Historia de lo nuestro (1999)

 

• Título original: The story of us
• Año: 1999
• Género: Románticas
• Dirección: Rob Reiner
• Intérpretes: Bruce Willis, Michelle Pfeiffer, Rob Reiner, Rita Wilson, Julie Hagerty, Tim Matheson, Lucy Webb, Bill Kirchenbauer, Colleen Rennison, Jake Sandvig.
• Guión: Alan Zweibel
• Música: Eric Clapton, Marc Shaiman
• Fotografía: Michael Chapman
• Montaje: Alan Edward Bell, Robert Leighton
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

Ben (Bruce Willis) y Katie (Michelle Pfeiffer) no hay día que no discutan tras quince años de matrimonio. Ante esta situación, deciden separarse de forma temporal mientras sus hijos están de campamento de verano. Para analizar si pueden sobreponerse a la crisis por la que atraviesan.

CRITICA

Desde mi punto de vista, el tema del matrimonio está en los últimos años un tanto banalizado, es decir, que no se le da toda la importancia que realmente merece y, es algo que hay que tomarse bastante en serio. Y, para una película que es de hace más de dos décadas, no trata con la suficiente profundidad un tema tan importante como la crisis de pareja y, los diversos factores que la pueden trabajar, no termina de profundizar en ellos y se quedan en aspectos y conversaciones sin importancia.

Inicialmente nos pone al espectador en situación para mostrar como fue el momento en el que se conocieron y como han ido evolucionando en su relación marital y como actúan delante de sus hijos para que estos no sientan que son los culpables de su separación. Es decir, que deciden "descansar el uno del otro" para ver como han llegado a esa situación. En esa pausa, ambos empiezan a recordar los buenos y malos momentos por los que pasaron. Pero, hay un momento en el que la profundidad de la historia termina por desvirtuarse cuando cada uno de ellos están comiendo con sus amigos y empiezan a hablar de infidelidades, de aspectos sexuales, etcétera; cuando realmente ellos no están interesados en ninguno de esos aspectos, sino en algo más profundo.

Justo en ese momento, todo lo  que realmente relaciona lo que ha provocado la crisis queda en un segundo plano, ya que, cuando ambos intentan hablar de lo ocurrido, no intentan analizar lo que les ha pasado. Es como si todo hubiese sido indiferente y nada hubiese pasado en el matrimonio entre Ben y Katie. Al final deja indiferente y si que se ven pequeños retazos de esas pequeñas cosas que hacen que a veces uno saque lo peor del otro. Pero, sin encontrar del todo la raíz del problema y lo que hace que muchos matrimonios, se replanteen si seguir o no.

Calificación personal: 5.5

Que el cielo la juzgue (1945)

 

• Título original: Leave her to heaven
• Año: 1945
• Género: Drama
• Dirección: John M.Stahl
• Intérpretes: Gene Tierney, Cornel Wilde, Jeanne Crain, Mary Philips, Vincente Price, Ray Collins, Darryl Hickman, Chill Wills, Gene Lockhart.
• Guión: Jo Swerling
• Música: Alfred Newman
• Fotografía: Leon Shamroy
• Montaje: James B. Clark
• Vestuario: Kay Nelson
• Productora: 20th century studios

SINOPSIS

Richard Harland (Cornel Wilde), un joven escritor, conoce en un tren a Ellen Berent (Gene Tierney). Se hospedan en la misma casa y se casan pocos días después. La vida parece irles bien, pero Ellen es posesiva y demasiado celosa. Hará todo lo que está en su mano para tener a Richard para siempre.

CRITICA

Tras finalizar la Segunda Guerra Mundial, el rol que tenían las actrices, a la hora de interpretar eran sobre todo mujeres sumisas, es decir, sirviendo al marido y que este, fuese el único que llevase el dinero a casa y sobre todo, el cuidado de los hijos. Al principio, en esta película, parece que va a jugar con esta baza, desde el momento en el que se conocen en el tren y el espectador ya sabe que van a acabar juntos. Pero, a medida que se va viendo la verdadera cara de Ellen, reflejaba lo que muchas mujeres sentían en aquella época y se reprimían a mostrarlo en público pero que privado si aceptaban.

Realmente, lo que de verdad llama la atención del carácter de Ellen es que ha adquirido un comportamiento totalmente masculino (en referencia a esa época) y como solo quiere tener a su marido en exclusiva para ella si con ello consigue que nada ni nadie enturbie su matrimonio. Pero, ese amor que ella siente por el, realmente no lo es; ya que son todos los celos y obsesiones de ella por el y su afán de poseerlo. Lo que la lleva a ella a transformar esa serie de sentimientos en algo enfermizo.

De alguna forma se podría decir que se desarrolla un paralelismo con el "complejo de Electra" pero sin llegar a su culminación. Esto se debe a que esa pasión enfermiza que tenía por su padre, la termina trasladando a la figura de su marido. Arruinando incluso la vida de su marido.

Este estado psicótico de una mujer que se cree que va a ser reemplazada y ver como sus niveles de paranoia son máximos y como planifica todos y cada uno de los pasos, merece realmente la pena ver como acaba esta relación de amor tóxico.

Calificación personal: 8

Una noche en la ópera (1935)

 

• Título original: A night at the opera
• Año: 1935
• Género: Comedia
• Dirección: Sam Wood
• Intérpretes: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Kitty Carlisle, Allan Jones, Margaret Dumont, Sig Ruman.
• Guión: James Kevin McGuinness, George S. Kaufman, Morrie Ryskind
• Música: Herbert Stothart
• Fotografía: Merrit B. Gerdstat
• Montaje: William LeVanway
• Vestuario: Dolly Tree
• Productora: Metro Goldwyn Mayer

SINOPSIS

Otis B. Driftwood (Groucho Marx) para evitar perder su trabajo como administrador para una viuda rica, decide introducir como polizones a tres hombres llevarlos hasta la ópera de Milán. En el transcurso de todo el trayecto, se van sucediendo una serie de desafortunados acontecimientos, a la cual más calamitoso.

CRITICA

He de reconocer, que el cine cómico actual tendría que aprender bastante de su época dorada y con grandes rostros interpretativos, que de verdad hacían que el espectador pasase un buen rato. Situaciones inverosímiles pero que causaban grandes carcajadas y, no era necesario tener que recurrir a bromas escatológicas o pseudopornográficas para provocar la risa en el espectador.

Es cierto, que en el caso de esta película, su función principal es garantizar la risa al espectador pero, para ello necesita de un hilo conductor para poder introducirlas. El contesto es sencillo: un joven cantante que no quiere separarse de su amada, que es la cantante principal de la compañía y, para ello van urdiendo un plan (bastante descabellado) para que ambos puedan cantar como los protagonistas.

