Cautivos del mal (1952)

• Título original: The bad and the beautiful
• Año: 1952
• Género: Drama
• Dirección: Vicente Minnelli
• Intérpretes: Kirk Douglas, Lana Turner, Walter Pidgeon, Dick Powell, Barry Sullivan, Gloria Grahame, Gilbert Roland, Leo G. Carroll, Paul Stewart, Sammy White.
• Guión: Charles Schnee
• Música: David Raksin
• Fotografía: Robert Surtees
• Montaje: Conrad A. Nervig
• Productora: Metro Goldwyn Meyer

SINOPSIS

Hollywood, el guionista James Lee Bartlow (Dick Powell), la actriz Georgia Lorrison (Lana Turner) y el director Fred Amiel (Barry Sullivan) se niegan a hablar con Jonathan Shields (Kirk Douglas), un productor de cine que les arruinó su vida, busca ahora su ayuda. Debido a esta situación empiezan a aflorar los recuerdos del pasado.

CRITICA

Al ver esta película, el personaje interpretado por Kirk Douglas me recordaba a la figura del productor Harvey Weinstein que hace unos meses fue condenado a veintitrés años de cárcel por acoso sexual y corrupción puesto que, en su momento era uno de los pesos pesados de la industria cinematográfica en los años noventa y en la primera década del siglo XXI hasta que se descubrió la verdad. Y cómo por otro lado, había hundido la carrera de más de un actor, de más de una actriz y había obtenido sexo por parte de actrices si querían un papel. Un echo bastante deleznable y repugnante por el simple echo de ser un productor. De alguna forma, aunque sean años después, aparece muy claro en la película.

La película arranca con la aparición de tres personas que trabajan en el mundo del cine que juraron no volver a trabajar con el productor Jonathan Shields a pesar de tener un éxito posterior en sus carreras sino, porque en la posición en la que se encuentran ahora fue debido a las maquinaciones, manipulaciones, egoísmos y abusos por parte del productor que arruinó sus vidas en el campo personal y no el profesional. Porque muchas veces se piensan que las estrellas del mundo del celuloide no tienen sentimientos o no son personas (sólo aquellas que se comportan de una forma "normal" y no de una forma excéntrica o cómo si se creyesen los amos del universo) y que tienen que mostrar cierta apariencia ante la gente. Pero, lo que realmente no se ve es lo que ha ocurrido durante el rodaje o durante todo el proceso de producción y en este caso, el productor hizo la vida imposible a los tres personajes aprovechándose de su vulnerabilidad y de su respectivos talones de Aquiles para poder sacar lo que necesitaba de ellos; pero, ¿qué pasaba cuando obtenía lo que quería de ellos? La respuesta es bastante sencilla: les dejaba de lado o buscaba más de una artimaña para justificarse.

Por otro lado mostraba la deslealtad, la falta de compromiso y la implicación de las otras partes para conseguir el tan ansiado éxito a la par de que se inmiscuía en el trabajo de los demás (sobre todo en el de los directores) para que hiciesen lo que el quería porque era el que ponía el dinero. Lo que acaba reflejando en la película es el ejemplo de un mal productor ejecutivo, ya que la función de este no es sólo poner dinero, sino involucrarse en el proyecto y ver cómo evoluciona el rodaje y lo más importante, no acaparar todo el mérito puesto que en una película trabajan ciento de personas. Si que es verdad que una película debe de generar beneficios pero, si se desea hacer una buena película hay que pulir todos y cada uno de los detalles pero no por ello hay que manipular o aprovecharse de las personas y de sus aspiraciones.

Aunque la historia sobre la falta de escrúpulos del productor está ambientada en Hollywood, es totalmente aplicable a cualquier ámbito, ya sea laboral, social o personal donde, gente con diferente tipo de poder se aprovecha de otras sólo para conseguir sus objetivos y no importa si por el camino se lleva a alguien por delante destrozándole la vida. Por eso, hay que tener en cuenta que en este mundo hay mucho sátrapa, que solo busca su beneficio y también hay que evitar perder la dignidad aunque eso conlleve a perder riqueza. Porque el dinero viene y va pero la dignidad muy pocas veces se puede recuperar.

Calificación personal: 9

Madame (2017)

• Dirección: Amanda Sthers
• Año: 2017
• Género: Drama, comedia
• Intérpretes: Harvey Keitel, Toni Collette, Rossy de Palma, Michael Smiley, Tom Hughes, Stanislas Merhar, Brendan Patricks, Ariane Séguillon.
• Guión: Amanda Sthers
• Música: Matthieu Gonet
• Fotografía: Régis Blondeau
• Productora: LGM Cinéma SAS, Made in PM

SINOPSIS

Anne (Toni Collette) y Bob (Harvey Keitel) son un matrimonio americano recién instalado en París, que decide hacer una cena para miembros de la alta sociedad americana y francesa que viven cerca. Cuando su hijastro es invitado a cenar y la mesa termina con 13 invitados, decide decirle a su criada María (Rossy de Palma) que se una a la mesa sin levantar sospechas de quién es. Pero lo que Anne no espera, es que María empiece una relación con uno de sus invitados.

CRITICA

La historia de este melodrama es bastante sencilla y también muestra una crítica sobre la diferencia entre las distintas clases sociales y cómo afecta el que dirán para nuestra imagen. Lo que hace que la película sea bastante correcta pero a la vez ponga de manifiesto la hipocresía, la mezquindad y la crítica que lleva siempre el ser humano consigo; además de tener algún que otro punto cómico.

Sin ningún tipo de miramientos, la directora nos presenta a un matrimonio que se mide por las apariencias de cara a la galería, es decir, al exterior; puesto que deciden mostrar que son un matrimonio perfecto y bien avenido pero, luego se aprecia como en la intimidad de su vida conyugal, no es realmente lo que muestran. Por otro lado, está el servicio del matrimonio que son gente sencilla y que siempre están alegres y desempeñando bien su trabajo. Pero, cuando el ama de llaves entra dentro de su círculo social, a Anne le empiezan a entrar los celos y como es lógico la pregunta es, ¿por qué tiene celos de su criada? La respuesta es sencilla: porque ve la sencillez de María y cómo no tiene que andar fingiendo pero, a la vez no desea abandonar su estatus social; por lo que realizará mil y una formas para desestabilizar la vida de su criada.

