Tal como éramos (1973)

 

• Título original: The way we were
• Año: 1973
• Género: Romántica
• Dirección: Sydney Pollack
• Intérpretes: Robert Redford, Barbra Streisand, Patrick O'Neal, Suasan Blakely, Bradford Dillman, Lois Chiles, James Woods, Viveca Linfors.
• Guión: Arthur Laurents
• Música: Marvin Hamlisch
• Fotografía: Harry Stradling Jr.
• Montaje: John F. Burnett
• Vestuario: Dorothy Jeankins
• Productora: Columbia Pictures Corporation, Rastar Productions, Tom Ward Enterprises

SINOPSIS

Katie Morosky (Barbra Streisand) es una joven universitaria activista por la libertad política, todo lo contrario a Hubbell Gardiner (Robert Redford). Pero ambos sienten atracción el uno por el otro. La relación entre ellos parece funcionar, pero el amor no es el único elemento que les debe de mantener unidos, ya que deben de sortear varios problemas.

CRITICA

Es cierto la frase que enuncia "los polos opuestos se atraen". Porque, si bien es cierto que de una persona, lo primero que entra es el físico y que poco a poco la vas conociendo (eso debería de ser algo lógico y racional) en diferentes facetas de la vida. Pero, no siempre hay que coincidir en todo pero, cuando se tratan de elementos fundamentales de la vida (aspiraciones personales, formar una familia, ideas políticas), muchas veces la relación puede hace aguas por múltiples sitios.

Desde el inicio de la película, se nos muestra a dos jóvenes universitarios y su evolución, tanto en su vida personal como en su vida como pareja. Y desde el primer momento se observa con bastante claridad, que el amor que sienten el uno por el otro, no es suficiente para que su relación salga a flote. Ante este hecho, el espectador puede pensar que realmente no están luchando por su amor y que el amor todo lo puede. En ocasiones, eso es un simple espejismo de una realidad que va más allá del amor. Eso se ve claramente reflejado cuando Katie no solo mantiene sus convicciones políticas, sino que quiere abrirle a Hubbell los ojos del mundo que hay y que existe, y que no se debe de conformar ni de vivir en una determinada comodidad ni tampoco vivir parado a la hora de tomar decisiones.

Por otro lado, está Hubbell, el cual en unas cuántas ocasiones le hace saber a Katie que el mundo no es todo política y que el mundo no se divide en blancos o negros, que puede haber una escala de grises; al igual que no todo el mundo tiene que pensar en temas de política ni hablar siempre de cosas serias. Antes las dos miradas totalmente opuestas, la pregunta es: ¿Quién de los dos tiene razón? Realmente la respuesta es sencilla: los dos. Aunque, si bien es cierto que Katie hace esfuerzos por cambiar y adaptarse a la vida de Hubbell y a la vez intentar seguir con sus ideales, es Hubbell quien realmente tiene miedo a la vida y a enfrentarse a lo malo, pero también aprovechar lo bueno. Lo que realmente le pasa es que no ha madurado lo suficiente para saber que el presente y el futuro es lo que hay por delante, que el pasado ha quedado atrás. Este aspecto hay que resaltarlo, sobre todo por una parte de la canción del mismo título en inglés (cantada con la gran voz de Streisand) que dice así: "Memories. May be beautiful and yet, what's too painful to remember. We simply to choose to forget" ("Recuerdos. Pueden ser bonitos y también, ser demasiado dolorosos para recordar. Lo sencillo es escoger olvidarlos"). Por lo que ahí queda dicho todo.

Como es lógico, el concepto de romanticismo en las películas en Hollywood, has ido cambiando con el paso de los años, quedándose en una edulcoración de las relaciones de pareja. Que va más allá de ese enamoramiento (qué también tiene que existir), pero que, junto a otras cosas, conforman más aspectos en la relación de pareja.

Calificación personal: 7.5

Katyn (2007)

 

• Dirección: Andrzej Wadja
• Año: 2007
• Género: Historias reales
• Intérpretes: Andrzej Chyra, Artur Żmijewski, Maja Ostaszewska, Wiktoria Gąsiewska, Władysław Kowalski, Maja Komorowska, Jan Englert, Danuta Stenka, Sergei Garmash.
• Guión: Andrzej Mularczyk, Andrzej Wajda, Przemysław Nowakowski
• Música: Krzysztof Penderecki
• Fotografía: Paweł Edelman
• Montaje: Milenia Fiedler, Rafał Listopad
• Vestuario: Magdalena Biedrzycka
• Productora: ITI Cinema

SINOPSIS

El 17 de septiembre de 1939, el Ejército Rojo invadió Polonia. Los oficiales relacionados con la Inteligencia Polaca fueron arrestados como prisioneros de guerra y, un año más tarde, la policía secreta rusa, NKVD, mató a miles de estos hombres en el bosque de Katyn. Miles de familias esperaban que se reconociesen los crímenes. Pero tanto Rusia como Alemania, negaban lo sucedido.

CRITICA

Durante la Segunda Guerra Mundial, de lo único que se hablaba era de la acción de Hitler contra los judíos, de su expansión por Europa, del fascismo de Mussolini en Italia. Pero en ningún momento se hablaba del avance de los rusos (por aquel entonces era la famosa URSS) y, como aprovechó la debilidad de la gran mayoría de los países europeos para realizar matanzas a diestro y siniestro; llegándose a contabilizar veinte millones de muertes, entre rusos y otros ciudadanos europeos. Una de esas masacres, fue la de Katyn, que es lo que se nos describe en esta película.

Por un lado, no solo cuenta parte de la vivencia del pueblo polaco tras la guerra y tras esa matanza, sino como se aniquilaba de un plumazo toda la esperanza. En la vida, en el futuro, sino también en uno de los elementos más fuertes de ese pueblo: la fe. El ver que habían sido abandonados y que nadie respondía ante esos crímenes. Sin embargo, esos oficiales del ejército polaco, eran los únicos que mantenían la fe, a pesar de presentir cual sería su negro destino.

Bien se sabe que la implantación del comunismo consiste en aniquilar todo vestigio de lo que hubiese antes sin importar nada. Aunque no lo parezca, Dios no abandonó al pueblo polaco, porque cincuenta y cuatro años después, gracias a la acción del Papa Juan Pablo II, se consiguió derribar ese muro que separaba la Europa democrática de la Europa comunista. Y conocer que, a pesar de todo, la fe es lo único que termina prevaleciendo, por mucho que se quiera negar su evidencia.

