Rápida y mortal (1995)

 

• Título original: The quick and the dead
• Año: 1995
• Género: Western
• Dirección: Sam Raimi
• Intérpretes: Sharon Stone, Gene Hackman, Russell Crowe, Leonardo DiCaprio, Kevin Conway, Tobin Bell, Lance Henriksen, Roberts Blossoms, Gary Sinise, Mark Boone Junior, Keith David.
• Guión: Simon Moore
• Música: Alan Silvestri
• Fotografía: Dante Spinotti
• Montaje: Pietro Scala
• Productora: TriStar Pictures

SINOPSIS

Ellen (Sharon Stone), una bella y misteriosa forastera, llega a una pequeña ciudad del Oeste y se inscribe en un peligroso torneo de pistoleros en el cual todos arriesgas sus vidas a cambio de fama y dinero. Aunque los motivos de Ellen son distintos: quiere vengarse de Herod (Gene Hackman), un hombre que domina la ciudad que hizo daño a su familia.

CRITICA

Si he de ser sincera, la crítica sobre esta película va a ser bastante corta, no solo porque no hay nada de profundidad en la historia que plantea sino porque la misma no va más allá de lo que pretende mostrar y, porque el ritmo de la película es un poco lento a la par que un tanto aburrido.

Lo único que llama la atención de esta película es que es poco habitual que el género del western esté protagonizado por una mujer y que el peso de la misma esté sobre ella. Por otro lado, lo que también llama la atención es el momento de los duelos y los pistoleros que se van enfrentando. Por lo demás, es una película cuyo entretenimiento no va más allá, porque incluso la interpretación de Sharon Stone se ve un tanto forzada en la trama y poco convincente en el papel, es decir, que a lo mejor otra actriz hubiese sido más creíble en el papel.

En definitiva, no es una gran película por muchas grandes estrellas que conformen el cartel del filme pero, salvo el veterano Gene Hackman, el resto llevaban pocos títulos a sus espaldas y se encontraban un poco "verdes". Desde mi punto de vista, si no la hubiese visto no me hubiese pasado nada.

Calificación personal: 4.6

Los 400 golpes (1959)

 

• Título original: Les quatre cents coups
• Año: 1959
• Género: Drama
• Dirección: François Truffaut
• Intérpretes: Jean-Pierre Léaud, Albert Remy, Claire Maurier, Guy Decomble, Patrick Auffay, Georges Flamant.
• Guión: Marcel Moussy, François Truffaut
• Música: Jean Constantin
• Fotografía: Henri Decäe
• Montaje: Marie-Joséphe Yoyotte
• Productora: Les Films du Carrosse

SINOPSIS

Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) es un adolescente que no es especialmente querido por su familia. Su falta de atención por parte de su familia le hace tener una actitud bastante díscola en el colegio y no parar de meterse en líos.

CRITICA

Hay películas que marcan un hito en la historia del cine y esta es una de esas películas que han marcado la retina de un buen amante del cine. La verdad es que siempre que he oído hablar de este filme, siempre tenía ganas de verla y la verdad es que no me ha decepcionado para nada, puesto que reflexiona bastante sobre la infancia y/o adolescencia y donde muchas veces se culpa a esos niños de su comportamiento díscolo pero, el no tener un entorno familiar adecuado o el no ser queridos o el que ellos se sientan rechazados, les hacen actuar de determinadas manera.

De una forma bastante clara se ve que el personaje de Antoine se muestra rebelde tanto en el colegio como en su vida familiar, aunque en esta última se ve que el muestra cariño y deseo de poder conectar con sus progenitores pero percibe rechazo por su parte y eso hace que el joven Antoine actúe de forma en la que de vez en cuando no aparece por casa o tiene respuestas insolentes hacia sus profesores acompañados con mentiras.

Si el espectador ve esta película en un principio puede no decirle nada ya que es una historia sencilla pero que realmente, como ya he comentado en el párrafo anterior, nos cuenta como el personaje de Antoine pide a gritos atención y amor y que es el grito del propio Truffaut, ya que este personaje (que lo volverá a retomar cuatro veces más) es muy autobiográfico. Lo que es en definitiva, el grito mudo de un joven por encontrar cariño. La falta de amor a la que ha sido condenado son en definitiva esos golpes de los que habla el título del filme. Y aunque no lo parezca, es a través de los ojos de este niño el deseo de pedir ayuda y salir de esa prisión en la que se encuentra.

A medida que va transcurriendo los minutos de la historia al principio el espectador puede sentir cierta animadversión hacia el personaje de Antoine pero, cuando se va viendo el desarrollo de la misma, se observa que el joven no es culpable de la situación que vive y como poco el tono de la historia va adquiriendo cierta oscuridad y de opresión y que de alguna forma se ve con cierta claridad cuando el final del joven es acabar en el reformatorio. Pero sobre todo, la imagen final donde el deseo del joven se ve cumplido (no voy hacer spoiler) y se siente liberado.

Para concluir, esta película es una imprescindible y de obligado visionado para recordar que muchas veces la adolescencia y el amor de la familia y que es necesario que el afecto y la atención no es mala sino que mucha veces es necesaria. Es una joya del séptimo arte. Muy atentos a la charla que tiene Antoine con la psicóloga del reformatorio.

Calificación personal: 10

Soul (2020)

 

• Dirección: Pete Docter
• Año: 2020
• Género: Animación
• Doblaje original: Jamie Foxx, Tina Fey, Graham Norton, Rachel House, Alice Braga, Richard Ayoade, Angela Bassett, Phylicia Rhasad
• Guión: Pete Docter, Kemp Powers, Mike Jones
• Música: Trent Reznor, Atticus Ross
• Fotografía: Matt Aspbury, Ian Megibben
• Montaje: Kevin Nolting
• Productora: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios

SINOPSIS

Joe Gardner es un profesor de música de un instituto que está insatisfecho que su vida hasta que consigue la oportunidad de tocar con la gran Dorothea Williams. Tras salir de la prueba se cae por una alcantarilla y se encuentra así mismo como un alma que se dirige al "Gran Más Allá" y no dispuesto a morir aún, termina en el "Gran Antes" y allí conoce al alma 22 a la que tiene que ayudar para incursionarse en su camino a la Tierra.

