El chico (1921)

• Título original: The kid
• Año: 1921
• Género: Comedia
• Dirección: Charles Chaplin
• Intérpretes: Charles Chaplin, Jackie Coogan, Edna Purviance, Henry Bergman, Lita Grey, Tom Wilson.
• Guión: Charles Chaplin
• Música: Charles Chaplin
• Fotografía: R. H. Tohtherot
• Montaje: Charles Chaplin
• Productora: Charles Chaplin Productions

SINOPSIS

Una mujer joven (Edna Purviance) abandona a su hijo recién nacido al que no quería en un automóvil. Tras encontrárselo unos ladrones, estos lo abandonan en la calle y lo recoge un vagabundo (Charles Chaplin) y le cuida y cría.

CRITICA

A estas alturas de la historia del cine, donde el mismo ha sufrido todo tipo de evoluciones, el mítico Charlot será uno de los mejores genios del cine que supo construir películas desde experiencias tristes y desoladoras para darles un toque cómico, esperanzador y a la par poder mostrarle al espectador lo que muchas veces se fraguaba en una sociedad en donde los marginados sociales eran (y hoy en día lo siguen siendo) los desechos de la sociedad).

El chico es una película sobre la vida en los callejones y como son los inquilinos de las grandes ciudades. En una de esas calles suntuosas queda tirado un niño por su madre, que después se arrepiente y siendo ya demasiado tarde, el infante ha sido recogido por un vagabundo. Entonces hay un salto temporal de cinco años (en los cuales no hace falta indagar mucho sobre como ha debido de ser la vida entre ese niño y el adulto en la pobreza) y nos muestra esa unión cercana que se ha realizado entre ambos, en la cual el uno cuida del otro, trabajan juntos para ganarse el alimento de cada día y hacen las tareas conjuntas de la casa. Incluso, se puede ver, como viviendo una situación de extrema pobreza, no aparecen ningún reproche entre ambos, sino todo lo contrario, una unión cada vez más sólida que ayuda a estrechar los lazos entre ellos aún más.

En esta increíble obra maestra se van entremezclando elementos cómicos con elementos dramáticos que ponen de manifiesto la experiencia personal que puso Charles Chaplin en este filme, desde su infancia dura en Londres hasta la muerte de su hijo prematuro a los pocos días de nacer, lo que permitió en parte que saliese a la luz esta maravillosa película y que más adelante regalase al público otras tantas obras maestras. Por otro lado, los malabarismos que muestra el director para mostrar como las familias de clase humilde puedan salir adelante, demuestra que muchas veces los niños son los peores parados en circunstancias tan lamentables pero, prefieren el amor y cuidado de sus progenitores a no tener ningún tipo de lazo afectivo.

Como bien dice al principio de la película, merece la pena verla para sonreír y quizás, para llorar, cargada de mensajes y de significados, pero también de vida y de entretenimiento. Siempre Charles Chaplin será eterno.

Calificación personal: 9

 

Coco (2017)

• Dirección: Lee Unkrich
• Año: 2017
• Género: Dibujos Animados
• Doblaje original: Anthony Gonzalez, Gael García Bernal, Benjamin Bratt, Alanna Ubach, Renée Victor, Ana Ofelia Murguía, Jaime Camil, Sofía Espinosa, Alfonso Arau
• Guión: Adrian Molina, Matthew Aldrich
• Música: Michael Giacchino
• Fotografía: Matt Aspbury, Danielle Feinberg
• Montaje: Steve Bloom, Lee Unkrich
• Productora: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios

SINOPSIS

Miguel Rivera, un niño de 12 años sueña con ser músico pero, en su familia está prohibido tocar o escuchar nada de música desde que el padre de mamá Coco se fue. Y a través de una foto Miguel establece la conexión entre el músico más importante de la ciudad y su familia. 

CRITICA

Siempre que Pixar hace una película, consigue cautivar a la crítica y al público y con este filme no iba a ser para menos. En esta emotiva historia, no solo nos muestra la tradición de una de las fiestas más importantes para los mexicanos, sino lo que todo ser humano debe de cuidar cuando lo tiene, y es la familia. Ese pilar fundamental que nos ayuda a crecer como personas aunque muchas veces queramos renegar de ella, como le ocurre al joven protagonista.

Un análisis que muestra la película es el eje en el que se basa la película, el cual es la familia, que incluye a esos familiares que ya no están que quieren ayudar al joven Miguel a que vuelva con su familia para que así ellos puedan visitarles. La familia es representada en Coco como una red de afecto y de sostén entre las personas que la conforman, quienes se ayudan unas a otras. Esta familia en particular practica la tradición mexicana del Día de los Muertos, en la cual se hace evidente la consciencia sobre el valor de la memoria y los ancestros, con quienes se siguen relacionando a través de los rituales como el altar de las ofrendas y la visita al cementerio.

Por ello, la familia aquí no es solamente un núcleo de afecto. Es el símbolo de una conciencia histórica, el símbolo de que pertenecemos a algo que nos trasciende y que nos debemos, en parte, a aquellos que abrieron el camino. La vocación de Miguel no es simplemente una inquietud personal: es también la herencia de sus ancestros que se han manifestado en él.

Uno de los aspectos que se pone de manifiesto a lo largo de toda la película de una forma clara es el miedo al olvido, que de alguna forma queremos manifestar en esta sociedad por medio de las redes sociales a través de los selfies que nos hacemos para obtener un gran número de "me gustas" y así pensar que le importamos algo a la gente, cuando lo realmente importante es intentar no caer en el olvido a través de los diferentes vínculos afectivos y la memoria histórica de nuestra familia. Porque al final, aunque un ser querido no esté físicamente entre nosotros, no significa que tengamos que olvidarle, puesto que mientras esté en nuestra mente, en nuestro corazón y en nuestro recuerdos; seguirá presente en nuestra vida y eso es algo extremadamente fuerte.

Calificación personal: 9.5

La cena de los idiotas (1998)

• Título original: Le Dîner de cons
• Año: 1998
• Dirección: Francis Veber
• Intérpretes: Thierry Lhermitte, Jacques Villeret, Francis Huster, Daniel Prévost, Alexandra Vandernoot, Catherine Frot.
• Guión: Francis Veber
• Música: Vladimir Cosma
• Fotografía: Luciano Tovoli
• Productora: Gaumont Film Company

SINOPSIS

Pierre Brochant (Thierry Lhermitte) organiza con sus amigos una cena todos los miércoles a la cual tienen que llevar al mayor idiota que encuentre y el que invite al idiota más extraordinario gana. Brochant ha encontrado a un auténtico idiota, Françoise Pignon (Jacque Villeret). Lo que Brochant no sabe es que Pignon es un gafe para los desastres.

