Se acabó el pastel (1986)

 

• Título original: Heartburn
• Año: 1986
• Género: Drama romántico
• Dirección: Mike Nichols
• Intérpretes: Meryl Streep, Jack Nicholson, Jeff Daniels, Stockard Channing, Maureen Stapleton, Richard Masur, Catherine O'Hara, Milos Forman.
• Guión: Nora Ephron
• Música: Carly Simon
• Fotografía: Néstor Almendros
• Vestuario: Ann Roth
• Montaje: Sam O'Steen
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Rachel (Meryl Streep) es una famosa escritora que decide anteponer el amor a su carrera cuando conoce a Mark (Jack Nicholson), el cual es mujeriego y jura, que va a dejar toda su antigua vida porque está perdidamente enamorada de ella. Pero su relación se va a complicar con el paso del tiempo.

CRITICA

A la hora de terminar la película es cierto que comenté que se me hizo un tanto pesada y larga (y me reitero en mi argumento) pero, independientemente de esto, es cierto que la historia tiene un determinado trasfondo, sobre los engaños y, porque está basada en la semiautobiografía de la guionista y directora Nora Ephron.

En determinadas ocasiones, puede ocurrir que cuando una persona se encuentra saliendo con alguien o está casado/a, puede ocurrir que se encuentre con la persona con la que realmente va a compartir el resto de su vida y que no dará más bandazos en su vida amorosa; aunque, esa expectativa puede llegar a derrumbarse si una de las dos partes no está comprometida.

Claramente se nos muestra a una mujer que deja toda su vida profesional para poder cumplir su sueño de ser feliz en el amor y estar a lado de su marido pero, a medida que pasan los años ella se siente como una mujer tonta y estúpida (a la par que infeliz) cuando descubre que su marido la engaña (reconozco que acabo de hacer un gran spoiler). A medida que pasan los minutos de la película, se evidencia de una forma clara como el marido justifica de alguna forma su comportamiento y como la mujer debe de tragar con dicho comportamiento y aceptar su perdón, para saber que al final el no va a cambiar y ella tiene derecho a ser feliz.

Lo que nos lleva a una conclusión que en muchos matrimonios se producen infidelidades y cuántas mujeres y hombres desconocen por completo que su cónyuge les engaña. Ante esta situación, cuando uno descubre que su pareja le engaña y le da otra oportunidad, ¿es cierto que realmente va a cambiar?, ¿hay que fiarse ante lo que dice sobre su verdadera fidelidad?, ¿o realmente no se debe de dar una oportunidad y evitar un sufrimiento que lo más seguro es que no haya terminado? Son preguntas a las que cuesta darles una respuesta. 

Calificación personal: 6

Madres paralelas (2021)

 

• Dirección: Pedro Almodóvar
• Año: 2021
• Género: Drama
• Intérpretes: Penélope Cruz, Milena Smit, Rossy de Palma, Aitana Sánchez-Gijón, Israel Elejalde, Julieta Serrano, Adelfa Calvo, Julio Manrique.
• Guión: Pedro Almodóvar
• Música: Alberto Iglesias
• Fotografía: José Luis Alcaine Escaño
• Montaje: Teresa Font
• Productora: El Deseo, Sony Pictures, RTVE.

SINOPSIS

Dos mujeres embarazadas en el hospital. Una es Janis (Penélope Cruz) y otra Ana (Milena Smit) se encuentran en una situación en la que van a estar solas. Mientras que Janis no se arrepiente de haberse quedado embarazada, Ana sin embargo si. Aunque no lo parezca, sus vidas quedarán más unidas de lo que ellas mismas creen.

CRITICA

Cómo todo en la vida, hay determinadas cosas que puedes odiar o amar. Otras muchas, te gustan o no te gustan. En el caso del cine siempre hay diversidad de opiniones. Por lo que desde mi punto de vista me pregunto, ¿realmente era necesaria esta película? La respuesta creo que es clara y evidente: no.

A lo mejor no soy un experta cinematográfica pero, creo que he visionado suficientes películas como para saber que, mezclar en una trama diversos temas que no están íntimamente relacionados y que, además termina por desvirtuarse toda la historia, no creo que sea digna de mucha mención. Es decir, la premisa de la que parte es muy buena y se podría haber explotado más: dos mujeres que se quedan embarazadas de forma accidental y cuyas vidas están muy relacionadas más de lo que ellas creen y como con el devenir de su situación, se van aclarando muchas cosas.

En toda esta vorágine se introduce el tema de la memoria histórica como si fuese un hilo conductor en la vida de ambas mujeres y de su situación personal. Para que, desde la mitad de la película se convirtiese en eje central de la misma. Con esto no quiero decir que esté en contra de la memoria histórica, sino que hubiese sido más recomendable realizar una película en el que se trate este tema para que así, el espectador se pueda centrar realmente en lo que les ocurre a las dos mujeres protagonistas tras conocerse en el hospital.

El director manchego tiene películas que son memorables a la par que otras muchas muy olvidables y que sirven de relleno en su filmografía. Por otro lado, no hay que dejarse engañar en lo que se refiere a nominaciones de premios, puesto que no siempre es oro todo lo que reluce y que un éxito de algo que es mejor olvidar, no significa que tenga que ser bueno.

Calificación personal: 4

La loba (1941)

 

• Título original: The little foxes
• Año: 1941
• Género: Drama
• Dirección: William Wyler
• Intérpretes: Bette Davis, Teresa Wright, Richard Carlson, Herbert Marshall, Dan Duryea, Patricia Collinge, Carl Benton Reid, Charles Dingle.
• Guión: Lillian Hellman, Dorothy Parker, Alan Campbell
• Música: Meredith Wilson
• Fotografía: Greg Toland
• Montaje: Daniel Mandell
• Vestuario: Orry-Kelly
• Productora: RKO Pictures, Samuel Goldwyn Productions

SINOPSIS

Finales del siglo XIX. En una pequeña ciudad del sur, Regina (Bette Davis) lleva a cabo una lucha constante para conseguir la herencia familiar, incluso por lo que le pueda dejar su marido. Al estar en desventaja, dejará a un lado los sentimientos incluso hacia su propia hija.

CRITICA

Es curioso como con el paso del tiempo, habrá películas que siempre serán atemporales, es decir, que por mucho que pase el tiempo, la gente las seguirá recordando; bien por su trama o bien por sus interpretaciones. En este caso, siempre será por la interpretación de Bette Davis, cuyos mejores papeles fueron hasta la década de los cincuenta y progresivamente, su carrera cayó en picado. En el caso de esta película, siempre nos hará recordar a la mujer malvada, fría y calculadora que no escatima en llevarse a todo aquel que ponga por delante.