En este punto de la historia, cuando se van viendo las intenciones de la americana de los celos que le asoman y además no ve con buenos ojos que alguien de buena posición se pueda enamorar de alguien del servicio, porque "pertenecen a dos mundos distintos". Esto hace reflexionar ya que parece que si alguna persona tiene un trabajo de esta índole, parece que es una persona inculta, torpe y que no puede aspirar a las pequeñas cosas que todo ser humano quiere para su felicidad. Y aunque no lo parezca, esa indiferencia hacia gente de "menor rango", sobre todo en una sociedad que se dice "moderna", pero que sigue despreciando a aquellos que son más vulnerables.

Es cierto que muchas veces hay que guiarse por la cabeza antes que por el corazón para tomar determinadas decisiones pero de vez en cuando, en lo que se refiere a nuestra felicidad y dejar de pensar en lo que digan o piensen los demás, nos permitirá dejar de tener demasiado prejuicios ante las personas y su condición social.


Calificación personal: 6

El cambiazo (2011)

• Título original: The change-up. 
• Dirección: David  Dobkin.
• Año: 2011.
• Género: Comedia.  
• Interpretación:  Ryan Reynolds, Jason Bateman, Leslie Mann, Olivia Wilde, Alan Arkin, Mircea Monroe, Gregory Itzin. 
• Guion: Jon Lucas y Scott Moore. 
• Música: John Debney. 
• Fotografía: Eric Alan Edwards. 
• Montaje: Greg Hayden y Lee Haxall.
• Vestuario: Betsy Heimann. 
• Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

SINOPSIS

Mitch (Ryan Reynolds) y Dave (Jason Bateman) eran amigos inseparables de niños y adolescentes, pero con el paso de los años, se han alejado. Dave es un abogado enganchado al trabajo, se ha casado y tiene tres hijos, pero Mitch sigue soltero, es un hombre niño que trabaja esporádicamente y que nunca se ha atado a nada ni a nadie. Después de compartir una sonada borrachera, los mundos de Mitch y Dave se vuelven del revés cuando se despiertan cada uno en el cuerpo del otro.


CRITICA

Creo que es de dominio público que la finalidad de las comedias es que el espectador pase un rato entretenido pero, si la historia no engancha los suficiente e incluso si los actores no tienen química entre ellos, esto hace que la película no termine de avanzar lo suficiente y se queda en otra película del montón aburrida. Pero, en el caso de este filme, no solo se muestra la complicidad entre la pareja de actores principales, sino que también tiene un toque con moraleja, que hace la historia un poco más interesante.

La premisa es sencilla y muy habitual en las comedias donde los protagonistas son dos colegas: uno de ellos ha sentado la cabeza y el otro no, de vez en cuando quedan y entre ellos se "quejan" de sus vidas y que les gustaría tener la vida del otro y, en el momento en el que esto ocurre y se intercambian ven parte de su sueño hecho realidad y empiezan a vivir lo que han soñado pero con ciertas catástrofes de por medio, hasta que consiguen adaptarse a su "nueva vida". En principio, supone cierto soplo de aire fresco en sus vidas pero, se acaban dando cuenta de que no es su vida de verdad sino una fantasía que han tenido para poder evadirse de la realidad durante unos días y así, intentan demostrarse a si mismos que al final han conseguido todo lo que se han propuesto y que su vida no es tan mala, sino que en parte ellos la han hecho así creyendo que pueden tener otra vida.

Todas estas idas y venidas que tienen los personajes para "encontrarse" a sí mismos y recuperar sus vidas vienen aportadas con momentos bastante cómicos que hacen que el espectador suelte alguna que otra carcajada y donde ambos actores están impresionantes cuando tienen que interpretar el carácter del otro dándole un toque más divertido a la historia. Aunque si que es cierto que si no hubiese sido por ellos dos, puede que la película no hubiese salido adelante.

Salvo alguna comedia que me ha causado alguna que otra decepción, cuando se tienen a grandes actores del género, es todo mucho más fácil y si además los chistes no son ni demasiado enrevesados ni las situaciones demasiado rocambolescas, puede salir una comedia bastante decente.


Calificación personal: 7

Mujer marcada (1937)

• Título original: Marked Woman
• Año: 1937
• Género: Suspense
• Dirección: Lloyd Bacon
• Intérpretes: Bette Davis, Humphrey Bogart, Lola Lane, Isabel Jewell, Eduardo Ciannelli, Rosalind Marquis, Mayo Methot, Jane Bryan, Allen Jenkins, John Litel, Henry O'Neill.
• Guión: Abem Finkel, Robert Rossen
• Música: Bernhand Kaun, Heinz Roemheld
• Vestuario: Orry-Kelly
• Fotografía: George Barnes
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

Johnny Vanning (Eduardo Ciannelli) es el propietario de un club nocturno de Nueva York en el trabaja Mary (Bette Davis) y la cual ayuda a uno de los clientes a huir tras no poder pagar sus deudas. Tras aparecer el cliente muerto, el fiscal del distrito David Graham (Humphrey Bogart) llevará a juicio al mafioso con o sin la ayuda de Mary.

CRITICA

Seguirme encontrando con pequeñas joyas del cine clásico hace que pueda llegar a pasar un buen rato y poder seguir descubriendo estas pequeñas maravillas. Y también, ver como en películas hasta los años setenta, trataba temas peliagudos (sobre todo en los que las mujeres se encontraban implicadas) en una sociedad que era estrictamente puritana pero luego de puertas para adentro, todos guardaban más de un secreto e incluso vicios. Por otro lado, no se entendía el porque llevaban una vida tan miserable e incluso no habían tenido oportunidades para poder tener un trabajo digno.

Ante esta situación, muchos hombres (como suele ser habitual) se aprovechaban de la vulnerabilidad de esta mujeres para que trabajasen para ellos, generalmente en la prostitución o en negocios de dudosa reputación, lo que les hacía más imposible poder salir de esa situación. Por otro lado tenían un techo, comida y ropa, lo que les proporcionaba seguridad y eso era un impedimento mayor para salir.

En esta película, se muestra la situación de cinco mujeres jóvenes que se dedican a "ese negocio" pero que a pesar de tener estabilidad, cada una de ellas desea de alguna forma poder salir de esa situación, hasta que Mary (una de las cinco mujeres) tras defender al que es su jefe y el cual sale impune de matar a un hombre, decide poner tierra de por medio cuando ve peligrar la vida de su hermana. Pero, no le va a resultar nada fácil por su posición social.

Todos estos elementos van a permitir que se desarrolle una historia de suspense que no termina de "cuajar" del todo, puesto que de alguna forma un poco más enrevesada se tendrían que descubrir los diferentes negocios turbios del mafioso (que recuerda bastante a la impunidad que poseía Al Capone) que tiene comprados hasta al más mísero de todos. Por lo que, ante esta situación el fiscal del distrito no se verá amedrentado por las tácticas maliciosas del mafioso y le llevará a la cárcel cueste lo que cueste con o sin ayuda.