CRITICA

Las películas del género cómico francesas, tienden en su gran mayoría en hacer pasar un rato agradable al espectador, a la vez que hacen una crítica bastante contundente en lo que se refiere a determinados estereotipos sociales o clasismos a los que muchas veces el ser humano tiende por razones incomprensibles. Es lo que ocurre con esta película, ya que gente adinerada que ha logrado todo tipo de éxitos profesionales se cree que tiene el poder y la autoridad para humillar a los demás solo por tener un nivel económico superior; cuando realmente ni el dinero ni la fama le hacen a uno ser más educado.

Lo que realmente quiero decir es que muestran al personaje de Pignon como un perdedor porque su mujer le ha dejado y solo tiene su "patético" trabajo y su hobbie de hacer maquetas con cerillas pero, dentro de su desgracia matrimonial, muestra su pequeña felicidad en el círculo íntimo de amistades, es su trabajo que le gusta y en su pequeña distracción de hacer maquetas. De esta forma le hace ver al "maravilloso" Brochant que su vida no es tan boyante ni espléndida puesto que el mismo está siendo "atacado" por las mismas armas con las que engañó a su amigo, además de demostrar que el tener dinero no implica que se sea educado y que se tenga clase, sino a veces es todo lo contrario.

Por otro lado, es un reflejo de lo que muchas veces hace el ser humano en la sociedad con respecto a las personas: las juzgamos por sus apariencias físicas, por su carácter, su medios económicos, etc; en lugar de valorar otras cosas más importantes como suele ser la personalidad, los valores e incluso la valía que tiene una persona para poder enfrentarse a las situaciones adversas. Por que si realmente nos ponemos a pensar, en este mundo que está tan loco, todos somos unos idiotas porque por diferentes razones, acabamos haciendo locuras de las que luego nos arrepentimos.


Calificación personal: 7

Historia de un matrimonio (2019)

• Título original: Marriage story
• Año: 2019
• Género: Drama
• Dirección: Noah Baumbach
• Intérpretes: Adam Driver, Scarlett Johansson, Julie Hagerty, Laura Dern, Alan Alda, Ray Liotta, Merritt Wever, Azhy Robertson, Martha Kelly.
• Guión: Noah Baumbach
• Música: Randy Newman
• Fotografía: Robbie Ryan
• Montaje: Jennifer Lame
• Productora: Heyday Films, Netflix

SINOPSIS

Charlie (Adam Driver) y Nicole (Scarlett Johansson) son un matrimonio que trabaja junto en el teatro. Su vida matrimonial está pasando por una crisis y deciden tomar distancia uno del otro y divorciarse de manera amistosa. Hasta que aparecen los abogados de por medio y lo que en principio iba a ser una separación cordial, comienza a ser dura y destructiva.

CRITICA

Desde que tengo uso de razón y desde que recuerdo ver cine, hay muy pocas películas que muestren un proceso de separación antes de una divorcio (la película que más parecida es Historia de lo nuestro). En el caso de este filme, lo que pretende reflejar es (aunque de forma muy soslayada) es la posibilidad de una reconciliación pero, lamentablemente no es lo que ocurre puesto que el matrimonio a través de las expresiones de los actores, refleja que no va a ser posible; salvo en el personaje de Nicole (interpretada magistralmente por Scarlett Johansson en el mejor papel de su carrera) que intenta un amago pero al ver que su marido no está receptivo, decide que el divorcio es lo mejor. Pero, es interesante ver diferentes aspectos que se van mostrando a lo largo de la historia.

Inicialmente, con diversos fotogramas se escucha la voz de los cónyuges comentando aspectos positivos de cada uno y como, los defectos o manías de uno se complementan con el otro para después, dar paso a la realidad de ambos que es el abismo de su futura separación, que se ve reflejada claramente cuando ambos van en el metro y hacen como si no se conociesen. Y como, van tomando más distancias cuando ella decide mudarse a Los Ángeles y el decide quedarse a Nueva York. En ese momento es cuando empiezan a fraguarse los verdaderos problemas cuando los abogados hacen su aparición y destrozan al cónyuge con tal de obtener una gran parte de los bienes.

Es en este punto cuando se vislumbra lo que puede llegar a acontecer en una separación dolorosa (sean cuáles sean las circunstancias) donde no es necesario pensar en los aspectos materiales sino buscar el bien común para la persona (o las personas) que pueden verse más afectadas: los hijos. Puesto que ellos sufren con la separación, no a nivel material sino emocional cuando ven que sus padres se están insultando y tirando los trastos a la cabeza y hablan mal del otro progenitor delante de ellos, lo que debe de ser algo realmente traumático. 

Cómo es lógico, nadie puede saber el porque un matrimonio o una relación duradera termina y cuales son los motivos y las razones por las que se toma esa decisión. Muchas veces es por haberse casado jóvenes, porque el distanciamiento por trabajo a veces no es soportable, infidelidades, maltrato o simplemente que en una relación, lo que se decida hacer es cosa de dos: desde elegir a que colegio llevar a los hijos como algo tan importante como tener en cuenta los deseos y sueños de tu compañero/a de viaje, porque como se sienta el otro, es muy importante. Y (desde mi punto de vista) este último aspecto es la gran razón por la que muchas parejas se rompen, más allá de que se haya acabado el amor o les empiecen a gustar otra persona.

Hay que destacar papel de los abogados matrimonialistas, que lo que hacen muchas veces es exagerar o denigrar a la otra parte para conseguir una mayor compensación económica en lugar de plantear un acuerdo que pueda beneficiar a ambas partes sin tener que recurrir a estrategias infames e inhumanas para conseguir un buen pellizco en todo el proceso de divorcio. En este aspecto, es importante destacar al primer abogado que contrata Charlie, que a pesar de tener que cobrarle por su trabajo es el que le pone los pies en el suelo y le presenta la realidad que hay tras el divorcio y como al negociar con la abogada de su ex mujer, lo hace sin necesidad de recurrir a técnicas sucias y rastreras.

Aunque no es una obra maestra, si la considero una gran película, puesto que muestra muchas lecciones de vida en lo que se refiere a una vida en pareja. Porque, a pesar de que se lleve muchos años casado o en convivencia, siempre hay problemas y dilemas que aparecen y que se deben de luchar al máximo pero, aunque al final no se consiga un nuevo intento, nadie sabe lo que ocurre de puertas para adentro en un matrimonio.