De alguna forma, refleja la vida en la zona sur de Estados Unidos (en mi humilde opinión, por lo que llego a conocer de historia) de una familia acaudalada, donde claramente la mujer sale mal parada y, que se ve reflejada en tres personajes femeninos. Por un lado está el personaje de Regina (interpretada de una forma magistral por una brillante Bette Davis) que desea tomar partido en el negocio que quieren realizar sus hermanos y, al ser mujer, solo puede acceder si pone una parte del capital, para lo cual necesita a su marido ya que ella depende del sustento. Para conseguirlo es capaz de utilizar todos los medios de los que dispone, incluida a su hija (interpretada por Teresa Wright) la cual tiene unos principios morales mucho más férreos que su madre pero aún así, sigue viviendo en un mundo ligeramente paralelo. Hasta que un día su tía (aquí el tercer personaje femenino relevante) decide por "explotar" y mostrar la vida que lleva junto al hermano de su cuñada Regina, y así descubrir que todos son unos sátrapas y destructores de la felicidad, puesto que no les importa nada ni nadie con tal de conseguir sus objetivos.

Ante estos diversos escenarios, se muestra al espectador las diversas caras y sus correspondientes reflejos de una parte de la sociedad que tiene poder sobre otros y la falta de escrúpulos en todos los aspectos personales, sociales y profesionales. Claramente la presencia de Bette Davis en cada uno de los planos hace que el espectador no empatice en absoluto con su personaje y a su vez, como es capaz de mantener los diversos duelos dialécticos con el resto del elenco y demostrar que, el personaje al que interpreta, siempre tenga que quedar por encima de los otros personajes.

Siempre que visiono alguna película en la cual, un personaje femenino tiene fuerza, garra y que hace de mujer dominante (que no de femme fatale, no significa lo mismo), demuestra una vez más el cinismo que se tiene sobre las mujeres, al pensar que nosotras, somos el sexo débil.

Calificación personal: 8

Judy (2019)

 

• Dirección: Rupert Goold
• Año: 2019
• Género: Drama
• Intérpretes: Renée Zellweger, Finn Wittrock, Jessie Buckley, Rufus Sewell, Michael Gambon, Bella Ramsey, Royce Pierreson, Andy Nyman.
• Guión: Tom Edge
• Música: Gabriel Yared
• Fotografía: Ole Bratt Birkeland
• Montaje: Melanie Ann Oliver
• Vestuario: Jany Temime
• Productora: 20th century fox, BBC Films, BFI, Pathé

SINOPSIS

Año 1968. Tras varios años sin conseguir un papel en la industria cinematográfica, Judy Garland (Renée Zellweger) llega a Londres para ofrecer una serie de conciertos que, de alguna forma le ayude a solventar sus problemas económicos y así, poder regresar a casa con su familia.

CRITICA

Desde el momento en el que se sabía que se iba a poner en marcha una película sobre una de las ex estrellas infantiles más cotizadas, toda la familia de Judy Garland se puso a la defensiva (sobre todo su hija Liza Minnelli). Pero, desde mi punto de vista, lo único que quería reflejar, más allá de la decadencia física y artística que tuvo, es como la industria del cine ha sido y siempre será cruel con las mujeres. A pesar de que hoy en día no se apliquen los mismos métodos, las mujeres siempre estarán menospreciadas en la industria.

Como bien se refleja en la película (aunque se observa claramente su decadencia en las últimas películas en las que intervino), como de una forma muy clara siempre estuvo a merced de los estudios y de como ellos podían hacer y deshacer a su antojo para conseguir el prototipo de niña cándida; haciéndola grabar más de doce horas al día, suministrándole anfetaminas para adelgazar y que redujese el apetito e incluso provocarle alteraciones en el sueño. Y, cuando ya estaba completamente destrozada, el mundo del cine la dejó a su suerte, aunque ella, comenzó pronto con las drogas y el alcohol.

Porque, cuando alguien ya no resulta rentable o ha perdido todo su encanto (más en concreto las mujeres), se deben de desechar como si fuese un producto con una fecha de consumo preferente y que, pasado el tiempo, pierden todo tipo de cualidades. Esto no solo le pasó a Judy Garland, sino también a Shirley Temple, a Rita Hayworth, Bette Davis, Olivia de Havilland y un largo etcétera, las cuales no pudieron salir adelante a causa de todos lo problemas y otras, pasaron al ostracismo por haberse enfrentado a los grandes estudios de Hollywood.

Retornando a esta película y, para finalizar, Judy no tuvo buena suerte en lo que a su vida se refiere (más allá de grandes éxitos) y como la fama, la industrias y todo lo que se le pareciese, la dejó en el más absoluto olvido y como la gente sentía lástima por ella. ¿No habían sentido esa lástima cuando la estaban robando y destruyendo su vida? Al fin y al cabo, la hipocresía será siempre la enfermedad de la humanidad, cueste lo que cueste.

Calificación personal: 5.8

Princesa por sorpresa (2001)

 

• Título original: The princess diaries
• Año: 2001
• Género: Romántica
• Dirección: Garry Marshall
• Intérpretes: Anne Hathaway, Julie Andrews, Héctor Elizondo, Heather Matarazzo, Robert Schwartzman, Caroline Goodall, Mandy Moore.
• Guión: Gina Wendkos
• Música: John Debney
• Fotografía: Karl Walter Lindenlaub
• Montaje: Bruce Green
• Vestuario: Gary Coleman
• Productora: Walt Disney Pictures

SINOPSIS

Mia Thermopolis (Anne Hathaway) es una joven de dieciséis años que pasa demasiado desapercibida en el instituto. Un día recibe la invitación de su abuela paterna Clarisse (Julie Andrews) de la que no sabía nada pero, la cual es la reina de Genovia y por lo tanto, Mia es la princesa del país.

CRITICA

¡La cantidad de veces que he podido ver esta película y, los buenos ratos que me ha hecho pasar! Cómo es lógico, la primera vez que la vi fue el mismo año de su estreno y mis padres me llevaron a verla. Es cierto que este tipo de película no son excesivamente buenas pero, si consigue entretener al espectador y que este pase un buen rato, su objetivo está más que cumplido.

También se debe de pensar que es una película que está enfocada al público adolescente. Pero, aunque carezca de un guión profundo, intenta reflejar (aunque no de una forma muy realista) que la vida puede cambiar en cualquier momento, ya sea con grandes acontecimientos o con noticias negativas, por lo que es necesario saber apreciar los pequeños momentos que se nos ofrecen.

Tampoco hay que darle demasiadas vueltas a esta historia. Es cierto que tres años más tarde lanzarían la segunda parte para repetir el éxito de la primera y así, la protagonista pudiese cumplir su sueño de tener un príncipe azul (hoy en día si se dice esto, sonaría a misógino y algo retrógrado). Pero, a pesar de eso, sigue mostrando la independencia de la joven Mia Thermopolis y el querer ser normal.