En todo este entramado, los tres hermanos Marx se las ingenian para provocar situaciones rocambolescas (la lectura del contrato, la ocupación del camarote y sobre todo, la parte de la ópera). De esta forma, se pasa un rato entretenido y agradable y con más de una risa. Y a pesar de que pasen los años, nunca pasará de moda. Porque el cine de calidad, siempre estará ahí.

Calificación personal: 8

No matarás (2020)

 

• Dirección: David Victori
• Año: 2020
• Género: Thriller
• Intérpretes: Mario Casas, Milena Smit, Elisabeth Larena, Fernando Valdivieso, Javier Mula, Aleix Muñoz, Andreu Kreutzer, Óscar Pérez.
• Guión: David Victori, Jordi Vallejo, Clara Viola
• Música: Adrián Foulkes, Federico Jusid
• Fotografía: Elías M. Félix
• Montaje: Alberto Gutiérrez
• Vestuario: Irantzu Campos
• Productora: Filmax, Movistar +, RTVE.

SINOPSIS

Daniel (Mario Casas), tras la muerte de su padre al que ha cuidado los últimos años, decide retomar su vida. Cuando decide realizar un viaje, conoce a Mila (Milena Smit), la cual es sensual a la par que algo inestable pero, terminará por convertirse en la peor pesadilla de Daniel la noche en la que la conoce.

CRITICA

La verdad es que la película no ha estado del todo mal pero, si que he encontrado varios fallos importantes (desde mi punto de vista) en lo que se refiere al desarrollo de los acontecimientos de la trama, así como Mario Casas no termina de convencerme totalmente como actor y, que la música sobresalga por encima de los diálogos, lo que provoca que muchas veces no se entienda lo que los actores hablan. Pero, eso ya son problemas técnicos.

El lo que se refiere a la trama de la película, bien es cierto que tiene todos los elementos de un thriller: tensión, agobio, incertidumbre, etcétera. Por otro lado, hace un buen planteamiento del personaje desde el comienzo mostrando sobre todo su actitud y su forma de ser. Pero, la aparición de Mila de alguna forma le desequilibra de dos formas: una, es que ha estado mucho tiempo cuidando de su padre (lo que hace que de alguna forma desconozca el mundo que le rodea) y la segunda, es la personalidad de Mila lo que hace que la siga, es decir, el riesgo. Y, cómo es lógico, ese riesgo lo acaba sufriendo de verdad cuando las cosas se empiezan a torcer en el apartamento de la joven. Y aquí, es cuando este thriller se vuelve trepidante a la par que inverosímil. Sobre todo porque Daniel sufre una transformación un tanto vertiginosa, en la cual pasa de ser un joven formal a comportarse como un completo animal. Porque puede ser cierto (no siempre) que la noche confunde pero ¿tanto? Voy a explicarlo.

Creo que el propio título de la película hace una alusión perfecta de lo que ha ocurrido. Es decir, ha ocurrido un asesinato y, para evitar toda sospecha Daniel emprende su propia huida para no ser identificado. En el poco margen que tiene para poder maquinar como eliminar su rastro, va cometiendo una serie de errores que le dejan aún más a la "intemperie" de que le terminen por arrestar (limpia lo que ha tocado con una camiseta pero luego abre puertas, toca botones, paredes sin cuidado). Por otro lado actúa con bastante calma pero, realiza acciones sin pensarlas lo más mínimo. Incluso, teniendo una hermana abogada que le da pistas y unas recomendaciones extremadamente sensatas para que al final el, la termine por fastidiar del todo.

Lo que me lleva a la conclusión de que, en el momento en el que el joven Daniel decide irse con Mila y, acaban en el apartamento de ellas, se sabe que algo va a acabar mal en cualquier momento; y cuando eso ocurre, la historia se retuerce de la forma más inesperada, provocando que toda la serie de acontecimientos sean bastante irreales e incluso, demasiado forzados.

A pesar de estos aspectos que podrían ser mejorables (y poner de forma constante la cámara siempre encima de Mario Casas) supone un paso valiente en una película que se estrenó muy cerca después del confinamiento por la pandemia del COVID y que tuvo una buena acogida por parte del público español. Lo que siempre es de agradecer. Y, hace que el espectador no quite los ojos de la pantalla.

Calificación personal: 6

La mujer del cuadro (1944)

 

• Título original: The woman in the window
• Año: 1944
• Género: Suspense
• Dirección: Fritz Lang
• Intérpretes: Edward G. Robinson, Joan Bennett, Raymond Massey, Edmund Breon, Dan Duryea, Thomas E. Jackson, Dorothy Peterson.
• Guión: Nunnally Johnson
• Música: Arthur Lange
• Fotografía: Milton L. Krasner
• Montaje: Gene Fowler Jr. Marjorie Johnson
• Productora: RKO, International Pictures

SINOPSIS

El profesor Wanley (Edward G. Robinson) está obsesionado con la mujer del cuadro que está a la entrada del club de caballeros al que asiste. Un día al salir del mismo, ella aparece y acepta a ir a su apartamento. Pero a medida que transcurre la noche, los acontecimientos no se desarrollan como el esperaba.

CRITICA

Lo que echo realmente de menos del cine actual, es muchas veces la falta de solidez en los guiones, es decir, que me cuenten una historia que realmente me enganche y que me cuestione siempre preguntas acerca de lo que se va a desarrollar. En definitiva, que no sean tan previsibles. Y el cine noir de la época dorada de Hollywood (se que sale mucho últimamente en las entradas que escribo), se echa mucho de menos. Para no andarme por las ramas, voy a centrarme en la trama.

Desde principio hasta el final, hay un hilo conductor mediante el cual nos muestra la situación en la que se han involucrado los protagonistas y, sus diversas reacciones ante algo tan imprevisto: cometer un asesinato. En este caso, no solo es el profesor el que mantiene la calma ante la situación, sino también la mujer que de una forma muy hábil no quiere verse perjudicada ante tal acontecimiento y de forma cautelosa, lleva una serenidad que le impide perder los nervios. Ante esta vorágine, ambos planean deshacerse del cadáver evitando dejar las mínimas pistas posibles y, cuando parece que todo va bien y que nadie sospecha de ellos, aparece un hombre que acecha con desestabilizar todo su plan.

Como es lógico, no voy a realizar un spoiler de lo que ocurre tras aparecer este hombre misterioso, ya que, el sentido común nos mostraría como ambos protagonistas terminan saliéndose con la suya (¿puede que si o puede que no?). No todo en el buen cine noir tiene que ser blanco o negro o incluso, que no se den ningún tipo de impedimentos; puesto que parte de la esencia es esperar lo inesperado y que cada acción, movimiento u objeto provoca un giro en la historia que provoca que el espectador no se imagine el final (que es lo que ocurre en esta película).