Calificación personal: 7.5

Pesadilla antes de Navidad (1993)

• Título original: The nightmare before Christmas
• Año: 1993
• Género: Animación
• Dirección: Henry Selick
• Doblaje original: William Hickey, Danny Elfman, Chris Sarandon, Catherine O'Hara, Ken Page, Gleen Shadix, Paul Reubens.
• Guión: Tim Burton, Caroline Thompson, Michael McDowell
• Música: Danny Elfman
• Fotografía: Pete Kozachik
• Montaje: Stan Webb
• Productora: Touchtonse Pictures, Walt Disney Pictures

SINOPSIS

En Halloween Town vive su habitante más famoso, Jack Skellington, rey de las Calabazas. Tras la última celebración de Halloween, Jack está triste porque está cansado de celebrar siempre la misma fiesta. Hasta que llega a un bosque donde los árboles tienen diferente decoración y se dirige a la que tiene un árbol de Navidad. Entonces Jack descubre un mundo lleno de adornos, alegría y color y, se da cuenta, que es lo que estaba buscando.

CRITICA

Gracias a esta película, descubrí la animación en stop motion y vi lo fascinante que era. También fue la primera película en la que descubrí el trabajo de Tim Burton y como a posteriori su trabajo me iría fascinando (aunque las últimas películas sean bastante malas). A pesar de ser una película de animación y cuyo público es más adulto que infantil, la historia aborda temas interesantes.

Inicialmente se muestra al espectador la ciudad de Halloween, la cual celebra su festividad el día con ese nombre y cuando termina, se van preparando para el año siguiente. Pero, para el protagonista ahí se plantea el dilema, puesto que ya el vivir esa festividad no le termina de llenar y siente un vacío existencial y va andando por los bosques buscando un significado a la tristeza que le embarga. Es entonces cuando se topa con un bosque con diversos árboles, los cuáles tienen puertas que llevan a otros lugares; y el protagonista elige el que representa la Navidad. A su vuelta está emocionado por lo que ha descubierto y decide que el pueblo debe de conocer lo que ha visto.

A continuación se muestra como Jack, intenta de mil formas averiguar el significado de la Navidad, perdiendo en algún momento lo que le impulsó la búsqueda: conseguir otra fiesta para su ciudad. De esta forma, se le plantea al espectador lo que muchas veces le ocurre al ser humano, es decir, la búsqueda de algo nuevo que nos ayude a eliminar ese vacío que tenemos y que cuando lo hemos conseguido, no nos satisface o incluso ya no se sabe cual es el origen de esa búsqueda.

Al final el protagonista se adueña de una fiesta y de una persona que no le corresponde, fundiéndose lo terrorífico de la ciudad de Halloween con una "alegría" de la Navidad, lo que acaba siendo una mezcla un tanto desastrosa y donde el protagonista, se da cuenta del error que ha cometido. Porque a fin de cuenta lo que quiere reflejar es que cada uno debe de ser auténtico en si mismo y no intentar se otra persona, porque eso no le enriquece sino lo empobrece; porque lo mejor es poder coger lo positivo de otras personas y poder aplicarlo en nuestra vida y ser auténticos, no lo que no se es. Por eso, animo a todos los lectores a ver esta maravillosa película y disfrutar como niños aunque se sea un adulto, porque esa también es la esencia.

Calificación personal: 8

Irrational Man (2015)

• Dirección: Woody Allen
• Año: 2015
• Género: Drama
• Intérpretes: Joaquin Phoenix, Emma Stone, Parker Posey, Jamie Blackley, Meredith Hagner, Ethan Philips, Julie Ann Dawson.
• Guión: Woody Allen
• Fotografía: Darius Khondji
• Música: Ramsey Lewis
• Montaje: Alisa Lepselter
• Productora: Sony Pictures Classics, Gravier Productions

SINOPSIS

Abe Lucas (Joaquin Phoenix) es un profesor de filosofía que ya no encuentra ningún sentido a su vida hasta que en el campus donde trabaja conocer a Rita (Parker Posey) un profesora atascada en su matrimonio y a Jill (Emma Stone) su mejor alumna, que le cambiarán de alguna forma su vida.

CRITICA

Creo que ya he comentado en más de una ocasión que muchos actores, directores, actrices y un largo etcétera no realizan o eligen bien los proyectos y se apartan demasiado de su manera de dirigir o interpretar, dejando película que a veces son indiferentes en el público o incluso le acaban disgustando. Con el genio de Woody Allen, se produce esa extraña sensación en la que su ideas originales en las que mezcla conceptos trascendentales de la vida, con un toque cómico y de suspense, de vez en cuando se han ido repitiendo a lo largo de sus películas, y es lo que ocurre (desde mi punto de vista) con Irrational Man.

He de destacar que la mezcla que realiza el director sobre los problemas existenciales por lo que atraviesan a veces las personas unido a reflexiones de filósofos, es una característica de director neoyorkino para explorar lo que se le pasa al ser humano por la mente y lo que le motiva al hombre para reaccionar y actuar en determinados momentos por impulsos o por volver a sentirse vivos.

Es lo que persigue el profesor Abe Lucas, cuando ve que su vida ha dejado de tener sentido debido a diversas situaciones y acontecimientos que han atormentado su vida, cuando escucha una conversación en una cafetería con su alumna; lo que le hace volverse a sentir vivo; eso si justificando en todo momento los actos que va realizando.

Esta dinámica va avanzando en tanto en cuanto Abe se va sintiendo más cómodo con la decisión que ha tomado y, como es habitual en la argumentación del director, se van dando pistas poco a poco para averiguar que es lo que ha ocurrido y como llegar a la conclusión final. Pero, es como en otras películas suyas como El sueño de Casandra o las más recientes Wonder Wheel y Día de lluvia en Nueva York. Habrá que recurrir a películas de sus inicios donde la magia del humor, del suspense y del drama, estaban mejor llevadas

Calificación personal: 6

Drácula, de Bram Stoker (1992)

• Título original: Bram Stoker's, Dracula
• Año: 1992
• Género: Terror
• Dirección: Francis Ford Coppola
• Intérpretes: Gary Oldman, Winona Ryder, Keanu Reeves, Anthony Hopkins, Richar E. Grant, Tom Waits, Sadie Frost, Cary Elwes, Billy Campbell
• Guión: James V.Hart
• Música: Wojciech Kilar
• Fotografía: Michael Ballhaus
• Vestuario: Eiko Isioka
• Productora: American Zoetrope, Columbia Pictures Corporation

SINOPSIS

A finales del siglo XIX, Jonathan Harker (Keanu Reeves) debe viajar hasta Transilvania en el Este de Europa para que el Conde Drácula (Gary Oldman) firme unos papeles sobre unas tierras que compró en Londres. Aunque realmente, el Conde esconde su verdadera identidad.