Calificación personal: 6.5

 

Los ojos de Tammy Faye (2021)

 

• Título original: The eyes of Tammy Faye
• Año: 2021
• Género: Historias reales
• Dirección: Michael Showalter
• Intérpretes: Jessica Chastain, Andrew Garfield, Cheey Jones, Vicent D'Onofrio, Frederic Lehne, Louis Cancelmi, Gabriel Olds.
• Guión: Abe Sylvia
• Música: Theodore Shapiro
• Fotografía: Mike Gioulakis
• Montaje: May Jo Markey, Andrew Weisblum
• Productora: Searchlight Pictures, Freckie Films, MWM Studios

SINOPSIS

Tammy Faye (Jessica Chastain) y su marido Jim Bakker (Andrew Garffield) crean la cadena envangelista PTL para transmitir la Biblia. Pero lo que al principio comenzó como un simple servicio de cara a Dios, se acaba convirtiendo en un lucrativo negocio muy peligroso.

CRITICA

De vez en cuando, por nuestra cartelera se proyectan película que pasan desapercibidas pero, cuando llega la temporada de premios, vuelven a salir sobre la palestra y en esta ocasión, no ha sido para menos. No solo por la increíble interpretación y transformación de Jessica Chastain, sino porque nos muestra a una mujer que fue vilipendiada por el mundo, empezando por su propio familia, continuando por su marido y, terminando por la sociedad.

Es cierto que, a nosotros como españoles nos pilla un poco lejos la vida de Tammy Faye pero, aunque la lejanía sea patente, es necesario conocer que estos movimientos o todo lo que muchas veces está relacionado con grandes aglomeraciones, al final no acaba del todo bien. Esto es debido a que la gente que inicia este tipo de movimientos, terminan por abusar de los sentimientos y emociones de la gente para que ellos mismos se llenen sus bolsillos.

Como en todos los aspectos y decisiones de la vida, siempre la intención es buena pero, cuando nos desviamos del camino para conseguir nuestros objetivos y, al final terminamos destrozando a los demás. Por lo que nuestras buenas obras no han servido de gran cosa. En cierto modo es lo que le ocurre a Tammy Faye, cuya idea de llevar el amor de Dios se acabó desvirtuando cuando su marido sucumbía a las riquezas y poseer todo pero, no era capaz de aceptar a los homosexuales ni a cualquier otra persona que se saliese de los cánones morales.

Lo que en definitiva, termina por reflejarnos es como la gente puede jugar con algo tan poderoso como la fe de las personas para sacar un provecho personal. Ante esto podemos pensar, ¿pero la gente no tiene criterios para no dejarse engañar por estos falsos aduladores? La respuesta lo más seguro es que sea si, pero cuando crees en algo de una forma tan férrea, esperas que no te decepciones, sobre todo si esas decepciones hacen que el resto se hagan ricos a tu costa. En conclusión, nos ofrece el ascenso, la caída y la redención de una mujer que solo quería llevar el amor de Dios y que para ella, ciertos aspectos eran secundarios, aunque viviese en la opulencia.

Calificación personal: 7

El callejón de las almas perdidas (2021)

 

• Título original: Nightmare alley
• Año: 2021
• Género: Thriller psicológico
• Dirección: Guillermo del Toro
• Intérpretes: Bradley Cooper, Rooney Mara, Cate Blanchett, Toni Collette, Willem Dafoe, Richard Jenkins, Ron Perlman, David Strathaim, Mary Steenburgen.
• Guión: Guillermo del Toro, Kim Morgan
• Música: Alexandre Desplat
• Fotografía: Dan Laustsen
• Montaje: Cam McLauchlin
• Productora: TSG Entertainment, Double Dare You Productions

SINOPSIS

Año 1939, Stan Carlile (Bradley Cooper) es un vagabundo que, tras estar varios días sin tener un rumbo fijo, comienza a trabajar en un circo de freaks (gente rara). Tras conseguir salir de ese circo con los trucos de Pete (David Strathaim) con Molly (Rooney Mara), comienzan a embaucar a la gente. Hasta que se le cruza en su camino con la psiquiatra Lilith (Cate Blanchett), con la que comienza una red de estafas.

CRITICA

A pesar de que la academia de Hollywood ha reconocido en algunos premios (incluyendo mejor película), ha pasado desapercibida tanto para el público estadounidense como para el resto. Sobre todo, no cayó en gracia porque no es el estilo propio del director mexicano Guillermo del Toro, ya que en su extensa filmografía, introduce bastante elementos de fantasía y criaturas un tanto de criaturas extrañas, esta historia se sale de su tónica habitual. Desde mi punto de vista, algo parecido le pasó a Martin Scorsese con la película Silencio (ver crítica en este blog), es de lo mejor que ha hecho el mexicano, independientemente de que nos deje un mal sabor de boca. Después de esta introducción, vamos a entrar en materia.

Desde el comienzo se le muestra al espectador la vida de un feriante pero sobre todo, de feriantes que no crean ilusión en los viandantes, sino que les están estafando, a la vez que están jugando con sus emociones y sentimientos profundos. Y en estos elementos, son en los que se fija Stan para poder llevar a cabo su estafa pero a un nivel más alto y si además con ello, su remuneración económica es bastante suculenta para así, poder quitarse el lastre de haber sido un pobre.

A pesar de que el eje de la historia es el personaje de Stan tiene una maldad oculta, pero esta también está patente en el resto de los circenses que justifican su crueldad para con su trabajo. Para más tarde, esa crueldad se traslada al mundo de la gente pudiente, los cuáles se creen inmunes con tener una cantidad ingente de dinero y buscan a la desesperada que se les solucione y se les alivie esa angustia vital que no consiguen eliminar de su vida. Ante este tipo nuevo de público, se cruza en su camino una psiquiatra que descubre el secreto de Stan y con el que establece una relación de seducción y de manipulación para que ambos puedan sacar un beneficio de su relación un tanto tóxica. Lo que al final produce un desenlace desagradable (más todo lo que lleva consigo desde el principio), refleja claramente como la avaricia, la ambición desmedida y, pagar tus desdichas con gente que no se lo merece.

Como he comentado al principio de la crítica, la película no ha tenido una gran acogida a pesar de que tiene un reparto estelar y, que entre ellos se muestra una gran química. Además de recordar la atmósfera del cine noir y que su esencia se parece también a la película de Shutter Island (ver crítica en este blog). A mi no me ha disgustado pero, aviso al espectador, que hay que tener un poco de estómago para digerirla, por todo lo que representa.

Calificación personal: 8

Uncharted (2022)

 

• Dirección: Ruben Fleischer
• Año: 2022
• Género: Aventuras
• Intérpretes: Tom Holland, Mark Wahlberg, Antonio Banderas, Sophia Taylor Ali, Tati Gabrielle, Rudy Pankow, Manuel de Blas.
• Guión: Art Marcum, Matt Holloway
• Música: Ramin Djawadi.
• Fotografía: Chung Chung-Hoon
• Montaje: Rick Pearson, Chris Lebenzon
• Productora: Columbia Pictures, Atlas Entertainment, PlayStation Productions

SINOPSIS

Nathan Drake (Tom Holland) es un joven carterista que trabajan en un bar poniendo copas. Hasta que una noche se topa con Victor Sullivan (Mark Wahlberg), que le ofrece la posibilidad de conseguir el tesoro del barco de Magallanes. Eso si, no exento de peligros.