CRITICA

Como siempre y una vez más, Pixar sabe sacar partido de historias increíbles que aunque estén pensadas para niños realmente tienen un trasfondo bastante profundo y que hacen pensar en más de una ocasión como ya hicieron hace unos años con la película Del revés (Inside Out) (ver crítica en este blog) en donde tratan temas que muchas veces intentamos evitar pero que más tarde o más temprano tenemos que hacerle frente.

En este caso la película trata de algo que a todo ser humano nos cuesta admitir u obviamos y es el miedo a la muerte y saber que en el algún momento nuestra vida terminará y que es necesario haber aprovechado los buenos momentos que esta nos ha brindado, de ahí que aparezca esa parte de la historia en la que el protagonista se va al "Más Allá" es decir, que su tiempo ya ha acabado y que hay que dejar paso a las almas del "Gran Antes" para que ocupen los cuerpos humanos a los que se les asignen para que infundan el alma en esos nuevos cuerpos.

Nos hemos convertido en una sociedad que valora más el destino que el camino, donde parece que todos debemos estar encaminados hacia un gran propósito. Pero la realidad es que vivir es suficiente, tiene que serlo. En una escena de 'Soul', el protagonista se sorprende al descubrir que su barbero, que es increíblemente feliz y talentoso en su oficio, en realidad quería ser veterinario. El camino que nos lleva a sentirnos plenos y felices no siempre es el que nos habíamos marcado en un inicio, pero tenemos que ser lo suficientemente flexibles como para entender que la satisfacción se encuentra en muchos otros lugares.

Aunque siempre a través de diferentes formas de expresar el arte y la cultura, como es el caso del cine, nos intenta transmitir valores, vemos que es algo fácil de aplicar en nuestra vida pero resulta complicado, por eso siempre hay que intentar recordar que llegar a la meta y disfrutar de las vistas es importante pero a veces es necesario hacer un alto en el camino y disfrutar de las vistas; que es algo que nos recuerda esta película. Por eso creo que es imprescindible verla y recordarla como una de las mejores historias que ha hecho Pixar.

Calificación personal: 9.5

Atracción fatal (1987)

 

• Título original: Fatal attraction
• Año: 1987
• Género: Suspense
• Dirección: Adrian Lyne
• Intérpretes: Michael Douglas, Glenn Close, Anne Archer, Ellen Hamilton Latzen, Stuart Pankin, Ellen Foley, Fred Gwynne, Meg Mundy, Lois Smith
• Guión: James Dearden
• Música: Maurice Jarre
• Fotografía: Howard Atherton
• Montaje: Peter E. Berger, Michael Kahn
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Dan Gallagher (Michael Douglas) tiene una vida perfecta: una esposa maravillosa, una hija encantadora y un buen trabajo. En una fiesta conoce a Alex Porter (Glenn Close) con la que tiene una aventura de un fin de semana. Cuando Dan decide terminar con la relación, Alex no acepta que se haya terminado y entra en una espiral de obsesión enfermiza y peligrosa.

CRITICA

Con el paso del tiempo (y a medida que me iba haciendo adulta) me iban hablando de esta película y del revuelo que causó en el año de su estreno y, cuando he tenido la oportunidad he tenido la oportunidad de verla para poder analizar (en cierta medida) esa relación tóxica que se establece entre ambos aunque se refleje solo en el personaje femenino porque es mucho más visible.

En el año de su estreno generó mucha polémica por la visión que se le daba al personaje interpretado por Glenn Close, la cual no acepta que esa aventura haya finalizado y sigue obsesionada con el hombre con el cual la ha tenido sino también, porque parece que la mujer es la única culpable en esta infidelidad o si generalizamos, cuando alguno de los dos están casados o ambos lo están, parece ser que solo es la mujer la que es culpable ante este hecho.

En esta historia se ve la obsesión de Alex por Dan tras su aventura y como ha sido ella la que le ha seducido a el. Pero, ¿realmente el ha sido capaz de aguantar esa tentación si de verdad se siente tan feliz y tan agusto con su vida perfecta? Por otro lado, si de verdad quiere tanto a su mujer y está tan profundamente enamorada de ella, ¿qué necesidad tenía de echar una "canita al aire"? En definitiva, es una forma de demostrar que no significa nada para el y que realmente sigue enamorado de su mujer. No es necesario poner los cuernos a tu pareja para saber si le sigues queriendo o no. O muchas veces se le echa la culpa al alcohol o el estar pasando un momento muy agradable con la otra persona y justificar el simple echo de que como la otra persona no se entera, no sentirse culpable por la infidelidad.

Aquí hay que tener en cuenta otro personaje que al principio permanece ajena a esta situación que es la mujer de Dan, que cuando es conocedora de la infidelidad de su marido ella no entiende el porque ni la justificación y decide permanecer a su lado. ¿Eso significa que ella es una ilusa por estar a su lado? La respuesta es no. Ella poco a poco va tomando las decisiones necesarias a raíz de conocer los acontecimientos así como lo que le va salpicando a ella por la mala acción de su marido que por su irresponsabilidad, su vida se ve alterada por completo.

Para finalizar, quien haya visto la película sabrá cual es el final de la misma. Solo comentar que el final no iba a ser el que es finalmente ya que el alternativo era que Alex se suicidara para que al espectador le diese un poco más de lástima pero al final, la propia Glenn Close decidió que se dejase el final que aparece para que el público sintiese odio por su personaje a pesar de mostrar claramente que necesitaba ayuda pero que no era una psicópata, sino que estaba ligeramente perturbada.

Calificación personal: 7

La carta (1940)

 

• Título original: The letter
• Año: 1940
• Género: Suspense
• Dirección: William Wyler
• Intérpretes: Bette Davis, Herbert Marshall, James Stephenson, Frieda Inescort, Gale Sondergaard, Bruce Lester, Victor Sen Yung
• Guión: Howard Koch
• Música: Max Steiner
• Fotografía: Tony Gaudio
• Vestuario: Orry-Kelly
• Montaje: George Amy
• Productora: Warner Bros Pictures

SINOPSIS

En una noche de luna llena, Leslie (Bette Davis) asesina a un hombre a las puertas de su plantación de Malasia alegando que ha intentado violarla. Tanto su marido, como su abogado Howard (James Stephenson) buscan la forma de ayudarla hasta que este último se da cuenta de que su cliente oculta algo tras una carta.