CRITICA

Antes de empezar por la crítica de la película, he de destacar que Bram Stoker (el autor de la novela en la que se basa la película) en vida nunca fue considerado un buen escritor, sobre todo por el estilo de escritura que hacía en sus novelas en una época en la que el género de terror lo ocupaba Edgar Allan Poe. Por otro lado, el escritor murió el 20 de Abril de 1912, el mismo día en el que el Titanic se hundió, por lo que su muerte pasó sin pena ni gloria. Pero, su novela no ha pasado por el tamiz del tiempo y hoy es conocida mundialmente. Después de esta pequeña introducción, volvamos a la crítica de esta película.

Desde que tengo uso de razón y empecé a ver películas de terror (aunque no es un género que me apasione demasiado), la primera vez que vi esta película fue en el año 2004. Cuando un sábado fui con mi padre a ver al cine Van Helsing y luego, por la noche en la televisión pusieron esta película. Al principio, me produjo un poco de dentera verla por la imagen terrorífica con la que habían personificado al Conde Drácula y porque esa noche no pude dormir. Unos cuantos años después, la volví a ver con otros ojos y tras haberme leído el libro y así, pude apreciar bastante una de las mejores adaptaciones que se han hecho en el cine; aunque es cierto, que el guionista se ha permitido diversas licencias poéticas pero, a pesar de eso, refleja a todos los personajes así como se guía perfectamente con el argumento de la historia. También, la elección de los actores para los papeles fue la idónea puesto que se introducen de lleno en la mente y en comportamiento de sus personajes dando una credibilidad al personaje que interpretan.

A pesar de las licencias que se tomaron a la hora de escribir el guión con respecto a los personajes y, de dotar a la historia de un cierto erotismo. La película engancha desde el principio hasta el final debido a esa estética tenebrosa y ese ambiente propio del estilo romántico en el cual se desarrolla esta historia del primer vampiro de la literatura universal, que tomó como referencia a un príncipe rumano llamado Vlad Teples, apodado el "Empalador".

Calificación personal: 8

Lío embarazoso (2007)

• Título original: Knocked up
• Año: 2007
• Género: Comedia
• Dirección: Judd Apatow
• Intérpretes: Seth Rogen, Katherine Heigl, Paul Rudd, Leslie Mann, Jonah Hill, Jason Segel, Jay Baruchel, Martin Starr, Iris Apatow, Maude Apatow, Harold Ramis, Ken Jeong.
• Guión: Judd Apatow, Evan Goldberg
• Música: Joe Henry, Loudon Wainwright III
• Fotografía: Eric Alan Edwards
• Montaje: Craig Alpert, Brent White
• Productora: Apatow Productions

SINOPSIS

Ben (Seth Rogen) y Allison (Katherine Heigl) se acuestan una noche juntos y dos semanas después ella descubre que está embarazada. Ante esta situación, Allison decide tener el bebé y que Ben forme parte de su vida. Pero la verdad es que la vida de ambos es completamente diferente en lo que se refiere a trabajo y responsabilidades.

CRITICA

A modo de comedia se plantea una situación que a veces no resulta tan graciosa como aparenta. Tras una noche loca en la que uno se acuesta con alguien a quién no conoce, acaba quedándose embarazada. Lo que ocurre posteriormente es la decisión que se toma con respecto al echo de que se vaya a ser padre.

Pero la verdad es que desde el primer momento se trata al espectador como a alguien idiota que no entra en la trama y, porque la situación lo requiere, transforman al protagonista de ser un vago sin remedio a alguien que se va a tomar en serio su futura paternidad y decide dar un cambio en su vida.

La verdad es que la gracia de la película no está palpable en ningún momento de la trama y por más que se intenten los momentos graciosos con los amigos del protagonista, no se consigue. Por otro lado, la química entre ambos actores es poco creíble (igual que dije en la crítica de Casi Imposible que tanto Rogen como Theron mostraban un increíble química) y las diversas situaciones amorosas que se dan entre los personajes, no es del todo creíble.

No siempre se va a dar con una gran película, o solo hace falta que sea entretenida para pasar un buen rato. Pero en cierto modo, aunque sea a través de la comedia te intenta reflejar la responsabilidad de tener un hijo y posteriormente criarlo y los sacrificios que hay que hacer para ambas partes de la pareja y que siempre hay que ser consecuentes con las decisiones que tomemos.

Calificación personal: 5.5

Casi imposible (2019)

• Título original: Long shot
• Año: 2019
• Género: Comedia
• Dirección: Jonathan Levine
• Intérpretes: Charlize Theron, Seth Rogen, June Diane Raphael, Ravi Patel, Alexander Skarsgard, O'Shea Jackson Jr., Bob Odenkirk, Andy Serkis.
• Guión: Dan Sterling, Liz Hannah
• Música: Marco Beltrani
• Fotografía: Yves Bélanger
• Vestuario: Mary E. Vogt
• Productora: Point Grey Pictures, Good Universe

SINOPSIS

Fred Fraskly (Seth Rogen) es un periodista que acaba de dejar su trabajo. Su mejor amigo, para animarlo le lleva a una fiesta y en ella se reencuentra con Charlotte Field (Charlize Theron) la secretaria de Estado de los Estados Unidos que fue su niñera. Empezarán a trabajar juntos para impulsar su carrera, pero ese acercamiento hará que aparezcan de por medio los sentimientos.

CRITICA

Esta película pasó sin cierta pena ni gloria por las salas españolas pero, como me suele ocurrir a menudo, en una plataforma de vídeo bajo demanda me topé con ella y decidí verla. Reconozco también que Seth Rogen haciendo comedia es un fenómeno y hace que los chistes verdes e irreverentes sean graciosos por la forma en que los cuenta. La verdad, es que fue un verdadero gusto encontrarse con una comedia refrescante.

Además de ser una comedia que cautiva desde el primer minuto, manda un mensaje de una forma clara y contundente sobre el papel de la mujer en un alto cargo y como pueden desempeñar un cargo importante más allá de una cara bonita, puesto que la inteligencia es el arma más poderosa que se tiene. El personaje de Charlize Theron es el contrapunto del de Seth Rogen, donde se muestra a un periodista íntegro a la par que inteligente pero que la belleza no es su gran fuerte (desde mi punto de vista, tampoco es extremadamente feo) pero, la combinación de ambos hace que surja una chispa y una relación que se presenta como complicada porque la imagen de ella se vería destrozada si saliese con alguien como el.

Por otro lado, se ve claramente como lo que importa muchas veces es la imagen que se de ante la sociedad y la multitud porque sino puedes destrozar tu vida pero, lo que realmente importa es que cada uno seamos nosotros mismos y disfrutemos de nuestra libertad sin herir a nadie. Porque muchas veces los protocolos sociales por desempeñar un cargo importante o por tener que dar una imagen al mundo, se ve condicionada por el que dirán y coarta la libertad.