CRITICA

De vez en cuando es necesario ver películas de "encefalograma plano" para descansar de ver filmes con gran profundidad. Pero, a pesar de que en el caso de esta película ha tenido mucho éxito y todo el mundo habla, de que es una película entretenida. Realmente, a mi no me enganchó lo suficiente e incluso, se me hizo bastante pesada.

Siempre hay que tener en cuenta que está basada en un videojuego pero, a la hora de trasladarlo a la gran pantalla, se excede en demasía en los momentos de acción creando situaciones inverosímiles (hay que tener en cuenta, que en los videojuegos, te pegas a veces unos leñazos considerables y, no pasa nada) así como que lo que va ocurriendo no es demasiado creíble.

Creo que en más de una ocasión he escrito que, cuando una película no me ha llamado la atención o no ahondo en la temática de la película, no suelo escribir mucho más. Desde mi punto de vista, entre los dos actores protagonistas no hay química (aunque el resto de espectadores o críticos dicen que la tienen) y todo es demasiado rocambolesco. Aunque habrá segunda parte, no creo que mis ojos la vean.

Calificación personal: 4.8

El crisol (1996)

 

• Título original: The crucible
• Año: 1996
• Género: Drama
• Dirección: Nicholas Hytner
• Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Winona Ryder, Joan Allen, Paul Scofield, Bruce Davison, Jeffrey Jones, Peter Vaughan, Frances Conroy, George Gaynes.
• Guión: Arthur Miller
• Música: George Fenton
• Fotografía: Andrew Dunn
• Montaje: Tariq Anwar
• Productora: 20th Century Fox

SINOPSIS

En 1692, en la ciudad puritana de Salem (Massachussets), un grupo de jóvenes es acusado de practicar brujería. Una de esas jóvenes, Abigail Williams (Winona Ryder) es acusada pero, consigue desviar la atención a otros miembros de la comunidad, sobre todo a John Proctor (Daniel Day-Lewis) y de su mujer Elizabeth (Joan Allen), al haberla echado de la casa de ellos.

CRITICA

La verdad es que siempre había tenido ganas de verla y siempre la dejaba para más adelante y al final, encontré el tiempo y la oportunidad. A pesar de que se intenta juzgar a mujeres por brujería, realmente no hay ningún elemento ni práctica de brujería. Puesto que realmente lo que refleja es como a través del miedo y de la histeria colectiva que se puede llegar a sembrar, la gente es capaz de vender hasta a su propia madre por salvar su propio pellejo. 

A pesar de que la película está ambientada en una época que puede ser extraña para más de uno, si que es cierto que entre los siglo XVII y XVIII se perseguía a aquellas personas que practicaban brujería o tenían algún contacto con el demonio (sobre todo el sector protestante más puritano, ya que en aquella época había muchas ramas del protestantismo). Más allá de todo esto, lo que refleja es una persecución sin compasión a aquellas personas que realmente no tienen maldad y que no se "infectan" de esa histeria colectiva. Por otro lado, lo que de alguna forma también pretende mostrar es el comportamiento que la sociedad tiene muchas veces (y que es realmente lo que da miedo) ante lo que a veces no conocemos y/o no entendemos y, como podemos manipular las creencias de otros para producir diferentes efectos que pueden ser perjudiciales.

Ante la histeria colectiva, se encuentra el reverendo del pueblo y su sobrina Abigail, los cuáles hacen crecer el temor y el miedo de la presencia del ser maligno y, que hay diversas personas que no creen en lo que está sucediendo pero, no son impasibles ante las diferentes sentencias que se van dando en los diferentes juicios y deciden actuar. Por medio de esta valentía, se les empieza a acusar también de brujería y de estar aliados con el demonio. Pero, el cinismo máximo que se ve reflejado, ocurre cuando mandan a una eminencia de predicador que solo se ciñe a la Palabra de Dios y al pecado de los hombres y mujeres y, por tanto son también servidores del señor del mal. Cuando tienen la oportunidad de "redimirse" (puesto que realmente no son culpables de nada) no es ni su soberbia ni su orgullo sino, el ver que su nombre puede ser manchado de una forma tan ruin y vil, aún sabiendo el resto de la gente del pueblo que no hay culpables y que todo es una pantomima y una farsa.

El autor de esta novela (que también es el guionista) no es otro que el gran dramaturgo Arthur Miller, que aprovechó la leyenda de las brujas de Salem para hacer un reflejo de "La caza de brujas" llevada a cabo por el senador McCarthy. Como se dedicaba el político a perseguir a grandes personalidades del mundo del arte por tener un pensamiento diferente (que no tenía que ser el del comunismo) y, se realizaban acusaciones y juicios sin fundamento; apuntando en una famosa "lista negra" a todos aquellos a los que llevaban al ostracismo (como el guionista Dalton Trumbo). A pesar de reflejar la injusticia, el propio Arthur Miller era un cínico en si mismo (maltrató a Marilyn Monroe y, uno de sus hijos, que nació con síndrome de Down, le internó en una institución psiquiátrica, porque no quería saber nada de el).

En conclusión, esta película me removió lo más profundo y me llegó a provocar las lágrimas, por la injustica que sufren los personajes que, a pesar de su pecados y equivocaciones, no han causado ni han hecho daño a nadie y, lo más importante, no le desean el mal a otros aunque eso les lleve a su muerte. Película necesaria que es desconocida para el público.

Calificación personal: 8.5

Red (2022)

 

• Título original: Turning Red
• Año: 2022
• Género: Animación
• Dirección: Domee Shi
• Doblaje original: Rosalie Chiang, Sandra Oh, Wai Ching Ho, Maitreyi Ramakrishnan, Jordan Fisher, Josh Levi, James Hong, Sasha Roiz.
• Guión: Julie Cho, Domee Shi
• Música: Ludwig Göransson, Billie Eilish, Finneas O'Connell
• Fotografía: Mayhar Abousaeedi, Jonathan Pytko.
• Montaje: Nicholas C. Smith, Steve Bloom
• Productora: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures

SINOPSIS

Mei Lee es una niña china canadiense de trece años, que siente que es completamente adulta y que, es capaz de tomar sus propias decisiones y se complementa con su grupo de amigas. Pero, a pesar de tener una buena relación con su madre, siente que no es del todo libre. Todo empieza a cambiar cuando Mei sufra una situación embarazosa en la que su progenitora, tiene mucho que ver.

CRITICA

Creo que es de todos conocidos, la capacidad que tiene Pixar para tratar temas poco comunes y, de llegar de alguna forma, tanto al público infantil como al público adulto. En esta película (cuyo estreno es exclusivo en Disney +) entra de lleno en la etapa de la adolescencia a través de una leyenda familiar que afecta solo a las mujeres de la familia de Mei Lee pero que de alguna forma, las hace ser esclavas de sus propios deseos y sentimientos.