CRITICA

Cuando Bette Davis aparecía en una película era sinónimo de una buena historia con toques interesantes de suspense y, no iba a ser menos con esta historia. Independientemente que desde el primer minuto se nos muestra que el personaje interpretado por la actriz ha asesinado a un hombre, todo apunta a que lo ha realizado en defensa propia, por lo que se nos muestra la inocencia de la mujer hasta la aparición de una misteriosa carta.

A raíz de este descubrimiento, Leslie (el personaje interpretado por Bette Davis) se ve obligada a mostrar de manera constante dos caras, una de las cuales tiene que reprimir de manera constante (aquella que tiene que ver con el odio y el resentimiento) y por ello, en casi todos los fotogramas aparece tejiendo un chal como metáfora para mantener oculta una de esas dos caras pero, en el momento en el que termina de tejer esa prenda, es hora de que esa doble personalidad salga a la luz.

La frialdad que muestra a lo largo de todo el proceso judicial así como de todas las conversaciones que mantiene con su abogado y con su marido, la convierten en una mujer fría y calculadora para conseguir un único fin: quedar absuelta del asesinato del hombre al que ama y que todo quede en un final feliz para ella y que actúo en defensa propia.

Mientras todo aparenta un final feliz, un oscuro mundo subterráneo de intensas emociones está a punto de estallar. La verdad conduce a la decepción, a la culpa y hacia la cruel y fría venganza urdida sutilmente que proporcionará al film un giro final tan impactante como inesperado.

Calificación personal: 7.5

Llévame a la luna (2012)

 

• Título original: Un plan parfait
• Año: 2012
• Género: Romántica
• Dirección: Pascal Chaumeil
• Intérpretes: Diane Kruger, Dany Boon, Alice Pol, Robert Plagnol, Jonathan Cohen, Bernardette Le Saché, Etienne Chicot, Laure Calamy, Malon Lévanna
• Guión: Laurent Zeiton, Yohan Gromb
• Música: Klaus Badelt
• Fotografía: Glynn Speeckaert
• Productora: Quad Productions, Scope Pictures

SINOPSIS

Isabelle (Diane Kruger) decide casarse con su novio de hace más de diez años pero, para ello quiere romper la maldición de su familia: siempre el primer matrimonio acaba en divorcio y el segundo es el definitivo. Por eso busca al pobre Jean-Yves (Dany Boon) para llevar a cabo su plan.

CRITICA

Creo que en más de una ocasión he mostrado mi descontento hacia el género de las películas románticas, pero he de reconocer que los franceses saben sacar el máximo partido a este tipo de filmes con un toque de humor. Aunque, si bien es cierto que muestran un ideal y que no es oro lo que muestran en las historias pero si sacar en el espectador una risa un rato agradable.

En cierto modo, de alguna forma lo que viene a mostrarnos con la historia es que las relaciones perfectas no existen y que muchas veces hay que pasar por rupturas o momentos dolorosos y, por otro lado, el intentar llevar una vida tan cuadriculada y perfecta con todo lo que se debe de realizar cada momento no es nada saludable, puesto que es necesario que las cosas tienen que ir pasando poco a poco o, llevar cierta planificación.

Otro de los aspectos que pretenden mostrarnos con la historia es que ese idealismo romántico de las parejas no es algo que dure siempre eternamente, ya que las relaciones de pareja se construyen no solo de momentos tiernos y gestos bonitos y románticos sino también con acciones diarias que hagan que esa relación de pareja se siga fortaleciendo lo máximo posible. Además, todos los días hay que hacer que la relación florezca un poco más.

Estos pequeños aspectos de alguna forma nos los intenta introducir de una manera subyacente a través de la trama de los dos personajes principales, por un lado en el caso de Isabelle que cree tener su vida plenamente planificada con el hombre perfecto pero que realmente le falta algo y, por otro lado está Jean-Yves que a pesar de ser un trotamundos se da cuenta de que siente un pequeño vacío en su vida que cree que con Isabelle se acabará llenando.

Todo eso se completa con una relación amorosa con los toques cómicos pertinentes que, como he comentado anteriormente, hacen que el espectador pase un rato entretenido y agradable y quiera saber cual es el desenlace de la historia. Pero nada más lejos de ser una película imprescindible.

Calificación personal: 6

Mujeres culpables (1957)

 

• Título original: Until they sail
• Año: 1957
• Género: Drama
• Dirección: Robert Wise
• Intérpretes: Jean Simmons, Joan Fontaine, Paul Newman, Charles Drake, Piper Laurie, Sandra Dee, Wally Cassell, Alan Napier, Ralph Votrian.
• Guión: Robert Anderson
• Música: David Raksin
• Fotografía: Joseph Ruttenberg
• Productora: Metro Goldwyn Mayer

SINOPSIS

Nueva Zelanda, periodo de la Segunda Guerra Mundial. Cuatro hermanas que viven en un pequeño pueblo esperando a que parte de sus seres queridos vuelvan de apoyar al ejército británico. Al final la vida de estas cuatro hermanas quedarán marcadas por el amor, la miseria y el crimen.

CRITICA

Dejando a un lado el tema más que obvio de la traducción al español del título en inglés, es curioso ver (para variar) una película ambientada en la Segunda Guerra Mundial cuya trama no se centre en el conflicto bélico como tal, sino también en una parte de la población mundial que (aunque no luchó activamente) de algún modo quedó relegada a un segundo plano: la mujeres.

En aquella época (y todavía un poco en la actualidad) se pensaba que los hombres eran los que daban la vida por la patria porque luchaban pero, lo que no se valoraba era la otra lucha que hacían las mujeres: esperar al marido o futuro marido, tener que criar solas a los hijos cuando su cónyuge fallecía, intentar conseguir trabajo y (muchas veces) aguantar impertinencias sexuales de los soldados e incluso sufrir vejaciones sexuales de toda índole. Cómo tal, no aparece todo reflejado en la película pero si se ve en cierto modo como las mujeres tenían que estar muy recatadas y eran las que enredaban a los soldados. Claramente un machismo un tanto exagerado pero lo llevan con clase.

