Al mal tiempo, buen cine...

Queridos lectores y seguidores:

Me permito escribir una líneas para agradeceros a todos (desde todas las partes del mundo) que visitéis mi blog y todo lo que voy publicando. Ante todo comentar que no estoy licenciada en cinematografía pero, doy gracias por haber asistido a cursos y que mis padres me introdujeran al cine con sólo 8 años.

Por eso os animo que escribáis vuestras opiniones sin vergüenza alguna (¡por eso existe la libertad de expresión!) o sugerir cambios o visionados de películas, ya que se convierte en un feedback donde podemos aprender unos de otros.

Para finalizar, gracias una vez más por vuestro tiempo y dedicárselo a mi blog. ¡Seguid disfrutando del cine!

domingo, 25 de octubre de 2020

Un lugar en el sol (1951)

 



  • Título original: A place in the sun
  • Año: 1951
  • Género: Drama
  • Dirección: George Stevens
  • Intérpretes: Elizabeth Taylor, Montgomery Clift, Shelley Winters, Anne Revere, Keefe Brasselle, Fred Clark, Raymond Burr, Herbert Heyes, Shepperd Strudwick, Frieda Inescort.
  • Guión: Michael Wilson, Harry Brown
  • Música: Franz Waxman
  • Fotografía: William C. Mellor
  • Montaje: William Hornbeck
  • Vestuario: Edith Head
  • Productora: Paramount Pictures


SINOPSIS

George Eastman (Montgomery Clift) es un joven sin recursos que consigue un empleo en una fábrica gracias a un pariente lejano adinerado. Ante la imposibilidad de poder entrar en los círculos de la alta sociedad, George empieza a salir con una chica de la fábrica, Alice (Shelley Winters) hasta que conoce a la aristócrata Ángela Vickers (Elizabeth Taylor). Por lo que George tendrá que afrontar un dilema moral.


CRITICA

Siempre me fascina cuando sigo teniendo la oportunidad de que caigan en mis manos películas del cine clásico y poder disfrutarlas y poder transportarme a esa época dorada del cine y disfrutar. Aparte de mostrar (una vez más) mi pasión por el séptimo arte, esta historia va mucho más allá de un hombre que se enamora de dos mujeres sino de la ambición de poder que no se manifiesta de una forma tan clara como en otros personajes sino más bien que subyace en los deseos más profundos del personaje.

Desde el principio se nos plantea a un joven humilde que gracias a un pariente multimillonario consigue trabajo en una de sus fábricas y no le importa empezar desde abajo. Lo que demuestra que por tener parentesco no te da derecho a ocupar siempre un alto cargo en una compañía. El joven parece sentirse cómodo con su situación (a pesar de no ser muy holgada) y ver que de alguna forma ha conseguido prosperar en su vida, cosa que no había conseguido con sus padres. Y empieza a salir con una compañera de su empresa, aunque según las normas de la misma eso queda terminantemente prohibido.

De momento parece que todo va bien en la vida del joven George hasta que su tío le hace partícipe de su primera fiesta y ahí conoce a Ángela, la cual pone su mundo del revés. En este caso, se nos quiere dar la visión al espectador de que es la mujer la que interfiere en la vida tranquila del joven pero, realmente se descubren poco a poco cuales eran las intenciones de Charles, sobre todo a raíz de una breve (pero eficaz) conversación telefónica con su madre, la cual parece ser el elemento perturbador en la vida del joven y que el lo ha sabido llevar muy bien en secreto.


A medida que se van desarrollando los acontecimientos y se observa que la vida de Charles ha mejorado notablemente, no le importa nada del pasado ni de lo que fue. Este echo da que pensar porque, si bien es cierto que el pasado hay que dejarlo atrás, a veces nos ayuda a recordar quienes somos o quienes hemos sido para no tener que perder el rumbo de nuestra vida. Y, eso es lo que Charles no termina de ver ni de hacer, que sigue viviendo una doble vida sin enfrentarse a las consecuencias ni a sus responsabilidades. Porque cuando uno consigue poder, riqueza, fama, reconocimiento o todas aquellas cosas materiales que no poseía antes, el resto de personas que no forman parte de su círculo no existen porque no están a su altura. Pero, siempre la sombra de tu pasado te persigue sobre todo si todo lo que uno hace son contraproducentes para los demás y cuando el egoísmo es el centro de la vida de uno.

Todos estos aspectos que he ido mencionando a lo largo de la crítica me llamaron la atención sobre todo por el inmutismo (gran interpretación de Montgomery Clift) para guardar las apariencias e intentar ser aceptado en la aristocracia. Sin ir más lejos, todos alguna vez en nuestra vida de alguna u otra forma nos hemos querido sentir integrados y a lo mejor hemos hecho cosas que no queríamos hacer solo para sentirnos aceptados. Así actúa a veces el ser humano, por desgracia.

Como planteamiento final, comentar que al personaje se le presentan dilemas morales (aunque desde mi punto de vista, yo no los llamaría así) y no sabe cual es la dirección a tomar aunque en el fondo de su ser, realmente si lo sabe porque el conformismo siempre estará por encima de la verdad. Que la disfruten.


Calificación personal: 8.5

sábado, 24 de octubre de 2020

Las tres noches de Eva (1941)

 


  • Título original: The lady Eve
  • Año: 1941
  • Género: Comedia
  • Dirección: Preston Sturges
  • Intérpretes: Henry Fonda, Barbara Stanwyck, Charles Coburn, Eugene Pallette, William Demarest, Eric Blore, Melville Cooper, Janet Beecher.
  • Guión: Preston Sturges
  • Música: Sigmund Krumgold
  • Vestuario: Edith Head
  • Fotografía: Victor Milner
  • Montaje: Stuart Gilmore
  • Productora: Paramount Pictures


SINOPSIS

Durante un viaje trasatlántico, Charles Pike  (Henry Fonda) un soltero millonario experto en serpientes que ha vuelto de una expedición se enamora de Jean Harrington (Barbara Stanwyck) una jugadora profesional que, junto a su padre, hace trampas a las cartas. Cuando Charles descubre el secreto de Jean, decide romper su relación y ella queda dolida e intentará vengarse. Esto ocurrirá cuando un amigo suyo es invitado a una fiesta de los Pike, por lo que Jean aprovechará para hacerse pasar por su sobrina y así comenzar una venganza un tanto peculiar.


CRITICA

En el cine clásico había un género que se denominaba las screwball comedies, que no eran realmente comedias románticas sino más bien una "comedia alocada" en donde los personajes principales sufrían infortunios de todo tipo en situaciones bastante extrañas para darle un toque ligero a la relación amorosa de los personajes y así, se escribía también una historia en base a esas situaciones de enredo.