La mezcla de los elementos que he mencionado anteriormente crean la atmósfera de suspense ya mencionada pero, que no termina de mostrar su grandiosidad. Pero, esa carencia se ve suplida con la siempre todopoderosa Bette Davis y por el impertérrito Humphrey Bogart como grandes reclamos para esta película donde las apariencias engañan y por supuesto, nadie tiene derecho a juzgar de forma deliberada la vida de nadie porque la vida de cada uno es diferente.


Calificación personal: 6.5

Timadoras compulsivas (2019)

• Título original: The hustle
• Año: 2019
• Género: Comedia
• Dirección: Chris Addison
• Intérpretes: Anne Hathaway, Rebel Wilson, Alex Sharp, Ingrid Oliver, Emma Davis, Dean Norris, Timothy Simons.
• Guión: Jac Schaeffer
• Música: Ann Dudley
• Fotografía: Michael Coulter
• Montaje: Anthony Boys
• Productora: Pin High Productions, Cave 76 Productions, Camp Sugar Productions

SINOPSIS

Penny (Rebel Wilson) es una estafadora de poca monta que saca pequeñas cantidades de dinero a los hombres, hasta que conoce a Josephine (Anne Hathaway) una experta timadora que consigue sacarle grandes cantidades de dinero a los hombres ricos. Intentarán trabajar juntas pero es imposible, por lo que para separarse deberán intentan estafar al mismo hombre medio millón de dólares.

CRITICA

Cuando en una comedia suele aparecer una actriz especializada en este género casi nunca suele fallar (el casi, es porque muchas veces el guión es tan malo, que ni siquiera su vis cómica puede llegar a salvar la película) pero, cuando se tiene a una actriz que no es muy experta en el género y, por ende no hace un gran esfuerzo interpretativo, la propia película cae por su propio peso. Es lo que le pasa a Timadoras compulsivas.

Con esto quiero decir, que la historia es interesante pero no termina de llegar al clímax cómico para que el espectador pueda llegar a pasar un rato un trato entretenido, esto también sucede porque el gran peso de la historia lo lleva la gran Rebel Wilson y no termina de encontrar complicidad con su compañera de reparto que, a pesar de interpretar a una mujer extremadamente sofisticada, parece más una escultura de hielo que una ladrona de guante blanco; pareciendo que está estreñida (aunque sea un poco ordinaria la expresión) y que la presencia de su compañera la incomoda un poco. Gran parte de estos pormenores hacen que la película sea bastante mediocre. Por desgracia, cuando la química es prácticamente nula entre los compañeros de reparto, el filme no consigue salir adelante y en este caso, se nota bastante.

Se podría decir en cierto modo, que sus nominaciones a los Razzies de este año fueron completamente justas y, desde que Anne Hathaway ganó el Oscar por Los miserables, se cree que está por encima del resto de compañeros de reparto, puesto que esta misma sensación se transmitió en la película de Ocean's 8 donde su aspecto de "estirada" era más que evidente. En definitiva, esta historia tiene buenas intenciones pero se queda en eso, en las buenas itenciones.

Calificación personal: 5

Reflejos en un ojo dorado (1967)

• Título original: Reflections in a golden eye
• Año: 1967
• Género: Drama
• Dirección: John Huston
• Intérpretes: Marlon Brando, Elizabeth Taylor, Brian Keith, Julie Harris, Robert Forster, Zorro David, Irvin Dugan, Fay Sparks, Jed Curtis.
• Guión: Carson McCullers
• Música: Toshirô Mayuzumi
• Fotografía: Aldo Tonti, Oswald Morris
• Montaje: Russell Lloyd
• Productora: Warner Bros.

SINOPSIS

El comandante Weldon Penderton (Marlon Brando) vive en una base militar con su mujer Leonora (Elizabeth Taylor) la cual se burla constantemente de la incapacidad de mantener relaciones sexuales con ella, debido a la tendencia homosexual de él. Esta relación de amor, odio y desprecio se va reflejando en la vida marital de ambos.

CRITICA

La homosexualidad era situación que en el siglo XX se tenía en mente y se conocía pero, a la vez se renegaba de ella en público. Por eso, de una forma "semi oculta" se intentaba mostrar a través de películas y/o libros. En este caso, la película está basada en la novela del mismo título donde de una forma bastante clara (aunque no lo parezca) muestra la homosexualidad de un comandante del ejército, algo que era impensable sobre todo en una profesión muy masculina y varonil donde no había hueco para los "mariquitas", lo que suponía un riesgo para muchos hombres. Entonces, ¿cómo ocultaban su homosexualidad? Pues de la mejor forma: casándose con una mujer.

Se puede decir que esta premisa es parte del hilo conductor de la trama pero, cuando se espera que la historia se vaya desarrollando un poco más y ver la tirantez entre el matrimonio, además de la relación extramarital de Leonora y la inclinación de Weldon por un soldado raso. Pero, en el transcurso se van mezclando otros personajes con sus propias historias sin llegar a tener un rumbo claro sobre en cuáles de los personajes quiere centrar la historia. Aunque de vez en cuando, van apareciendo pequeños "retales" sobre el comportamiento de los personajes y sus diversas tendencias, ya sean desde la propia homosexualidad hasta problemas mentales.

Desde mi punto de vista, lo que podría haber sido una historia en donde se entrecruzan la vida de diversos personajes y la forma de actuar, se acaba convirtiendo en un sin fin de encuentros que no terminan de esclarecer las intenciones de muchos de los personajes (entre ellos, la del soldado raso) lo que dificulta en cierto modo que se pueda ahondar en el carácter atormentado de los diferentes sujetos. Pero por otro lado, a pesar de no ser una gran película en la extensa filmografía de dos pesos pesado como Marlon Brando y Elizabeth Taylor, si que resultan la parte más atractiva de esta película de la cual, muchos amantes del cine ni se acuerdan de ella o, ni siquiera han oído hablar sobre ella.

De echo, la referencia del título aparece de una forma bastante clara en la película, sobre todo en la fotografía de la misma cuyo color es del tipo "sepia", aunque realmente no tenga mucho sentido, pero es una forma metafórica de mostrar las tendencias malvada y/o "pecaminosas" del ser humano.