Para finalizar, el dúo entre Theron y Rogen es fabuloso. Se ve la gran química que hay entre ellos además de ver a nuestra protagonista femenina realizando una comedia y ver que se le da igual de bien que el drama. Desde mi punto de vista, pienso que Rogen siempre hace más fácil el trabajo en películas con compañeros que no suelen trabajar en la comedia. Es una película que provoca risas constantes y hará que el espectador pase un buen rato.

Calificación personal: 7.5

La naranja mecánica (1971)

• Título original: A clockwork orange
• Año: 1971
• Género: Drama
• Dirección: Stanley Kubrick
• Intérpretes: Malcolm McDowell, Warren Clarke, Michael Tarn, James Marcus, Philip Stone, Sheila Raynor, Michael Bates, Godfrey Quigley, Patrick Magee, Anthony Sharp
• Guión: Stanley Kubrick
• Música: Wendy Carlos
• Fotografía: John Alcott
• Montaje: Bill Butler
• Productora: Warner Bros, Hawk Films

SINOPSIS

Gran Bretaña, en un futuro indeterminado. Alex (Malcolm McDowell) tiene dos pasiones: la violencia sin control y Beethoven. Junto a sus amigos cometen todo tipo de actos delictivos hasta que un día Alex es capturado y llevado a prisión por violación. Dentro de la prisión decidirá someterse a un experimento para eliminar la violencia como modo de vida.

CRITICA

La verdad es que nunca me he sentido atraída por la filmografía de Stanley Kubrick pero hay determinadas películas en la carrera de cualquier artista que destaca por encima del resto (también puede ser más de una claro está) y creo que esta película es una de ellas no solo por ser un director destacado, sino también porque en la época en la que la rodó tuvo una enorme controversia por los temas tan desgarradores que trataba, así como una crítica oculta a la sociedad que rodea al ser humano y de cada una de las personas que se ven reflejadas en la película. Pero no nos engañemos, a pesar de haber transcurrido más de treinta años, la historia que muestra es un fiel reflejo de lo que ocurre hoy en día en la sociedad.

Centrándome ya en la trama, la película aborda temas muy diversos y controvertidos temas. El primero a destacar sería con el que inicia la historia y que se menciona: la ultraviolencia. Este echo es el hilo conductor de lo que le va aconteciendo a nuestro protagonista puesto que desea vivir una experiencia todos los días de ultraviolencia porque lo encuentra divertido a la par de ser un estilo de vida y para ello necesitan meterse cualquier droga en el cuerpo para experimentarlo. El utilizar diferentes opioides para sentirse "más vivo" hoy en día es una forma de justificarse cuando se comete algún acto de violencia criminal puesto que no se está en disposición de las plenas facultades mentales pero si no se es consciente para cometer esos actos, si se es consciente de tomar las diferentes drogas por lo tanto, ese comportamiento no está justificado. Por lo que al final la violencia no solo se acaba convirtiendo en un estilo de vida, sino también en un ataque gratuito a cualquier persona y hacer cosas demasiado horribles que destruyen a la víctima.

El segundo acontecimiento a destacar es cuando meten al protagonista en la cárcel y oye hablar de un método nuevo que ayuda a la gente con tendencia violenta a eliminar dicha tendencia y que además le provoque una repulsión ante estas actividades. Así las altas esferas se apuntan "un tanto" para decir que curan a los violentos. A posteriori, el que era verdugo se acaba convirtiendo en víctima no solo del sistema político, sino también de una sociedad a la que un día el hizo daño y humilló sin recibir un castigo lo suficientemente duro por las atrocidades que había cometido. También es una marioneta usada por aquellos que solo quieren ver al gobierno derrocado y, el propio sujeto se ve indefenso porque el actuar solo no le da ese "poder" que le permitía humillar a los más débiles.

El tercer acontecimiento que se puede ver en la película es que Alex (el protagonista) tiene sus propios pensamientos acerca de lo que le motiva y le fascina cuando entra en su espiral de ultraviolencia. Pero, cuando ve que esa faceta ha desaparecido para convertirse en el blanco de una sociedad a la que el en un principio ha despreciado, se encuentra completamente indefenso y sin nada ni nadie que le ayude, porque ahora esa sociedad a la que ha despreciado le ha vuelto la espalda (incluida su familia).

Otro punto de vista podría ser, que es lo que le ha motivado al joven para llevar ese estilo de vida. Claramente no se ve ningún indicio que indique que su vida ha sido un verdadero infierno, al contrario, pero su necesidad de llamar la atención unida al narcisismo le impulsa actuar así. Aunque como es obvio, no es un echo justificable.

La película trajo consigo mucha polémica. La primera de ellas fue que la película no era fiel en determinados aspectos con respecto a la novela, lo que enfadó al autor Anthony Burgess. Por otro lado, en una época un tanto puritana se mostraban escenas haciendo referencia al miembro masculino y por supuesto, por la gratuidad de la violencia a la que incitaba la película. Pero eso no ha hecho que su fama disminuya y que se convirtiera en una película de culto.

Para concluir y como opinión personal, este tipo de película son las que hay que ver solo una vez en la vida para demostrar que la maldad es algo innato en la naturaleza del hombre y que por ello hay que evitar cualquier acto delictivo. Es cierto que el ser humano se puede equivocar y puede rectificar pero, cuando los actos son tan malévolos y perturbadores no hay nada que sea justificable y que por supuesto, la violencia no se cura con más violencia.


Calificación personal: 8

Star Wars IX: El ascenso de Skywalker (2019)

• Título original: The rise of Skywalker
• Año: 2019
• Género: Aventuras, ciencia ficción
• Dirección: J.J. Abrams
• Intérpretes: Daisy Ridley, Oscar Isaac, Adam Driver, John Boyega, Carrie Fisher, Anthony Daniels, Keri Russell, Mark Hamill, Domhnall Gleeson, Lupita Nyong'o, Richard E. Grant, Ian McDiarmid, Naomi Ackie, Kelly Marie Tran, Billy Dee Williams
• Guión: J.J. Abrams, Chris Terrio
• Música: John Williams
• Fotografía: John Schwartzman
• Montaje: Maryanna Brandon, Stefan Grube
• Productora: Lucas Film, Bad Robot

SINOPSIS

Tras la muerte de Luke Skywalker, la Resistencia se sigue enfrentando a la Primera Orden liderada por el Sith Kylo Ren (Adam Driver) el cual va en busca de Éxegol, un planeta de donde se ha recibido una señal proveniente del senador Palpatine. Por lo que el poder de los Jedi y de los Sith se volverán a enfrentar de nuevo.