La maestría del director alemán para saber sacar a la luz los deseos, pasiones, sueños en incluso los pensamientos más turbios, provoca un entramado que muy pocas veces se recuerdan. De esta forma, el suspense y la intriga están asegurados y, nunca nadie está libre de sospecha donde los actos más atroces, siempre salen a la luz.

Calificación personal: 8

A cualquier otro lugar (1999)

 

• Título original: Anywhere but here
• Año: 1999
• Género: Drama
• Dirección: Wayne Wang
• Intérpretes: Susan Sarandon, Natalie Portman, Hart Bochner, Eileen Ryan, Bonnie Bedella, Shawn Hatosy, John Carroll Lynch, Ahley Johnson
• Guión: Mona Simpsn, Alvin Sargent
• Música: Danny Elfman
• Fotografía: Roger Deatkins
• Montaje: Nicholas C. Smith
• Productora: 20th Century Fox

SINOPSIS

Adele August (Susan Sarandon) es una mujer excéntrica que decide abandonar la pequeña ciudad de Wisconsin para vivir su sueño de establecerse en Beverly Hills. No lo hará sola, irá con su hija Ann (Natalie Portman) la cual detesta todas las excentricidades de su madre y tener que ir apurando siempre con temas económicos o incluso, que su madre no termine de asentarse.

CRITICA

Las road movies son algo que nunca pasarán de moda, sobre todo porque pone de manifiesto las carencias afectivas, económicas y personales de los protagonistas. Así se reflejan muchos de los comportamientos que se van reflejando a lo largo de toda la trama. En este caso, nos muestra la relación un tanto tirante entre una adolescente con su madre y, como esta última no parece distinguir los sueños de lo que es realmente la realidad, es decir, de como se tiene que enfrentar a los problemas y no huir de ellos y al final, sea la hija la que acabe pagando las consecuencias.

La hija, como es normal, está un poco harta de las idas y venidas de su madre decide abandonarla pero, no llega a cumplir su propósito. En parte, se puede deber a que a pesar de tener cierto rencor y resentimiento hacia su madre, en parte reconoce que tiene que estar con ella y cuidarla hasta que recupere el sentido común de lo que le rodea.

A medida que se va desarrollando la historia, realmente se observa que la película no aporta grandes novedades, es decir, que es una relación madre-hija que se ha contado de mil formas distintas. Pero, a pesar de contar una historia de otra forma, si que se observa una historia con rasgos nítidos y creíbles.

Gran parte del mérito de intentar sacar la película adelante es gracias al tándem formado por Susan Sarandon (que no hace falta que demuestre su gran talento) y Natalie Portman (por aquel entonces estaba un poco "tibia" tras haber protagonizado La amenaza fantasma), donde de una forma clara muestra los matices de la adolescencia, con los síntomas de inseguridad e inmadurez sin caer en una especie de locura. Por lo que podríamos concluir que forma parte de otras muchas relaciones madre-hija pero, contando diferentes aspectos y/o situaciones.

Calificación personal: 6

Resplandor en la oscuridad (1992)

 

• Título original: Shining Through
• Año: 1992
• Género: Drama
• Dirección: David Seltzer
• Intérpretes: Michael Douglas, Melanie Griffith, Joely Richardson, Liam Neeson, John Gielgud, Lisa Orgolini, Francis Guinan
• Guión: David Seltzer
• Música: Michael Kamen
• Fotografía: Jan de Bont
• Montaje: Craig McKay
• Productora: 20th Century Fox

SINOPSIS

Durante la Segunda Guerra Mundial, Linda (Melanie Griffith) una secretaria estadounidense de origen judío-alemán es enviada como espía a la Alemania nazi para cumplir una misión. De la cual está al mando Ed (Michael Douglas), que no ve con buenos ojos mandarla allí.

CRITICA

La verdad sea dicha, menuda sosería de película. A pesar de estar basada en una novela (la cuál no me he leído, por cierto), muchas veces las adaptaciones cinematográficas consiguen atraer al público con su historia (aunque no siempre) y de alguna forma introducirnos en la misma. En este caso, esta trama termina por perder al espectador y al final no se sabe cuáles son los objetivos o las intenciones que se desean transmitir.

A pesar de partir de una premisa más o menos interesante, es decir, que la protagonista cuenta su vida, como huyó de la guerra y como consigue hacerse un hueco en el mundo del espionaje, la historia termina por tergiversarse por completo y, haciendo poco creíble la intrusión que hace en el mundo del ejército nazi y como va saliendo airosa de todas y cada una de las situaciones peligrosas.

Intentan con esta historia evocar un poco al cine noir de los años cuarenta y cincuenta donde muchas mujeres tenían una gran presencia. Aún así, no llega a ser una historia que cautive del todo e incluso llega a resultar un tanto tediosa y poco creíbles las distintitas situaciones por las que tienen que pasar los protagonistas. Digamos que podría incluirse como una película romántica sin más.

Calificación personal: 5

La cosa (1982)

 

• Título original: The thing
• Año: 1982
• Género: Ciencia ficción, terror
• Dirección: John Carpenter
• Intérpretes: Kurt Russell, Wilford Brimley, T.K.Carter, David Clennon, Keith David, Richard Dysart, Charles Hallahan, Peter Maloney, Richard Masur, Donald Moffat.
• Guión: Bill Lancaster, John W. Campbell
• Música: Ennio Morricone
• Fotografía: Dean Cundey
• Montaje: Todd Ramsay
• Productora: Universal Pictures, Turman-Foster Company

SINOPSIS

En una estación experimental de la Antártida, un grupo de científicos norteamericanos observan como un helicóptero noruego persigue a un perro para matarlo. Tras el accidente del helicóptero, los americanos acogen al perro, lo que no saben, es que esa persecución tenía un motivo: evitar la propagación de "la cosa".

CRITICA

Una de las muchas cosas que me gustaron del cine de los años ochenta (además de revitalizar todos los grandes géneros de la época dorada de Hollywood) es que a las películas de terror sabían sacarle el máximo partido en más de un punto. Es cierto que los efectos especiales no estaban tan desarrollados como ahora pero, eso les permitía jugar con la imaginación y crear increíbles figuras y modelos; que sirviesen como patrones para la elaboración de sus monstruos.

Lo bueno que tiene esta versión de La cosa (hay que recordar que en el año 2011 se hizo una nueva versión, aunque realmente es la precuela) es que cabalga entre el suspense y el terror, provocando de esta forma una tensión desde el principio hasta el final de que es lo que está ocurriendo y como esa "cosa" se irá manifestando. No se sabe exactamente cual es el siguiente paso que va a dar, ni tampoco cual va a ser su transformación. Porque la esencia de toda la trama, es que el terror no tiene forma. Nadie sabe donde está. No se sabe que forma adopta. Solo hay que esperar a su manifestación.