Calificación personal: 5.5

La enfermedad del domingo (2018)

• Dirección: Ramón Salazar
• Año: 2018
• Género: Drama
• Intérpretes: Bárbara Lennie, Susi Sánchez, Miguel Ángel Solá, Greta Fernández, Richard Bohringer, David Kammenos, Fred Adenis.
• Guión: Ramón Salazar
• Música: Nico Casal
• Fotografía: Ricardo de Gracia
• Productora: Zeta Cinema, ON Cinema

SINOPSIS

Anabel (Susi Sáncez) es una mujer adinerada que se reencuentra con su hija Chiara (Bárbara Lennie) a la que abandonó cuando tenía 8 años. Treinta y cinco años después, madre e hija se reencuentran y pasan diez días juntas para intentar recuperarse la una a la otra.


CRITICA

Sé que esta película se encuentra en diversas plataformas de vídeo bajo demanda y la tenía agregada a mi lista de favoritos pero siempre que me metía en dichas plataformas, me decía a mí misma que más adelante la vería; pero claro, la probabilidad de que la acabasen quitando era bastante elevada. Así que, un día vi que la pondrían en el programa de "Versión Española" un domingo y decidí verla y quedarme al posterior debate, el cual resultó ser bastante interesante no solo por los elementos que yo iba descubriendo poco a poco, sino también por el trasfondo que tenía un tanto desgarrador que puede llegar a desconcertar. No me voy a andar por las ramas y empezaré con la crítica de la película.

Varios de los elementos o características que tiene esta película son los silencios y miradas que dicen mucho de la relación que se va establecer entre madre e hija, tras años sin verse puesto que la primera abandonó a la segunda cuando solo tenía ocho años. Cómo es lógico, es algo que la joven no ha terminado de comprender ni de superar aunque con su actitud de desconfianza e impertérrita da la sensación de todo lo contrario. Por otro lado, a la madre le ocurre algo parecido pero al revés en lo que se refiere a su actitud puesto que ella se muestra como una señora con clase y con reputación que solo quiere cumplir con el cometido del trato y dejar de lado esta situación incómoda pero, se puede ver poco a poco como evoluciona al ver que realmente actuó por interés cuando abandonó a su hija y que de alguna forma puede revertir esa situación pero es algo para lo que ambas no están preparadas.

En ese camino que son los diez días que van a pasar juntas, claramente se ve una evolución de los personajes. En el caso de Anabel (la madre) se observa el cambio: pasa de ser una mujer estilosa y con clase que se ve reflejado claramente en la ropa al pasar de vestirse de una forma elegante e incluso ella misma maquillada y termina por vestirse con la ropa de su hija que es más masculina con femenina; y como de alguna forma desea "mimetizarse" con su hija al ponerse su ropa (momento clave cuando se pone un jersey y lo empieza a acariciar) y comienza a descubrir que no ha sido una buena madre y que el simple echo de haberla dado a luz, no significa ejercer el papel de madre sino que va mucho mas allá, es decir, darle cariño, ternura, comprensión y estar en los momentos difíciles. Porque, a pesar de que haya tiranteces y rencillas materno filiales, eso a veces puede llegar a fortalecer la relación. Otros de los aspectos que me llamó la atención fue la ausencia (casi total) de música y los silencios prolongados, que de alguna forma viene a expresar esa falta de comunicación y la frialdad que hay entre ambas, lo cual es prácticamente normal.

El ritmo lento de la película permite que el espectador pueda sentir esa relación inexistente entre ambas y, a medida que va evolucionando de algún modo meterse en la piel de las dos a pesar de que el final te deje bastante helado y pueda incomodar a algunos. Por supuesto, las grandes interpretaciones de Susi Sánchez y de Bárbara Lennie haciendo el dúo de madre e hija resuena aún más en un drama en el cual las relaciones familiares están rotas en todos los sentidos.


Calificación personal: 8.5

La sombra de una duda (1943)

• Título original: Shadow of a doubt
• Año: 1943
• Género: Suspense
• Dirección: Alfred Hitchcock
• Intérpretes: Joseph Cotten, Teresa Wright, Macdonald Carey, Patricia Collinge, Henry Travers, Wallace Ford, Hume Cronyn.
• Guión: Thorton Wilder, Sally Benson, Alma Reville
• Música: Dimitri Tiomkin
• Fotografía: Joseph A. Valentine
• Montaje: Milton Carruth
• Vestuario: Adrian
• Productora: Universal Pictures

SINOPSIS

La joven Charlie (Teresa Wright) siente tristeza en su vida, hasta que recibe noticias de su tío Charlie (Joseph Cotten) que va a pasar unos días en su casa. A medida que pasan los días, el tío Charlie presenta una actitud un tanto extraña por la presencia de dos hombres.


CRITICA

De una película de suspense se esperan muchas cosas y, una de ellas es que desde el principio hasta el final se mantenga esa "tensión" para que no se termine de revelar hasta el final el elemento principal de la historia. Pero, desde mi punto de vista, a veces es necesario que se deba revelar determinados acontecimientos esenciales ya que lo que va a interesar es como se termina de desarrollar la historia y que es lo que le pasará a los personajes. Este es el elemento de esta película.

Desde un principio, nada hace sospechar al espectador que un joven con buen porte puede llegar a esconder un secreto bastante perturbador, por lo que de alguna forma decide poner tierra de por medio para que las sospechas que ciernen sobre él vayan desapareciendo y de paso, dar esa imagen de buena persona, afable y educada. Su presencia en la casa de su hermana va a provocar un soplo de aire fresco en la familia pero sobre todo en la hija mayor, la cual siente admiración por su tío; pero, a medida que van pasando los días, la sombra de la duda de si realmente es quién dice ser, planea sobre la mente de la joven.

Este elemento, el de la duda, es el principal motivo del suspense de esta película porque, a pesar de haber revelado (en cierto modo) la culpabilidad del tío, no se sabe realmente cómo van a ir sucediendo los acontecimientos para descubrir la verdad. Sin embargo, la aparición de diversos planos detalle por parte del director permiten de algún modo que el espectador siga una serie de pistas, que le hacen mantenerse pegado por completo a la pantalla para ver cual va a ser el desenlace.

Desde que conozco la filmografía del gran maestro del suspense, siempre me han parecido curiosas todas sus películas, puesto que algunas si que permiten al espectador engancharse por la historia o incluso por como se van a ir desarrollando los acontecimientos. Pero, si es cierto que en más de alguna ocasión sus filmes me han dejado un poco desconcertada por los giros de guión que toma. A veces es lo que ocurre en el cine, que nunca se sabe lo que puede llegar a sorprender una película, a sea para bien o para mal, siempre y cuando haga pasar un buen rato y de vez en cuando nos ponga en funcionamiento el pensamiento. En este caso, la película sorprende para bien.


