Magnolias de acero (1989)

• Título original: Steel magnolias
• Año: 1989
• Género: Drama
• Dirección: Hebert Ross
• Intérpretes: Sally Field, Dolly Parton, Shirley MacLaine, Daryl Hannah, Olympia Dukakis, Julia Roberts, Tom Skerritt, Dylan McDermott, Sam Shepard.
• Guión: Robert Harling
• Música: Georges Delerue
• Fotografía: John A. Alonzo
• Montaje: Paul Hirsh
• Productora: Rastar

SINOPSIS

La vida cotidiana de un grupo de seis mujeres en un pueblo sureño de los Estados Unidos. Reflejan las idas y venidas de su vida pero sobre todo la de Shelby (Julia Roberts) una joven diabética que acaba de casarse y a la que los médicos le han dicho que no puede tener hijos.

CRITICA

Recuerdo perfectamente la primera vez que vi esta película, fue con mi madre y ya llevaba un tiempo empezada pero aún así quedé fascinada al verla y el poder revisionarla de nuevo y desde el principio, me hace ver detalles en los que antes no me había fijado y a pensar de considerarla (la mayoría de los grandes críticos de cine) como una película sensiblera en exceso, aporta bastantes cosas importantes.

En primer lugar es un grupo variopinto de mujeres cuyo punto de encuentro habitual es la peluquería de una de ellas y donde no solo cuentan cotilleos sino que realmente se cuentan cosas íntimas que solo se comparten aquellas mejores amigas. En medio de esta amistad siempre está la preocupación por la salud de Shelby y como su madre (impresionante Sally Field) intenta que la salud de su hija no empeore porque no la quiere perder pero sabe que es su vida y al final Shelby quiere vivir normal dentro de sus limitaciones.

Por otro lado el grupo de amigas es tan variopinto que entre todas ellas se complementan y que consiguen sacar la mejor versión de ellas mismas y que en los momentos duros están ahí siempre que se necesitan incluso para nimiedades. Lo que lleva a la conclusión de que la vida da muchas vueltas, no se sabe a quien te vas a encontrar en tu camino pero, hay que saber apreciar esos pequeños momentos e incluso a veces poder mejorar la relación entre madre e hija, entre un marido y su esposa o fortalecer relaciones de amistad que a veces pueden estar dañadas.

Desde mi punto de vista no es la típica película sensiblera desde el principio sino una forma de ver la amistad en los momentos alegres pero también en los tristes y por mucho que a veces las cosas no vayan en la dirección que nos gustaría, siempre hay alguien que nos quiere que nos ayuda a ver la mejor versión de nosotros mismos.

Calificación personal: 8

La reina de África (1951)

• Título original: The African queen
• Año: 1951
• Género: Comedia, drama
• Dirección: John Huston
• Intérpretes: Humphrey Bogart, Katherine Hepburn, Robert Morley, Peter Bull, Theodore Bikel, Walter Gotell.
• Guión: John Huston, James Agee
• Música: Allan Gray
• Fotografía: Jack Cardiff
• Montaje: Ralph Kemplen
• Productora: Horizon Pictures, Romulus Film Ltd

SINOPSIS

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Charlie Allnut (Humphrey Bogart) un capitán de barco y Rose Sayer (Katherine Hepburn) una puritana misionera huyen de las tropas alemanas en una embarcación ruinosa que debe atravesar un río peligroso. A pesar de ser antagónicos, tendrán que pasar por situaciones extremas que les unirá más de lo que creen.

CRITICA

Casi toda la totalidad de la película solo hay dos actores, lo que a veces puede resultar un poco complicado con las historias porque no se sabe como se va a desarrollar la misma pero la esencia de  este filme mítico no solo reside en todo lo acontecido entre el rodaje, sino en la química que se da entre los dos actores así como en el desarrollo de la trama.

Es una película donde se asoman atisbos de comedia con ligeros toques de drama a la par que románticos y todo eso en una barca medio destartalada de diez metros de largo en donde dos personas con personalidades completamente diferentes tendrán que vivir (y sobrevivir) juntas si quieren llegar a su destino final. Esto hará que la rudeza del capitán Allnut se suavice no solo al estar con una mujer sino para poder llevar la vida con más ligereza. En el caso de Rose dejará de lado su puritanismo para tener que hacer frente a una situación en la que nunca se había visto expuesta y mostrar la valía que tiene una mujer y que no toda la inteligencia y la rudeza está del lado del hombre.

A esta película se la considera una joya del siglo pasado aunque el fin que tiene es entretener al espectador y ver que es lo que va ocurriendo entre la pareja protagonista sino por lo que supuso trasladar a todo el equipo a África, que todos menos el director y Bogart tuvieran disentería ya que ambos solo bebían whisky, lo que supuso un retraso. En definitiva es una película vibrante y enérgica y permite al espectador pasar un rato entretenido.