Calificación personal: 8.5

La herencia del viento (1960)

 

• Título original: Inherit the wind
• Año: 1960
• Género: Drama
• Dirección: Stanley Kramer
• Intérpretes: Spencer Tracy, Frederic March, Gene Kelly, Dick York, Donna Anderson, Harry Morgan, Claude Akins, Elliott Reed Paul Hartman.
• Guión: Jerome Lawrence, Robert E. Lee, Nedrick Young, Harold Jacob Smith
• Música: Ernest Gold
• Fotografía: Ernest Lazlo.
• Montaje: Frederic Knudtson
• Productora: United Artists

SINOPSIS

En una pequeña ciudad de Tennesse, se juzga a un profesor por enseñar la teoría de la evolución de Darwin. Chocando frontalmente con la teoría del creacionismo. Por lo que, el abogado Henry Drummond (Spencer Tracy) se enfrentará Matthew Brady (Frederic March), por defender al profesor.

CRITICA

Aunque se tenga a Estados Unidos como una superpotencia mundial y, por ser un país con grandes libertades, siempre se ha contradicho en todo lo que el mismo promulga. Desde temas políticos, hasta religiosos, pasando incluso por las diferentes enmiendas de la constitución. Por lo que, la trama de esta película (que es una historia real) refleja esa hipocresía constante en la que se mueve el país americano y por ende, todos los ciudadanos.

Por esos años, Estados Unidos seguía floreciendo tras haber sufrido el crack del 29, el ataque del Pearl Harbour, así como las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial. Ante estas situaciones, el país pensaba que, para recomponerse (en todos los aspectos), debía de volver la moralidad a la nación. Por otro lado pensaban que, todo lo ocurrido era un castigo de Dios, lo que provocaba que, a la hora de proclamar la palabra de Dios (sobre todo de las ramas protestantes), se debía de mostrar desde una vertiente oscura y tenebrista para que, el feligrés, tuviese miedo del Todopoderoso. Y que, todo aquello o aquel que se saliese de la moral establecida, era un pecador y un apóstata y, representaba al demonio. Lo que mostraba aún más la evidencia de que ser una potencia solvente, no la libraba de su doble moral. Por eso, esta historia, que se cubrió a nivel nacional, demuestra que llevar todo al extremo no es bueno. Ni tampoco ser demasiado laxo.

Lo que se pretende demostrar con esta película es que, pueden existir dos extremos, sin necesidad de tener que odiar a la otra parte. En el caso de la religión, respetar la presencia de otras religiones, así como de las personas que no crean, puesto que ser creyente no significa ser menos válido. En segundo lugar, podemos tener en cuenta a la ciencia, que si está ahí es para ayudar al hombre y usarla en su favor, pero sin jugar a ser Dios. En tercer lugar, solo hace falta mencionar lo que la "Declaración universal de los derechos humanos" menciona: "Toda persona tiene derecho a la libertad de pensamiento, de conciencia y de religión; este derecho incluye la libertad de cambiar de religión o de creencia, así como la libertad de manifestar su religión o su creencia, individual y colectivamente, tanto en público como en privado, por la enseñanza, la práctica, el culto y la observancia". Por lo que, todo queda dicho.

Claramente, a lo largo de toda la película, Drummond (con un inconmensurable Spencer Tracy), le intenta hacer ver a Brady (gran interpretación de Frederic March) que ambas cosas (creacionismo y evolucionismo) no son incompatibles y que, no por ello se debe de criminalizar al otros y que es necesario que cada uno tenga sus pensamientos ya que, cuanta menos sabida sea una persona, hay una mayor posibilidad de manipulación. Como último punto, destacar que la frase proviene del Libro de los Proverbios de la Biblia, dice así: "El que perturba su casa, solo heredará el viento, y el insensato, será esclavo del sabio corazón". Película impactante y necesaria.

Calificación personal: 9.5

Ammonite (2020)

 

• Dirección: Francis Lee
• Año: 2020
• Género: Romántica
• Intérpretes: Kate Winslet, Saoirse Ronan, Gemma Jones, James McArdle, Fiona Shaw, Claire Rushbrook, Alec Secareanu.
• Guión: Francis Lee
• Música: Dustin O'Halloran, Volker Bertelmann
• Fotografía: Stéphane Fontaine
• Montaje: Chris Wyatt.
• Vestuario: Michael O'Connor
• Productora: BBC Films, British Film Institute, See-Saw Films

SINOPSIS

Mary Anning (Kate Winslet) es un a paleontóloga de mediados del siglo XIX cuyos descubrimientos no son reconocidos. En su tienda entra un hombre con su mujer, llamada Charlotte (Saoirse Ronan), a la que debe de cuidar durante un tiempo. En los momentos que pasan a solas, su cercanía se irá haciendo cada vez más intensa.

CRITICA

Antes de centrarme en la propia crítica de la película, es importante detenerse (aunque sea brevemente) en el personaje de Mary Anning. Ella existió realmente y fue una gran paleontóloga pero, la ciencia la ocultó durante mucho tiempo y que no obtuvo el reconocimiento que realmente mereció. En una época en la cual las mujeres no tenían mucha voz (en pleno siglo XIX), se unía que la paleontología y, otras muchas ramas de las ciencias, estaban copadas por hombres. Por ser mujer y ser pobre, no pudo ser reconocida. Por lo que vendía todos sus descubrimientos para poder sobrevivir.

Tras conocer de una forma fugaz quien fue Mary Anning, es necesario conocer que realmente no se supo si la relación entre Mary y Charlotte existió, sino que es una forma de explorar este tipo de relaciones en esa época tan moralista. Pero, al intentarlo, se queda en una historia un tanto fría y desigual, no solo por la posición social de ambas, sino porque no hay cierta intimidad entre ambas actrices (a pesar de tener una buena reputación, tanto Saoirse Ronan como Kate Winslet) y, que se pierde en elementos insustanciales que no aportan grandes cosas a la historia.

Si bien es cierto que el director, nos muestra esos pequeños detalles para observar el avance de la relación entre ambas. Un simple caricia, una mirada; gestos que en definitiva permiten desarrollar la relación entre estas mujeres. De alguna forma, el momento en el que Mary va al museo y ve esos cuadros de científicos y que su nombre no aparece en los restos que envió, es una metáfora de que el mundo no quería a una mujer científica, ni tampoco la relación entre dos mujeres. 

Calificación personal: 5

En los márgenes (2022)

 

• Dirección: Juan Diego Botto
• Año: 2022
• Género: Drama
• Intérpretes: Penélope Cruz, Luis Tosar, Adelfa Calvo, Christian Checa, Aixa Villagrán, Juan Diego Botto, Font García, Nur Levi, María Isabel Díaz, Javier Perdiguero.
• Guión: Juan Diego Botto, Olga Rodríguez
• Música: Eduardo Cruz
• Fotografía: Arnau Valls Colomer
• Montaje: Mapa Pastor
• Vestuario: Wanda Morales
• Productora: On the fringe, Panache Productions, Morena Films, Amazon Prime Video

SINOPSIS

Tres historias entrelazadas directamente o indirectamente, donde sus vidas cambiarán en el transcurso de 24 horas. Las situaciones personales, familiares, profesionales y económicas; que terminan por ahogar a las personas en una sociedad, que mira hacia otro lado.