Como gran amante del cine clásico, siempre estoy abierta a que me ofrezcan nuevas películas y poder ahondar en esos género que habitualmente suelo desconocer (como es el que acabo de mencionar) y de paso sacar algún que otro detalle porque, a pesar de ser una comedia si que resaltaría unas cuántas cosas para destacar.

Lo que al principio refleja una historia de amor que parece que va a llegar a buen puerto, se tuerce cuando Charles descubre el secreto de Jean. En aquella época que una mujer tuviera un secreto era un motivo de escándalo para el hombre y su reputación porque la de la mujer poco importaba. Pero claro, Jean no se iba a quedar de brazos cruzados a que Charles siguiese como si nada y ella usa sus armas de mujer. Esta expresión siempre se ha usado para hacer referencia a los encantos "femeninos" de las mujeres y conquistar a los hombres pero en este caso, esas armas hace referencia a lo que muchos hombres no veían (y aún siguen sin ver): la inteligencia y la astucia. De esta forma lleva al joven Charles a un despiste tal que no sabe si está teniendo visiones o no.

Aunque no lo parezca, la fuerza del personaje femenino en esta película es bastante fuerte no solo por su trabajo (aunque no es algo como tal) sino porque llega a tener el control sobre los hombres en cuanto a manipulación y movimiento (se ve claramente reflejado en la relación con su padre y en su venganza particular contra Charles). Pero, al final acaba descubriendo una innegable verdad y es que el ser humano somos de carne y hueso y no somos inmunes; lo que en cierto modo hace de la película una historia entretenida donde las apariencias engañan.


Calificación personal: 8



Jumanji (1995)

 



  • Dirección: Joe Johnston
  • Año: 1995
  • Género: Aventura
  • Intérpretes: Robin Williams, Bonnie Hunt, Kirsten Dunst, Bradley Pierce, Jonathan Hyde, Bebe Neuwirth, David Alan Grier, Patricia Clarkson, Adam Hann-Byrd, Laura Bell Bundy
  • Guión: Greg Taylor, Jim Strain, Jonathan Hensleigh
  • Música: James Horner
  • Fotografía: Thomas Ackerman
  • Montaje: Robert Dalva
  • Productora: Interscope Communications, Teitler Film


SINOPSIS

Alan Parrish (Robin Williams) queda atrapado durante veinticinco años en un juego de mesa mágico muy antiguo llamado Jumanji. Para poder recuperar su vida tendrá que seguir jugando con los niños que viven en su casa, Judy (Kirsten Dunst) y Peter (Bradley Pierce) y con su amiga de la infancia Sara (Bonnie Hunt).


CRITICA

Recuerdo la primera vez que vi esta película. Me generó diversos miedos por los insectos y ese tono aventurero al que estaba poco acostumbrada a ver cuando era una niña pero, al verla con mi padre y ver  que le había entusiasmado tanto me sentí muy reconfortada.

Hace unos días la vi en una de las plataformas de vídeo bajo demanda y la tenía agregada en mi lista desde hacía más de un año y, buscando ver algo entretenido, decidí volver a mi infancia y recordar que pasasen los años que pasasen, esta película seguiría envejeciendo estupendamente. A pesar de observar que los efectos especiales están obsoletos, por aquel entonces era algo revolucionario.

Si dejamos a un lado las características técnicas y nos centramos en la esencia de la película, tiene todos los elementos que se esperaban de una película de aventuras sobre un juego de mesa del que cada vez que lanzas los dados, salen criaturas u ocurren situaciones extrañas y con un toque de humor.

En resumen, este tipo de películas no tienen una trascendencia que permita analizar la película de principio a fin pero, si es bueno de vez en cuando poder evadirse con algún film que nos haga sentir bien y que mejor forma de hacerlo que con una de esas historias que llenaron tu infancia.


Calificación personal: 7

sábado, 10 de octubre de 2020

El renacido (2015)

 



  • Título original: The Revenant
  • Año: 2015
  • Género: Drama
  • Dirección: Alejandro G. Iñárritu
  • Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Will Poulter, Forrest Goodluck, Lukas Haas, Duane Howard, Arthur Redcloud, Grace Dove.
  • Guión: Alejandro G. Iñárritu, Mark L. Smith
  • Fotografía: Emmanuel Lubezki
  • Música: Alva Noto, Ryuichi Sakamoto
  • Montaje: Stephen Mirrione
  • Vestuario: Jacqueline West
  • Productora: Regency Enterprises, RatPac Entertainment, New Regency Pictures


SINOPSIS

En 1823, Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) guía a un grupo de tramperos de vuelta a un fuerte tras sufrir una emboscada por parte de los indios arikaras. En el camino de regreso, Hugh es atacado brutalmente por un oso grizzly quedando al borde de la muerte y se queda al cuidado de su hijo Hawk, del joven Bridger (Will Poulter) y de Fitzgerald (Tom Hardy), el cual intentará acabar con la vida de Glass para no tener que cargar con el hasta que se recupere.


CRITICA

Si analizamos la película desde el punto de vista del contenido de la historia, lo que realmente cuenta es la historia de supervivencia de un hombre en condiciones climáticas extremadamente duras para así poder llevar a cabo la venganza por la muerte de su hijo. Pero lo que realmente llama la atención es el gran espectáculo visual que ofrece esta película.

La fascinación que muestra en realidad son todos y cada uno de los planos y el viaje que realiza el protagonista para reflejar todas y cada una de las adversidades que tiene que ir superando y esa fusión que hace con la naturaleza a través de la climatología (la nieve, el viento...), la forma de buscar comida, la propia supervivencia en un territorio tan hostil.

En ese viaje del protagonista para poder alcanzar su ansiado destino, se sumerge al espectador en esos increíbles momentos visuales de los paisajes a la par que se pueda observar como antiguamente los seres humanos con sus propias manos buscaban el alimento y el refugio de cada día. Por otro lado, aunque no se incide de una manera muy clara, se observa como los colonizadores invadieron de una forma bastante brusca el continente americano y como iban diezmando a los nativos americanos.

Como ya he comentado al principio de la crítica, el guión tiene poco diálogo porque muchas veces lo que nos quiere contar radica más en la propia belleza visual que nos quiere transmitir. Desde mi punto de vista, yo disfruté por ver no solo como el personaje lograría llegar a su destino sino por todos los sitios por donde pasaría y, porque me recordaba mucho a la cuidadosa fotografía del director ruso Andréi Tarkovski, cuyo cine expresaba más con las imágenes y las expresiones de sus actores que con las palabras. Porque muchas veces, el cine va más allá de las palabras.