Aunque no lo parezca, la propia película tiene un mensaje no muy oculto. De alguna forma, la manifestación del panda rojo (cuando Mei y el resto de mujeres de su familia, tienen emociones fuertes) es todo aquello que de alguna forma quieren ser y no pueden, desean manifestar y tampoco pueden; lo que se puede traducir en que realmente no pueden ser ellas mismas y que tienen que reprimir toda esa maraña de emociones y sentimientos. Siendo lo más curioso que se manifiestan con el comienzo de la adolescencia de las mujeres (se hace patente cuando la madre de Mei cree que le ha bajado la menstruación y así, empieza su nueva etapa como mujer).

Por otro lado, también se refleja como de alguna forma los hijos quieren empezar con su independencia (aunque sean en cosas pequeñas) y que sus padres (sobre todo las madres) no las agobien. Aunque puedan pensar que están rompiendo todos los vínculos paterno filiales, y realidad no lo es. Es una forma de hacer entender que el querer tomar decisiones propias aunque no coincidan con la de nuestros padres, no significa que no queramos saber más de ellos.

Este aspecto se ve claramente reflejado en el momento en el que todas las mujeres de la familia de Mei, tienen que intervenir en el ritual para que la joven elimine al panda rojo de su vida, pero ella no lo desea porque forma parte de su ser y de su identidad y lo que hace que sea realmente ella misma. Lo que podemos sacar en conclusión es que, muchas veces intentamos siempre complacer a los demás y guardando nuestros verdaderos talentos o la libertad para poder escoger y equivocarnos y también, dejarnos guiar por los que de verdad nos quieren aunque nos cueste admitirlo.

Calificación personal: 7.5

Hierve (2021)

 

• Título original: Boiling Point
• Año: 2021
• Género: Drama
• Dirección: Philip Barantini
• Intérpretes: Stephen Graham, Vinette Robinson, Alice Feetham, Hannah Walters, Malachi Kirby, Izuka Hoyle, Jason Flemyng, Ray Panthaki.
• Guión: Philip Barantini, James Cummings
• Música: Aaron May, David Ridley.
• Fotografía: Matthew Lewis
• Montaje: Alex Fountain
• Productora: Ascendant Film, Burton Fox Films

SINOPSIS

En una de las noches más concurridas del año, uno de los restaurantes más famosos de Londres, el jefe de cocina Andy (Stephen Graham) sufre una crisis personal y profesional amenazando su estabilidad. La visita de un inspector de sanidad y de un antiguo compañero suyo, lleva a Andy al extremo.

CRITICA

La verdad es que es poco habitual determinadas temáticas en el mundo del cine y de las series. En este caso, se nos plantea una historia en donde un único plano secuencia nos permite, no solo observar el comportamiento de los diferentes empleados del hotel, sino también el comportamiento que tienen algunos de los comensales y como puede influir en la moral de los trabajadores y en su actitud entre ellos; provocando tiranteces.

Por un lado nos refleja diferentes aspectos relacionados con la calidad, la higiene y la seguridad alimentaria, de la que muchas veces la gente se queja, pero que es necesario para evitar accidentes (como uno de los que aparece en la película) y evitar aspectos negativos a la hora de servir los diferentes platos. Pero, hay que reconocer que el mundo de la hostelería es muy duro y no siempre el cliente debe de tener la razón, puesto que las formas son un elemento muy importante tanto para la persona que atiende como para la atendida.

Otro de los aspectos que se ve reflejado con mucha claridad en el filme, es la falta de comunicación entre los empleados, ya sea entre el chef de cocina con sus diferentes pinches e incluso, la jefa de sala que se cree con la potestad de hacer lo que quiera para satisfacer a los clientes descuadrando todo el menú y los platos que ya hay asignados, solo para conseguir críticas favorables o un buen caché sin proteger a sus empleados y/o compañeros (dependiendo de como se mire).

De echo, el título en inglés (al igual que el español) puede ser una metáfora clara en el momento en el que una persona puede llegar a estallar (puesto que, agua empieza a hervir a 100º grados y en ese momento ya está demasiado caliente) lo que puede ser una referencia clara a lo que ocurre en un de las noches más concurridas del año y que provoca un desastre para el chef tanto a nivel personal como a nivel profesional. Es cierto que dicen que hay que separar la vida profesional de la personal y viceversa pero, hay veces que una de los dos aspectos invade al otro, provocando un colapso en la persona provocando resentimiento en su salud. Por eso, siempre, la salud es lo primero.

Calificación personal: 7

Pactar con el diablo (1997)

 

• Título original: Devil's advocate
• Año: 1997
• Género: Terror
• Dirección: Taylor Hackford
• Intérpretes: Al Pacino, Keanu Reeves, Charliza Theron, Jeffrey Jones, Debra Monk, Connie Nielsen, Ruben Santiago-Hudson, Tamara Tunie, Craig T. Nelson.
• Guión: Tony Gilroy, Jonathan Lemkin
• Música: JAmes Newton Howard
• Fotografía: Andrzej Bartkowiak
• Montaje: Mark Warner
• Vestuario: Sarah Edwards
• Productora: Regency Enterprises

SINOPSIS

Kevin Lomax (Keanu Reeves) es un joven abogado que no ha perdido ningún caso, en una pequeña población de Florida. Tras ganar el último juicio, recibe una oferta de un bufete de Nueva York liderado por John Milton (Al Pacino). Cuando Kevin acepta, empiezan a ocurrir cosas extrañas alrededor de su vida y de su sorprendente éxito.

CRITICA

Si no recuerdo mal, esta es la tercera ve que veo esta película pero nunca me había reparado en su análisis. Transcurrido ya un tiempo y al revisonarla, se pueden sacar una serie de conclusiones sobre un filme que dio mucho de que hablar en el año de su estreno, por tratar de una forma un tanto cercana la figura del diablo.

Desde mi punto de vista, intentando no trascender en demasía en el tema escatológico. Realmente, aunque no se pretenda entender, es de alguna forma un reflejo de lo que hace el ser humano por conseguir todo y a toda costa. En este caso, se ve representado en el personaje de Kevin Lomax, el cual es un abogado implacable que no tiene ningún tipo de escrúpulos y de paso, sabe con claridad que sus clientes son realmente culpables. Al obtener una oferta muy suculenta decide mudarse para seguir acumulando sus ansias de poder. Ante esta situación, empieza  descuidar su vida y su entorno y su ambición no presenta límites.

Ante esta situación, nos podemos plantear si no es buena tener ambición e intentar progresar. La respuesta es si pero, si eso significa tener que destruir la vida de otras personas, pasar por encima y más aún, si se sabe que lo que estás haciendo no es lo correcto, ¿por qué seguir destruyendo la vida de los demás, por el simple hecho de querer acaparar más? Estos aspectos los relaciona la película con la tentación del demonio y como el pone en bandeja todo aquello que deseas conseguir y ambicionar sin importar nada ni nadie.