CRITICA

Después de la decepción visual que supuso Star Wars VIII: Los últimos Jedi (ver crítica en este blog) con esta novena (y supuesta última entrega) se resarce bastante pero, es cierto que el sabor de boca que acaba dejando no fue el mismo que dejaron las dos trilogías anteriores, puesto que a pesar de empezar por el episodio IV, se consigue hilar bastante bien con los episodios I, II y III. Pero, ¿qué es lo que realmente le ha pasado a esta última entrega para que no haya dejado satisfechos a los fans de una de las sagas más míticas de la historia?

Desde mi punto de vista, lo que creo que todo buen fan se precia, esperaba un gran capítulo final donde se resolviesen dudas o detalles no relevados desde el episodio VII, puesto que la aparición y desaparición de diversos personajes, no permite (en cierto modo) que el espectador pueda situarse de alguna forma en una línea temporal donde pueda unir los diferentes acontecimientos.

Es cierto que esa "falta de información" a mi me ha descolocado pero, desde mi punto de vista, creo que la película cierra de una manera correcta (que no perfecta) el conjunto de esta última trilogía. También pienso que el final de la película (no voy ha hacer spoiler) podría haberse hecho algún homenaje un poco más extenso a todas las películas que han acompañado a diversas generaciones y que nos hicieron ver el género de la ciencia ficción un poco más interesante.

Para concluir animo a ver esta última entrega (aunque la califican la segunda peor después de Star Wars I: La amenaza fantasma) y disfrutar de una forma épica y vivir el final de la guerra intergaláctica, como un hito en la historia del cine.

Calificación personal: 7

Joker (2019)

• Dirección: Todd Phillips
• Año: 2019
• Género: Drama
• Intérpretes: Joaquin Phoenix, Robert De Niro, Zazie Beetz, Frances Conroy, Brett Cullen, Shean Whigham, Bill Camp, Glenn Flesheler.
• Guión: Todd Phillips, Scott Silver
• Música: Hildur Gudnadóttir
• Fotografía: Lawrence Sher
• Montaje: Jeff Groth
• Vestuario: Mark Bridges
• Productora: DC Films, Village Roadshaw Films

SINOPSIS

Arthur Fleck (Joaquin Phoenix) vive en Gotham con su madre. El trabaja haciendo de payaso en pequeños eventos pero su sueño es convertirse en humorista pero, con sus problemas mentales, la gente no le toma en serio y se ríe de él. Pero, debido a una serie de acontecimientos, su ira contra la sociedad que le rodea irá aumentando.

CRITICA

Cuando al público se nos ha mostrado algún superhéroe o villano de cómics, generalmente se muestra el momento en el que el personaje ya es malo o es bueno pero, hasta la fecha (desde que tengo uso de razón) no se había reflejado en una película de una forma tan clara los inicios de un personaje de cómic y todo su proceso de transformación. Esta característica es una de las cualidades que hace a Joker, como una de las mejores películas del año. No solo por su increíble estética, su gran puesta en escena y la transformación e interpretación (asombrosa y espectacular, como siempre) de Joaquin Phoenix en el villano, sino todo el trasfondo que hay en esta historia.

Desde el principio se nos muestra al personaje de Arthur Fleck como una persona con problemas mentales que acude semanalmente a los servicios sociales para que le receten sus medicamentos, así como, una psicóloga le hace un seguimiento sobre su estado y su vida, la cual no es muy impactante: vive con su madre a la que quiere (pero la cual muestra algunos indicios de locura), trabaja como payaso, lo que le provoca que la gente se burle de él y, ve su vida en un continuo estancamientos y como su sueño de ser cómico se evapora por segundos. Estas pequeñas vorágines que en principio a Arthur no le "afectan" se ve reflejado cuando en el metro tres jóvenes bien trajeados (y bastante borrachos) se empiezan a meter con una joven y luego con él. Lo que sucede a continuación (de lo cual no haré ningún spoiler) supone un cambio radical no solo en el carácter de Arthur sino también en su mirada a la sociedad.

A medida que va avanzando la historia, se nos muestra a una persona más siniestra y malvada que se ha reinventado a si misma al ver como una sociedad de ricos hipócritas se creen que tienen el derecho y el poder de juzgar a las personas que no son de su misma clase social y que además esa gente culpa a la población insatisfecha de todo lo que va aconteciendo en la sociedad. Por el simple echo de tener estudios, dinero, un trabajo o ser famoso; parece que les da poder para humillar y reírse de esos "pobres desgraciados que destruyen su magnífica y gran ciudad".

Por lo que, nuestro protagonista de alguna forma se plantea que la sociedad, en concreto la población, debería de vivir en un libre albedrío, en el cual cada uno puede hacer lo que quiere, así como rebelarse contra el orden establecido y con todos aquellos que tienen poder sobre otros. Con este tipo de pensamiento, lo único que se acaba generando es una sociedad anárquica en la cual no hay límites de ningún tipo. Pero yo, realmente pregunto: ¿hay límites para gente con poder?, ¿por qué siempre se va o se juzga con mayor celeridad a las personas menos favorecidas y desprotegidas de la sociedad?, ¿por qué se recortan presupuestos o ayudas de las organizaciones que socorren a la gente? Estas preguntas (y unas cuantas más) son las que quedan sin responder porque a los de abajo, nadie les escucha, solo se les exprime hasta la última gota de sangre.

En medio de su propia locura y de la locura colectiva que ha invadido a la ciudad de Gotham, Arthur decide reinventarse luchando de una forma poco convencional, contra aquellos que se creen con poder de actuar como quieran. Esta ideología de violencia gratuita asustó mucho a la gente porque en cierto modo se incitaba a tener una violencia y que cada uno se tomase la justicia por su mano sin importar ni las circunstancias ni las consecuencias. Aunque a veces se sabe que la justicia no funciona o realmente solo funciona para unos pocos. Como era de esperar, la actuación del Joker, le da a la población una bocanada de aire fresco, haciendo que se rebelen y creen el caos ataviados todos con una máscara de payaso para así evitar ser reconocido y que nadie sepa quien es quien.

A pesar de estar basado en un cómic, puede ser un perfecto reflejo de la sociedad que se nos muestra hoy en día a través de los medios de comunicación donde, todo el peso de la ley cae sobre el pueblo, los ricos y políticos salen indemnes de sus condenas e incluso, la aplicación del sentido de moral en el momento que más conviene, no cuando es más necesario. Por eso creo, que tendemos cada uno de nosotros a mirar más por nuestro bien en lugar de el de los demás.

Es una película que no deja indiferente a nadie, no solo por todos lo elementos cinematográficos que acompañas al filme (interpretaciones, música, vestuario, planos, juegos de luces...) sino por ese mensaje subyacente que hay en la película y que de vez en cuando nos debería de hacer reaccionar. Porque yo me pregunto, ¿quién se ríe de quién?