Ciñéndome a la historia que nos relatan, claramente se observa como las mujeres sufren diferentes avatares provocados por la guerra y como entre ellas se apoyan mutuamente para poder salir adelante y como en cierta medida, poco a poco sus vidas van recobrando una cierta estabilidad a pesar de que la tercera de las cuatro hermanas, trae de cabeza a la mayor de todas.

Desde mi punto de vista es una trama ligera a pesar de sus tristezas y se ve claramente como cada una de las protagonistas de alguna forma salen adelante. Por otro lado, trata al personaje de la mujer con diferentes puntos de vista y como son muchas veces los hombres los que necesitan a una mujer y no al revés. Para disfrutarla solo/a, en familia o con amigos este filme de cine clásico.

Calificación personal: 8

Hillbilly, una elegía rural (2020)

 

• Título original: Hillbilly Elegy
• Año: 2020
• Género: Drama
• Dirección: Ron Howard
• Intérpretes: Amy Adams, Glenn Close, Gabriel Basso, Haley Bennett, Freida Pinto, Bo Hoopkins, Owen Asztalos, William Mark McCullough.
• Guión: Vanessa Taylor
• Música: Hans Zimmer, David Fleming
• Fotografía: Maryse Alberti
• Productora: Imagine Entertainment, Netflix

SINOPSIS

J.D. Vance (Gabriel Basso) es un joven ex marine que está estudiando derecho en la Universidad de Yale que está a punto de conseguir el trabajo de sus sueños cuando una llamada inesperada, le obliga a ir a su casa. Durante todo el tiempo que dura su viaje, así como su estancia en su ciudad natal, empiezan a aflorar recuerdos y sentimientos sobre su abuela Bonnie (Glenn Close) y sobre su madre (Amy Adams).

CRITICA

Hace bastantes años escuché que Estados Unidos era el mejor país del mundo y por ende el mejor país para vivir por esa famosa frase de ser "el país de las oportunidades" ya que te venden un modelo de vida que el resto de la humanidad añora. Y, realmente no es así. No es solo por todos los temas políticos (que no creo que vengan al caso para hacer la crítica) y las últimas revueltas sino porque, al igual que en el resto del mundo, las desigualdades sociales en Estados Unidos, también existe.

Al igual que la última entrada que hice (Iris), las biografías son complicadas de adaptar pero a veces hay que pillarle un poco el punto ya que no siempre agrada a todo el mundo, como le ha pasado a Hillbilly, una elegía rural; donde ha recibido críticas mixtas puesto que la sobreactuación de los protagonistas a la hora de contar la historia, es un poco exagerada. Pero como siempre, vamos a centrarnos en lo que nos interesa que es el trasfondo de la historia.

A simple vista parece que se nos muestra una familia humilde que está realmente unida. Pero, a medida que se va desarrollando la historia se va viendo de una manera muy clara que en todas las familias hay problemas y que a veces, esos problemas son bastante serios como para que a largo plazo pueda afectar para bien o para mal ya que no todo el mundo puede reaccionar ante diferentes situaciones dramáticas. Dada las situaciones violentas que vive el adolescente J.D, se ve claramente como a pesar de la infancia tan triste y abrumadora, no guarda rencor alguno con su familia, sino todo lo contrario, está ahí en los momentos más duros. En esos momentos en el que el espectador viaja a la par que lo recuerdos del protagonista, observamos claramente como el problema viene de muy lejos y que de alguna forma todos los miembros han intentado olvidar de alguna forma.

Siendo sinceros y lo que lo más seguro que crease una división en las críticas es por mostrar una situación tan dramática y por otro lado porque lo más seguro es que no se quiera mostrar una realidad que también existe en "el país de las oportunidades" y que muchas población sufre. Y por otro lado, a ver si ya reconocen de una vez a Amy Adams y Glenn Close, ya que ambas se hacen una réplica excepcional y metiéndose de lleno en los personajes.

Calificación personal: 7.5

Iris (2001)

 

• Dirección: Richard Eyre
• Año: 2001
• Género: Drama, biográfico
• Intérpretes: Judi Dench, Kate Winslet, Jim Broadbent, Hugh Bonneville, Penelope Wilton, Eleanor Bron, Juliet Aubrey.
• Guión: Richard Eyre, Charles Wood
• Música: James Horner
• Fotografía: Roger Pratt
• Montaje: Martin Walsh
• Vestuario: Ruth Meyers
• Productora: Miramax

SINOPSIS

Iris Murdoch (Judi Dench), una escritora famosa en Inglaterra junto a su marido John Bayley (Jim Broadbent) revolucionaron la literatura inglesa así como su matrimonio, hasta que a Iris le diagnostican la enfermedad de Alzheimer.

CRITICA

Siempre me llamaban la atención las películas que estaban basadas en la biografía de algún personaje famoso puesto que a veces (no siempre pasa con todos) parte de su vida resulta bastante interesante. Pero, hay veces que cuando te desarrollan la vida de esa persona en un filme, se quedan un poco cortos puesto que no han llegado a centrarse del todo en el aspecto que querían desarrollar. En el caso de esta película me ha pasado algo por el estilo. Es decir, me falta parte de como la escritora desarrolló toda su obra o parte del proceso creativo.

Pero no siempre hay que ver el lado de lo que no nos muestran, sino que también de alguna forma el espectador pueda hacerse un poco a la idea de la vida de esa persona y como desarrolló parte de ese proceso creativo o como llegó a ser famoso/a. Aunque claramente en este caso la historia se cuenta a partir del libro que escribió el marido de Iris, John Bayley, por lo que su punto de vista y la perspectiva con la que el vivió parte de su vida y sobre todo sus últimos momentos.

En definitiva, lo que en cierto modo la historia nos quiere mostrar es como una enfermedad no entiende de fama, sexo o ideologías y que muchas veces llega cuando menos te lo esperas y que hay que intentar enfrentarse a ella o como las personas que tienes a tu alrededor te tratan. En este caso se ve claramente como el marido de la escritora tiene sus momentos de debilidad y de no aceptación pero como a pesar de todo lo que ha vivido con ella, el sigue ahí y no la abandona.

Para concluir, no imbuye completamente en la vida de la escritora pero si sitúa un poco al espectador en lo que concierne a su vida, un ligero retoque de su proceso creativo y sobre todo sus últimos años. Pero, siempre recordando que a pesar de la enfermedad, fue una gran escritora.