Es curioso que al ser una película del género de terror (el cual no me apasiona mucho, por no decir nada) sabe jugar con el elemento del suspense para mostrarle al espectador todos y cada uno de los pasos de la "cosa", como los miembros de la base norteamericana van entrando en un espiral de desconfianza a la par que paranoica entre todos ellos. Así como el establecer la conexión de como esa cosa llegó hasta ellos y como evitar que salga de ahí (recordemos que siempre, estos tipos de seres son más inteligentes que los propios humanos).

Aunque parece que he hecho spoiler (puedo asegurar que no), creo que es una película que todo buen cinéfilo y/o amante de la ciencia ficción debería ver. Por sus decorados, por los efectos especiales, por la atmósfera; pero sobre todos, porque no sabrás por donde viene la "cosa". El terror, no se ve.

Calificación personal: 9

La condesa descalza (1954)

 

• Título original: The barefoot Contessa
• Año: 1954
• Género: Drama
• Dirección: Joseph L. Mankiewicz
• Intérpretes: Humphrey Bogart, Ava Gardner, Edmund O'Brien, Marius Goring, Valentina Cortese, Rossano Brazzi, Warren Stevens, Elizabeth Sellars.
• Guión: Joseph L. Mankiewicz
• Música: Mario Nascimbene
• Fotografía: Jack Cardiff
• Montaje: William Hornbeck
• Vestuario: Sorelle Fontana, Rosi Gori
• Productora: United Artists

SINOPSIS

María Vargas (Ava Gardner) es una joven que vive en Madrid y que es descubierta por el director y guionista Harry Dawes (Humphrey Bogart). Ella consigue triunfar en Hollywood manteniendo los valores con los que se crio y siempre bien aconsejada por su buen amigo Harry. A pesar de haber conseguido triunfar, ella se siente abandonada en la vida.

CRITICA

Creo que es de sobra conocido que en la época dorada de Hollywood (ahora menos) siempre se contrataba a una actriz más por el componente sexual que pudiese despertar, que por su talento interpretativo. Por otro lado, en la mayoría de las historiase se plantea también que la mujer es fácil de complacer, un tanto frívola y con facilidad para manipularla. Cuando realmente el haberla minusvalorado, ha provocado que ella misma se considere muchas veces un ser frágil. Es en cierto modo lo que puede representar el personaje de María Vargas, cuyo final es una crónica de una muerte totalmente anunciada.

Se sabe que el director se basó en el cuento de La Cenicienta para desarrollar esta película, pero con tintes más dramáticos reflejando los que comentaba en el párrafo anterior, sobre la forma de conseguir a una mujer sin ver más allá de su físico. Porque no siempre se es solo cuerpo. También se refleja claramente como a base de engaños y mentiras se consigue el fin, perdiendo totalmente la perspectiva honesta de la sinceridad y de mostrarse tal cual uno es. La vida de la protagonista es contada mediante flashbacks por tres hombres, cuyas versiones no son lo que se dice muy fiables como para creerse que la joven tenía más idas que venidas, quedando un poco fragmentada su historia.

En conclusión, se podría decir que, a pesar de no ser una obra cumbre del Hollywood clásico, se puede decir que los personajes femeninos salen muchas veces dañados, sobre todo si lo que se pretende reflejar es que el único objetivo en la vida de toda mujer es querer ser una artista y sentirse deseada. Y se ve, que las mujeres somos mucho más que eso.

Calificación personal: 6

El veredicto (2017)

 

• Título original: The children act
• Año: 2017
• Género: Drama
• Dirección: Richard Eyre
• Intérpretes: Emma Thompson, Stanley Tucci, Fionn Whitehead, Ben Chaplin, Eileen Walsh, Anthony Calff, Jason Watkinks.
• Guión: Ian McEwan
• Música: Stephen Warbeck
• Fotografía: Andrew Dunn
• Montaje: Dan Farrell
• Productora: Film Nation Entertainment, BBC Films

SINOPSIS

Fiona Maye (Emma Thompson) es una prestigiosa jueza del Tribunal Superior de Justicia de Londres que atraviesa una grave crisis matrimonial. Cuando llega a sus manos el caso de un joven Testigo de Jehová, el cual padece leucemia y, no se quiere someter a una transfusión de sangre; supondrá un giro en la vida de la estricta jueza.

CRITICA

Hay actores y/o actrices que con su simple presencia en la película muchas veces consiguen que salga adelante y otros, que además de conseguir eso, son grandes intérpretes y que provocan que el espectador se introduzca de lleno en la historia. Esta es una de ellas. Es decir, Emma Thompson transmite todos y cada uno de los sentimientos que el espectador tiene a medida que se van desarrollando los acontecimientos, provocando simpatía hacia la jueza a la que interpreta. 

Volviendo al tema que ocupa la película, la verdad es que si en nuestra vida cotidiana nos cuesta tomar muchas decisiones, no me quiero ni imaginar cuando lo hace gente con poder. En realidad, cuando esas decisiones la realiza una persona que está comprometida con una causa o que de verdad, desempeña un cargo público con el que realmente se siente identificado/a. En el caso de esta película, hay una situación que llama especialmente la atención. Ocurre cuando la jueza decide conocer porqué el joven no quiere someterse a la transfusión de sangre (aunque el hecho en si mismo es evidente), le provoca en ella la aparición de sentimientos que tenía mermados y, en el joven, la apreciación de la vida y que muchas veces no tiene que estar reñida con la religión.

El conocimiento de ambos y la búsqueda de propósitos personales de ambos para llegar a un fin, provoca que en ambos (en el joven y la jueza) se despierten emociones y sentimientos sobre formas de ver la vida, apreciar pequeños detalles o incluso, poder replantearse su forma de pensar y de intentar no desaprovechar los buenos momentos que esta te ofrece y, junto a grandes personas.

En conclusión, nos ofrece una visión donde la justicia dicta la leyes y nosotros tenemos que acatarla pero también, somos libres de tomar decisiones en pos de lo que creemos que es verdad, siempre y cuando no implique violencia contra otros. Y por otro lado, siempre hay una posibilidad de poder cambiar de opinión y tener una segunda oportunidad.

Calificación personal: 6.5

La familia perfecta (2021)

 

• Dirección: Arantxa Echevarría
• Año: 2021
• Género: Comedia
• Intérpretes: Belén Rueda, José Coronado, Gonzalo de Castro, Pepa Aniorte, Carolina Yuste, Gonzalo Ramos, Lalo Tenorio, Jesús Vidal, Huichi Chiu.
• Guión: Olatz Arroyo
• Música: Pascal Gaigne
• Fotografía: Pilar Sánchez Díaz
• Vestuario: Eva Arretxe
• Productora: Atresmedia Cine, Lazona Producciones, The Snake Films

SINOPSIS

Lucía (Belén Rueda) cree lleva una vida modélica y pensar que tiene todo bajo control, hasta que su hijo Pablo (Gonzalo Ramos) decide presentarle a su novia Sara (Carolina Yuste), a la familia de ella y el anuncio de su compromiso. Todos los esquemas de Lucía, empiezan a tambalearse.