Calificación personal: 9

Al caer el sol (1998)

• Título original: Twilight
• Año: 1998
• Género:Suspense
• Dirección: Robert Benton
• Intérpretes: Paul Neman, Susan Sarandon, Gene Hackman, Reese Whiterspon, Stockard Channing, James Garner, Giancarlo Esposito, Liev Schreiber, Margo Martindale.
• Guión: Robert Benton, Richard Russo
• Música: Elmer Bernstein
• Montaje: Carol Littleton
• Fotografía: Piotr Sobonciski
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Harry Ross (Paul Newman) es un policía retirado y que trabaja como investigador privado. Vive en casa de Jack Ames (Gene Hackman) y su mujer Catherine (Susan Sarandon). Haciendo un trabajo para Jack, Harry se ve envuelto en una investigación de asesinato que está relacionada con la muerte del primer marido de Catherine.

CRITICA

La trama que se presenta de esta película, está basada en parte en los filmes noir de la época del Hollywood clásico. La premisa de la que se parte es sencilla: presentación rápida de protagonista y de la gente que le rodea y, realización de un pago de un chantaje. Cuando el protagonista va con dicho pago para hacer el encargo, se ve envuelto en un asesinato en el que el, no es sospechoso pero tiene las claves fundamentales para descubrir al verdadero asesino. Por lo que, a medida que va avanzando la historia, la trama se va complicando cada vez más.

Dicha trama criminal rodea a gente del mundo del cine que, en un momento de la trama el personaje interpretado por Paul Newman (como siempre estaba: impresionante) le dice al personaje de Susan Sarandon que por el simple echo de ser famosos, se creen que tienen la impunidad suficiente para no asumir ningún tipo de responsabilidad ante los actos que realizan. Lo que resulta en cierto modo algo verdadero, puesto que muchas personas por el simple echo de ser famosas (pero no todas) se libran de hasta una multa de tráfico.

Además de reflejar un cine negro, todos y cada uno de los personajes (a su modo) esconden secretos inconfesables, de amistades traicionadas, de lucha de poder de forma discreta (y a veces no tan discreta) e intentar seguir aparentando lo que uno no es en realidad para así mantener cierto estatus y no mostrarle al mundo la verdadera cara de la realidad; por eso, el director pretende centrarse más en los personajes que mostrar con todo detalle la ciudad de Los Ángeles.

A pesar de que a veces la película tiene momentos de tedio, mantiene la intriga sobre su giro argumental y el desarrollo de los acontecimientos para que el protagonista, pueda limpiar su nombre. Por otro lado, la química entre cada uno de los actores es palpable. Tanto es así, que hasta hace un par de años, Susan Sarandon reveló que Paul Newman le dio la mitad del sueldo que le pagaron en la película para equiparar el salario de ella, porque el gran galán dijo que el papel de la actriz era muy importante en la película y uno de los elementos claves.

Calificación personal: 6.5

Estafadoras de Wall Street (2019)

• Título original: Hustlers
• Año: 2019
• Género: Drama, biopic
• Dirección: Lorene Scafaria
• Intérpretes: Constance Wu, Jennifer Lopez, Keke Palmer, Lili Reinhart, Julia Stiles, Mercedes Ruehl, Frank Whaley, Lizzo, Cardi B,Trace Lysette.
• Guión: Lorene Scafaria
• Fotografía: Todd Banhazl
• Montaje: Kayla Emter
• Productora: STX Films, Gloria Sanchez Porductions, Nuyorican Productions

SINOPSIS

Un grupo de antiguas bailarinas de striptease se alían para poder sacarle dinero a los brokers de Wall Street para cambiar las tornas.


CRITICA

Esta película me llamó la atención desde el primer momento en el que vi el trailer. A simple vista, parece que la historia nos plantea solo la vida de un grupo de mujeres con cuerpos despampanantes que ganan cantidades astronómicas de dinero, lo que produce en cierto modo que se prejuzgue con cierta rapidez la vida de estas mujeres. Pero, yo me pregunto, ¿realmente sabemos que hay detrás de su vida para que trabajen en un club de striptease?, ¿su vida es tan de "color de rosa" como realmente nos hacen creer? Por eso creo, en cierto modo que esta película intenta de alguna manera mostrar lo que hay de puertas para afuera de esos clubes.

No quiero decir con esto que justifique su modo de actuar pero hay que ver quien es el que verdaderamente alicienta este tipo de "trabajos" y, aunque no llegue a ser prostitución (por las normas establecidas en estos clubes), a las mujeres se las sigue tratando como simples pedazos de carne cuando realmente, buscan una salida a una vida que muchas de ellas no han decidido.

Por otro lado, también es una crítica en el momento en el que el auge económico era enorme, es decir, antes de la crisis mundial del año 2008, cuando los magnates de Wall Street no paraban de gastar dinero en los clubes de striptease. Pero yo hago una pregunta, ¿de dónde salía realmente ese dinero? La respuesta es realmente sencilla: del dinero que gente honrada que quería ampliar un poco su capital familiar para tener una vida más tranquila, era estafada por esa gente que les hacía promesas vacías para depositasen todos los ahorros de su vida. Claro que, cuando esa buena racha terminó, estos seres desaparecían sin dejar rastro para no levantar sospechas. Y, ante esta situación, este grupo de mujeres empezó a estafarles a ellos con métodos poco ortodoxos y, al final traspasaron la línea que no querían traspasar: ir a por gente humilde y sencilla porque el dinero era lo único que les importaba.

Desde mi punto de vista es una película que de algún modo da que pensar al espectador por todo lo que rodea al plan urdido por estas mujeres, sin que sirva de aliciente de que lo que hicieron no es justificable (ni lo que hacían los brokers de Wall Street tampoco). Es una forma de reflejar las dos caras de una moneda donde siempre caerá de canto ya que el dinero, es el único motor que une a los estafados con las estafadoras.

Calificación personal: 8

Sangre en las manos (1948)

• Título original: Kiss the blood off my hands
• Año: 1948
• Género: Drama
• Dirección: Norman Foster,
• Intérpretes: Joan Fontaine, Burt Lancaster, Robert Newton, Lewis L. Russell, Aminta Dyne, Grizelda Harvey, Jay Novello, Colin Keith-Johnston.
• Guión: Leonardo Bercovici, Ben Maddow, Walter Bernstein
• Música: Miklos Rózsa
• Fotografía: Russell Betty
• Productora: Universal Pictures

SINOPSIS

Un marinero atormentado por sus recuerdos en un campo de concentración alemán (Burt Lancaster) mata accidentalmente a un individuo en un bar. En su huida, entra en casa de una enfermera (Joan Fontaine) que le ayudará a mostrar su inocencia.