Calificación personal: 6

Guerra y Paz (1956)

 

• Título original: War and Peace
• Dirección: King Vidor
• Año: 1956
• Género: Drama
• Intérpretes: Henry Fonda, Audrey Hepburn, Mel Ferrer, John Mills, Hebert Lom, Anita Ekberg, Vittorio Gassman, Oscar Homolka, Helmut Dantine, Barry Jones
• Guión: King Vidor, Bridget Boland, Mario Camerini, Ennio de Concini, Ivo Perilli, Robert Westerby
• Música: Nino Rota
• Fotografía: Jack Cardiff
• Montaje: Leo Catozzo
• Vestuario: Maria De Matteis
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

En 1805, Napoleón Bonaparte prepara la invasión de Rusia. En esta contienda está Pierre (Henry Fonda) que decide mantenerse al margen, Natasha (Audrey Hepburn) una joven aristócrata enamorada del príncipe Andréi (Mel Ferrer) que lucha en la contienda. En momento de incertidumbre que vive el país, verán las realidades de la guerra desde diferentes puntos de vista.

CRITICA

Adaptar siempre una novela es algo extremadamente complica, salvo si se hace una adaptación libre que no sería tal, pero lo es aún más cuando consiste en llevar a la gran pantalla una de las mejores novelas que se ha escrito en la historia con bastante maestría. El único inconveniente es que intentar llevar mil páginas a dos horas y media de duración provoca que se queden cosas en el tintero.

Lo que si destaco de forma bastante acertada es el haber centrado bien la historia en torno a los tres personajes principales pero sin desviarse demasiado  de sus vivencias en el momento de la contienda y las experiencias de los tres. Pero, cuando va pasando el tiempo o en determinados momentos se centra en un personaje, se sabe perfectamente que hay lagunas en la historia no por invención, sino porque tuvieron que recortar por la duración y se sabe perfectamente que algo ocurre cuando pasa tanto tiempo durante el transcurso de la contienda.

Desde mi punto de vista, uno de los momentos para mayor gloria del director fueron los momentos de lucha así como la retirada de las tropas de Napoleón como parte histórica bien documentada y entender como uno de los grandes conquistadores del mundo acabó siendo derrotado por las inclemencias meteorológicas más que por la guerra en si.

En definitiva parte de este deleite consiste no solo en seguir la historia (aunque falten ciertas partes relevantes, pero no se puede meter todo) sino también en el devenir de uno de los momentos más importantes de la historia de Rusia así como unas grandes interpretaciones que llenan por completo la pequeña pantalla y recuerdan a un país en su momento de resplandor y de incertidumbre.

Calificación personal: 7

Flubber y el profesor chiflado (1997)

 

• Título original: Flubber
• Año: 1997
• Género: Comedia
• Dirección: Les Mayfield
• Intérpretes: Robin Williams, Marcia Gay Harden, Christopher McDonald, Ted Levine, Clancy Brown, Raymond J. Barry, Wil Wheaton, Jodi Benson
• Guión: John Hughes, Bill Walsh
• Música: Danny Elfman
• Fotografía: Dean Cundey
• Montaje: Harvey Rosenstock
• Productora: Walt Disney Pictures, Great Oaks Entertainment

SINOPSIS

Philip Brainard (Robin Williams) es un despistado científico que trabaja en una universidad que está a punto de cerrar por falta de liquide, hasta que hace un gran descubrimiento: Flubber. Una sustancia voladora de color verde que produce una gran energía y se mueve a velocidades supersónicas.

CRITICA

De vez en cuando, al estar viendo películas entra un pequeño punto de nostalgia y recordamos aquellos filmes que veíamos en nuestra infancia o adolescencia y nos gustaría volver a ver. Al igual que me pasó con Jumanji, lo mismo me ha pasado con esta película que, claro está a la hora de revisionarla se hace con otros ojos pero sin olvidar esos momentos felices.

La película no va más allá para poder indagar en una intrahistoria y ver la profundidad de la misma ya que el argumento es sencillo y se basa principalmente en el descubrimiento de la masa verde y todo lo que hace el protagonista para salvar a la universidad y recuperar a su prometida. En medio de toda esta trama esos momentos graciosos y gags producidos por Flubber pero que no llegan a más.

Por lo que mi crítica no va mucho más allá que la de pasar un rato entretenido y agradable y poder transportarnos la infancia. Tengo un buen recuerdo de cuando se estrenó esta película porque causó tal sensación que se fabricaron muñecos de Flubber y hasta una masa verde viscosa del mismo nombre a la que le podías dar ligera forma pero ni mucho menos se parecía al de la película. Infancia, divino tesoro.

Calificación personal: 5

Ausencia de malicia (1981)

 

• Título original: Absence of malice
• Año: 1981
• Género: Suspense
• Dirección: Sydney Pollack
• Intérpretes: Paul Newman, Sally Field, Bob Balaban, Melinda Dillon, Luther Adler, Barry Primus, Josef Sommer, Don Hood, Wilford Brimley
• Guión: Kurt Luedtke, David Rayfil
• Música: Dave Grusin
• Fotografía: Owen Roizman
• Montaje: Sheldon Kahn
• Productora: Columbia Pictures Corporation, Mirage Enterprises

SINOPSIS

Una joven y ambiciosa periodista escribe en el periódico en el que trabaja un artículo en el que acusa a Michael Gallagher (Paul Newman), el hijo de un gánster ya fallecido, la muerta de un activista sindical. Ante esta situación, Michael quiere demostrar su inocencia ante una acusación falsa.

CRITICA

Entre finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Hollywood era muy común la realización de película sobre periodismo y sobre escándalos que se producían (como es lógico, todos ellos ficticios) basados un poco en la estela que había dejado el escándalo del "Watergate" con el expresidente Richard Nixon. Esto suponía que la industria iba a tener muchas tramas dando importancia a la labor periodística y creando un clima de suspense. En esta época apareció Ausencia de malicia que a pesar de partir de una buena premisa no termina de enganchar con el espectador.

Con lo comentado anteriormente, me refiero a que el hilo argumental acaba siendo un tanto lioso por la aparición de varios personajes a los cuales no se les introduce de alguna forma para que así el espectador pueda seguir la trama; lo que puede resultar un tanto tediosa la película.