Calificación personal: 7



Socias en guerra (2020)

 


  • Título original: Like a boss
  • Año: 2020
  • Género: Comedia
  • Dirección: Miguel Arteta
  • Intérpretes: Tiffany Haddish, Rose Byrne, Salma Hayek, Jennifer Coolidge, Billy Porter, Ari Graynor, Karan Soni, Ryan Hansen, Jacob Latimore, Set Rollins.
  • Guión: Sam Pitman, Adam Cole-Kelly
  • Música: Christophe Beck
  • Fotografía: Jas Shelton
  • Productora: Paramount Players, Artists Firts


SINOPSIS

Dos amigas con un concepto muy distinto de la belleza deciden fundar una empresa juntas. Una es más práctica, mientras que la otra quiere conseguir dinero para no tener que estar siempre pensando en el y en tener que pagar las facturas.


CRITICA

Más de una vez (y no me repetiré en esta crítica) he comentado mis dudas en cuanto a las comedias y a las películas románticas y con esta no es una excepción, como siempre el trailer te lleva a engaño y parece que en este caso el espectador parece que va a pasar un rato entretenido pero la verdad es que le acaba entrando un tremendo sopor.

La verdad es que la palabra que define muy bien a esta película es incomprensible porque no llega en ningún momento aparece el momento cómico, sobre todo teniendo al frente a una de las grandes promesas de la comedia como es Tiffany Haddish. Por otro lado, la sobreactuación de Salma Hayek roza el histrionismo y resulta bastante patética.

En definitiva, son esas horas de mi vida que no voy a poder recuperar pero no siempre uno acierta con las películas que ve y en este caso cuando busqué algo entretenido para relajar la mente no elegí el mejor filme. Porque nadie es perfecto, incluso para elegir películas.


Calificación personal: 2



La seducción (2017)

 



  • Título original: The beguiled
  • Año: 2017
  • Género: Drama, suspense
  • Dirección: Sofia Coppola
  • Intérpretes: Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning, Oona Laurence, Angourie Rice, Addison Riecke, Emma Howard
  • Guión: Sofia Coppola
  • Música: Phoenix
  • Fotografía: Philippe Le Sourd
  • Montaje: Sarah Flack
  • Productora: American Zoetrope, FR Productions



SINOPSIS

Año 1864, durante la Guerra de Secesión Americana, un soldado de la Unión John McBurney (Colin Farrell) herido acaba siendo acogido en un internado solo para chicas que está dirigido por la señorita Farnsworth (Nicole Kidman). Al principio duda en acogerle pero acaba conquistando el corazón de las mujeres que están heridas por la Guerra.


CRITICA

Cuando se estrenó esta película recibió críticas mixtas por el ritmo tedioso de su historia. Pero la verdad, es que en el transcurso de la misma se descubren puntos interesantes sobre el comportamiento humano en momentos complicados como puede ser una Guerra y, aún más cuando se tratan de mujeres que en ningún momento han tenido ningún contacto físico ni ningún tipo de intimidad con hombres, más allá de haber cruzado unas simples palabras.

La llegada del soldado al internado supone un elemento tambaleante en la vida de las pocas jóvenes que quedan en el lugar, sobre todo en aquellas donde su despertar sexual está en pleno apogeo, mientras que la directora de la institución ha olvidado por completo esa pasión hacia los hombres pero que se despierta en su interior esa llama que creía extinguida pero que al final, sigue pensando en sus alumnas. Por otro lado, el soldado aprovecha la hospitalidad de las jóvenes y cual serpiente, ataca sus puntos vulnerables no solo para que no le entreguen, sino también para el verse saciado de sus apetencias y apetitos. Estas idas y venidas que no se reflejan de una manera clara, sino más bien a través de miradas, planos, frases y gestos; se acaba convirtiendo en un juego psicológico entre las mujeres y el soldado; donde ambas partes ven atacadas sus pequeños momentos de intimidad pero, que a la vez resulta muy seductor poder sobrepasar esas líneas.

Uno de los aspectos que me llamó realmente la atención es el personaje del soldado, ya que lo que interesa de él es su capacidad para fascinar a todas ellas, todo un hito teniendo en cuenta que las personalidades de las chicas son totalmente diferentes. Quizá por ellos haya momentos en los que parece que se le cosifique. A fin de cuentas, da la sensación de que él cree que se va adueñando de la situación cuando en realidad sigue totalmente a su merced.

Desde el primer momento, se nota que el peso de la película recae totalmente sobre las mujeres, especialmente en el personaje interpretado por Nicole Kidman que, aunque al principio parece que se deja engatusar por los encantos del soldado pero siempre, acaba pensando en sus alumnas; porque aunque no lo aparente, ella es la que más amueblada tiene la cabeza.

En definitiva, este grupo de mujeres resulta mucho más potente y que acabe utilizando aquellos mismos saberes tradicionalmente femeninos que les han inculcado para agasajar a un hombre (la cocina, los cuidados, la costura...) también para destruirlo. Por lo que no es necesario distanciarse de una feminidad clásica para tejer un cuento oscuro en torno a un colectivo de mujeres que unen fuerzas para eliminar al hombre.

 
Calificación personal: 6.8


domingo, 4 de octubre de 2020

Padre no hay más que uno 2: La llegada de la suegra (2020)

 



  • Dirección: Santiago Segura
  • Año: 2020
  • Género: Comedia
  • Intérpretes: Santiago Segura, Toni Acosta, Luna Fulgencio, Calma Segura, Sirena Segura, Carlos González Morollón, Martina D'Antiochia, Lolés León, Leo Harlem, Silvia Abril, Wendy Ramos, Lorena Berdún, Florentino Fernández.
  • Guión: Santiago Segura, Marta González de Vega
  • Música: Roque Baños
  • Montaje: Fran Amaro
  • Productora: Amazon Prime Video, Atresmedia Cine


SINOPSIS

Tras el éxito de la asistente personal "Conchi", Javier (Santiago Segura) es el dueño del chat de madres del colegio. Todo cambia cuando su mujer Marisa (Toni Acosta) le anuncia que está esperando el sexto hijo, lo que pone la vida de Javier patas arriba, porque lo que quiere evitar es que la suegra se instale en su casa para echarles una mano.


CRITICA

Creo que es bien conocido que cuando una película tiene éxito de taquilla, rápidamente se piensa en hacer la secuela (y si me apuras, a veces se llegar a firmar hasta para tres o cuatro películas más en el caso de los cómics) y eso no quiere decir que el filme que llegue tenga el mismo éxito que su predecesora. En el caso de esta película, si que introduce pequeños elementos cómicos nuevos pero intenta explotar los que ya tocó en la primera entrega.