Calificación personal: 8

Puñales por la espalda (2019)

• Título original: Knives out
• Año: 2019
• Género: Suspense
• Dirección: Rian Johnson
• Intérpretes: Daniel Craig, Ana de Armas, Jamie Lee Curtis, Chris Evans, Don Johnson, Michael Shannon, Toni Collette, Katherine Langford, Lakeith Steinfeild, Christopher Plummer, Frank Oz.
• Guión: Rian Johnson
• Música: Nathan Johnson
• Fotografía: Steve Yedlin
• Montaje: Bob Ducsay
• Productora: Film Nation Entertainment

SINOPSIS

Harlan Thrombey (Christopher Plummer) muere el día que cumple 85 años. Todos los miembros de su familia son sospechosos, puesto que todos ellos tenían una razón para que el anciano muriese: la fortuna del anciano patriarca.


CRITICA

Esta película generó expectación cuando se estrenó, puesto que no sólo mezclaba el género de la comedia y el suspense, sino también porque era una forma por parte del director y guionista de "vengarse" por las críticas nefastas que había recibido cuando se estrenó la octava entrega de la saga de Star Wars. Pero, para no desviarme mucho del tema, voy a centrarme en la película.

La premisa con la que parte la historia es como si se tratase del juego de mesa Cluedo. En este caso, el patriarca adinerado de una familia ha sido encontrado muerto y todos los miembros son sospechosos, ya que tienen motivos para haberle matado aunque, como es de esperar todos ellos mienten para ocultar sus verdaderas intenciones. Pero, como suele ocurrir en un crimen, siempre hay alguien que es el "eslabón perdido" y que por desgracia se descubre ante la policía. Pero, en este caso a pesar de que a mitad de la película dejan de una manera clara quien es el culpable, lo que importa no es el porqué del asesino, sino si realmente fue el que lo cometió o, hay una serie de acontecimientos que le inclinan a tomar la justicia por su mano.

Si se lee este párrafo, el lector puede pensar que ya en cierto modo podría decir quién ha cometido el crimen pero, lo mejor de la historia no es descubrir al verdadero asesino sino los acontecimientos que harán que el detective contratado para el caso vaya atando cabos para encontrar al "verdadero asesino" aunque parte de los echos ya se hayan revelado.

Esta frescura a la hora de descubrir quién ha matado al patriarca o incluso descubrir que todas las personas siempre tienen algo que ocultar. Unido a diversos toques de humor negro que hacen la historia un poco más interesante. Una de las peculiaridades que me llamó la atención fue el título, Puñales por la espalda, puesto que esta arma blanca está presente de forma metafórica y literal a lo largo del todo el filme. Este detalle se puede observar cuando cada uno de los miembros de la familia se sienta al lado del "trono de los puñales", los cuales están abiertos, haciendo referencia a todas las "puñaladas traperas" que les han dado o incluso que ellos mismos han dado.

Estos elementos de intriga unidos a un reparto estelar con grandes rostros de la gran pantalla y con una larga carrera y, sobre todo porque el espectador se mete de lleno en la historia y quiere averiguar realmente cómo, quién, con qué, cuándo y por qué.


Calificación personal: 8

Noche de juegos (2018)

• Título original: Game Night
• Año: 2018
• Género: Comedia
• Dirección: John Francis Daley, Jonathan Goldstein
• Intérpretes: Jason Bateman, Rachel McAdams, Kyle Chandler, Billy Magnussen, Sharon Horgan, Lamorne Morris, Kylie Bunbury, Jesse Plemons, Michael C. Hall, Danny Huston
• Guión: Mark Perez
• Música: Cliff Martinez
• Fotografía: Barry Peterson
• Montaje: Jamie Gross, Gregory Plotkin, David Egan
• Productora: New Line Cinema, Dune Entertainment

SINOPSIS

Un grupo de amigos se reúne todos los sábados por la noche para jugar a juegos de mesa. Una noche, uno de ellos propone que una noche el juego sea de la siguiente forma: uno de ellos será raptado y tendrán que encontrar diferentes pistas. Pero cuando empieza la noche, el juego se complica más de la cuenta.

CRITICA

Las comedias de los últimos diez años me disgustan bastante puesto que muchas veces caen en el chiste fácil y al final la gracia se pierde en todos los minutos y al final es más aburrida que nada. Pero de vez en cuando, sale alguna comedia un tanto decente y con la que se puede llegar a pasar un buen rato. También, cuando en película hay buenos actores cómicos, la historia sale más o menos adelante.

La premisa de la historia es interesante: se reúnen varios amigos para jugar a juegos de mesa pero, una noche se decide cambiar el ritmo a través de una empresa que organiza "secuestros" pero la cosa se tuerce cuando el secuestro es real pero los participantes no lo saben y siguen "jugando" como si tal cosa. Lo que hace que luego todos los implicados en la noche de juegos, se impliquen de alguna forma para salvar al compañero secuestrado y cada uno de ellos mete la pata a su manera generándose todavía más una situación un tanto estrafalaria.

Es cierto que en algunos momentos la agilidad de la historia va decayendo un poco pero de vez en cuando va remontando poco a poco gracias a esos momentos graciosos y un poco surrealistas pero que mantienen viva la llama de la comedia. A pesar de no ser una gran película dentro de este género, si que permite al espectador pasar un rato entretenido. Si bien es cierto, que en España pasó sin pena ni gloria por las carteleras, en Estados Unidos siempre generan bastante taquilla, aunque la historia no sea demasiado buena. Pero si cumple su función, para eso está.

Calificación personal: 6.5

No sé decir adiós (2017)

• Dirección: Lino Escalera
• Año: 2017
• Género: Drama
• Intérpretes: Nathalie Poza, Juan Diego, Lola Dueñas, Miki Esparbé, Oriol Pla, Pau Durá, Marc Martínez, Greta Fernández.
• Guión: Lino Escalera, Pablo Remón
• Música: Pablo Trujillo
• Fotografía: Santiago Racaj
• Montaje: Miguel Doblado
• Productora: Lolita Films, White Leaf Producciones

SINOPSIS

Carla (Nathalie Poza) es una ejecutiva con una vida autodestructiva y adicta a las drogas. Un día recibe una llamada de su hermana Blanca (Lola Dueñas) diciendo que su padre tiene un cáncer terminal. Dispuesta a recuperar el tiempo perdido, Carla intentará salvar a su padre.

CRITICA

Todavía me sigo acordando de aquella frase que me dijo mi profesora de una asignatura que tuve en "procesos de comunicación" que el cine español era demasiado duro y que mostraba una dureza que el resto de películas de otros países no cuentan (pero eso no es así, puesto que he visto unas cuantas), pero realmente a veces es importante contar ciertas cosas a las que muchas veces no queremos oír hablar de ellas pero, a veces es necesario.