Lo que voy a reconocer es que hasta los últimos quince minutos del final no me enteré realmente de lo que iba toda la trama, puesto que ya se empieza a vislumbrar de alguna forma el porque de ciertos personajes y la relación establecida entre ellos. Y siendo honesta, se acaba perdiendo toda la esencia de la historia y el entramado que conlleva.

Si bien es cierto que a lo largo de toda mi vida cinéfila no he visto (a lo mejor) muchas película sobre periodismo, si que es cierto que se puede realizar una buena trama. Centrándome en la historia lo que se puede sacar en claro es que a partir de una noticia falsa con el fin de ampliar lectores o que se de una voz de alarma falsa, se empieza a destrozar la reputación de un hombre y por ende acaba afectando a todos los de su alrededor solo por conseguir una primera plana y/o también que las fuerzas del orden se vean implicadas trastocando la vida de una persona solo por conseguir objetivos y llamar la atención sin importar que, cuando se mancha la reputación o la vida de una persona con algo falso, quitar esa losa de encima es demasiado costoso.

Calificación personal: 6

Escrito sobre el viento (1956)

 

• Título original: Written on the wind
• Año: 1956
• Género: Drama
• Dirección: Douglas Sirk
• Intérpretes: Rock Hudson, Lauren Bacall, Robert Stack, Dorothy Malone, Roberth Keith, Grant Williams, Harry Shannon, Edward Platt
• Guión: George Zuckerman
• Música: Frank Skinner
• Fotografía: Russell Metty
• Montaje: Russell F. Schoengarth
• Productora: Universal Pictures

SINOPIS

Kile Hadley (Robert Stack) es un magnate del petróleo que ha vivido siempre a la sombra de su padre y a la de su amigo Mitch Wayne (Rock Hudson) y ambos se enamoran de Lucy Moore (Lauren Bacall). La diferencia entre ellos es que Kyle es un alcohólico y Mitch sabe que esa boda no es conveniente para su amigo ni para Lucy. Pero parece que las cosas empiezan a ir mejor hasta que una noticia destroza por completo la sobriedad de Kyle.

CRITICA

Al igual que en la crítica anterior no había mucho trasfondo para sacar algo en claro de la historia, en este caso se nos presenta un melodrama pero, no para que produzca empalagosidad sino para reflejar (en cierto modo) como el mundo de una persona se puede tambalear con un simple gesto, una palabra sencilla del pasado y como puede llegar a condicionar el resto de su vida.

A simple vista, se ve a un joven rico que por el simple hecho de serlo su comportamiento produce cierto rechazo al espectador pero, a medida que se va desarrollando la trama e incluso se va descubriendo más acerca del personaje, se observa como el pasado es una losa que no le ha permitido seguir adelante e incluso desde muy joven hizo que su afición por la bebida se fuera acrecentando. Y parece que de alguna forma ese mismo patrón se acabó repitiendo en la hermana por lo que cuando iba viendo la película, me preguntaba: ¿por qué los dos eran alcohólicos empedernidos?

La respuesta se ve claramente y tiene nombre y apellidos: Mitch Wayne. El mejor amigo que es acogido por el padre Kile y que le ofrece las mismas oportunidades que sus hijos y le trata como un igual sin distinción. Ante esta situación, Mitch ha visto la oportunidad de poder crecer con privilegios y poder aprovecharlos al máximo: estudiando y trabajando. Y por ende, agradeciendo todo lo que han hecho por el. Ese aspecto, no lo han tenido ni Kile ni su hermana, puesto que han tenido una vida de desenfreno y solo les importaba sus comodidades y lujos. Este comportamiento se ve claramente reflejado en la hermana (interpretada de manera magistral por Dorothy Malone) que actúa sin importarle nada ni nadie aunque eso implique llevarse a su hermano por delante.

Al final todos y cada uno de los personajes acaban sacando a la luz sus sentimientos más profundos puesto que las diferentes situaciones que van aconteciendo a la familia, hacen inviable que esas emociones queden encerradas porque todos están conectados no solo por los lazos familiares propiamente dichos, sino porque las acciones de unos acaban repercutiendo duramente en los otros.

La conclusión final a la que se puede llegar es que el pasado es una losa que para muchos termina pesando y no permite avanzar no porque uno no quiera sino porque no ha tenido la ayuda suficiente como para poder realizar ese avance tan importante. Otros lo han logrado porque han tenido ayuda o simplemente han creado un armazón alrededor de todo ese pasado para evitar que le aplaste. Pero, no hay que olvidar que el ser humano no es de piedra y a veces nos podemos derrumbar.

Calificación personal: 7.5

La senda de los elefantes (1954)

 

• Título original: Elephant Walk
• Año: 1954
• Género: Drama
• Dirección: William Dieterle
• Intérpretes: Elizabeth Taylor, Dana Andrews, Peter Finch, Abraham Sofoaer, Noel Drayton, Abner Biberman, Barry Bernard, Philip Tonge, Leo Birtt.
• Guión: John Lee Mahin
• Música: Franz Waxman
• Fotografía: Loyal Griggs
• Montaje: George Tomasini
• Vestuario: Edith Head
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Ruth (Elizabeth Taylor) se casa con John Wiley (Peter Finch) un rico propietario de una plantación de té en Ceylán. Tras su viaje de novios se trasladan a vivir a dicha ciudad donde el marido de Ruth tiene su casa y la plantación. Con el paso de los días, Ruth descubre que su marido y sus amigos tienen unas costumbres extrañas y adulan al padre fallecido de John, el cual construyó la casa sobre la senda que permitía a los elefantes ir al pantano a beber agua.

CRITICA

Creo que en más de una ocasión he mostrado mi admiración por el cine clásico y el descubrimiento de películas totalmente desconocidas para mi pero, al igual que en la actualidad no siempre (por no decir casi nunca) las películas son de una calidad exquisita, antiguamente pasaba algo parecido. Es decir, que no siempre todas las historias atrapan al momento.

Desde mi punto de vista, creo que esta crítica se va a quedar un poco corta por el simple echo de que no hay una gran historia detrás pero, si tengo algunos elementos destacables con los que poder escribirlas. Por un lado está las dos caras que muestra el marido y que su mujer (Ruth) termina por descubrir al reconocer que cuando la estaba conociendo se comportaba de una manera muy amable pero, cuando establecieron su residencia en Ceylán el se transformaba en la figura de su padre, del cual el espectador tiene un pleno desconocimiento puesto que está muerto pero todos los personajes hablan de el como una magnífica persona pero solo a nivel empresarial y esa sombra del progenitor sigue planeando sobre la casa y es algo que Ruth no tolera puesto que está muerto.