CRITICA

Al igual que me pasó con la entrada anterior (en lo referente al género de la comedia), con esta película las risas no han estado aseguradas, principalmente porque en si misma no es una comedia, sino más bien una forma de diferenciar las clases sociales y, la transformación que sufre una mujer para poder estar al servicio de su familia. Por lo que, desde mi perspectiva, el punto débil es que no sitúa bien los momentos cómicos junto con los dramáticos.

Desde el principio, se muestra al personaje de Lucía (y a su marido) como alguien de clase pudiente y demasiada remilgada para hacer las cosas, en definitiva que tiene que vivir a cuerpo de reina. Cuando descubre esa otra "realidad" que tanto a encandilado a su hijo, al final ella también se siente atrapada por ese encanto rústico y le permite abrir los ojos sobre la vida y sobre esa separación de clases que nunca debería de existir.

Tampoco hay que olvidar el otro lado de esta historia, que es la familia trabajadora y muy familiar del personaje de Sara que, reflejan también sus carencias en diversos campos afectivos y/o comunicativos. En resumen, lo que parecía se una comedia sencilla, clara y desternillante; nos termina dejando un sabor agridulce sobre como una mujer (o toda una familia) se rencuentra cuando deja de seguir las normas dictadas por la sociedad.

Calificación personal: 4.5

The Batman (2022)

 

• Dirección: Matt Reeves
• Año: 2022
• Género: Superhéroes, suspense
• Intérpretes: Robert Pattinso, Zoë Kravitz, Adny Serkis, Paul Dano, Jeffrey Wright, Colin Farrell, John Turturro, Peter Sarsgaard, Max Carver, Charlie Carver.
• Guión: Matt Reeves, Peter Craig
• Música: Michael Giacchino
• Fotografía: Greig Fraser
• Montaje: William Hoy, Tyler Nelson
• Vestuario: Jacqueline Durran
• Productora: DC Films, 6th and Idaho Productions

SINOPSIS

Bruce Wayne (Robert Pattinson) tras esconderse en la máscara de Batman, acecha a los criminales más peligrosos de Gotham City. Tiene pocos aliados y gente en la que confiar. Tras la aparición de enigma (Paul Dano), las cosas se complicarán aún más en la ciudad.

CRITICA

Es cierto que llevamos unos doce años aproximadamente, en los cuales no ha habido ni un solo año en el que no se estrenase una película de superhéroes (me da igual que fuese de Marvel o de DC). El caso es que inevitablemente el espectador iba al cine para pasar un rato entretenido y ver innumerables escenas de acción. Pero, muy pocas veces se ahondaba en la oscuridad de los personajes o en su mundo interior para analizar ese comportamiento. Si bien es cierto, que sobre el que más se ha ahondado ha sido en el hombre murciélago.

Es cierto que para seguir la estela del tormento del personaje, siempre tiene que existir un villano que le haga cuestionarse todos sus principios y que termine de poner la ciudad patas arriba. Pero, realmente lo que llama la atención de esta nueva película sobre Batman, son los inicios como el protector de la ciudad. Es cierto que a lo mejor se centra en una faceta menos conocida del justiciero, donde su proceso de oscuridad es bastante profundo (solo hace falta fijarse en el contraste de tonalidades negras y rojas de todos los escenarios). Por otro lado, las expectativas puestas en esta nueva trama eran demasiado altas, quizás porque se esperaba toda la acción de las que hizo gala Crhistopher Nolan con su trilogía. Pero como he comentado anteriormente, con esta nueva película, se intenta incursionarse en la oscuridad para ver realmente hasta donde quiere llegar.

Como ocurre en casi todas las películas de superhéroes, el objetivo final para el espectador es el mero entretenimiento y crear esa disyuntiva moral entre el bien y el mal y como la maldad tiene lados muy retorcidos y siniestros, que nos hacen plantearnos nuestros propios principios.

Calificación personal: 7.5

Mike y Dave buscan rollo serio (2016)

 

• Título original: Mike and Dave need wedding dates
• Año: 2016
• Género: Comedia
• Dirección: Jake Szymanski
• Intérpretes: Zac Efron, Adam DeVine, Anna Kendrick, Aubrey Plaza, Stephen Root, Alice Wetterlund, Sam Richardson, Sugar Lyn Beard.
• Guión: Andrew J. Cohen, Brendan O'Brien
• Música: Jeff Cardoni
• Fotografía: Matthew Clark
• Montaje: Lee Haxall
• Productora: Chernin Entertainment, 20th century fox

SINOPSIS

Mike (Adam Devine) y Dave (Zac Efron) Stangle, son dos hermanos que siempre terminan arruinando los eventos familiares. Para evitar que eso ocurra en la boda de su hermana, sus padres les ponen una condición: deben de llevar a dos chicas a la boda.

CRITICA

De verdad que lo intento, por más que juro y perjuro que no volveré a ver una comedia, siempre termino cayendo en la trampa, para tragarme un bodrio monumental (no siempre uno acierta) pero, a una le hacen creer que ya realmente este género está muy, pero que muy muerto. Ya no se hacen películas de este género con calidad, sino para intentar salir al paso con unos chistes facilones y que no provocan las risa al espectador (si a esto se le une tener que introducir bromas escatológicas y pornográficas para intentar hacer la trama más graciosa).

Lo que en principio promete para que el espectador no pare de reírse durante toda la película, es el comportamiento de las chicas, pero que la verdad hace que resulte bastante repulsivo. Si a esto se le une el echo de que las interpretaciones del cuarteto sea bastante forzada y, con tanto grito, la verdad es que resulta una comedia bastante idiota.

Ya lo he comentado varias veces (y aunque siempre lo escribo, lo acabo repitiendo), cuando una película no me ha dicho nada ni resonado en nada y, si encima añadimos el aliciente de que es más mala que un dolor de muelas; creo que queda todo dicho. Al igual que en su estreno, pasó (y seguirá pasando), sin pena ni gloria.

Clasificación personal: 4

Madre (2019)

 

• Dirección: Rodrigo Sorogoyen
• Año: 2019
• Género: Drama
• Intérpretes: Marta Nieto, Jules Porier, Álex Brendemühl, Anne Consigny, Frédéric Pierrot, Guilliame Arnault, Raúl Prieto.
• Guión: Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña
• Música: Olivier Arson
• Fotografía: Álex de Pablo
• Montaje: Alberto de Pablo
• Vestuario: Ana López Cobos
• Productora: RTVE, Movistar +, Canal +, Amalur Pictures, Le Pacte

SINOPSIS

Tras haber perdido a su hijo hace diez años, Elena (Marta Nieto), vive en la ciudad donde se vio a su hijo por última vez. Trabaja como camarera en un restaurante de la playa. Su vida es monótona y sin ningún tipo de actividad. Hasta que conoce al joven Jean (Jules Porier), que despierta en Elena emociones que tenía dormidas.