CRITICA

Hacía mucho tiempo que no veía una película tan desgarradora, no solo por su alto contenido emocional, sino porque es una triste pero verdadera realidad, de la cual miramos muchas veces hacia otro lado, sin que grandes personalidades hagan nada y que, puede ocurrirle a cualquiera. Nunca se sabe quién va a necesitar ayuda ni cuándo.

Hace mucho tiempo, tuve una profesora cuya justificación sobre "lo malo que era el cine español" es que mostraba realidades y eso, la gente no lo tenía que ver. Pues creo que eso es algo que la gente debería ver, ya que el cine español es un cine realista y que no edulcora (como el cine de Hollywood) las realidades que le sucede a nuestra sociedad. Porque, cuando siempre se ha estado desde un posición privilegiada (sea del tipo que sea) y no se ha visto el dolor y la miseria de cerca, se prefiere culpar a la persona que tiene esa situación, porque ella se lo ha buscado. De ahí también que muchos críticos estén un poco contrariados con esta película.

Volviendo al tema que nos ocupa, la película es ligera (dentro de la dureza de su trama), para mostrarnos las diferentes dificultades de tres mujeres diferentes y, como hacen frente a sus situaciones inminentes de precariedad. El nexo de unión entre esas mujeres es Rafael (un inmenso Luis Tosar) que como abogado intenta luchar por los derechos de esas personas pero, como contraposición, termina descuidando a su propia familia, sin llegar a "ningún final" viable ni para el ni para los que en cierto modo le rodean. Al final, las promesas no son efectivas puesto que hay otros factores determinantes para no llegar a problemas mayores. Pero sobre todo destaca la solidaridad. Esa solidaridad que provoca que haya gente que se ayuda sin esperar nada a cambio, esa solidaridad que hace que haya personas que pongan sus estudios y conocimientos a disposición de otros; en definitiva, esa solidaridad que valora otras cosas por encima del dinero.

Ni mucho menos estoy intentando ser moralista por un lado. Por el otro, está claro que el dinero no da la felicidad, pero ayuda y, cuando no hay, se demuestra si realmente una persona es capaz de desprenderse a lo que está más apegado: el dinero. Nos refleja también la forma de estas mujeres a enfrentarse a la situación. En ningún modo es nada cobardeo huidiza sino, como he comentado anteriormente, al estar muchas veces en una situación de privilegio, no se sabe lo que se siente.

Es una película totalmente desgarradora a la par que necesaria y que nos devuelve a una realidad que ya no es noticia porque "no ocurre muy a menudo" pero que sigue ahí. Al igual que otras muchas, como es el coronavirus, porque como ya está "todo más tranquilo", no es necesario que aparezca en los medios. Pero todo está ahí. Presente en nuestra vidas. No se debe de mirar a otro lado. No se debe de ignorar al que tenemos al lado. Debemos de ser mejores personas, porque el mundo lo componen personas, las cuales deben ser ayudadas, respetadas y amadas en múltiples aspectos. No olvidemos eso.

Calificación personal: 10

Las dos caras de la verdad (1996)

 

• Título original: Primal Fear
• Año: 1996
• Género: Suspense
• Dirección: Gregory Hoblit
• Intérpretes: Richard Gere, Edward Norton, Laura Linney, Maura Tierney, Frances McDormand, John Mahoney, Andre Braugher, Terry O'Quinn, Alfre Woodard.
• Guión: William Diehl, Steve Shagan, Ann Biderman
• Música: James Newton Howard
• Fotografía: Michael Chapman
• Montaje: David Rosenbloom
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Martin Vail (Richard Gere) es un ambicioso abogado de Chicago. Ve la oportunidad de crecimiento de su fama cuando se va a juzgar a Aaron (Edward Norton), un monaguillo por haber matado al arzobispo al haber huido de la escena del crimen.

CRITICA

La trama de película, en lo que se refiere a temas de abogados, ya es de sobra conocido que Hollywood tiende a magnificar todo lo relacionado con los juicios. También parte de la estrategia que tiene con este tipo de películas es incidir sobre todo en la culpabilidad de aquel o aquella al que se acusa, ignorando en muchos casos, parte de los elementos que la rodean.

En este caso, nos muestra por un lado el carácter del abogado Martin, que parece que solo desea la fama y desacreditar a la fiscalía pero, el realmente ha conocido el lado oculto (o corrupto) desde el otro lado y piensa que muchas veces se han culpado a inocentes por causas injustas y cree, en cierto modo que, si vuelve a demostrar con el caso de Aaron, que hay intereses particulares en la fiscalía, defenderá la idea de que hay más culpables en la cárcel que los que tiene que haber.

Aunque al principio, Martin si piensa realmente que Aaron ha matado al arzobispo, al ver el comportamiento errante de su cliente, cambiará de opinión, sobre todo cuando descubren un elemento incriminatorio contra el arzobispo y, cuando Aaron sufre trastornos de comportamiento. De esta forma intentará cambiar las tornas del juicio, lo que le resultará arduamente complicado. Y a media que se van sacando a la luz todos los secretos ocultos, nadie es realmente inocente.

La tendencia que sigue la historia va hilando cada uno de los elementos, pero si que es cierto que introduce a determinados personajes de forma inconexa o, sin una visión clara del papel que van a desempeñar. A pesar de eso, consigue con cierta solidez salir adelante y sorprender con un final, cuyo principal detalle, se encuentran en la última conversación entre abogado y cliente.

Calificación personal: 7

La hija oscura (2021)

 

• Título original: The lost daugther
• Año: 2021
• Género: Drama
• Dirección: Maggie Gyllenhaal
• Intérpretes: Olivia colman, Dakota Johnson, Jessie Buckley, Oliver Jackson Cohen, Ed Harris, Paul Mescal, Dagmara Dominczyk, Jack Farthing, Peter Sarsgaard.
• Guión: Maggie Gyllenhaal
• Música: Dickton Hinchliffe
• Fotografía: Héléne Louvart
• Montaje: Affonso Gonçalves
• Productora: Endeavor Content, Pie Films, Faliro House

SINOPSIS

Leda (Olivia Colman), decide pasar unas vacaciones en Grecia sola. Unos de los días que va a la playa, coincide con una gran familia, donde hay varios miembros. Ella se fija en Nina (Dakota Johnson), la cual tiene una hija pequeña. En ese instante, Leda empieza a recordar y a evadirse en su mundo.