La segunda cuestión es que esa imagen idealizada que tienen del antiguo dueño la verdad es que resulta un poco falsa puesto que su propia ambición le llevó a intervenir en el transcurso habitual que tenían los elefantes para ir a beber agua y por ende, crea una imagen negativa sobre estos animales y parece que van en contra de los humanos cuando son realmente estos últimos los que han invadido su espacio en lugar de haberse adaptado al entorno y haber convivido con ellos.

Estos dos son los aspectos que destacaría sobre la ambición de un hombre que se termina de expandir y que al final el ser humano es el animal que todo lo que toca lo acaba destruyendo. Por lo demás, intentan meter un poco con calzador una relación a tres bandas que no termina de cuajar y que realmente no llega a tener mucho sentido e intentar poner a la mujer como un ser débil que no sabe vivir sin el nombre. Y que en definitiva, el espectador se queda como al principio: igual que estaba.

Calificación personal: 5.7

Perdición (1944)

 

• Título original: Double Indemminty
• Año: 1944
• Género: Suspense
• Dirección: Billy Wilder
• Intérpretes: Barbara Stanwyck, Edward G.Robinson. Fred MacMurray, Porter Hall, Jean Heather, Byron Barr, Richar Gaines, John Philliber
• Guión: Billy Wilder, Raymond Chandler
• Música: Miklos Rózsa
• Fotografía: John F. Steiz
• Montaje: Doane Harrison
• Vestuario: Edith Head
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

En Los Ángeles, un agente de seguros (Fred MacMurray) y una cliente (Barbara Stanwyck) traman el asesinato del marido de ésta para así cobrar el cuantioso cheque de la indemnización. Todo comienza a complicarse cuando entra en juego Barton Keyes (Edward G. Robinson) que empieza a investigar.

CRITICA

La verdad es que llevo bastante (quizás no el suficiente) cine negro y/o de suspense del cine clásico a mis espaldas y la verdad es que es una de las mejores películas de este género que he visto porque, a pesar de que a simple vista se sabe que lo que va a pasar; realmente nada es lo que parece y no se termina por revelar todo hasta el minuto final.

Si seguimos el hilo argumental vemos que es sencillo: una mujer que planea matar a su marido pero aquí tiene el aliciente de que quiere hacerle un seguro de vida (sin que el se entere, claro está) para que cuando el muera pueda cobrar la cuantía y para ello de una forma muy directa el agente de seguros de la compañía con la cual tenían contratado otro seguro, mueve todos los hilos necesarios para que se pueda llevar a cabo no solo la estafa sino que así el pueda estar con ella.

Parece ser que todo se va planeando a la perfección y no quedan cabos sueltos. Es el crimen perfecto y la estafa perfecta. Pero, a pesar de lo que se diga, no existe nunca el crimen perfecto o cualquier acto de maldad que se intente hacer perfecto porque siempre habrá algo o alguien que pueda estar estorbando o que se dedique a indagar. Pero, lo que le llega a ocurrir a nuestro protagonista no es que rebusquen en el accidente sino que el mismo se termina de dar cuenta de que hay algo que no le termina de encajar y que hay un elemento discordante en toda esta ecuación y tiene que averiguar como sea lo que es para solucionar el problema.

No voy a indagar mucho más para no hacer el temido spoiler y así no destripar el desarrollo argumental porque, aunque parece que todo queda resuelto con la muerte del marido de ella, realmente hay elementos (pero sobre todo uno) que hacen que el espectador quiera saber que es lo que ocurre y       además, teniendo a la gran Barabara Stanwyck como femme fatale, ¿qué puede salir mal?

Calificación personal: 9

La flor de mi secreto (1995)

 

• Dirección: Pedro Almodóvar
• Año: 1995
• Género: Drama
• Intérpretes: Marisa Paredes, Juan Echanove, Carmen Elías, Rossy de Palma, Chus Lampreave, Kiti Mánver, Joaquín Cortés, Manuela Vargas, Imanol Arias, Gloria Muñoz.
• Guión: Pedro Almodóvar
• Música: Alberto Iglesias
• Fotografía: Affonso Beato
• Montaje: José Salcedo
• Productora: El Deseo

SINOPSIS

Leo Macías (Marisa Paredes) es una escritora de novela rosa que escribe bajo un pseudónimo. Pero ya no le salen escribir novelas rosas, sino grises y una de las razones es porque su marido Paco (Imanol Arias) está de misión en Bosnia y no resolvieron sus conflictos matrimoniales y eso a Leo le provoca una fragilidad e inestabilidad emocional.

CRITICA

El director manchego desde mi punto de vista ha pasado por diversas etapas y por diferentes géneros pero, para mi en el que siempre ha tenido un buen resultado ha sido cuando ha puesto de protagonista absoluta a una mujer y ha sacado a relucir sus alegrías y sus penas (más sus penas) para poder exponerle al espectador un personaje muy rico con muchos matices y al final sacar a una mujer que resurge de sus cenizas como el ave fénix.

En este caso nos presenta a una escritora cuya mayor fragilidad y miedo es el no haber podido arreglar su crisis matrimonial antes de que su marido partiese al conflicto bélico, lo que lleva a una obsesión y una inestabilidad que la hacen permanecer siempre encerrada en si misma y en una  melancolía y tristeza absoluta y que todo gire alrededor de su marido y, de esta forma, ella no puede salir de esa angustia que la atormenta y le afecta a su trabajo. Es decir, que en lugar de escribir las novelas rosas bajo el pseuodónimo (Amanda Gris) le salen escritos totalmente melancólicos.

El descubrimiento de determinadas verdades en su vida así como el "pequeño retiro" a su pueblo natal en Extremadura con su madre (grandísima siempre será nuestra adorada Chus Lampreave) rodeada de escenas costumbristas españolas (es una característica muy típica del director español, siempre resaltar aspectos y formas de vivir que se hacían o se siguen manteniendo en España) la harán volver a la capital con energías renovadas y con ganas de ser una mujer nueva y de poder dejar atrás su pasado.