CRITICA

Tras haber visto el "escalofriante" cortometraje, del cual se hizo la continuación con esta película, lo que el espectador pretende encontrar son respuestas a múltiples preguntas que surgen en torno al personaje de Elena. Puesto que, no solo bastan trece minutos para imaginarse lo que pasó, sino lo que realmente ocurrió mucho tiempo después. Y es exactamente todo aquello que uno se pueda imaginar.

Elena se ha ido a vivir al único sitio en el cual puede encontrar un poco de consuelo ante su dura realidad: nunca encontrará a su hijo. De echo, el lugar al que se ha ido a vivir, que por ende fue donde desapareció su primogénito, nos revela la inmensidad del mar y un horizonte del cual no se ve el otro lado. Es una hermosa metáfora sobre como, su hijo sabe que no está, pero no ha conseguido siquiera, poder enterrar su cuerpo. De esta  forma, es como más unida se encuentra a el.

En todos los años que han pasado desde la desaparición, lleva la misma rutina y la misma vida (si se puede llamar así ante una perdida tan brutal y atroz) hasta el momento, en el que ve a un joven que le suscita emociones y sentimientos que tenía reprimidos y/o desaparecidos. Y, ¿a que se deben?, ¿es algún deseo carnal?, ¿le recuerda en algo a su pequeño? También se nos suscita al espectador preguntas acerca de porqué el joven tiene tanto interés en Elena. Cómo es lógico, estas dudas se van despejando al conocer la verdadera naturaleza de los sentimientos de ambos: llenar un vacío existencial de ambas donde realmente ese deseo carnal no es lo que prima en su relación, sino el simple deleite de disfrutar de su compañía mutua. Pero, Elena no ha terminado de sanar todavía, puesto que no consigue perdonar a la persona de su pasado que arrastra consigo y, aunque no lo parezca, parte de su culpa.

Es una película que habla por si sola con todos los fotogramas y los planos que la componen, porque no deja indiferente a nadie. Ese silencio que hay en la vida de Elena, en parte es obligado por su situación pero, realmente todos tendríamos que hacer silencio en nuestra vida simplemente para pensar y ver, que cosas importante nos podemos estar perdiendo, sin darnos cuenta. No hay que vivir con angustia sobre si nos pasará o no algo malo, pero si, vivir con alegría e intensidad.

Calificación personal: 9

Madre (2017)

 

• Dirección: Rodrigo Sorogoyen
• Año: 2017
• Género: Drama, cortometraje
• Intérpretes: Marta Nieto, Blanca Apilánez, Álvaro Balas
• Guión: Rodrigo Sorogoyen
• Música: Olivier Arson
• Fotografía: Álex de Pablo
• Montaje: Alberto del Campo
• Productora: Caballo Films, Apache Films, Malvalanda SI

SINOPSIS

Elena (Marta Nieto) se encuentra en casa con su madre. Recibe una llamada de su hijo, el cual está con su padre. En ese momento, en el devenir de la conversación, Marta se da cuenta de que su hijo está en peligro, por lo que intenta hacer todo lo posible para averiguar donde está.

CRITICA

Este cortometraje es simplemente estremecedor no solo por como se van desarrollando los acontecimientos, sino también porque llega a producir una angustia demasiado vívida en el espectador. Solo dura trece minutos, los suficientes para conseguir meterse de lleno en la historia y, ver lo que pasó después con la película del mismo nombre (estrenada en el año 2019). Recordemos que sabemos hacer cine. Y un cine, de calidad.

Calificación personal: 10

Un hombre para la eternidad (1966)

 

• Título original: A man for all reasons
• Año: 1966
• Género: Drama biográfico
• Dirección: Fred Zinnemann
• Intérpretes: Paul Scofield, Wendy Hiller, Leo McKern, Robert Shaw, John Hurt, Orson Welles, Nigel Davenport, Susannah York, Colin Blakely.
• Guión: Robert Bolt
• Música: Georges Delerue
• Fotografía: Ted Moore
• Montaje: Ralph Kemplen
• Vestuario: Elizabeth Haffenden
• Productora: Highland Films

SINOPSIS

Tomás Moro (Paul Scofield) es un hombre respetable en la Inglaterra del siglo XVI. Pero, en el momento en el que el rey de Inglaterra, Enrique VIII decide casarse con Ana Bolena, separándose de la Iglesia de Roma, su vida correrá peligro por no defender el nuevo matrimonio del rey.

CRITICA

Al principio de la película parece que se va a centrar en todo el entramado político que hizo que Enrique VIII, se terminase por separar de la Iglesia de Roma y fundar la Iglesia de Inglaterra; para realmente dejar al descubierto que, los mil y un caminos que querían realizar para conseguir su fin, solo se lo impedía un único hombre: Tomás Moro. El cual, dejó patente su firme moral para no sucumbir con ligereza ante un simple capricho de su monarca.

Desde un primer momento nos presenta a un hombre honesto, que respeta a su familia, alaba a sus amigos, respeta las leyes pero, sobre todo respeta la ley de Dios. Pero no lo hace desde el miedo o desde la indefensión, sino desde una conciencia clara y limpia que no deja atisbo para ningún tipo de dudas. De echo, en más de un momento se le recrimina esa imagen tan moral que tiene para que la aparte a un lado, y así ofrecerle todo tipo de parabienes en la política. Pero el no deja sobornar a su conciencia.

Lo que se observa también con mucha claridad, es que Tomás Moro es un hombre que mantiene intacta su fe en Dios y en la Iglesia Católica y que a la vez, es capaz de razonar y rebatir con su gran intelecto y con su capacidad de separar lo humano de lo divino. Lo que termina por desquiciar a todos los altos cargos de la corte de Inglaterra, ya que no consiguen que de su beneplácito en la unión del rey con Ana Bolena pero, al final consiguen de alguna forma encontrar un escollo (que es más una mentira) para conseguir lo que realmente desean: quitarse de encima a Tomás Moro. Y el, hasta el final, sigue siendo fiel a todas sus convicciones.

Es una película que sobre todo nos refleja las intrigas políticas y, como se gestaban muchos posicionamientos pero, más allá de todo eso, nos hace ver que por mucho que la sociedad cambie, por mucho que todo lo que hay a nuestro alrededor cambie; nosotros tenemos que se fieles a nuestra buena conciencia, a nuestras creencias y, en todo aquello que nos distingue de los demás.