La novedad que se introduce en esta segunda parte es lo que la mayoría de las veces no nos gusta de una relación familiar y es el componente de la suegra, puesto que se piensa que molesta más que ayudar. Pero, las trastadas o el intentar mantener a los hijos a raya, aparecen igual que en la primera película, por lo que la novedad es escasa.

Con lo que se tiene que quedar el espectador es que si va a buscar una película para pasar el rato y relajarse, esta puede ser su película. No es aburrida la verdad, porque saca alguna que otra carcajada sobre todo en el momento en el que llega la suegra ya que es el elemento novedoso de la historia, hasta entonces, todo se parece a la primera entrega.

Lo que voy a comentar a continuación (aunque no es sobre la crítica) fue la primera película española que se estrenó después de la pandemia y es la película española más taquillera del año, lo que me alegra enormemente por apoyar a nuestro cine y poder seguir apoyando el mundo de la cultura poco a poco.


Calificación personal: 6.3

Origen (2010)




  • Título original: Inception
  • Año: 2010
  • Género: Ciencia Ficción
  • Dirección: Christopher Nolan
  • Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Tom Hardy, Ken Watanabe, Cillian Murphy, Marion Cotillard, Dileep Rao, Tom Berenger, Michael Caine, Lukas Haas
  • Guión: Christopher Nolan
  • Música: Hans Zimmer
  • Fotografía: Wally Pfister
  • Montaje: Lee Smith
  • Vestuario: Jeffrey Kurland
  • Productora: Legendary Pictures, Syncopy Films


SINOPSIS

Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) es un experto de apropiarse, durante el sueño, de los secretos del subconsciente ajeno. Pero su trabajo le ha hecho ser un fugitivo. Un día un cliente le pide una cosa: Origen, es decir, implantar una idea en el subconsciente de una persona.


CRITICA

Muchas veces el ser humano sueña y más de la mitad de las veces ni se acuerda con lo que sueña o incluso se despierta sobresaltado de esos sueños y acaba dándoles vueltas a lo largo de todo el día, pensando porqué ha soñado determinadas cosas. Hay otras veces, que soñamos con cosas o eventos que nos gustaría que nos ocurriesen o con elementos que fuesen mejores para nuestra vida o que es lo que nos ocurriría si eliminásemos ciertos factores que no nos gustan. O incluso, crear esa "vida paralela" pero en nuestra propia mente.

Las películas que hace el director británico son siempre historias que dejan al espectador desubicado puesto que no solo tiene que indagar en su propia mente, sino que en más de una ocasión el ser humano lo ha pensado pero no ha puesto en práctica esos pensamientos. Es decir, al igual que muchas veces tenemos una idea o un proyecto y lo ponemos en marcha, con los sueños podría ser lo mismo pero lo que aquí ocurre es que todo está en nuestro subconsciente y no podemos acceder más allá. Pero que ocurriría si dentro de nuestro sueño, tuviésemos más sueños, al final acabaría siendo una espiral de sueños infinitos en la cual no sabes cuál es el sueño primigenio.

Por otro lado, una de las ideas fascinantes que nos plantea el director es cuando el experimento Dom introduce a la joven Ariadne en el mundo de los sueños, le explica como cada persona puede crear los suyos propios e introducir nuestros recuerdos y mezclarlos con lo que nos gustaría de nuestra vida futra pero, cuando despiertas, te das cuenta de que esa no es tu vida real sino tu vida soñada y no puedes vivir siempre en el mundo de tus sueños; porque al final vives una vida que es imposible vivir. Otros de los aspectos que me llamó bastante la atención es que al fin y al cabo los sueños son pensamientos más profundos de tu mente donde nadie puede entrar, es decir, es "tu lugar", "tu espacio". Pero que ocurriría si ese concepto se rompe y se pudiese penetrar en la mente humana de forma tan profunda, de ahí el trabajo de la gente que se apropia de los sueños, una idea totalmente terrorífica que (¡menos mal!) no es posible o incluso que puedan manipularte en tus propios sueños.

Al espectador que le guste el género de la ciencia ficción, a la hora de ver este filme se puede quedar un poco desconcertado porque no sabe bien que es lo que se nos quiere contar. Por eso, yo recomiendo, volverla a ver (no al día siguiente) para analizar esos pequeños matices que van más allá de la historia y que nos permiten indagar en la mente humana.


Calificación personal: 8

lunes, 28 de septiembre de 2020

Una jaula de grillos (1996)

 



  • Título original: The birdcage
  • Año: 1996
  • Género: Comedia
  • Dirección: Mike Nichols
  • Intérpretes: Robin Williams, Nathan Lane, Gene Hackman, Dianne Wiest, Hank Azaria, Dan Futterman, Calista Flochart, Christine Baranski.
  • Guión: Jean Poiret, Francis Veber, Edourd Molinaro, Marcello Danon, Elaine Main
  • Música: Stephen Sondheim
  • Fotografía: Emmanuel Lubezki
  • Vestuario: Ann Roth
  • Montaje: Arthur Schmidt
  • Productora: MGM


SINOPSIS

La vida de Armand (Robin Williams) y Albert (Nathan Lane), una pareja homosexual se ve alterada ante la inminente boda de Val, el hijo de Armand, con la hija de un político conservador. Por ello, el padre de la novia decide visitar a la familia de su futuro yerno para observar si siguen los valores tradicionales familiares.


CRITICA

Creo que en más de una ocasión he mostrado sobre las líneas de una crítica que hay que ver buen cine pero, que también de vez en cuando viene bien despejar las neuronas y pasar un rato entretenido y agradable y poder desconectar. Hace mucho tiempo, vi a trozos Una jaula de grillos y no pude apreciar los matices cómicos de esta historia.

Más allá de los prejuicios que pueda levantar en diversos aspectos (puesto que ese no es el elemento principal de la trama), lo que realmente pone en juego es la adaptación de dos familias totalmente opuestas para poderse aceptar para que así sus hijos puedan casarse, ya que ellos son de mentalidad mucho más abierta. Por lo que Armand hace todo lo posible por parecer un hombre heterosexual sino también con un exceso de masculinidad y que la madre biológica de Val pueda aportar su pequeño grano de arena en esta situación. Sin que el toque afeminado y reinona aparezca (aunque no se pueda ocultar, ya que está por toda la casa).

A pesar de ser una película alocada y divertida, la trama a veces se termina perdiendo en pequeñas sutilezas o en pequeños clichés conservadores (el personaje de Gene Hackman, resulta bastante cargante la verdad) que rompe un poco la estética. Pero, su función de entretener al espectador y que este pueda pasar un buen rato, la cumple.