En definitiva, se trata del viaje de una mujer a través de la angustia y el dolor. Pero no de un dolor efímero o irreal sino el que muchas mujeres sufren y que es necesario tener cierto descubrimiento para poder salir de ese dolor y demostrar que somos perfectamente capaces de salir adelante y vivir sin el sustento de un hombre. Y eso, es importante reseñarlo.

Calificación personal: 8

Infiltrados (2006)

 

• Título original: The Departed
• Año: 2006
• Género: Suspense
• Dirección: Martin Scorsese
• Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Matt Damon, Jack Nicholson, Vera Farmiga, Mark Wahlberg, Alec Baldwin, Martin Sheen, Ray Winstone, Anthony Anderson, James Badge Dale.
• Guión: William Monahan
• Música: Howard Shore, Harry Gregson Williams
• Fotografía: Michael Ballhaus
• Montaje: Thelma Schoonmaker
• Vestuario: Sandy Powell
• Productora: Plan B Entertainment, Vertigo Entertainment

SINOPSIS

Billy Costigan (Leonardo DiCaprio) es un joven novato de la policía de Massachussets que debe de infiltrase en la banda de Frank Costello (Jack Nicholson) un mafioso irlandés. Por otro lado, un recién licenciado llamado Colin (Matt Damon) asciende rápidamente entre la policía. Pero lo que nadie sabe es que Colin, es un topo de Frank.

CRITICA

Es la segunda vez que veo esta película. La verdad es que han tenido que pasar unos doce años aproximadamente para que la vuelva a ver porque, la primera vez que la vi fue por el simple echo de que por fin a Martin Scorsese le daban su merecido Oscar. En definitiva, antes de empezar a escribir este blog me guiaba más por los premios que recibía una película (o los que había recibido) que por su calidad. En su momento no entendía muy bien nada de la trama y los diálogos me terminaban por desconectarme a trozos de la historia pero ahora, creo que mi análisis puede ser ligeramente mejor.

Desde mi punto de vista no es una película grandiosa como para llevarse el gran premio (como digo siempre, sobre gustos no hay nada escrito) pero, he de reconocer que en cierto modo si que su trama llega a enganchar al espectador aunque su duración un tanto excesiva puede llegara ralentizar el ritmo de la historia, lo que provoca que a mitad de metraje (incluso un poco antes), el espectador pueda llegar a perderse entre tanto disparo y sangre.

En si, la premisa de la historia es bastante sólida: intentar coger al mafioso infiltrando a un policía pero, nadie sabe que el mafioso tiene a su "rata" en la misma. Este pequeño detalle provoca que siempre el mafioso vaya varios pasos por delante e incluso obtenga información privilegiada. Cuando parece ser que solo una parte del cuerpo se percata de esta situación, esa rata hace todo lo posible para revertir el problema y que no le acabe salpicando y lo que intenta hacer es buscar a quien se encuentra dentro de la banda de su jefe.

Realmente es como si fuese un juego del gato y el ratón y esperando a ver cual de los dos infiltrados da un paso en falso para ser pillado por el otro pero, siempre hay intereses comunes que proteger. Por eso, como he comentado antes, es una trama con mucho jugo pero que en determinados puntos la misma situación se repite una y otra vez por lo que hubiese sido mejor acortar.

Pero hay que tener en cuenta un factor por el cual el metraje es tan largo y esto tiene una respuesta y es que estamos ante una película de Martin Scorsese; donde toda la historia debe de ser contada hasta el más mínimo detalle (aunque este sobre) y la sangre, disparos y palabras malsonantes deben de estar ahí para que el filme sea puro espectáculo. Aún así, desde mi punto de vista, no la considero una obra maestra (ni de lejos) y el suspense no está del todo conseguido pero, para gustos, los colores.

Calificación personal: 6.8

La angustia de vivir (1954)

 

• Título original: The country girl
• Año: 1954
• Género: Drama
• Dirección: George Seaton
• Intérpretes: Bing Crosby, Grace Kelly, William Holden, Anthony Ross, Gene Reynolds, Jacqueline Fontaine, Eddie Ryder, Robert Kent.
• Guión: George Seaton
• Música: Victor Young
• Fotografía: John F. Warren
• Montaje: Ellsworth Hoagland
• Vestuario: Edith Head
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Bernie Dodd (William Holden) es un director de teatro que para su última obra quiere contar con el actor Fran Elgin (Bing Crosby), el cual lleva diez años sin subirse a un escenario y afectado por el alcoholismo. A pesar de sus inseguridades participará en la obra con la ayuda del director y de su esposa Georgie (Grace Kelly).

CRITICA

Cuando una película trata el tema del alcoholismo es algo bastante duro. En definitiva, siempre que se tratan temas de adicciones o problemas familiares graves es algo complicado de digerir porque suele destruir no solo la vida de un matrimonio y por ende la de una familia sino también a una persona que sufre esa adicción y eso, para quien lo sufre es duro.

Como en toda historia que se precie, nos muestra la vida de un alcohólico para recuperar su vida pero, su miedo ante algo que dejó de hacer hace diez años le impide seguir adelante. Quien ha seguido manteniendo la relación a flote es u mujer, que al principio da la impresión de que es alguien dominante y que es la responsable de haber llevado a su marido a la adicción pero realmente nadie sabe lo que ha debido de padecer ella y de ahí esa fachada de mujer fuerte.

Por otro lado está el director teatral que quiere sacar la mejor versión de Fran y que hará lo que sea posible para ello e incluso para que el propio actor no caiga en sentimentalismos pero que a su vez ve en la mujer de éste a fantasmas de su pasado, lo que le lleva a tratar a Georgie con desdén y desprecio y ver que realmente es un estorbo en la carrera y en el resurgir de su marido.

Pero como se suele decir habitualmente, la profesión va por dentro y muchas veces el ser humano tiende a mentir o incluso a elaborar una vida alternativa para que la que es verdad no resulte tan dolorosa o incluso se pueda soñar con aquello que uno no ha tenido. El ritmo de la película es un poco lento los primeros treinta minutos hasta que se presentan a todos los personajes y se va viendo como la mujer es el blanco de todas las críticas cuando realmente es la única que muestra la verdad y en ningún momento oculta su dolor y no por ello, deja de luchar.

Calificación personal: 7.2