Calificación personal: 9

Dos en la carretera (1967)

 

• Título original: Two for the road
• Año: 1967
• Género: Romántica
• Dirección: Stanley Donen
• Intérpretes: Audrey Hepburn, Albert Finney, Eleanor Bron, William Daniels, Claude Dauphin, Nadie Gray.
• Guión: Frederic Raphael
• Música: Henry Mancini
• Fotografía: Christopher Challis
• Montaje: Richard Marden, Madeleine Gug
• Productora: Twentieth Century Fox

SINOPSIS

Haciendo un viaje desde Londres a la Riviera Francesa hará que Joanna (Audrey Hepburn) y su marido Mark (Albert Finney) recuerden como se conocieron y los diferentes viajes que realizaron juntos y, como han ido cambiando a lo largo de su matrimonio. Esta situación les llevará a tomar una decisión: separarse o aceptarse como son.

CRITICA

La idea de crear una road movie romántica en la cual se le va narrando al espectador las idas y venidas de una pareja, a través de los años que llevan casados, no era algo muy habitual en Hollywood. Con esta película, se refleja la situación actual de una pareja que vive en la comodidad, en la rutina y en el hastío de su matrimonio. Para ello viajan por los diferentes sitios en los cuales estuvieron de jóvenes.

Claramente el crecimiento a nivel profesional de Mark pone en entredicho la relación con su mujer y la pérdida de su estabilidad, tanto es así que cuando el le es infiel, no pasa nada pero, cuando ella necesita ser respetada como mujer y como persona, se refleja claramente un machismo por parte de el hacia ella. Y eso en parte, refleja en cierto modo como muchas veces uno no se compromete con alguien porque de verdad la quiera sabe que hay que ceder de vez en cuando y no se tan egoísta.

Por otro lado, entre ambos tienen una memoria dolorosa sobre los acontecimientos. Es decir que cuando están pasando por las diferentes ciudades recuerdan esos buenos momentos de los cuáles, al final se van recriminando que el no poder tener esa vida tan idílica que se pensaban que iban a tener, se conforman con ir preguntándose si deberían de estar juntos o divorciarse. Al final es necesario que quede un pequeño atisbo de esperanza y de intentar mejorar en el matrimonio y en la vida juntos.

Calificación personal: 6

El pasado (2013)

 

• Título original: Le passé
• Año: 2013
• Género: Drama
• Dirección: Asghar Farhadi
• Intérpretes: Tahar Rahim, Berénice Bejo, Ali Mosaffa, Babak Karimi, Pauline Burlet, Elyes Augis, Jeanne Jestin.
• Guión: Asghar Fahardi
• Música: Youli Galperine, Evgueni Galperine.
• Fotografía: Mahmud Kalarí
• Montaje: Juliette Welfling
• Productora: Memento Films, France 3 Cinéma, BiM Distribuzione

SINOPSIS

Ahmad (Ali Mossaffa) regresa a París para firmar los papeles del divorcio con Marie (Berénice Bejo). Esta decide acogerle en su casa hasta firmar todo. En los días que Ahmad pasará allí, se dará cuenta de la relación de Marie con sus dos hijas (de dos matrimonios anteriores) y su relación con su novio Samir (Tahar Rahim), con el que planea casarse por cuarta vez.

CRITICA

En más de una ocasión he oído, que el cine europeo muestra con demasiado detalle la cruda realidad de las personas, en diferentes situaciones. Pero a veces, es necesario recordar nuestra fragilidad, no para lacerarnos ni crearnos una losa, sino porque muchas veces, hay momentos en la vida que son demasiado complejos y ante los cuales, nos debemos de enfrentar con valentía y evitando que el pasado se quede anquilosado en el presente.

En un principio, nada se sabe acerca de los personajes ni de la decisiones que han tomado cuando Ahmad se fue pero, su regreso, no solo supone el que Marie pueda cerrar un capítulo de su pasado, sino que también aviva los recuerdos de las hijas de ésta y de los sentimientos que tiene la mayor, hacia la nueva pareja de su madre. Esto le pone en sobre aviso a Ahmad y, gracias también a las indicaciones de Marie. De esta forma descubre, el porque de la rapidez de los acontecimientos.

Cuando Samir hace su aparición, da a entender al espectador que, a pesar de ser una situación anómala, la relación entre todos ellos parece cordial; aunque en realidad, hay una intrahistoria entre todas esas personas que provoca que, de alguna forma, cada uno de ellos, se replantee realmente si esa nueva familia que va a tener lugar, debe de llegar a término. En cuanto empiezan a salir a la superficie las dudas, las carencias y los errores, claramente se observa que todos de alguna forma, han tenido su parte de culpa y se han creado esas inseguridades. Pero es necesario perdonar, para poder sanar esas heridas que con el tiempo, se irán curando.

El director iraní siempre sorprende con cada una de sus películas empieza mostrando la parte negativa pero, al final consigue que de alguna forma, el espectador sienta simpatía por sus personajes, puesto que lidian con situaciones un tanto desagradables. Es cierto que ahora, el director está en tela de juicio por el plagio a una alumna sobre su última película. Pero eso no quita, que la filmografía del director sea digna de admirar.

Calificación personal: 8

Hombres (1950)

 

• Título original: The men
• Año: 1950
• Género: Drama
• Dirección: Fred Zinnemann
• Intérpretes: Marlon Brando, Teresa Wright, Everett Sloane, Jack Webb, Richard Erdman, Arthur Jurado, Virginia Farmer, Dorothy Tree.
• Guión: Carl Foreman
• Música: Dimitri Tiomkin
• Fotografía: Robert De Grasse
• Montaje: Harry W. Gerstrad
• Productora: Stanley Kramer Productions

SINOPSIS

Durante la Segunda Guerra Mundial, el teniente Ken Wilocek (Marlon Brando) es herido en la espalda, lo que le deja parapléjico y de por vida en una silla de ruedas. No desea integrarse en la sociedad debido a su situación pero, con la ayuda de varios de su compañeros de hospital y de su novia Ellen (Teresa Wright) intentará vivir con su situación.

CRITICA

Muy pocas películas que he visto acerca de la Primera y/o Segunda Guerra Mundial, trata otra perspectiva sobre los veteranos de guerra, en concreto, aquello que de alguna forma han quedado con una mezcla de secuelas emocionales, psicológicas y físicas. Es cierto que, en las décadas siguientes se han filmado película que tratan los horrores de la guerra en diferentes épocas. Lo que quiero decir con esto, es que al poco de terminarse la Segunda Guerra Mundial, se tratase desde una perspectiva un tanto desconocida para aquellos que no combatieron en ella.

A pesar de que la historia gira alrededor de Ken, de una forma clara y contundente se muestra al espectador la situación física de muchos veteranos y, como intentan sobrellevar su paraplejia, sabiendo que aunque ellos en el fondo de su corazón se sientan "normales", la gente no les ve normales e incluso, sienten lástima y rechazo de ellos. Pero, a pesar de que gran parte de la sociedad ya no les "reconozca", muchos de ellos saben que pueden aspirara a una vida mejor y que, el simple hecho de no andar, no les hace ser personas menos válidas. Estos caracteres y  la forma de enfrentarse a la situación, se observa claramente en los compañeros del ala del hospital donde se encuentra Ken y, sin olvidar a una de las personas más importantes: el médico que se preocupa por la evolución de todos ellos.