En esta película es interesante por el punto de vista que trata en las relaciones familiares, cómo muchas veces esas relaciones se pueden romper por diversos motivos. Lo interesante que tiene esta historia es que en ningún momento cuenta el porqué de la separación y el distanciamiento para que el espectador pueda imaginarse que es lo que ha ocurrido, aunque desde el principio se deja ver con total claridad que uno de los problemas ha sido la adicción a las drogas por parte de Carla. Por otro lado, la otra hermana, Blanca, ha estado siempre pendiente del padre y a su lado pero, en ningún momento se aprecia un acercamiento por parte del progenitor; el cual se mantiene frío y distante con sus dos hijas. Esta actitud puede ser reflejo (de algún modo) de que el no quiere que se le trate como a un moribundo y no quiere despedirse puesto que la muerte está cerca.

Si fijamos ahora la vista en el personaje de Carla, parece que su vida está completa al ser una mujer de éxito pero, realmente está vacía, puesto que tiene que llenarla con las drogas e intentando contarle a la gente con la que está pensamientos que se le vienen a la cabeza sobre la vida y recuerdos de su infancia porque nota que le falta algo. Ese "algo" lo intenta recuperar con el padre con el que lleva años sin hablarse y al que quiere recuperar de cualquier forma y no quiere enfrentarse a la realidad de que su padre se está apagando y no es capaz de despedirse de él, de ahí que el título de la película sea No sé decir adiós porque en ningún momento ni las hijas ni el padre son capaces de despedirse.

Enfrentarnos a la muerte es algo que al ser humano le aterra desde que el mundo es mundo pero eso no significa que en el momento en el que la vida de un ser querido se va apagando, es algo que nos deja intranquilo pero, hay que estar a su lado sin dejar de recordar los buenos momentos e intentar solucionar las cosas; o aún mejor, no desperdiciar los pequeños ratos que pasamos en familia y que a veces las rencillas no distancian aún más. Por otro lado, nadie elige en que familia nace pero hay que intentar ver que siempre hay algo que nos une más que la sangre.

Las interpretaciones de los tres protagonistas son intensas y muestran la tensión entre ellos y la contención emocional que muestran para no expresar lo que realmente sienten por el miedo a mostrar lo que son y porque la distancia ha quebrado esa relación familiar.

Calificación personal: 8

7:35 de la mañana (2003)

• Dirección: Nacho Vigalondo
• Año: 2003
• Género: Cortometraje
• Intérpretes: Nacho Vigalondo, Marta Belenguer, Antonio Tato, Borja Cobeaga, Javier Reguilón, Alejandro Garrido, Velasco Broca, Esperanza Palacios, Manuel Nebreda, Sebatián Elices, Resu Vigalondo.
• Guión: Nacho Vigalondo
• Música: Nacho Vigalondo
• Fotografía: Jon D. Domínguez

SINOPSIS

Una mujer (Marta Belenguer) entra como cada día, a las 7:35 de la mañana, a desayunar en una cafetería cerda de su casa. Pero al sentarse nota algo extraño, todos los clientes están muy quietos y callados. De pronto, un individuo (Nacho Vigalondo) aparece cantando en la cafetería.

CRITICA

Los cortometrajes son complicados de ver, puesto que no hay muchas plataformas que ofrezcan esta posibilidad para ver los cortos. En este caso, desde mi punto de vista, es un poco "atípico" por la forma de desarrollarlo y porque no es hasta prácticamente el final, cuando se descubren las intenciones del personaje. Por otro lado, esa estética que le da la fotografía en blanco y negro, le da como un toque más especial. La verdad es que me ha sorprendido bastante y me ha parecido entretenido y una vez más se ve la calidad del cine español.

Calificación personal: 8

Yentl (1983)

• Dirección: Barbra Streisand
• Año: 1983
• Género: Musical, drama
• Intérpretes: Barbra Streisand, Mandy Patinkin, Amy Irving, Steven Hill, Ruth Goring, David de Keyser, Doreen Mantle, Nehemiah Persoff
• Guión: Barbra Streisand, Jack Rosenthal
• Música: Michel Legrand
• Fotografía: David Watkin
• Montaje: Terry Rawlings
• Productora: Barwood Films, United Artists

SINOPSIS

La joven judía Yentl (Barbra Streisand) que vive con su anciano padre, desea poder realizar estudios superiores pero, para las mujeres judías está prohibido. Tras la muerte de su progenitor, se hace pasar por un joven que quiere estudiar. Pero llevar su secreto al extremo, le hace poner su vida en peligro.

CRITICA

Inicialmente fue un musical interpretado en Broadway y que posteriormente se adaptó a la gran pantalla. No solo se hizo famosa por las canciones, sino también por lo que representaba en relación a la imposibilidad de las mujeres para estudiar u optar a puestos de trabajo; porque se pensaba que su única misión era casarse, tener hijos y servir al marido. Aunque no muy lejos de la realidad, en pleno siglo XXI esto sigue ocurriendo en diferentes países y en donde la religión extremista está muy presente y se ve al hombre por encima de la mujer.

Al disfrazarse de hombre, el resto del género masculino con el que trata la ve como un igual (obviamente, ellos no saben que es una mujer) y discuten con ella acerca del Talmud y de las diversas enseñanzas y leyes que ponen en práctica los judíos. Cómo se va viendo a lo largo de la película, se ve que tanto en el libro sagrado como en la práctica de la vida diaria, la mujer queda relegada a un segundo plano incluso para las cenas, en las cuáles ellas no participan.

Yentl, como mujer que es, intenta por todos los medios en las "discusiones" con los diferentes estudiantes de la Torá, demuestra que la mujer es igual a la mujer no solo en cuanto a la creación por parte de Dios, sino también en aspectos cotidianos de la vida misma, como puede ser leer libros sobre filosofía o religiosos y que su función no se establece únicamente en la casa y en el cuidado y crianza de los hijos y del marido.

El ritmo de la película es lineal, puesto que lo que pretende es reivindicar el papel de las mujeres en una sociedad y religión que es solo para hombres. Por otro lado, Barbra Streisand sabía como dirigir película (a pesar de tener una corta filmografía) y poner su voz a esta película. De echo, en toda la historia de los Globos de Oro, ha sido la única mujer en ganarlo en la categoría de Mejor Dirección.

La película es un llamamiento para demandar una posición de la mujer en la sociedad y también para valorar todo lo que el género femenino puede aportar en una sociedad en la cual, tanto hombres como mujeres pueden compartir desde los conocimientos, las tareas del hogar y la crianza de los hijos. Porque así, es como realmente se puede ganar en igualdad.