De echo, el nombre del personaje de Al Pacino hace referencia al autor John Milton que describía la relación del demonio con Adán y Eva y la imposibilidad de vencer a Jesús. Así como, la referencia al libro "Fausto" de Goethe. Todo esto nos lleva a la conclusión de que la maldad es muy sibilina y que se oculta de diversas formas. Por eso, ten cuidado con lo que deseas, que se puede volver en tu contra.

Calificación personal: 7.5

Cásate conmigo (2022)

 

• Título original: Marry Me
• Año: 2022
• Género: Romántica
• Dirección: Kat Coiro
• Intérpretes: Jennifer Lopez, Owen Wilson, Maluma, John Bradley-West, Sarah Silverman, Michelle Buteau, Stephen Wallem, Jimmy Fallon.
• Guión: John Rogers, Tami Sagher
• Música: John Debney
• Fotografía: Florian Ballhaus
• Montaje: Michael Berenbaum
• Productora: Nuyorican Productions, Perfect Wolrd Pictures, Belle Hope Productions

SINOPSIS

Kat Valdez (Jennifer Lopez) y su prometido Bastian (Maluma) se casarán en directo a la par que presentan su nuevo single. En el día señalado, se publica un vídeo en las redes sociales en el cual Bastian está engañando a Kat. En el momento de salir al escenario y evitar la humillación, selecciona a un hombre del público (Owen Wilson) con el que se casará. Y lo que vendrá después.

CRITICA

Creo que en más de una ocasión, he comentado en varias entradas que las películas de comedia y las románticas, habían caído un poco en picado. Dentro de que muchas veces este género son simplemente para pasar un rato entretenido, es decir, sin profundidad; me ha resultado bastante grata a la vista, a la par que hace reflejo de varios aspectos de una sociedad que está intoxicada con las redes sociales.

Por otro lado, aunque no lo parezca, es un fiel reflejo de la vida que ha tenido la cantante y actriz Jennifer Lopez y, a pesar de haber tenido altibajos y haber sido juzgada por el mundo (más concreto, por gente que tiene vidas vacías y lo único a lo que se dedica es a criticar a la gente) y, como las redes sociales hacen mucho daño. También se "obliga" a los famosos a tener que estar publicando constantemente todo lo que hacen.

Dejando estos aspecto de lado, muestra como puede surgir una relación amorosa y no siempre hay que estar rodeados de medios o de estar publicando constantemente y que la vida de la gente que no es famosa no es aburrida. Tendrán sus problemas pero a veces la felicidad no tiene que estar en que todo el mundo conozca tu vida por redes sociales o intentar pensar en cosas banales.

Es una película sencilla, con una historia lineal pero que no aburre. No solo porque la banda sonora también juega su papel importante, sino porque se nota la verdadera química entre la pareja protagonista. Me congratula saber que al igual que Jennifer Lopez es buena cantante por la que no pasa el ritmo; he de decir que en interpretación va mejorando (ya lo demostró en Estafadoras de Wall Street) y que su dilatada carrera no se ha visto impedida por su vida personal. En definitiva, película entretenida y que no se hace pesada. Muy disfrutable la verdad.

Calificación personal: 7

Cyrus (2010)

 

• Dirección: Jay Duplass, Mark Duplass
• Año: 2010
• Género: Drama
• Intérpretes: John C. Reilly, Marisa Tomei, Jonah Hill, Catherine Keener, Matt Walsh, Katie Aselton.
• Guión: Jay Duplass, Mark Duplass
• Música: Michael Andrews
• Fotografía: Jas Shelton
• Montaje: Jay Dueby
• Productora: Scott Free Productions, Fox Searchlight

SINOPSIS

John (John C. Reilly) está solo y deprimido. Al enterarse que su ex mujer (Catherine Keener) se va a volver a casa, piensa que seguirá solo. Pero en una fiesta, conoce a Molly (Marisa Tomei) con la que conecta muy bien y se siente a gusto. Todo eso cambiará en el momento en el que conoce al hijo de Molly, Cyrus (Jonah Hill), el cual quiere acaparar a su madre.

CRITICA

La verdad es que siempre había tenido curiosidad por ver esta película, pero al final, uno acaba dejando pasar el tiempo, hasta que se encuentra de nuevo con ella. A pesar de ser un filme de humor negro, la verdad es que tiene unos tintes dramáticos, no porque la historia le haga soltar al espectador alguna lágrima; sino por los elementos que rodean a este curioso "triángulo".

En este caso, se le plantea al espectador a un personaje que ve que no tiene ni oficio ni beneficio, es decir, a John. Conoce a una mujer increíble con la que piensa que puede tener un futuro, hasta que conoce al hijo de esta, el cual da la sensación de ser un "inadaptado" pero realmente tiene una doble cara por lo que evita que su madre sea feliz. Viendo este aspecto, el espectador puede pensar que la madre ha sido demasiado ingenua y que sigue tratando a su hijo como si fuese un niño pequeño. Aunque, ha sido el joven el que ha estado manipulando a su madre porque conocía los sentimientos de su madre y así evitar, en cierto modo, que pueda ser feliz.

Aquí entra la disyuntiva que se puede plantear. ¿Debe una madre y/o un padre rehacer su vida, teniendo hijos? Ante su felicidad ¿debe de anteponerla frente a sus hijos o debe de ser al revés? Es algo que muchas veces hay que plantearse pero, teniendo en cuenta una cosa: uno puede rehacer su vida pero, en el momento en el que se vea que su hijo o sus hijos vayan a sufrir, hay que protegerlos primero. Por otro lado, cuando los vástagos ya son mayores, deben de dejar que sus padres puedan rehacer sus vidas, porque lo merecen y porque es su momento y necesitan seguir adelante por ellos mismos y, porque se tienen que dedicar un poco a ellos.

En el planteamiento del guión se ve claramente como hay algo que no funciona y como John no quiere romper la relación entre madre e hijo sino que reflexionen sobre su relación, que es lo que realmente importa y así, ambos se dan cuenta de que su vida debe de seguir adelante. A pesar de mostrar un toque ácido de humor, da para reflexionar pero, no para hacerlo de forma profunda sino para mostrar que a veces algunas relaciones (más allá de las de pareja) son tóxicas.