Calificación personal: 7

sábado, 26 de septiembre de 2020

El escándalo (2019)

 


  • Título original: Bombshell
  • Año: 2019
  • Género: Drama, historias reales
  • Dirección: Jay Roach
  • Intérpretes: Charlize Theron, Nicole Kidman, Margot Robbie, John Lithgow, Kate McKinnon, Mark Duplass, Liv Hewson, Alice Eve, Allison Janney, Connie Britton, Malcom McDowell.
  • Guión: Charles Randolph
  • Música: Theodore Shapiro
  • Fotografía: Barry Ackroyd
  • Vestuario: Colleen Atwood
  • Montaje: Jon Poll
  • Productora: Bron Studios, Annapurna Pictures


SINOPSIS

Fox News, una de las cadenas de noticias más importantes de Estados Unidos empieza a sufrir acusaciones sobre todo a su directivo, Roger Ailes, el cual utiliza su poder y su influencia para abusar sexualmente e insinuarse a las mujeres que trabajan en la cadena.


CRITICA

El abuso y las insinuaciones sexuales a mujeres por hombres poderosos es algo que lleva siendo habitual por mucho tiempo pero se ha hecho notorio en la última década y sobre todo en el último lustro. Lo peor de este tipo de situaciones es que en vez de ver que el abusador es el hombre, se piensa que la mujer se prostituye a cambio de trabajo o que para mantenerlo es capaz de hacer cualquier cosa. E incluso, si quiere ascender y promocionar en su vida profesional, que mejor forma que abrirse de piernas, puesto que es así como llegará a lo más alto.

Cuando hoy en día se intentan defender los derechos de la mujer se confunde mucho con el termino feminista y se desvirtúa bastante. Por un lado, la película intenta reflejar lo terriblemente machista que es el medio televisivo en general, donde la edad se convierte en una sentencia de muerte y donde las presentadoras tienen que lidiar con el desprecio (y a veces el abuso) de algunos de los hombres en puestos directivos por encima de ellas. No hace falta irse tan lejos. En el caso del periodismo patrio, esta el caso de Susana Griso y Ana Rosa Quintana que reciben constantes críticas sobre todo por parte del género masculino. Y sobre todo, antiguamente el ambiente sexista era algo habitual y natural y las periodistas lo tenían que sobrellevar y sortearlo si querían sobrevivir.

Por otro lado, tras mostrar el ambiente de trabajo, se refleja de una manera bastante clara el sistema abusivo y culpabiliza este de que se utilice a la mujer como instrumento y objeto sexual; lo que hace que a las que no entran en el juego del magnate de las telecomunicaciones o no son dóciles las castiga estancando sus carreras u obligándolas a volver al redil, como es el caso del personaje interpretado por Charlize Theron.

Uno de los aspectos que me llamó bastante la atención fue la ambigüedad de algunos personajes, es decir, de como determinadas mujeres que estaban en primera línea y que sabían lo que pasaban defendían al magnate como si fuera un santo y trataban a las víctimas (las de verdad) como unas auténticas guarras y busconas que solo querían salir por la televisión.


Es cierto que este tema genera bastante controversia hoy en día por varios motivos. Uno de ellos es el porque muchas mujeres se callan ante estas situaciones de abusos, puede ser por miedo, porque nadie las crea, porque no van a ser escuchadas. Otro de las posibles situaciones es que muchas mujeres pueden utilizar estas situaciones para desprestigiar a otra persona y conseguir solo fama (es ver el caso de la prensa del corazón) y, el tercer motivo es porque hay mujeres que realmente luchan por los derechos de aquellas que no pueden.

En estos casos tan peliagudos siempre habrá alguien que de el primer paso porque nosotros tengamos miedo. Cuando eso ocurra, no dudemos en acompañar a esa persona porque ha puesto su vida en peligro por una causa justa.


Calificación personal: 7.5




domingo, 20 de septiembre de 2020

Flor de cactus (1969)

 


  • Título original: Cactus Flower
  • Año: 1969
  • Género: Comedia
  • Dirección: Gene Saks
  • Intérpretes: Walter Matthau, Ingrid Bergman, Goldie Hawn, Jack Weston, Rick Lenz, Vitto Scotti, Irene Hervey, Eve Bruce
  • Guión: Pierre Barillet, Jean Pierre Grédy, Abe Burrows
  • Música: Quincy Jones
  • Fotografía: Charles Lang
  • Montaje: Maury Winetrobe
  • Vestuario: Moss Mabry
  • Productora: Columbia Pictures


SINOPSIS

Julian Winston (Walter Matthau) es un solterón cuarentón que va conquistando jovencitas. Su última conquista es Tonie Simons (Goldie Hawn) a la que hace creer que está casado y con tres hijos. Cuando decide "divorciarse de su mujer", Tonie decide conocerla. Por lo que Julian recurre a su enfermera (Ingrid Bergman) para que se haga pasar por su mujer.


CRITICA

A simple vista la premisa es bastante fácil, lo que permite sacar una historia sin complicaciones. Pero, lo que realmente es complicado es que con esa idea tan sencilla es mantenerla durante una hora y media aproximadamente y que el espectador pase un rato agradable, divertido y que de verdad se ría a carcajadas. Por eso, las comedias de antes no son las que hay ahora.

Desde el momento en el que Julian decide casarse con Toni, debe de buscar a su falsa mujer; y que mejor forma que recurrir a la enfermera de su consulta, la cual es fría como un témpano de hielo y rehúye las pretensiones de uno de los pacientes así como a los amigos morosos de su jefe. Aunque ella se niega, al final ayuda al doctor. Pero la situación se va complicando aún más cuando Toni empieza a simpatizar aún más y tienen que seguir llevando la mentira aún más lejos.

A medida que la mentira va creciendo, como es lógico la enfermera decide aprovecharse de la situación ante el enfado de Julian por el cariz que está tomando la situación que a él no le está haciendo mucha gracia. Entre todas estas idas y venidas, se van solapando momentos cómicos y naturales con gran maestría que hacen que el espectador suelte una carcajada constante.

Por otro lado, se ve como el trío protagonista tiene una gran química, además del gran Walter Matthau me ha sorprendido ver a la gran Ingrid Bergman en papel cómico haciéndolo con maestría me impresionó y el debut en el cine de una jovencísima Goldie Hawn (con Oscar incluido) mantienen la historia y el ritmo de la película que hacen que el espectador no se separe ni un minuto de la pantalla.