Claramente se ve que tienen trabajo por delante para integrarse en la sociedad. Aunque, lo que realmente me llama la atención y, lo que el espectador se debe preguntar es, ¿porqué la sociedad no se adapta a ellos o a sus necesidades?, ¿porqué se les tiene que alejar de la vida que puedan vivir, si no se les da una oportunidad? Todo eso sería más fácil si de verdad fuésemos una sociedad más solidaria pero, cuando se presenta algo de dificultad o una situación en la que nos debemos de entregar a otra personas, nos terminando echando atrás o incluso asustándonos. Cómo le ocurre a Ellen, la novia de Ken, la cual sigue decida para casarse con el pero, le terminan entrando dudas.

En definitiva, ante este tipo de situaciones o alguna otra parecida, nunca sabríamos como responder, ya sea como los que sufren en sus propias carnes estos "inconvenientes" o bien, si tuviéramos que ayudar a estas personas. El caso es intentar siempre ser coherentes, generosos y sinceros ante esta situación porque, a pesar de todo, todos somos normales aunque tengamos algún tipo de discapacidad, solo hay que saber como tratar a las personas.

Calificación personal: 8.5

El fuego y la palabra (1960)

 

• Título original: Elmer Gantry
• Año: 1960
• Género: Drama
• Dirección: Richard Brooks
• Intérpretes: Burt Lancaster, Jean Simmons, Arthur Kennedy, Dean Jagger, Shirley Jones, Hugh Marlowe, Patti Page, John McIntire, Edward Andrews.
• Guión: Richard Brooks
• Música: André Previn
• Fotografía: John Alton
• Montaje: Marjorie Fowler
• Productora: United Artists

SINOPSIS

Elmer Gantry (Burt Lancaster) es un hombre que tiene una moral un tanto cuestionable. Tras encontrarse en una ciudad con una reunión de la hermana Sharon Falconer (Jean Simmons), busca a toda costa encontrarse con ella y formar parte de su congregación. A partir de este encuentro, la vida de Elmer cambiará por completo.

CRITICA

Una de las entradas de este blog del mes de marzo, era sobre la película Los ojos de Tamy Faye, en la cual se relata como esta mujer junto con su marido, fundaron un movimiento religioso que llegó a tener su propio canal de televisión y que al final, convirtieron la religión y, lo que importaba para la gente, en un mero negocio. Y en parte, El fuego y la palabra, no se aleja mucho de la mencionada unas líneas más arriba.

Desde el primer momento, se nos presenta a Elmer sin ningún tipo de tapujos: un hombre con una gran labia, que es capaz de engañar con solo abrir la boca (se dedica a ser visitador) y a su vez, es capaz de manipular con un solo gesto. Estos aspectos de su carácter cree que le servirán para granjearse el apoyo y la cercanía a la hermana Sharon pero, no es tan fácil como el cree; por lo que tendrá que recurrir a varias artimañas para que todo funcione.

En toda esa vorágine de acontecimientos que suceden alrededor del personaje de Elmer, se le hace partícipe al espectador de un aspecto que llama la atención y, muchas veces es ignorado: el transmitir la palabra de Dios, utilizando muchas veces una labia excesiva, así como el predicar una moralidad o incluso hacer un negocio de algo tan importante como es la fe. Al final, lo que ocurre es que las personas se ven arrastradas por sus sentimiento, emociones o simplemente de tener esperanza porque teme en ir al infierno. Es cierto que en muchos de los sermones que da la hermana Sharon habla sobre el amor de Dios pero, termina a veces por sucumbir al dinero de otras congregaciones o para conseguir una determinada fama.

Claro está que ante todo esto que está ocurriendo, Elmer ve una oportunidad para desplegar todos sus encantos y ocultar su vida anterior, convirtiéndose en lo que uno llamaría un charlatán. Por lo que uno se puede preguntar, ¿hay posibilidad de que la gente cambie llegada a una edad?, ¿es bueno infundir determinadas ideas o creencias por medio del miedo?, ¿por qué la hipocresía es algo que nos sigue escandalizando?, ¿hay lugar para un perdón de corazón?

En definitiva, la fe es algo importante y si quieres mantener o ayudar a tu congregación, lo haces de forma voluntaria, no bajo presión. Por otro lado, sentir que Dios te habla como si fueras una especie de "elegido", no te da derecho a manipular a la gente. Porque muchas veces, la gente busca un consuelo.

Calificación personal: 8.5

La ciudad perdida (2022)

 

• Título original: The lost city
• Año: 2022
• Género: Comedia
• Dirección: Aaron Nee, Adam Nee
• Intérpretes: Sandra Bullock, Channing Tatum, Daniel Radcliffe, Da'Vine Joy Randolph, Brad Pitt, Patti Harrison, Óscar Núñez.
• Guión: Oren Uziel, Dana Fox, Adam Nee, Aaron Nee.
• Música: Pinar Toprak
• Fotografía: Jonathan Sela
• Montaje: Craig Alpert
• Productora: Fortis Films, Exhibit A, 3dot Productions

SINOPSISS

Loretta Sage (Sandra Bullock) es una escritora de novela romántica que está bloqueada escribiendo su próxima novela. Cuando la publica, ella quiere deshacerse del personaje Dash, al que da vida el actor de portada Alan (Channing Tatum). Todo se complica cuando a Loretta la secuestran y Alan, decide ir a rescatarla.

CRITICA

Ya me ha pasado más de una vez que, cuando he visto el trailer de una película, al final acabo bastante decepcionada. De algún modo intenta emular las características de la película La joya del Nilo pero, no termina de enganchar por completo al espectador. En la mitad del metraje de la película, esta trama termina por desinflarse.

Es cierto que la idea original junto con el resto de premisas, pretenden romper determinados cánones que muchas veces se han establecido en películas románticas. Por ejemplo, el hombre protagonista siempre tiene que rescatar a la "mujer en apuros" (es que el término de damisela, no me va mucho) y, por otro lado, el hombre protagonista que solo se le refleja que puede ser un cuerpo bonito o que engloba también inteligencia, carisma y un largo etcétera.

Volviendo a la trama, sigue en parte lo comentado en el párrafo anterior pero, a la hora de mezclar la parte de aventura, junto con comedia y algo de romance, se termina por perder y no se sabe exactamente, que es lo que estamos viendo y no termina por culminar ninguno de los tres géneros para mantener la atención en la película. En fin, otro fallo más en mi idea por recuperar la fe en la comedia y en el género romántico. Otra vez será.

Calificación personal: 5