno de los aspectos más comentados durante el rodaje fue el auténtico duelo de divas entre Bette Davis y Joan Crawford, ambas antiguas glorias de Hollywood que habían quedado relegadas a un segundo plano porque su "edad" no iba acorde con lo que el cine de aquella época demandaba. Pero, para ambas actrices supuso un relanzamiento de sus carreras no solo porque eran idóneas para el papel, sino también porque su odio más que público daría mayor credibilidad a la hora de interpretar a esas dos hermanas unidas por la rivalidad así como la "ayuda" que ambas necesitaban; una por sus limitaciones físicas y otra porque así cubría sus gastos en su mejor amigo, el alcohol.

Una de las cosas que llama también la atención de la película es que casi la totalidad de la película se desarrolla en la casa donde viven las hermanas, que adentra al espectador a un lugar lúgubre y oscuro donde el pasado persigue en cada rincón de la casa, haciendo del hogar una prisión para la inválida Blanche que poco a poco va languideciendo en su enfermedad y como se ve claramente reflejado en el rostro de Joan Crawford con un estupendo maquillaje que la hace envejecer.

Por otro lado, un objeto simbólico de la película es la muñeca Baby Jane que conforma el carácter de la Baby Jane adulta que vive un estado infantil permanente donde su éxito piensa que no ha pasado y que sigue siendo igual de famosa que en su niñez. Sin embargo es su hermana Blanche la que le ha acabado robando todo el protagonismo.

Es imprescindible ver esta verdadera obra del séptimo arte en la cual solo Bette Davis consiguió su décima nominación al Oscar y, que le puso de los nervios a la Crawford. Por eso, ella decidió contactar con el resto de las nominadas por si ganaban, recogerlo en su honor. Y eso ocurrió, cuando lo ganó Anne Bancroft por El milagro de Ana Sullivan y, cuando la Davis lo vio montó en cólera. Y se rumoreó que la Crawford no le quería dar el Oscar que le pertenecía a Bancroft.

A partir de este momento, la carrera de Bette Davis fue ascendiendo ligeramente mientras que la fama de Joan se iba consumiendo hasta quedar relegada en el olvido y odiada por sus hijas (lo mismo le ocurriría a Bette más adelante). Disfruten queridos espectadores de unas de las mejores películas de suspense con dos grandes actrices que dejaron huella en la historia del cine.

Calificación personal: 9