Calificación personal: 9



 

Perversidad (1945)

 


  • Título original: Scarlet Street
  • Año: 1945
  • Género: Cine negro
  • Dirección: Fritz Lang
  • Intérpretes: Edward G. Robinson, Joan Bennett, Dan Duryea, Jess Baker, Margaret Lindsay, Rosalind Ivan, Samuel S. Hinds, Vladimir Sokoloff.
  • Guión: Dudley Nichols
  • Música: Hans J. Salter
  • Fotografía: Milton Krasner
  • Montaje: Arthur Hilton
  • Vestuario: Travis Banton
  • Productora: Universal Pictures


SINOPSIS

Christopher Cross (Edward G. Robinson) es un cajero infelizmente casado pero que tiene un don para la pintura. Una noche, conoce a Kitty (Joan Bennett) una joven un tanto frívola que finge estar enamorada de el para que le colme de caprichos y que además, se hace pasar por la autora de los cuadros para sacar dinero junto a su novio y así estafar a Christopher.


CRITICA

Dejando a un lado la traducción del título, aunque si bien es cierto que le pega bastante más el que se le puso es castellano y el original de la novela (La golfa), realmente se ve esa maldad y esa perversidad a lo largo de toda la película por parte de la mujer y de su novio hacia un hombre ciertamente maduro que ha encontrado ciertas ganas no solo de vivir sino también de recuperar parte de esa felicidad.

A lo largo de toda la historia que se va contando al espectador lo hace de tal forma que nos quiere reflejar esa ascensión de "perversidad" del dúo de novios para exprimir al máximo al personaje de Chirstopher. ¿Qué es lo que ocurre entonces? El pobre hombre que vivía en un matrimonio infeliz y que a pesar de estar muy bien valorado a nivel profesional, empieza a encontrar una bocanada de aire fresco a su vida rutinaria y monótona, lo que no le impide tomar ningún tipo de decisiones aunque sean perjudiciales para el o para su imagen.

Una de las peculiaridades que me llamaron la atención fue el camino narrativo, el cual está lleno de maldades en forma de palabras venenosas, de gestos crueles y de insinuaciones sexuales al límite de lo asumible por el Hollywood de aquel entonces censurado, lleno de sumisiones y resentimientos del hombre herido en su orgullo.

Lo que termina de sorprender es el desenlace de la película el cual es totalmente inesperado y que desde mi punto de vista hubiese acabado de otra forma cuando Kitty decide poner en práctica su juego sucio y poner a prueba el amor que Christopher siente por ella. Lo que demuestra realmente las tonterías que muchas veces un hombre hace por una mujer y viceversa.

Desde mi punto de vista es una película de auténtico cine negro en donde lo importante no es más el que sino el quién y el como de toda la trama. Porque al fin y al cabo todo ser humano lleva un poco de perversidad en su interior.


Calificación personal: 8

miércoles, 16 de septiembre de 2020

Orígenes Secretos (2020)

 


  • Dirección: David Galán Galindo
  • Año: 2020
  • Género: Comedia, thriller
  • Intérpretes: Javier Rey, Verónica Echegui, Brays Efe, Antonio Resines, Ernesto Alterio, Carlos Areces, Leonardo Sbaraglia, Álex García, Roman Rymar.
  • Guión: David Galán Galindo, Fernando Navarro
  • Música: Federico Jusid
  • Fotografía: Rita Noriega
  • Montaje: Leire Alonso, Martí Roca
  • Productora: Netflix, Nadie es Perfecto, La chica de la curva


SINOPSIS

Madrid 2019. Un asesino en serie está sembrado el caos por la calles de la ciudad. Personas anónimas están siendo asesinadas imitando las primeras apariciones de los superhéroes en los cómics. En la investigación se encuentran Cosme (Antonio Resines) y David (Javier Rey) que tendrán que encajar las piezas del puzle con la ayuda del hijo de Cosme, Jorge (Brays Efe) y de su jefa Norma (Verónica Echegui).


CRITICA

Lo más seguro es que si esta película fuera una producción de Hollywood la gente escribiría por redes sociales lo "maravillosa" o dirían que es un "pasote" pero como suele pasar en un alto porcentaje, cuando se trata de cine español (salvaguardando a las series, menos mal que al menos se valora ese producto patrio) pero también podemos hacer películas para entretener al espectador y pasar un buen rato, que al fin y al cabo es la función de este filme.

Aunque al final se sabe que es lo que va a ocurrir y el patrón que se sigue en los cómics de que haya un héroe y un villano, a la vez deben de aparecer los momentos de los chistes fáciles para que generar la carcajada fácil al espectador y por supuesto no deben de faltar los momentos con sentimentalismos que todo personaje de cómic tiene.

En definitiva y para no alargarme mucho más (y porque tampoco hay mucho más que decir) resulta una película entretenida puesto que el ritmo que sigue es bastante ágil, lo que hace que el espectador no desconecte demasiado de la historia pero si que tiene algún que otro momento donde le cuesta remontar para seguir con la trama. Pero al final su función la tiene que es simple y llanamente la de entretener.

Calificación personal: 5

La decisión de Sophie (1982)

 



  • Título original: Sophie's choice
  • Año: 1982
  • Género: Drama
  • Dirección: Alan J. Pakula
  • Intérpretes: Meryl Streep, Kevin Kline, Peter MacNicol, Rita Karin, Stephen D. Newman, Josh Mostel, Marcell Rosenblatt, Robin Bartlett.
  • Guión: Alan J. Pakula
  • Música: Marvin Hmalisch
  • Fotografía: Néstor Almendros
  • Montaje: Evan A. Lottman
  • Vestuario: Albert Wolsky
  • Productora: Incorporated Televisión Company, Keith Barish Productions


SINOPSIS

Verano de 1947. Stingo (Peter MacNicol), un joven aspirante a escritor se instala en una pensión en Brooklyn. Su tranquilidad se verá turbada por la discusión entre Sophie (Meryl Streep), una joven polaca y su impetuoso Nathan (Kevin Kline). Aunque poco a poco, acabará convirtiéndose en el mejor amigo de la pareja.


CRITICA

En su momento, esta película tuvo mucha fama por la propia decisión (de ahí el título de la película) que llega a tomar la protagonista. Pero, como resulta lógico, hasta llegar a ese punto se pretende realizar al espectador toda una introspección para que conozca más al personaje y el origen de todos sus traumas y el porque de su comportamiento pero, a la hora de realizar ese viaje, se acaba perdiendo en una vorágine de sentimientos inexplicables y situaciones que no tienen ningún sentido.

La premisa con la que parte la película es buena, es decir, que a través del joven aspirante a escritor nos introduce en la vida de esa pareja que a lo largo de todo el día discuten como se están perdonando. Aunque puede sonar a la típica discusión de enamorados, realmente termina por reflejar a dos almas realmente atormentadas por su pasado que no terminan de convivir con el y por ende, no les permiten convivir entre ellos ni con ellos mismos.