CRITICA

A priori se puede pensar que, simplemente se va a contar la historia de una mujer y que, es algo que está muy manido desde que se inventó el cine. Pero, en este caso, lo que se busca son los entresijos de la mente o, aquello que realmente habíamos ocultado y cerrado pero, que se vuelve a manifestar. A partir del encuentro entre ambas madres y simplemente con las miradas que se dan entre ambas, Leda empieza a abrir su mente a sus recuerdos, provocándole cierta situación de paranoia. Lo que realmente sucede, es que Leda se está introduciendo en su mundo interior, evitando (o provocando) comunicarse con otras personas, ya que los recuerdos son abrumadores. Lo que puede producir en cierto modo que el espectador se distancie de la forma de actuar de Leda.

Por otro lado, refleja ese "lado oscuro" de la maternidad, sobre todo cuando se es joven y hay proyectos o ideas a largo plazo. Lidiar con tareas domésticas, con hijos en un crecimiento constante; unido a que muchas veces (por no decir siempre) las ayudas por parte del cónyuge no se tienen. Por lo que a veces puede resultar un poco despiadado. Estos elementos hacen que Leda acabe entrando en un proceso de catarsis que le hacen cometer pequeñas locuras, por lo que la gente que hay en la playa, duden de ella.

Estos aspectos son los que Leda ve reflejados también en Nina, que con solo una hija pequeña piensa que está agotada y sola y que le vendría bien no tenerla durante un tiempo; o simplemente poder desaparecer. Por lo que al final, ambas de alguna forma reflejan las contradicciones que les supone la maternidad y como la forma de enfrentarse a ella, es una forma de enfrentarse a nuestros propios demonios.

Calificación personal: 7

La consagración de la primavera (2022)

 

• Dirección: Fernando Franco
• Año: 2022
• Género: Drama
• Intérpretes: Valeria Sorrolla, Telmo Irureta, Emma Suárez.
• Guión: Fernando Franco, Bego Aróstegui
• Música: Maite Arrotajauregui, Beatriz Vaca
• Fotografía: Santiago Racaj
• Productora: Blizzard Films, Movistar +, Canal Sur Radio y Televisión, Kowalski Films .

SINOPSIS

Laura (Valeria Sorolla) está recién llegada a Madrid. Se instala en un Colegio Mayor y asistir a la universidad. No conoce a nadie y casi sin dinero, intenta lidiar con todas sus inseguridades. Una noche, en una fiesta conoce a David (Telmo Irureta), con el entabla una curiosa relación de amistad, al igual que con su madre, Isabel (Emma Suárez). De esta forma, irá luchando con esos miedos que la atormentan.

CRITICA

El poder ver películas, de cualquier país y si son independientes, hace que uno se lleve una grata sorpresa. En el caso de esta película, lo es sobre todo por como trata determinados temas que, para muchos sería algo tabú o incluso, impensable. Esto es debido a que estamos acostumbrados a unas "normalidades" cuando realmente no hay quien lo haya establecido como algo normal.

Principalmente, aquí hay dos aspectos que se tratan en esta historia. Por un lado, que las personas con discapacidad también tienen sus deseos sexuales y, las consecuencias de tomar determinadas elecciones, sufriendo sobre todo a nivel emocional y psicológico. Lo que puede, en cierto modo, desconectar con el espectador es la incidencia sobre la parte sexual, quedándose a veces un poco vacío sin intentar ahondar más en los personajes (de ahí que sobre todo, el final sea bastante chocante) y perder la conexión que se produce entre Laura y David.

Si que es verdad, que todo lo que pretende destacar el realizador es siempre con naturalidad, delicadeza y respeto donde, en cierto modo, da la sensación de que los personajes van a perder su integridad (sobre todo en el caso de Laura). En su caso, no solo toma una decisión que le afectará a nivel emocional y psicológico, sino que también, querrá experimentar (o intentarlo) y abrirse más a conocer gente. Pero hay algo que se lo impide y que siempre, en el último momento, termina por echarse atrás.

A pesar de tratar con delicadeza todo el tema sexual, si que me ha falta ver más la conexión entre los personajes de Laura y David. Conocerlos, ver sus motivaciones, deseos, sueños, es decir, una visión más profunda de sus sentimientos y su evolución. Por lo que al final, se convierte en una historia correcta, sin incisión alguna.

Calificación personal: 5.5

Ejecutivo agresivo (2003)

 

• Título original: Anger Management
• Año: 2003
• Género: Comedia
• Dirección: Peter Segal
• Intérpretes: Adam Sandler, Jack Nicholson, Marisa Tomei, John Turturro, Luis Guzmán, January Jones, Kirsta Alley, Woody Harrelson, Allen Covert, Kurt Fuller, Heather Graham, Jonathan Loughran, John C. Reilly.
• Guión: David S. Dorfman
• Música: Teddy Castellucci
• Fotografía: Donald McAlpine
• Montaje: Jeff Gourson
• Productora: Revolution Studios, Happy Madison

SINOPSIS

Tras un pequeño incidente en un avión, David (Adam Sandler) debe asistir a una terapia para reconducir la ira, la cual es dirigida por el doctor Buddy Rydell (Jack Nicholson) que, justamente iba en el mismo vuelo que David en el momento de su pequeño incidente.

CRITICA

He de reconocer que me gusta revisionar algunas películas que vi hace años. A veces me sorprende que, si me gustó hace unos años, ahora está en un punto muerto sobre los gustos. Es decir, que no me disgusta pero, no me entusiasma como la primera vez. Pero es cierto, que con el paso del tiempo uno puede cambiar en lo que a gustos se refiere, y en películas, ocurre exactamente lo mismo.

A pesar de no sentir el mismo entusiasmo, si que me ha hecho pasar un rato entretenido. Se puede decir que en este caso, se produce una paradoja, en la cual el protagonista debe de asistir a control de la ira pero, realmente no la padece, sino todo lo contrario: debería de soltarla más de vez en cuando para poder liberarse del abuso por parte de otros.

Es cierto que a medida que avanzan los minutos se van sucediendo una serie de situaciones que provocan que David se sienta incómodo pero, por otro lado hace que la rabia que lleva acumulada vaya saliendo en pequeñas tormentas para conseguir el culmen de la misma. Obviamente, en el mundo real no podemos actuar de la misma forma, principalmente porque nos meteríamos en serio problemas pero, no está de más que de vez en cuando haya que poner a la gente en su lugar para evitar cualquier todo tipo de abuso. También, lo que en parte desagradó un poco a la hora de estrenarse la película fue, el tratamiento de determinados colectivos o situaciones para generar más vis cómica.