Calificación personal: 6.7

Hotel Transilvania: Transformanía (2022)

 

• Título original: Hotel Transylvania: Transformania
• Año: 2022
• Género: Animación
• Dirección: Derek Drymon, Jennifer Kluska
• Doblaje original: Brian Hull, Selena Gomez, Andy Samberg, Kathryn Hahn, Steve Buscemi, David Spade, Fran Drescher, Keith David.
• Guión: Amos Vernon, Nunzio Randazzo, Genndy Tartakovsky
• Música: Mark Mothersbaugh
• Montaje: Lynn Hobson
• Productora: Sony Pictures Animation, Amazon Studios, Columbia Pictures

SINOPSIS

Durante la celebración del 125 aniversario del hotel, Mavis escucha a Drácula que se va a jubilar y dejarle el hotel a Johnny y a ella. Ante la idea de Johnny de transformar el hotel, Drácula entra en pánico y decide decirle a su yerno que para poder dejarle el hotel, tendría que ser un monstruo. Por lo que Johnny recurre al doctor Van Helsing para que le ayude a transformarse en un monstruo.

CRITICA

De bien es sabido que extender por los siglos de los siglos una serie de películas (o las temporadas de las series) a veces es necesario cortar a tiempo para evitar mayores desastres. Lo cierto es que la tercera película de esta saga resultó ser más floja que sus predecesoras pero, con esta cuarta entrega resurge un poco de sus cenizas. A pesar de todo, desde mi punto de vista no sería conveniente realizar la quinta parte, porque sería demasiado seguir explotando la franquicia.

A la hora de visionarla no hay mucho más que añadir, puesto que la función principal de este tipo de películas es generar entretenimiento y la verdad es que cumple su cometido aunque, intenta concluirse de una forma un tanto atropellada sin aprovechar los gags al máximo, ya que necesitan cerrar la trama para no ampliar el universo de los monstruos para no explotarlo.

Para concluir, dentro de ser una película de animación ha sabido explotar a la perfección la saga sin caer en la repetición exagerada y que ha sabido jugar con los gags, sobre todo en las dos primeras entregas y que mejor forma de cerrarla con esta película; cumpliendo su función de entretener.

Calificación personal: 6

El hilo invisible (2017)

 

• Título original: Phantom Thread
• Año: 2017
• Género: Drama
• Dirección: Paul Thomas Anderson
• Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Leslie Manville, Vicky Krieps, Brian Gleeson, Camilla Rutherford, Gina McKee, Harriet Sansom Harris.
• Guión: Paul Thomas Anderson
• Música: Jonny Greenwood
• Fotografía: Paul Thomas Anderson
• Montaje: Dylan Tichenor
• Vestuario: Mark Bridges
• Productora: Annapurna Pictures, Perfect World Pictures
  

SINOPSIS

En el Londres de la posguerra, el modisto Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis) y su hermana Cyril (Leslie Manville) están a la cabeza de la moda británica para la gente de la realeza y a las mujeres de la ciudad. Un día Reynolds conoce a Alma (Vicky Krieps), la cual trastocará la vida del diseñador.

CRITICA

La verdad, que no encuentro una mejor película para que el gran Daniel Day-Lewis se retirara de la interpretación (aunque si, dolió bastante el no volverle a ver en la gran pantalla). No solo por su gran interpretación, sino también por la historia de amor y el tormento del modisto al que interpreta, el cual de alguna forma intenta aplacar toda su ira y su inestabilidad rodeado de unos rituales y la guía de su hermana, la cual forma parte de su imperio de la moda.

A pesar de que se nos muestre a un personaje seguro de si mismo que refleja toda esa seguridad a través de los vestidos que el diseña (y que alguna vez ayuda a confeccionar) para ocultar esa falta de amor y deseo que no posee en su vida. La cual, está regida por una serie de costumbres y/o rutinas que están controlada por su hermana (gran interpretación de Leslie Manville) que parece ocultar o manejar a su hermano cuando realmente lo que hace es evitar que este se desmorone. Es decir, que dejó aparcada su vida para dedicarse por entero a ser la guardiana de su hermano. La vida de los dos hermanos se ve trastocada cuando Reynolds conoce a Alma; una joven camarera a la que acaba convirtiendo no solo en su musa, sino también en su amante y que, de alguna forma termina por trastocar su vida sin saber que, lo que realmente necesita es amor y deseo. Parte de ese amor lo perdió al morir su madre (no lo comenta explícitamente, pero la forma de respeto y admiración con la que habla de ella, hace pensar que no recuperó ese amor) y que le cuesta encontrar a alguien para compartirlo porque no se quiere ver reflejado como un ser frágil, puesto que esa fragilidad la muestran sus clientas cuando van a comprar sus vestidos para poder adquirir seguridad.

De echo, el director Paul Thomas Anderson, el cual siempre se ha caracterizado por películas en las que muestra a personajes desagradables a la par que atormentados. Por otro lado, el nombre de la mujer que entra en la vida del modisto no es casual. Alma. La capacidad que va a tener Alma (aunque le cueste mucho) de penetrar en esa "alma" atormentada que intenta ser duro pero que realmente es frágil. Eso se ve también reflejado en un plano detalle (impresionante los planos detalle, lo contrapicados, contraplanos; que sumergen al espectador en la trama) cuando en el bajo del vestido ha cosido "never cursed" (nunca maldito), es decir, que todavía tiene la esperanza de poder casarse o salir de el único mundo que conoce: la moda.

Se puede decir que el título de la película también abarca una metáfora. Ese hilo fantasma que une a veces el amor o cualquier relación y que no vemos y a veces no distinguimos porque estamos ensimismados en nosotros vemos y no observamos lo que hacen los demás en nuestra vida. Porque el amor no significa no tener que decir nunca "lo siento", sino abrirse y a veces tragarte ese orgullo que destroza cualquier relación de pareja.

Calificación personal: 8

Agentes 355 (2022)

 

• Título original: The 355
• Año: 2022
• Género: Acción
• Dirección: Simon Kinberg
• Intérpretes: Jessica Chastain, Lupita Nyong'o, Diane Kruger, Penélope Cruz, Sebastian Stan, Fan Bingbing, Jason Flemyng, Edgar Ramírez, Sylvester Groth.
• Guión: Theresa Rebeck, Simon Kingberg
• Música: Junkie XL
• Fotografía: Tim Maurice-Jones
• Montaje: John Gilbert, Lee Smith
• Productora: Freckle Films, Genre Films

SINOPSIS

Cuando un arma secreta cae en manos de los mercenarios, la agente de la CIA Mace Brown (Jessica Chastain) une fuerzas con la agente alemana Marie (Diane Kruger), con una antigua agente del MI6 (Lupita Nyong'o) y con la psicóloga colombiana Graciela (Penélope Cruz).

SINOPSIS

Es cierto que lo que me llamó principalmente la atención de esta película fue el tráiler (muchas veces resultan bastante engañosos), pero también ver a un elenco de mujeres en una película de acción, ya que en la mayoría de los filmes de este género parece que está reservado exclusivamente para los hombres.

La trama de la película está eternamente "trillada", es decir, que no hay película de acción en la que se persiga a alguien que tiene algún tipo de arma que puede desestabilizar todo el mundo a diferentes niveles (económico, político, social) y que hay que evitar a toda costa que eso pueda ocurrir. Y como es lógico, hay que actuar de la forma más rápida posible.