Esa tensión dramática que puede llegar a contener la historia y permitiría que los personajes sacasen y explorasen toda su riqueza, se termina por diluir en diálogos un tanto largos, inconexos y soporíferos que, acompañados por la voz en off, hacen que el espectador desconecte en más de una ocasión de la historia y que en los momentos más importantes de la historia en los cuales se empieza a desengranar al personaje interpretado por Meryl Streep (ella, está espectacular, como lo ha estado siempre a lo largo de toda su carrera cinematográfica), se espera un poco más de tensión emocional.

Siempre se sabe que la fama que acaba adquiriendo una película (sean por los motivos que sean), cuando uno la acaba viendo puede llegar a dos conclusiones, la primera es que no es tan espectacular como le habían dicho o bien es todo lo contrario a lo que dicen las críticas o los entendidos en cine. Es algo que me ha pasado a mi con este filme, el cual deseaba verlo muchísimos años. Al final no es que me haya decepcionado ni es exactamente lo que me había esperado. Simplemente me ayuda a ver que los traumas que cada persona sufre o las enfermedades que uno pueda tener, las lleva de la mejor forma posible. A veces se acaba conviviendo y lidiando con ellas y ver cuales son los aspectos positivos de la vida o que hay otros motivos para seguir viviendo. Y otras veces, el sufrimiento y el dolor pesan tanto, que nada ni nadie nos lo puede aliviar.


Calificación personal: 6.8




lunes, 14 de septiembre de 2020

Un lugar donde refugiarse (2013)




  • Título original: Safe Haven
  • Año: 2013
  • Género: Romántico
  • Dirección: Lasse Hallström
  • Intérpretes: Josh Duhamel, Julianne Hough, David Lyons, Cobie Smulders, Mimi Kirkland, Noah Lomax, Irene Ziegler, Robin Mullins, Red West.
  • Guión: Gage Lansky, Dana Stevens
  • Música: Deborah Lurie
  • Fotografía: Terry Stacey
  • Montaje: Andrew Mondshein
  • Productora: Relativity Media


SINOPSIS

Katie (Julianne Hough) una joven con un oscuro pasado llega al pueblo costero de Southport y allí conoce a Alex (Josh Duhamel), un joven viudo de buen corazón que ayudará a Katie a adaptarse al pequeño pueblo y a su vida.


CRITICA

Creo que es sabido que muchas de las películas e historias románticas que se nos muestran están un tanto idealizadas, es decir, puede que en alguna ocasión pueda ocurrir algo similar pero nunca se asemejará con lo que se refleja en los libros o en las películas. Es lo mismo que ocurría con las novelas de la época romántica sobre amores imposible donde los amantes ponían fin a sus vidas ante la imposibilidad de estar juntos, rara vez eso ocurre.

En el caso de las películas que se basan en las novelas de Nicholas Sparks (creo que todo el mundo le recuerda o le recordará por El diario de Noa) es que muestra situaciones complicadas en la vida de las personas que no están lejos de ser reales pero, lo que al final hace que el desarrollo de la trama sea un tanto irreal o más bien inverosímil es que el amor lo puede todo. Eso es cierto. Es verdad que el amor lo puede todo pero debe de ser demostrable en situaciones mucho más complejas  y donde se ponga a prueba de verdad la relación entre la pareja.

Otro de los aspectos que veo cuando se adaptan las famosas novelas del célebre escritor es que se suelen omitir detalles relevantes (lo escribo puesto que me he leído todas sus novelas) y porque a la hora de seleccionar a la pareja de actores protagonistas se nota la falta de química entre ambos, lo que hace que la historia (o supuesta historia) de amor entre ambos resulte un tanto empalagosa y aburrida, dando como resultado a que no es nada creíble.

Pero, como sobre gustos no hay nada escritos, muchas veces este tipo de películas simplemente se visionan para evadirnos un poco de la realidad o incluso para imaginar esa relación idílica con la que todos y todas hemos soñado y/o fantaseado alguna vez en nuestra vida. Pero que no es una película imprescindible ni se pierde nada por no verla.


Calificación personal: 5



El fotógrafo de Mauthausen (2018)




  • Dirección: Mar Targarona
  • Año: 2018
  • Género: Drama
  • Intérpretes: Mario Casas, Richard Van Weyden, Alain Hernández, Adriá Salazar, Eduard Buch, Stefan Weinert, Rubén Yuste, Nikola Stojanovic, Frank Feys, Macarena Gómez
  • Guión: Alfred Pérez Fargas, Roger Danés
  • Fotografía: Aitor Mantxola
  • Montaje: José Luis Romeu
  • Productora: Televisión Española, Rodar y Rodar, Film Team


SINOPSIS

Francesc Boix (Mario Casas) es un soldado republicano que tras finalizar la Guerra Civil Española acaba en el campo de concentración alemán de Mauthausen donde trabaja como fotógrafo para los nazis. Con el transcurso de los años, Boix hará fotografías de las atrocidades que cometieron los soldados alemanes contra los españoles que se encontraban en ese campo de concentración y contra otros muchos.


CRITICA

Indagando en diversas páginas de internet he podido fijarme en que no valoran bien esta película. Cómo es lógico, no la considero una obra maestra pero tampoco desmerezco el trabajo de todo el equipo español que se involucró en contar esta historia porque, aunque la gente no lo crea, los nazis no solo mataron judíos (es cierto, que en sus campos de concentración más famosos, el porcentaje más elevado fueron judíos) sino también a seres humanos que se oponían al régimen de Hitler, a homosexuales, negros, personas con algún tipo de deficiencias mentales o los derrotados de la Guerra Civil Española puesto que, Franco no se quería involucrar de forma directa en la Segunda Guerra Mundial así que "ayudaba" de alguna forma a su amigo Hitler; mandando a republicanos o creando la famosa División Azul.

Este echo me lleva a plantearme que independientemente de lo que hubiese sucedido en nuestro país (que ya fue bastante triste y doloroso) no merecían continuar sufriendo en un campo de concentración y seguir viendo como se cometían barbaries y ver como los nazis campaban a sus anchas como los amos del mundo dejando constancia de todas sus barbaries. Pero, cuando veían que iban a perder la guerra, decidieron borrar todo rastro posible para así poder salir indemnes de los terribles crímenes que habían cometido a lo largo y ancho de toda Europa.