Es cierto que su función principal de entretener la cumple y que fue el declive de la carrera de Adam Sandler y el mantenimiento de la carrera de Jack Nicholson (algunos piensan que ocurrió lo contrario) y que, dentro de lo políticamente incorrecto, ambos salen airosos para brindar una hora larga de entretenimiento.

Calificación personal: 6.5

Armas de mujer (1988)

 

• Título original: Working girl
• Año: 1988
• Género: Romántica
• Dirección: Mike Nichols
• Intérpretes: Harrison, Melanie Griffith, Sigourney Weaver, Joan Cusack, Alec Baldwin, Philip Bosco, Nora Dunn, Oliver Platt.
• Guión: Kevin Wade
• Música: Carly Simon, Rob Mounsey
• Fotografía: Michael Ballhaus
• Vestuario: Ann Roth
• Productora: 20th Century Fox

SINOPSIS

Tess (Melanie Griffith) es una joven neoyorkina que tiene el sueño de poder crecer en su empresa, sin apenas estudios. Cuando ve la oportunidad de asumir determinadas funciones de su jefa Katherine (Sigourney Weaver), la empezarán a tomar más en serio.

CRITICA

El estreno de esta película supuso un antes y un después. No solo por los estrambóticos peinados, sino por reflejar en cierto modo, la lucha de las mujeres en el mundo laboral; sobre todo en aquel que está principalmente dominado por hombres. Aunque, han pasado más de treinta años, hay cosas que siguen sin cambiar; sobre todo para las mujeres.

Claramente aparecen ciertos aspectos que es necesario destacar. Primeramente, tendríamos el estereotipo de que, siempre las mujeres solo deben de desempeñar trabajos de secretaria; bien por razón de su sexo o, porque no han estudiado a diferencia de los hombres. En segundo lugar, se asocia a que las mujeres por el simple echo de serlo, tienen la cabeza hueca y llena de pájaros, por lo que no tendrán miras ni perspectivas de futuro. En tercer lugar, muchas veces el tener estudios no te hace ser una persona "educada" sino, todo lo contrario, lo que demuestra que el nivel de inteligencia, no te hace ser una mejor persona. Estos elementos se ven reflejados en los personajes pero sobre todo, en el de Tess.

Es una mujer con tesón y con ganas de progresar profesionalmente y que la tomen en serio pero, ser secretaria produce el efecto contrario y, cuando decide ponerse en acción para hacerse valer, los grandes empresarios la toman en serio y no cuestionan su procedencia salvo, cuando se descubre toda la verdad sobre quien es; se refleja lo que realmente importa: las apariencias. Eso se muestra en el personaje de Katherine, la cual ha llegado a desempeñar un puesto de responsabilidad sin tener realmente idea del mundo laboral en el que se encuentra pero, vive de las ideas de otros.

Con esta película, lo que se nos viene a recordar es que la frase "en el amor y en la guerra todo vale", no es el concepto idóneo para convivir en el mundo y que, esas piedras que nos encontramos en nuestro camino, terminarán por erradicarse pero, sin perder la esencia de lo que somos sin dejarnos pisotear por nada ni por nadie.

Calificación personal: 7

Blonde (2022)

 

• Dirección: Andrew Dominik
• Año: 2022
• Género: Drama
• Intérpretes: Ana de Armas, Adrien Brody, Bobby Cannavale, Xavier Samuel, Evan Williams, Julianne Nicholson, Toby Huss, Garret Dillahut, David Warhosfky
• Guión: Andrew Dominik
• Música: Nick Cave, Warren Ellis.
• Fotografía: Chase Irvin
• Montaje: Adam Robinso, Jennifer Lame
• Vestuario: Jennifer Johnson
• Productora: Plan B Entertainment, Netflix

SINOPSIS

Marilyn Monroe (Ana de Armas), antes de pasar a ser el sex symbol en el que se convirtió, tenía un nombre Norma Jeane. En esta obra ficccionada, se cuentan los devaneos amorosos, los traumas y el final, de un mito del cine.

CRITICA

Cuando una película sin haberse estrenado (pero se ha visto en festivales o los adelantos), se habla mucho de ella, se espera que termine siendo un éxito o, se termine convirtiendo en una película de culto. O, puede pasar lo que le ha pasado a Blonde, que de lo desagradable y misógina que es, se ha pegado un tremendo traspiés en su recaudación. Y no solo eso, sino el haber maltratado, no solo a un mito del cine, también la vida desdichada de una mujer que sufrió y, cuyo final es de sobra conocido.

La verdad es que no se por donde comenzar, ¡hay tanto que decir! (sobre todo en negativo). Al igual que siempre he comentado lo cuidadoso de una adaptación literaria. También hay que saber que, determinados escritores para desarrollar a personajes que existieron se ven en la necesidad de escribir determinados diálogos; no puedes hacer eso con una persona de la que hay una gran cantidad de datos entre entrevistas, conversaciones, biografías autorizadas, etcétera; para mostrar la imagen de una mujer que no es real por dos motivos. El primero es que dañas su imagen y el segundo, es que la gente que a lo mejor desconoce su vida, se crea lo que le están contando en la película.

Primeramente, todo la historia en si no hay por donde cogerla. No solo por el salto temporal que realiza, también por esa confusión de pasar de fotografía en blanco y negro a la de color, sin realmente explicar lo que se quiere transmitir con ese tipo de imágenes. En segundo lugar, hay imágenes muy oníricas (por no decir todas ellas) que pretenden emular la película El árbol de la vida de Terrence Malick (ver crítica en este blog). En tercer lugar, la forma de mostrar a quien había detrás de Marilyn Monroe, reflejándola como una mujer tonta, débil, fácil de violar y que se acotaba con todo hombre que apareciese a su lado. Aunque en esa época se cosificara en demasía a las mujeres, no es necesario recrearse en esos aspectos para dar por sentado una práctica atroz que se sigue llevando hoy en día. Si bien es cierto que algunas cosas (pero no por lo que se refleja en esta película), si sucedieron en la vida de Marilyn y no seguir dando pábulo a que por ser rubia, era tonta (no era rubia de forma natural).

Los pocos aspectos positivos que puedo destacar, es el trabajo formidable de introducir fotogramas de las películas de la actriz y lo espectacularmente bien que están rodados; así como el imitar determinadas fotografías y posado. Pero, lo que realmente hay que reseñar es el impecable trabajo de Ana de Armas, que da credibilidad a Marilyn en sus gestos, facciones, forma de moverse, de hablar y que, su maravillo trabajo se ve eclipsado por momentos innecesarios para mostrar siempre a la actriz como un trozo de carne y no como a una persona. Por cierto, muestran al escritor Arthur Miller como una persona muy bondadosa cuando en realidad, trataba realmente mal a la actriz, describiéndola incluso como una idiota sin remedio (bien se sabía, que ella era una persona muy culta). Aquí santos, nadie.