A pesar de ser una historia que ha sido contada en infinidad de ocasiones, el objetivo principal que pretende de cara al espectador, es que este pase un rato entretenido y agradable; a la par que disfruta de una buena sesión de acción. Lo que si me llamó la atención (pero no para analizar de una forma muy exhaustiva) es, lo que comenta el personaje de Jessica Chastain. La cual menciona que antiguamente se hacía un trabajo de campo para averiguar todo sobre esa persona pero, actualmente, ese enemigo se encuentra en la red y a veces es complicado encontrarle. Y la verdad, da un poco de mal rollo pensarlo pero, realmente es cierto. En definitiva, un poco de dosis de acción por parte de grandes actrices. 

Calificación personal: 5.7

Carmina o revienta (2012)

 

• Dirección: Paco León
• Año: 2012
• Género: Comedia
• Intérpretes: Carmina Barrios, María León, Paco Casaus, Ana María García, Paqui Montoya, Guillermo Weickert, Mari Paz Sagayo.
• Guión: Paco León
• Música: Pony Bravo
• Fotografía: Juan González Guerrero
• Montaje: Ana Álvarez Ossorio-Guerrero
• Vestuario: Esther Vaquero
• Productora: Andy Joke, Jaleo Films, Paloma Juanes

SINOPSIS

Carmina es una mujer de 58 años que regenta una venta en Sevilla donde se venden productos ibéricos. Tras sufrir varios robos y no encontrar el apoyo de la aseguradora, decide inventar una forma de recuperar el dinero al no conseguir la ayuda de la aseguradora. Mientras espera a una solución, empieza a reflexionar sobre su vida.

CRITICA

Muchas de las películas españolas tienen un aspecto  positivo que muchas de otras películas que tiende a mostrar la cotidianidad de la gente sencilla y campechana; por lo que no hace falta esa vida con demasiados adornos como en la películas americanas. Es decir, que muestra a una mujer que lo ha vivido todo y que tiene su desparpajo propio y que no se avergüenza de como es, porque ella es realmente única.

Aunque la historia que se nos presenta nos puede parecer un poco pueril, es decir, que porque me tiene que contar una persona la vida de su madre. Más allá de eso, realmente lo que nos está contando al espectador es simple y llanamente la vida de una mujer sencilla y de como siempre está pendiente de todo el mundo y que muchas veces ese desparpajo, descoloca un poco a la gente.

Si bien es cierto que puede no resultar una historia demasiado interesante, en cierto modo refleja cuando nuestros mayores (los que vivían con la peseta o tenían un coche de dos caballos), son humildes y felices con poco y, con ir a su bar de toda la vida a tomarse su chato de vino, su cerveza o simplemente socializar. No solo el director Paco León (que casi siempre se ha dedicado a la interpretación) mezcla parte de la realidad y de la ficción de la vida de su madre sino que, sabe reflejar con acierto y con cariño a su madre. La gran Carmina Barrios, que conquistó el corazón de los españoles y que nos sigue deleitando.

Calificación personal: 7

Cuando menos te lo esperas (2003)

 

• Título original: Something's gotta give
• Año: 2003
• Género: Romántica
• Dirección: Nancy Meyers
• Intérpretes: Diane Keaton, Jack Nicholson, Keanu Reeves, Amanda Peet, Frances McDormand, Paul Michael Glaser, Jon Favreau.
• Guión: Nancy Meyers
• Música: Hans Zimmer
• Fotografía: Michael Ballhaus
• Montaje: Joe Hutshing
• Productora: Waverly Films

SINOPSIS

Harry Sanborn (Jack Nicholson) es un solterón de sesenta y tres años que solo sale con mujeres más jóvenes que el. Cuando el y su última conquista, Marin (Amanda Peet) han planteado un fin de semana romántico en casa de ella. Pero no están solos, puesto que Erica (Diane Keaton) se ha ido allí. Cuando la primera noche Harry sufre un infarto, tendrá que quedarse una semana en casa de Erica, solo con ella. Nunca había estado a solas con una mujer de su edad.

CRITICA

En los últimos años en el mundo de los famosos, cuando rompe una pareja el hombre, empieza a salir con una mujer que es entre diez y veinte años más joven de el. Y nunca es al revés, lo que puede ser objeto de estudio. Porque tras estar en un matrimonio de más de veinte años, de repente salen con mujeres más jóvenes y hasta parece que está bien visto. Pero si fuese al revés (una mujer mayor con un hombre joven) estaría mal visto. Esta película no solo refleja en clave de comedia romántica este aspecto, sino también saber enfrentarse a las diferentes etapas de la vida.

El planteamiento de la película, a pesar de hacerse en forma de comedia romántica como afrontar diferentes etapas de la vida y que por mucho que queramos no podemos dar atrás en el tiempo y que cada momento de la vida (adolescencia, madurez y vejez) tienes su aspectos bonitos y se puede ser feliz. Y que encontrar a alguien merece la pena. No tiene que ser una pareja sentimental sino, el poder estar rodeados de personas que nos hagan sentir bien, es reconfortante.

El guión sencillo a la par que hilarante porque, para contar el proceso de enamoramiento entre Harry y Erica, hay momentos de humor que producen que la trama sea ligera. Por otro lado, se puede distinguir de forma clara como los dos  personajes se terminan enamorando (pero no haré spoiler del final) pero, lo que realmente destaca es la transformación que sufren todos los personajes, incluso los que rodean a la pareja protagonista. De echo cuando los planes de Harry se van al traste por culpa de su infarto, siente que realmente está solo por mucha mujer joven que le acompañe noche tras noche. Y Erica, también se siente sola tras su divorcio y volver a sentir algo por alguien la trastoca por completo. Eso se observa claramente en el cambio de su forma de vestir, el ser un poco más desinhibida y no se tan cuadriculada en su vida sobre todo habiendo llegado a los sesenta.

 Para Harry también se le trastoca todo su mundo de vividor al que no le importa romper el corazón a mujeres menores de treinta años pero, cuando ve que el suyo está en peligro (tanto a nivel físico como emocional) todo cambia por completo en su forma de ver la vida y que un hombre de su edad puede enamorarse de gente de su edad. El tiene miedo por enfrentarse a algo desconocido y a algo real. Eso le pasa también a ella, ese miedo a lo real, cuando el médico joven de Harry se enamora de ella porque, está acostumbrada a ver esa situación al revés, es decir, un hombre mayor con una mujer joven.

Los diferentes traumas, prejuicios y problemas son solucionados madurando y, por supuesto, como eje principal, el amor. En definitiva, todos los personajes tienen miedo a algo, y generalmente tiene que ver con aceptarse a uno mismo o superar las diferentes barreras que implican ser cómo eres. Todos nosotros podemos vernos reflejados en aquello de aceptar los cambios o enfrentarnos a situaciones que, por cómodas y no salir de nuestro estado de confort, no afrontamos.

Calificación personal: 8