Calificación personal: 7.5

Definitivamente, quizás (2008)

• Título original: Definitely, maybe
• Año: 2008
• Género: Romántica
• Dirección: Adam Brooks
• Intérpretes: Ryan Reynolds, Isla Fisher, Derek Luke, Elizabeth Banks, Rachel Weisz, Abigail Breslin, Kevin Kline, Adam Ferrara.
• Guión: Adam Brooks
• Música: Clint Mansell
• Fotografía: Florian Ballhaus
• Montaje: Peter Teschner
• Productora: Studio Canal, Working Title Films

SINOPSIS

Will Hayes (Ryan Reynolds) recoge a su hija Maya (Abigail Breslin) del colegio, la cual le empieza a preguntarle como se conocieron el y su madre. Ante la insistencia de su hija, Will cede y le cuenta la historia de como conoció y se casó con su madre como si fuese una historia.

CRITICA

En los últimos tres años he vuelto a volver a ver películas que solo había visto una vez y, en alguna ocasión me ha aparecido una tremenda decepción revisionarlas pero, en otros casos me ha parecido bastante curioso y agradable puesto que las he apreciado de forma diferente o incluso me he fijado en pequeños detalles que antes no había visto. Es algo que me ha ocurrido con esta película.

Ya he comentado en varias entradas que son románticas, era un género que daba por perdido pero poder ver alguna que salva a este género es algo revitalizante. La historia que se relata en esta película es sencilla y como se va desarrollando la vida de Will y con el amor y ternura con la que se la cuenta a su hija permite al espectador mantenerse dentro de la historia. Por otro lado, no es la típica historia de amor entre dos personas no tiene por que ser rápida, sino que a veces tienen que ocurrir una serie de acontecimientos para estar con alguien.

El objetivo principal del filme es entretener y ver como se van desarrollando los acontecimientos para ver cual va a ser el final. Uno de los aspectos que he observado es que el protagonista tiene impaciencia por estar con alguien y dar el paso importante hacia el matrimonio pero, a veces es necesario darse un tiempo o tomarse las cosas de pareja con cierta tranquilidad no solo para disfrutar de los acontecimientos personales y profesionales, sino también para ver si se está preparado para dar un paso tan importante o incluso saber si esa es la persona con la que quieres pasar el resto de tu vida. Pero no siempre se acierta a la primera para encontrar a alguien, a veces hay que esperar a la segunda oportunidad porque al final todo el mundo tiene derecho a ser feliz.

Porque al final las relaciones de pareja vienen y van y los desengaños amorosos se acaban pasando con el tiempo y siempre los buenos momentos prevalecerán sobre los malos; pero quien siempre está a tu lado son los hijos que quieren que sus padres sean felices.


Calificación personal: 7

En el calor de la noche (1967)

• Título original: In the heat of the night
• Año: 1967
• Género: Suspense
• Dirección: Norman Jewison
• Intérpretes: Sidney Poitier, Rod Steiger, Warren Oates, Larry Gates, Lee Grant, Quentin Dean, James Patterson, Matt Clark, Scott Wilson.
• Guión: Stirling Siliphant
• Música: Quincy Jones
• Fotografía: Haskell Wexler
• Montaje: Hal Ashby
• Productora: Mirisch Company

SINOPSIS

Virgil Tibbs (Sidney Poitier) es un inspector del departamento de policía de Filadelfia que, esperando en una estación de tren del estado de Missisipi es confundido por la policía local de haber asesinado a un hombre blanco adinerado. Cuando descubren que no es el culpable, el jefe local le solicita ayuda para intentar esclarecer el crimen y encontrar al culpable.

CRITICA

Esta película es considerada uno de los mejores suspenses que se han filmado, no solo por la historia y el desarrollo de la trama, sino también por haber podido mezclar un crimen y su resolución con temas que estaban demasiado candentes como era la supremacía blanca y el odio hacia la raza negra. Lo que genera un aporte de tensión extra para averiguar quién mató al benefactor del pueblo.

Al comienzo de la historia todo parece normal en el pueblo, hasta que el hombre que iba a dar trabajo a varias personas del pueblo aparece muerto y como es lógico, de la primera persona de la que se sospecha es de un extraño que además es negro, lo que posteriormente les pone en un aprieto al descubrir que trabaja para la policía y que es uno de los mejores inspectores. Por lo que, tanto la policía local como el resto de los habitantes de la población tendrán que dejar de lado su xenofobia para poder descubrir al verdadero asesino. En su investigación para poder encontrar al verdadero culpable, el inspector Tibbs se va encontrando con trabas y problemas puesto que prefieren culparle a él de la muerte del benefactor, que ayudarle a descubrir la verdad.

Ante la imposibilidad de poder realizar de acuerdo al protocolo su trabajo, va investigando poco a poco por su cuenta, lo que le lleva a ir encontrar pistas que irá desentrañando con la ayuda del "reticente" jefe de policía que ve el potencial del inspector pero, sus prejuicios sobre que alguien le diga lo que debe de hacer y que además es negro, no le agrada demasiado.

En medio de toda la investigación criminal hay una ligera subtrama que sobrevuela a la película: la xenofobia hacia la raza negra. Este aspecto está muy marcado a lo largo de toda la historia, que hace que el inspector Tibbs no se sienta incomodado pero, sabe que no va a ser nada fácil y que incluso en más de una ocasión se muestre dubitativo para dejar la investigación; pero su trabajo es importante para el y se encuentra por encima de cualquier tipo de prejuicio.

En definitiva, el tema del racismo o de cualquier tipo de fobia es algo que sigue igual de candente en la sociedad actual, lo que imposibilita muchas veces el poder vivir con una cierta armonía o pensar simplemente que todos somos seres humanos independientemente de nuestro color de piel. Y sobre todo, la trama permite que el espectador esté pendiente de todos y cada uno de los detalles y en donde el final, no le va a dejar indiferente a nadie.

Calificación personal: 7.5

Nosotros en la noche (2017)

• Título original: Our souls at night
• Año: 2017
• Género: Drama
• Dirección: Ritesh Batra
• Intérpretes: Robert Redford, Jane Fonda, Iain Armitage, Matthias Scoenaerts, Phyllis Somerville, Judy Greer, Bruce Dern
• Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber
• Música: Elliot Goldenthal
• Fotografía: Stephen Goldblatt
• Montaje: John F. Lyons
• Productora: Netflix

SINOPSIS

Addie (Jane Fonda) le hace una visita a su vecino Louis (Robert Redford) haciéndole una proposición: que todas las noches vaya a su casa a dormir puesto que ambos son viudos y ella, se siente sola. Al principio, entre ambos no hay mucha sintonía pero, a medida que va pasando el tiempo se abren el uno al otro contándose sus problemas más íntimos y poco a poco, descubrirán el verdadero corazón de su acompañante.