Con todo lo comentado anteriormente, no me extrañaba nada que Netflix no quisiera estrenarla (su estreno estaba programado para 2019) y que, hacer buen cine, no hay que hacerlo yendo a lo sencillo, a lo sexual, a violencia extrema ni nada que se le parezca. Sino contar una buena historia desde lo humano y desde lo sincero.

Calificación personal: 3

Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho... ahora? (2019)

 

• Título original: Qu'est-ce qu'on a encore fait au Bon Die?
• Año: 2019
• Género: Comedia
• Dirección: Philippe de Chauveron
• Intérpretes: Christian Clavier, Chantal Lauby, Ari Abittan, Medi Sadoun, Frédéric Chau, Noom Diawara, Frédérique Bel, Julia Piaton Émilie Caen, Élodie Fontan, Pascal Nzonzi, Salimata Kamate, Tatiana Rojo.
• Guión: Guy Laurent, Philippe de Chauveron
• Música: Marc Chouarain
• Fotografía: Stéphane Le Parc
• Productora: Les Films Du Premier, TF1 Films Productions

SINOPSIS

Tras haber superado que sus cuatro hijas se casasen con hombres de origen extranjero. Claude (Christian Clavier) y Marie Verneuil (Chantal Lauby), tienen que hacer frente a una nueva situación: sus hijas se van a vivir fuera de Francia. Cuando descubren que son su maridos los que más ganas tienen de irse, idean un plan para evitar esa fuga.

CRITICA

Cuando una películas ha conseguido dar el juego suficiente en taquilla, la idea de que haya una o varias secuelas, no sorprende nada en absoluto. No solo en el cine americano, también en el europeo. Y aquí hay un echo que lo constata. De nuevo sigue la aventuras y desventuras del matrimonio Verneuil para evitar que sus hijas se alejen de ellos. En este caso, evitar que se muden a vivir a otro país.

En este caso sigue manteniendo los tópicos que se mostraban en la primera película (color de piel, la religión, cultura...) pero, reflejado en la figura de los maridos. Se sienten infravalorados en Francia (y más concretamente en París) no lo ven como un país seguro ni de oportunidades. Por lo que creen que es mejor olvidarse y cambiar en un país nuevo. Con todo lo que va sucediendo, intentan estirar el chicle con chistes manidos y también con los tópicos que mencionaba al principio. Al principio empieza mu bien, pero luego se va desinflando poco a poco.

Es una forma de ver desde el punto de vista cómico (aunque no haya mucho la verdad), como hay cosas que siguen igual con el paso del tiempo y que, por mucho que el tiempo pase, hay cosas que permanecen inalterables; como es el caso del racismo, tolerancia, adaptaciones, etcétera; y que deberían de avanzar. Pero no ocurre. Aunque se intenten meter aspectos políticos de por medio.

Y como no, tras el éxito conseguido por esta segunda parte, en este año presente (el 2022), se estrenó la tercera parte en la cual los Verneuil cumplen cuarenta años de casados y las hijas invitan a los abuelos al aniversario. No sabremos que pasará. No sabremos si la veré.

Calificación personal: 5.5

Ant Man y la avispa (2018)

 

• Título original: Ant Man and the wasp
• Año: 2018
• Género: Aventuras, acción
• Dirección: Peyton Reed
• Intérpretes: Paul Ruud, Evangeline Lilly, Michael Douglas, Michael Peña, Laurence Fishburne, Hannah Jon-Kamen, Michelle Pfeiffer, Abby Ryder Fortson, Bobby Cannavale, Judy Geer, T.I. Harris, Randall Park.
• Guión: Chris McKenna, Paul Rudd, Erik Sommers, Andrew Barrer, Gabriel Ferrari
• Música: Christophe Beck
• Fotografía: Dante Spinotti
• Montaje: Dan Lebental, Craig Wood
• Productora: Marvel Studios

SINOPSIS

Scott Lang (Paul Ruud) se encuentra en arresto domiciliario tras haber ayudado a Los Vengadores, ayuda a Hank Pym (Michael Douglas) y a su hija Hope (Evangeline Lilly) a abrir un túnel cuántico para recuperar a Janet (Michelle Pfeiffer) tras haberse encogido a niveles subatómicos. Esto no sería tarea fácil, puesto que un ser, denominado Fantasma, necesita el túnel para fines personales.

CRITICA

Creo que es de sobra conocido el objetivo de las películas de Marvel. Simplemente un blockbuster palomitero y, que el espectador pase un rato entretenido, mientras ve la película. Además de introducir multitud de efectos especiales y, los chistes fáciles (pero graciosos) para así aligerar la trama y que no sea tan soporífera.

Hay que reconocer también que, la gran recaudación de las películas de superhéroes, ayuda a las productoras a enfrentarse a proyectos cinematográficos con un guión fuerte y que, pueda arrasar cuando llegue la temporada de premios. Pero, llegan a un punto en el cual películas de este estilo pierden su interés cuando ya todos los chistes y, prácticamente todas las historias están manidas. Así como los diferentes saltos en el tiempo, la secuenciación de las películas y las escenas poscréditos, el espectador no sepa exactamente que es lo que está viendo.

Al leer esta crítica, la pregunta que puede surgir es porque la he visto. Pues en definitiva era por pasar un rato entretenido, porque la primera entrega fue mejor y, por si me introduzco en el mundo de los personajes de Marvel. Pero, ya veo que no es lo mío. Quizás no sea el género más idóneo para mis gustos cinematográficos. Por eso, para gustos, los colores.

Calificación personal: 5.5

Ocho sentencias de muerte (1949)

 

• Título original: Kind hearts and coronets
• Año: 1949
• Género: Drama
• Dirección: Robert Hamer
• Intérpretes: Dennis Price, Alec Guinness, Valerie Hobson, Joan Greenwood, Audrey Fildes, Miles Malleson, John Penrose, Clive Morton
• Guión: Roy Horniman, Robert Hamer, John Dighton
• Música: Ernest Irving
• Fotografía: Douglas Slocombe
• Montaje: Pete Tanner
• Vestuario: Anthony Mendleson
• Productora: Ealing Studios

SINOPSIS

Un joven ambicioso y sin escrúpulos (Dennis Prices) está dispuesto a acabar con la familia D'Ascoyne, a la que pertenece pero, de la que fue desheredado por casarse su madre con un músico. Su plan consiste en estudiar a todos los miembros de la familia para acabar con ellos. Uno a uno.