De alguna forma, esta historia que para el público español (y para el europeo) nos parece extraña y desconocida nos tiene que hacer reflexionar para saber que nadie debe de quedar impune de los crímenes que comete y que debe de ser llevado ante la justicia. Porque, crimen no solo un acto de violencia en el que una persona muere, sino también aquella persona o persona que siendo consciente de todos y cada uno de sus actos roba a gente necesitada o se enriquece para poder vivir mejor y así estar al margen de la ley. Pues como dice el refrán: "se pilla antes a un mentiroso, que a un cojo".

Y una vez más, reivindico la oportunidad que debe de darle el espectador al cine español y de que también se hacen películas buenas y de calidad. Y que sobre todo, nosotros también contamos historia y lo más importante: nosotros también tenemos nuestra historia.


Calificación personal: 7.5


miércoles, 9 de septiembre de 2020

Los mejores años de nuestra vida (1946)




  • Título original: The best years of our lives
  • Año: 1946
  • Género: Drama
  • Dirección: William Wyler
  • Intérpretes: Myrna Loy, Frederic March, Dana Andrews, Teresa Wright, Virginia Mayo, Harold Russell, Cathy O'Donnell, Hoagy Carmichel, Gladys George.
  • Guión: Robert E. Sherwood
  • Música: Hugo Friedhofer
  • Fotografía: Gregg Toland
  • Montaje: Daniel Mandell
  • Vestuario: Irene Sharaff
  • Productora: MGM, RKO Pictures


SINOPSIS

Tras finalizar la Segunda Guerra Mundial, tres combatientes vuelven a su ciudad natal con la esperanza de volver a recuperar su vida familiar y de poder integrarse de nuevo en la sociedad. Pero los estragos de la guerra harán mella en sus vidas y entablando una amistad entre los tres.


CRITICA

Hay películas que aunque se las denomine del llamado "cine clásico" los temas que abordaron en su momento son aplicables para muchos de los acontecimientos que se están viviendo ahora. Uno de los aspectos que trata la película (por no decir el principal) es que le ocurre a los soldados cuando vuelven de la guerra y su adaptación a la que era su vida; pero tras un trauma tan fuerte cómo es posible dicha adaptación o incluso como pueden hacer como si no hubiese pasado nada y el haber luchado por su país que al tras finalizar la guerra les ha dado la espalda por completo. Porque lo hacen todos los gobiernos, para luchar por la patria reclaman a todo el mundo pero, cuando deben de regresar y curarse de sus traumas, no les dan ayudas ni les facilitan de alguna forma poder conseguir trabajo porque los dirigentes no han visto lo que realmente la batalla que se ha librado sobre el terreno, porque en el despacho es todo más sencillo.

En esta historia se muestra la vida de tres soldados cuyas posiciones en la guerra no tienen nada que ver con la que tienen al volver a su ciudad. El que mayor distinciones tiene, su mujer no valora el esfuerzo que hace por integrarse. El de rango intermedio recupera su buen puesto en el banco y en vez de ser un hombre de antaño agarrado al dinero, ve la situación de todos aquellos que han vuelto de la guerra y quieren salir adelante a pesar de las penurias. Y por último, está el marine que ha perdido las manos (por cierto, el actor que lo interpreta es un veterano de la Segunda Guerra Mundial que realmente perdió las manos y se las sustituyeron por ganchos) y que sabe que eso formará parte del resto de su vida pero no quiere que nadie sufra por su mutilación y que aún así el sigue siendo una persona completamente normal. 

Por otro lado, está el entorno de los soldados, es decir, de como ellos también se adaptan a su vuelta y la forma para entender lo que han pasado y darles el espacio que necesitan para que puedan salir adelante. Hay algunos que sufren por las secuelas y llevan ese sufrimiento en silencio, otros que realmente dan espacio y otros que piensan que ya tienen que volver a la "realidad" y que la guerra no ha sido para tanto. Lo que realmente hay que tener en cuenta, es que nunca nadie sabrá lo que se nos pasa a cada uno por la mente.

Desde mi punto de vista es una película delicada a la par que exquisita que refleja diferentes situaciones sin caer en la compasión, sino todo lo contrario, en la necesidad de ser comprendidos y que el espacio vital de cada uno es necesario en cualquier ámbito de la vida y sobre todo, cuando hay experiencias traumáticas de por medio.


Calificación personal: 9.5



Lazos de sangre (2013)




  • Título original: Blood ties
  • Año: 2013
  • Género: Thriller
  • Dirección: Guillaume Canet
  • Intérpretes: Clive Owen, Billy Crudup, Marion Cotillard, Zoe Saldaña, Mila Kunis, Matthias Schoenaerts, Lily Taylor, James Caan, Noah Emmerich.
  • Guión: Guilliaume Canet, James Gray
  • Música: Raphäel Hamburger, Anne-Sophie Versnaeyen
  • Fotografía: Christophe Offenstein
  • Montaje: Hervé de Luze
  • Vestuario: Michael Clancy
  • Productora: Les Productions du Trésor, Worldview Entertainment, Canoe Films


SINOPSIS

Nueva York, 1974. Chris (Clive Owen) sale de la cárcel por buena conducta y se va a vivir a casa de su hermano pequeño Frank (Billy Crudup), el cual es policía y le acoge a regañadientes. Frank espera que Chris haya cambiado de su vida anterior y pueda adaptarse a la nueva situación fuera de la cárcel.


CRITICA

Lo que parece un thriller prometedor sobre la rivalidad entre dos hermanos que se encuentran en lados opuestos de la ley (recuerda mucho a otros títulos del guionista de este mismo filme como La otra cara del crimen y La noche es nuestra) y como sus caminos se van entrelazando. Pero, esa conexión que intenta establecer entre los dos hermanos se va quedando en puntos muertos que no tienen mucho sentido y que no llevan a establecer la conexión entre los diferentes personajes e incluso me atrevería a decir, que a medida que se van introduciendo nuevos coprotagonistas, lo hacen de una manera un tanto precipitada y sin mucho sentido.

Por otro lado, lo que muchas veces le inclina al espectador a la hora de ver una película es el elenco que lo protagoniza pero, eso no quiere decir que la historia sea realmente sólida y que tenga unos giros argumentales que permitan seguir la trama con atención. En el caso de Lazos de sangre, el ritmo demasiado lento y una investigación policial que no se sabe bien por donde va o a por quién va, impide en cierto modo saber que es lo que se pretende realmente transmitir y si realmente pretende decir algo al espectador.

De echo, son de esas películas que pasaron sin pena ni gloria por la cartelera y que tampoco recibieron críticas muy positivas puesto que de alguna forma intenta mostrar una ambigüedad moral pero lo que acaba reflejando son estereotipos ya que abre varios frentes y luego los intenta cerrar a trompicones. De ahí que acabe resultando un thriller fallido.


Calificación personal: 4.8