CRITICA

Cuando ves a dos leyendas del cine compartiendo de nuevo cartel tras varias décadas sabes que lo que hay detrás va a ser una película que generará división. No solo por ver a dos "viejas estrellas" sino que los diversos temas que trata con respecto a la vejez, se ve como algo lejano y el ritmo de la historia va a ser un tanto lenta y tediosa. Si bien es cierto que el ritmo es un poco lento, los diversos temas que van apareciendo a lo largo de la película es algo que puede pasarle a cualquier ser humano y nadie es inmune al paso del tiempo y que el pasado es algo que arrastramos con nosotros.

Es interesante mencionar que cuando ya se llega a la senectud, parece que el amor o poder seguir viviendo la vida en su plenitud solo es cosa de gente joven o de familias con niños pequeños. Pero no es así, porque muchas veces tenemos demasiados prejuicios sobre situaciones en la vida de las personas, cuando realmente nadie es quien para meterse en la vida del otro. Que es lo que les ocurre a los protagonistas, cuando son objeto de miradas indiscretas, cuchicheos y de criticar el pasado de la vida de Louis, la cual es conocida en todo el pueblo. Pero nadie se para a pensar que en la vejez, muchas personas tras morir su cónyuge sufren de soledad porque ya no tienen físicamente a esa persona con la que han compartido prácticamente toda su vida sino que también, los recuerdos del pasado pueden atormentar sobre todo, cuando han ocurrido diversos acontecimientos dolorosos que han podido marcar sus vida.

Esta situación de soledad y recuerdos es lo que hace que los dos ancianos desnuden su alma el uno frente al otro para que ambos se recuerden mutuamente que no sean tan duros con ellos mismos puesto que en su momento intentaron hacer las cosas lo mejor posible y que, como todo ser humano, se pueden cometer errores y eso a veces hace que los hijos sean demasiado duros con ellos. Pero aún así, consiguen sacar ese dolor que les atormenta por dentro y que de alguna forma, les permite liberarse de ea carga y liberar su conciencia.

No solo por lo que transmite la historia en si hace que la película sea un poco ligera, sino también la gran química que hay entre los dos grandes actores que es totalmente palpable en cada una de las escenas en las que cruzan miradas y se ve claramente, que la vejez solo son unas arrugas en la cara, en el cuerpo, un pelo con canas pero, no significa tener que dejar de vivir porque el tiempo ha pasado para poder vivir determinadas cosas. Pero, vivir las cosas es poderlo hacer cada día, en pequeños gestos, en una mirada, en una situación complicada, en un perdón, en el arrepentimiento..; en tantas cosas que nada ni nadie nos lo puede impedir si queremos ser felices y si por ende, no le hacemos ningún daño a nadie. Porque la vida, puede ser maravillosa.

Calificación personal: 6.5

Minority Report (2002)

• Dirección: Steven Spielberg
• Año: 2002
• Género: Ciencia ficción
• Intérpretes: Tom Cruise, Max Von Sydow, Colin Farrell, Samantha Morton, Neal McDonough, Kathryn Morris, Tim Blake Nelson, Peter Stomare, Lois Smith, Steve Harris, Frank Grillo.
• Guión: Scott Frank, Jon Cohen
• Música: John Williams
• Fotografía: Janusz Kaminski
• Montaje: Michael Kahn
• Productora: Amblin Entertainment, Cruise/Wagner Productions

SINOPSIS

Año 2054, John Anderton (Tom Cruise) es un jefe de la unidad de la policía de PreCrimen, una unidad que se creó con el fin de evitar los asesinatos predeterminados gracias a la ayuda de los "precog", que son los encargados de ver los futuros crímenes. Cuando en una de las predicciones sale John como el ejecutor, huye para demostrar su inocencia y así saber quién le ha tendido una trampa.

CRITICA

He visto esta película unas cuatro veces aproximadamente pero, hasta la fecha no había conseguido desgranar en profundidad esta historia de ciencia ficción, basado en uno de los relatos cortos de uno de los escritores del género más laureados: Philip K. Dick. Aunque no la considero una gran "obra maestra" del género de ciencia ficción puesto que he observado pequeños agujeros en el guión, si que mantiene el ritmo trepidante de la huida y de todos los pasos que va siguiendo el protagonista para así poder demostrar su inocencia. Y de paso, pone de manifiesto que ningún método científico o técnico es infalible al cien por cien.

Desde el principio se muestra un futuro distópico en donde prevenir crímenes se convierte en la mejor arma para combatir la delincuencia y atrapar a los futuros asesinos, gracias a la ayuda de los llamados precognoscentes que ven el futuro pero que hasta ellos mismos en su "sabiduría" saben que la gente puede cambiar de opinión y no llegar a cometer esos crímenes. Es lo que se denomina el "Reporte en minoría" (de ahí el título del filme) que no interesa que salga a la luz porque sino pondría en entredicho la estructura de PreCrimen. Este simple pero importante echo seguiría teniendo los mismos sesgos que el sistema tradicional (incluso no hace falta imaginar un futuro distópico para ver que hoy en día, esto sigue ocurriendo) y de paso, corrompería alguna que otra moral humana. Por eso, cuando John Anderton descubre todos estos aspectos para así poder demostrar su inocencia, descubre que muchas veces el poder, el prestigio o incluso utilizar a los precognoscentes como cobayas para evitar los crímenes, ve que no es el mejor camino a seguir.

De una forma que no resulte demasiado caótica, se presenta al espectador varias partes diferenciadas: la primera de ella es como se analiza el futuro crimen que se va a cometer, en segundo lugar el paso previo al análisis y la tercera y última parte es desmontar la organización y ver que al final lo que se comete es un abuso de poder, puesto que toda la población está controlada por escáner de ojos y reconocimiento facial, lo que hace que sea un "hermano mayor" superior al que describió George Orwell en su novela 1984. 

Por otro lado, a la hora de contar como funciona PreCrimen y el sistema que lleva, es un poco caótico y ni se sabe bien a veces que es lo que se realiza y como se analizan los crímenes. Por eso, la vi varias veces para poder entenderla un poco mejor. Además hay una serie de historias secundarias que pueden llegar a confundir un poco al espectador pero aún así, es una película que se solventa bastante en su argumento, en su acción y en llevar la intriga hasta el final. Cómo siempre, el gran Steven Spielberg sabe llevar a buen puerto un guión complejo.

Calificación personal: 7.7