CRITICA

El humor negro británico, se ha caracterizado muchas veces por reflejar diversos aspectos de la vida cotidiana y, mezclarnos con un toque sarcástico. Por otro lado, de una forma bastante certera intenta mostrar todos los aspectos que, muchas veces diferentes familias poderosas tienen a la hora de manipular a los diversos herederos con tal de no manchar su nombre.

En todo este trajín de la historia, una mujer al casarse con un músico, provoca que su padre la desherede, así como no volver a tener contacto con ella ni con el hijo de ésta, Louis. Cuando va creciendo, empieza a perpetrar un plan para conseguir esa tan ansiada herencia, puesto que al ser un noble, no tendría que verse forzado a trabajar, sino a poder disfrutar de la vida y de sus privilegios nobiliarios que le fueron quitados.

Por ello, empieza a desarrollar el plan para acabar con cada uno de los diferentes herederos y así poder ascender de inmediato. Los diversos planes que va poniendo en marcha son muy sutiles a la par que accidentales, para no dejar ningún atisbo de duda sobre su persona. Pero, ese exceso de ambición le acabará costando muy caro, no solo porque no tiene ningún tipo de miramientos por acabar con el ser humano, sino también que el aparentar (aunque luego lo sea) un noble, con aires refinados, se cree con derechos e inmunidad sobre su persona. Lo que provoca el final esperado (o no tanto), del cual no voy hacer ningún spoiler.

Podríamos concluir que el afán por aparentar algo que no somos, conseguir aquello que nos merecemos, pisotear a los demás o incluso creernos superiores, no nos convierte en mejores personas sino, en seres viles y despreciables que, tarde o temprano, recibirán su merecido.

Calificación personal: 8

La suerte de los Logan (2017)

 

• Título original: Logan Lucky
• Año: 2017
• Género: Comedia
• Dirección: Steven Soderbergh
• Intérpretes: Channing Tatum, Adam Driver, Riley Keough, Daniel Craig, Katie Holmes, Jack Quaid, Seth MacFarlane, Hilary Swank, Brian Gleeson, Katherine Waterston, Sebastian Stan.
• Guión: Rebecca Blunt
• Música: David Holmes
• Fotografía: Steven Soderbergh
• Montaje: Steven Soferbergh
• Productora: Film Nation Entertainment

SINOPSIS

Jimmy Logan (Channing Tatum) está divorciado, desempleado y sin un duro. Clyde Logan (Adam Driver) perdió un brazo en la guerra y trabaja en un antro. Y su hermana Millie (Riley Keough) es peluquera, intentan romper una maldición familiar que supuestamente acecha a su familia. Con la ayuda de Joe Bang (Daniel Craig) intentarán robar en las millas de Indianápolis.

CRITICA

Realmente sería un poco difícil de clasificar esta película, pero es cierto que tiene un toque de humor negro curioso. A pesar de ser un filme que tiene un ritmo un poco lento, en lo que se refiere al desarrollo de la trama, si que hay que destacar que todos y cada uno de los movimientos que realizan los protagonistas para dar el golpe, está perfectamente calculado.

Al ser el director de la película el mismo que el de la saga de Ocean's, parecía que nos mostrarían algo por el estilo, pero lo que realmente refleja son determinados estereotipos de la América profunda. Eso si, cada uno de los personajes, aunque los muestra como si fuesen palurdos, pero todos y cada uno de ellos demuestra inteligencia en el papel que les toca desempeñar en el atraco.

También hay que destacar que siempre hay algún personaje que destaca por encima del otro, para devolver la clarividencia al grupo mientras todo se va desarrollando. Si bien es cierto que no se les plantean demasiados problemas derivados del robo y, todo parece mucho más fácil. A fin de cuentas, no parecen muy capacitados para llevarlo a cabo. Lo que nos deja, en conclusión, una película con cierto entretenimiento con unos personajes bastantes creíbles pero, que termina fallando en el elemento del suspense; para hacerlo más creíble.

Calificación personal: 6

Ali y Ava (2021)

 

• Título original: Ali & Ava
• Año: 2021
• Género: Romántica
• Dirección: Clio Barnard
• Intérpretes: Adeel Akhtar, Claire Rushbrook, Ellora Torchia, Shaun Thomas, Natalie Gavin, Mona Goodwin, Krupa Pattani, Vinny Dhillon
• Guión: Clio Barnard
• Música: Harry Escott
• Fotografía: Ole Bratt Birkeland
• Productora: BBC Films, BFI Film Fund, Moonspun Films

SINOPSIS

Ali (Adeel Akhtar) y Ava (Claire Rushbrook) se sienten solos. Se conocen a través de Sofía, la hijas de los inquilinos de Ali y de la que Ava es profesora. A pesar del trauma de la relación pasada de Ava, y las secuelas emocionales en Ali; ambos empiezan a conocerse para darse una oportunidad.

CRITICA

La verdad es que no me sorprende nada la calidad de este filme. En primer lugar porque Europa tiene películas de alta calidad y en segundo, porque el cine británico es un fiel reflejo de lo social en lo actualidad. Por un lado porque muestra la otra cara del Reino Unido y, también porque a pesar de tratar temas tristes y espinosos, es capaz de sacar la cara más amable de las personas.

Sorprende también por la capacidad que tienen los personajes de compenetrarse, sobre todo a través del dolor pero sin ser condescendientes el uno con el otro. Porque, a medida que abren sus corazones y se cuentan aquello que les atormenta y que les atormentó, no les hace entrar en juicio el uno para con el otro, sino todo lo contrario. Es el momento de que ellos sean felices. Es el momento de que juntos puedan tener una oportunidad y saber, que el tiempo no ha pasado. Pero, van a tener un gran inconveniente: la familia.

Para Ali, su matrimonio ya no tiene solución a pesar de los grandes esfuerzos de el por seguir adelante con su mujer y de haberla dado espacio y a pesar de todo, no la juzga por ello. También está el resto de su familia, que temen a las habladurías de los demás, sobre todo de los de la comunidad musulmana. En el caso de Ava, se nota que ha dado todo por su familia y ha sacrificado su felicidad, sin ser por ello una mala madre, esposa y abuela. Pero nota que toda su vida ha estado sola de alguna forma y que siempre ha estado huyendo (ya sea literalmente o metafóricamente) y con Ali, ha encontrado esa complicidad que tanto le ha faltado, pero teme que las situaciones del pasado se vuelvan a repetir; pero ella sigue teniendo un halo de esperanza. La forma de conectar entre ellos es por medio de la música, que incluso en Ali produce un efecto que no había tenido antes: escuchar los géneros que le gustan a Ava.