CRITICA

Para ser sincera, cada vez que veo una película de cine clásico me invade una sensación de tranquilidad porque se que (a priori) voy a disfrutar un buen rato y de paso descubro nuevas películas en la filmografía de actores y directores clásicos. Si bien es cierto que esta película no tuvo la repercusión que otros grandes filmes de los dos actores protagonistas, no es nada desdeñable hacer un poco de introspección en la historia que nos cuenta.

La vida que lleva un antiguo marinero tras haber sufrido en un campo de concentración es algo que le persigue allá donde va y, hasta el mismo piensa que no tiene un futuro y que para el resto de sus días su vida va a ser un auténtico tormento porque no conseguirá liberarse de su pasado. Hasta que conoce a una enfermera que le da una oportunidad para dar un giro fundamental a su vida y que así pueda dejar de usar la violencia como forma de defensa. Este pequeño acto de fe que le deposita a él, le permite labrarse poco a poco un futuro y ver que la gente lo aprecia; hasta que una persona de su pasado aparece para atormentarlo y, que a su vez atormentará a la joven.

En esta disyuntiva que se le presenta, el joven no sabe si seguir de una forma recta y correcta (que es lo que le ha hecho ser mejor persona o, volver a esos "instintos" que tenía antes de haber dado un cambio a su vida. Lo que le atormentará de nuevo porque piensa que no conseguirá ser como antes.

La premisa con la que parte la película es sencilla, pero en cierto modo intenta mostrarle al espectador que todo el mundo puede tener una segunda oportunidad, si uno mismo quiere y si hay alguien que le tiende una mano para poder ayudarle y, como siempre hay alguien que se quiere aprovechar de dicha situación.

A lo mejor no es una gran obra maestra del cine clásico pero nunca está de más explorar algo nuevo y encontrarse con pequeñas joyas como esta que nos permitan recordar que a pesar de que pase el tiempo, el cine clásico perdurará para siempre.

Calificación personal: 6.2

(NO HAY TRAILER DISPONIBLE)

Ser o no ser (1942)

• Título original: To be or not to be
• Año: 1942
• Género: Comedia
• Dirección: Ernst Lubitsch
• Intérpretes: Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack, Stanley Ridges, Felix Bressart, Lionel Atwill, Sig Ruman
• Guión: Edwin Justin Mayer
• Música: Miklos Rózsa
• Fotografía: William H. Daniels
• Montaje: Gene Ruggiero
• Productora: Metro Goldwyn Mayer

SINOPSIS

Una compañía de teatro polaca intenta sobrevivir durante la invasión nazi en 1939. Para ello, se hacen pasar por oficiales nazis y por un profesor muerto que vendía información a los alemanes para perseguir a los insurgentes.

CRITICA

En una época tan convulsa como fue la Segunda Guerra Mundial, la realización de esta película supuso abordar una tema delicado pero con un toque de humor para que de alguna forma, la situación que vivía el mundo (y en concreto Europa) fuera algo más llevadero, como lo hiciese también Charles Chaplin con el estreno en 1940 de El gran dictador (ver crítica en este blog).

A parte del contexto político de la película, esta también muestra un homenaje al teatro y su función que ha tenido a lo largo del tiempo como medio de distracción y donde los actores no podían disfrutar de tomas para repetir sus escenas y, lo que suponía actuar en directo antes decenas de personas.

Entrando ya de lleno en la argumentación de la película, ese toque ingenioso de hacerse pasar por oficiales nazis para evitar que determinada información delicada llegase a manos de los alemanes. Lo que supone una puesta en escena de todas sus habilidades actorales así como todo el atrezzo que han guardado para realizar esta misión arriesgada. Es una mezcla entre realidad y ficción bien llevada usando el humor como arma de ataque.

La obra en sí no es una gran película, pero es cierto que permite al espectador pasar un rato entretenido y disfrutar de un cine entretenido y del género de la comedia que se hacía antiguamente denominada screwball comedy. Por desgracia, esta fue la última película de la actriz Carole Lombard antes de que falleciese trágicamente en un accidente de coche.

Calificación personal: 6

The Square (2017)

• Dirección: Robert Östlund
• Año: 2017
• Género: Drama
• Intérpretes: Claes Bang, Elisabeth Moss, Dominic West, Terry Notary, Sofie Hamilton, Christopher Laeso, Daniel Halberg.
• Guión: Robert Östlund
• Fotografía: Frederik Wenzel
• Montaje: Robert Östlund
• Productora: Teodora Film

SINOPSIS

Christian (Claes Bang) es el director artístico de un museo de arte moderno en Estocolmo. Promocionando su nueva obra "The Square", le encarga a una agencia de relaciones públicas que anuncie la obra. Pero la reacción del público, no es la esperada.

CRITICA

Cuando vamos al cine o vemos alguna película en una plataforma bajo demanda o en la televisión, lo hacemos muchas veces con una idea preconcebida. Es decir, alguien no ha hablado bien de ella, tuvo mucha publicidad en el momento de su estreno y otras muchas situaciones. Al terminar de ver una película, nos puede haber gustado o no por diversos motivos (interpretación, guión...); pero cuando de alguna forma pretenden tomar el pelo al espectador y perder el tiempo con una película que no tiene ni pies ni cabeza es algo que realmente me genere malestar por vender un producto bastante mediocre. Todo lo que he descrito, hace referencia a cuando vi esta película.

Me sentí estafada a la par que intentaba entender como determinadas películas sin una base argumentativa sólida, donde los diálogos son monosílabos o sin sentido, donde no hay coherencia narrativa en ningún aspecto; crean tan buenas críticas y un aluvión de premios (tanto de nominaciones como de ganarlos) entiendes el porqué muchas veces los premios no reflejan la veracidad de los premios a las grandes películas.

Desde mi punto de vista, la idea de la cual se parte como premisa para la historia no está mal; un cuadrado en un museo de arte contemporáneo donde se dejan de lado los pensamiento negativos y se piensan en ideas altruistas. Pero, en el momento en el que empieza a desarrollarse esa historia en relación a esa idea, todo se va desmoronando porque los diálogos no tienen sentido, las gracias carecen completamente de punto cómicos y el ritmo elevadamente pausado y lento sin ningún tipo de coordinación, hacen que escriba lo siguiente: es una de las peores películas que he visto en lo que llevo de mi vida, así como una de las peores películas de toda la historia del cine.

Por otro lado, las películas europeas que ese año competían para la Palma de Oro y en otros premios internacionales, eran más valiosas como es el caso de la película alemana En la sombra (ver crítica en este blog). Por otro lado, críticos expertos alababan el punto cómico de esta película sueca pero, carece totalmente de ese punto cómico así de otras muchas cualidades cinematográficas. Porque ya se sabe que lo que se vende últimamente (una gran mayoría) son películas donde la calidad de guión es bastante mediocre y donde subyace más cine comercial que otra cosa.

Calificación personal: 2