Uno de los muchos aspectos que me han fascinado de esta película es que el eje central de la historia no son dos personas jóvenes, sino adultas; lo que refleja que en diferentes etapas de la vida se puede encontrar a alguien que simplemente te haga feliz. Personas que intentan buscar su hueco en este mundo y que la vida no siempre es perfecta. Al final, la vida es como un jarrón que intentas recomponer. Las marcas que indican por donde se ha roto, es como si fuesen roturas de tu vida que te hacen recordar quien eres y si además, encuentras a una persona que te ayuda a recomponerte, mucho mejor.

Como conclusión a esta película, podríamos decir que, incluso más allá del amor en si, las personas necesitamos compañía y compartir nuestras cosas con la gente y ayudar. Recordando que, el problema de ayudar mucho a la gente, es que el día que dejes de hacerlo, el malo eres tú.

Calificación personal: 9

Es la jefa (2016)

 

• Título original: The boss
• Año: 2016
• Género: Comedia
• Dirección: Ben Falcones
• Intérpretes: Melissa McCarthy, Kristen Bell, Peter Dinklage, Ella Anderson, Tyler Labine, Kathy Bates, Annie Mumolo, Kristen Schaal.
• Guión: Ben Falcone, Melissa McCarthy, Steve Mallory
• Música: Christopher Lennertz
• Fotografía: Julio Macat
• Montaje: Craig Alpert
• Productora: Universal Pictures, Gary Sánchez Productions, On the Day Productions

SINOPSIS

Michelle Darnell (Melissa McCarthy) es una despiadada mujer de negocios. Tras haber cometido el delito de tráfico de influencias, es llevada a prisión durante seis meses. Al salir, no tiene nadie que la acoja ni una cosa. Hasta que consigue dar con su antigua asistente Claire (Kristen Bell) para que le ayude a resarcirse como el ave Fénix.

CRITICA

Creo que ya he perdido la cuenta en lo que se refiere con respecto a las comedias. Es decir, que parece ser que poder ver alguna película de este género, que realmente valga la pena, es un poco complicado. Por otro lado, me encanta el trabajo que hace Melissa McCarthy y, como ha sido capaz de moverse tanto en la comedia como en el drama y que, sus compañeros de reparto den siempre lo mejor de si mismos. Pero con esta película, no hay por donde coger los chistes ni las gracias; dando como resultado una comedia tediosa, aburrida y con falta de gracia.

Para ser una comedia, intenta ir a los chistes fáciles y rápidos. Al final termina por perderse en un laberinto de momentos chistosos malos, para rellenar los agujeros de guión puesto que no se sabe como continuar con la historia y, que no resulte un petardo (per se ya lo es). Dando como resultado una comedia sin fundamento que realmente no pasará a los anales de la historia cinematográfica.

Creo que, aquellos que leéis a menudo mis críticas, se puede notar de una forma clara cuando no deseo perder el tiempo escribiendo sobre un filme, que no me ha aportado nada ni me ha hecho pasar un rato agradable (solo me ha aportado una pérdida de tiempo irreparable) y que por mucho que lo intente, prefiero no seguir llenando líneas con comentarios que son irrelevantes a pesar de ser mi opinión personal. Por lo que, llegados a este punto, creo que no recordaré esta película en mucho tiempo.

Calificación personal: 2.5

París, bajos fondos (1952)

 

• Título original: Casque D'Or
• Año: 1952
• Género: Drama
• Dirección: Jacques Becker
• Intérpretes: Simone Signoret, Serge Reggiani, Claude Dauphin, Raymond Bussiéres, Gaston Modot, Paul Barge.
• Guión: Jacques Becker, Jacques Companeez, 
• Música: George Van Parys
• Fotografía: Robert Lefebvre
• Montaje: Marguerite Renoir
• Vestuario: Marcelle Desvignes, Georgette Fillon.
• Productora: Speva-Films, Paris Films Production

SINOPSIS

París, 1900. Marie (Simone Signoret) es una bella prostituta amante de uno de la banda de Felix (Claude Dauphin). Acabará encontrando el amor en un humilde carpintero (Serge Reggiani), que no lo tendrá nada fácil para sacar a Marie de su vida.

CRITICA

La nouvelle vague del cine francés, consiguió explorar terrenos que eran vedados en el cine e incluso, en la propia sociedad por estar mal vistos. En esta película, con muy buen acierto, vemos reflejada esa parte de los bajos fondos de la ciudad de París (de ahí que la traducción, venga como anillo al dedo). En este caso son las prostitutas (o como se las llamaba anteriormente, cortesanas) que eran mal vistas por todos pero ellas, no se sentían cómodas en su situación y, que alguien se fijase en ellas sin verlas como un simple trozo de carne, ya era todo un logro.

En el caso de muchas de estas películas de este movimiento, es que en determinadas ocasiones no importaba que hubiese un guión perfectamente desarrollado, sino todo lo contrario. Es decir, que a modo de contar una historia real, no es necesario que existan diálogos intrincados, sino que simplemente es necesario que el espectador intente mimetizarse con la trágica vida de los personajes; de esta forma consiga observar que la vida que llevan no es nada fácil.

De una forma bastante clara y poco sutil en París, bajos fondos no pretende incidir en la vida de las prostitutas, puesto que lo que prefiere es que se vea el reflejo de aquellos hombres que abusaban de ellas, el desprecio que las hacían y los insultos que las proferían; porque sabían como manejarlas: ellas se sentían cuidadas por esos hombres que las despreciaban y, a su vez, ellos al final no podían estar sin ellas. Como si fuese algo de su propiedad.

El director francés Jacques Becker, murió a una edad un tanto temprana (60 años) pero cuya filmografía sea basa sobre todo en mostrar la resiliencia de los diversos personajes, en diversas situaciones; para que simplemente el espectador viese como a través de un simple gesto, un movimiento, una expresión, se terminaba por decir todo. Como es lógico, siempre el final de sus personajes es trágico, sobre todo de aquellos que, reflejando su bondad, son lo que peor parados acaban en la historia. Por lo que, reflejar muchas veces lo que es la realidad, trae terribles consecuencias.

Claramente se va reflejando la deslealtad entre los que se consideran amigos. Lo que permite demostrar las amistades de verdad no se forjan sobre intereses, sino en algo más profundo. Por otro lado, cuando se lleva una vida de penurias, al final terminas por luchar por tu supervivencia y tus intereses; porque al final nadie mira por ti. Por lo que puedo concluir que este filme, es una joya oculta del cine francés que sin tapujos, te muestra una realidad que sigue muy vigente.

Calificación personal: 8