Calificación personal: 7.5

Las tortugas también vuelan (2004)

• Título original: Lâkpostha ham parvaz mikonand
• Año: 2004
• Género: Drama
• Dirección: Bahman Ghobadi
• Intérpretes: Soran Ebrahim, Avaz Latif, Hiresh Feyssal Rahman, Saddam Hossein Feysal, Abdol Rahman Karim, Ajil Zibari.
• Guión: Bahman Ghobadi
• Música: Hosein Alizadeh
• Fotografía: Shahriar Assadi
• Montaje: Mustafa Kherkepush, Haydeh Safi-Yari
• Productora: Mij Film

SINOPSIS

Los habitantes de un campo de refugiados de Kurdistán buscan comprar una antena parabólica para poder enterarse que es lo que está ocurriendo con la guerra. Los niños del campamento están liderados por un adolescente al que llaman "Satélite" que se encarga de recoger minas antipersonas y que quedará prendado por la tristeza de una joven que se encuentra en el campo de refugiados.

CRITICA

Hace bastantes años solo me interesaban las películas de Hollywood porque esas que denominaban "extranjeras", es decir la no europeas, me parecían la cosa más aburrida del mundo. Pero hace cinco años tuve la oportunidad de poder imbuirme en filmografía de otros países y poder descubrir muchas veces el verdadero cine auténtico.

Por otro lado, siempre esperaba la oportunidad de poder ver esta película pero la acababa posponiendo no sé la razón y he de decir, que es una película totalmente estremecedora donde miles de personas siguen sufriendo por una guerra en la que ellos no se metieron y cuando ya fue derrocado del poder Saddam Hussein, ya nadie se acuerda de ellos y así ocurre en aquellas partes del mundo de las cuales no se puede sacar ningún tipo de provecho porque no interesa.

El director focaliza toda la historia en niños que realmente han sufrido mutilaciones o aberraciones provocadas por la guerra y refleja a la vez la infancia robada de esos niños donde ya no solo no es que sepan cuando todo se va a acabar sino que se dedican a "trabajar" recogiendo minas antipersonas porque es a lo único a lo que se pueden dedicar ya que les han quitado todo aunque ellos sigan actuando como si no pasase nada pero, en realidad si pasa. Y parece ser que el único que de alguna forma se da cuenta de lo que realmente está sucediendo es Satélite que se preocupa de los niños del campamento por lo que a machas forzadas ha tenido que pasar de su infancia a la edad adulta de una forma brusca y repentina. Dentro del abarrotado grupo de niños me llamó mucho la atención que solo se centrase en una única niña. Algo que resulta curioso puesto que siempre los niños sufren pero los chicos no llegan a sufrir las mismas consecuencias que las chicas por lo que muestra la paradoja de como siguen viviendo pero ella "debe" de sobrevivir.

De una forma clara y contundente el director hace una declaración de intenciones: denunciar las barbaridades de una guerra sin sentido y sin, por ello, obviar a los medios de comunicación y la pasividad con la que los occidentales nos enfrentamos a un drama como éste desde la comodidad de nuestras casas y que, cuando aparece en la televisión cambiamos rápidamente de canal porque no podemos ver esas cosas. Es cierto que cada país tiene sus propios problemas pero a la larga tendemos a mirar hacia otro lado porque nos es más fácil y porque como dice el refrán: "ojos que no ven, corazón que no siente"

El director rodó la película dos semanas después de haber comenzado la guerra y estuvo en pleno contacto con los niños del campamento para que se mostrase la realidad sin tapujos y con todo tipo de adversidades y casi sin medios para poder rodarla, para mostrar la humanidad de verdad en estas situaciones. Esto se puede aplicar al momento de la pandemia actual que estamos viviendo en donde se muestran a los países que importan pero, ¿qué pasa con los países de Asia?, ¿con los de África? ¿e incluso con los de Latinoamérica? Lo justo y necesario o nada. Y me incluyo, porque cuando veo este tipo de películas me abre horizontes a nivel cinematográfico pero también a nivel personal y al final, seguiremos con nuestra vida sin importar que los países del primer mundo somos los que destruimos a los países del tercer mundo.

Calificación personal: 10

Noches blancas (1957)

• Título original: Le notti bianche
• Año: 1957
• Género: Drama, romántico
• Dirección: Luchino Visconti
• Intérpretes: Marcello Mastroianni, Maria Schell, Jean Marais, Marcella Rovena, Maria Zanoli, Elena Fancer, Dirk Sanders, Clara Calami.
• Guión: Luchino Visconti, Suso Cecchi D'Amico
• Música: Nino Rota
• Fotografía: Guiseppe Rotunno
• Montaje: Mario Serandrei
• Vestuario: Piero Tosi
• Productora: Rank Film, Cinematografia Associati

 SINOPSIS

Una noche, cerca de un puente, un joven (Marcello Mastroianni) conoce a una joven llamada Natalia (Maria Schell) que espera la llegada de su amante. La chica le pide que le ayude a buscar a su pareja porque sospecha que está viviendo en un hotel de la localidad.

CRITICA

La película se basa en la novela homónima del famoso escritor ruso Fiódor Dostoyevski que siguen siendo una gran influencia en la actualidad. Cómo es lógico, la época en la que se escribió la novela y el año en el que se rodó el filme distan bastantes pero aún así la historia resulta bastante desgarradora sobre todo por el lado del personaje masculino que cae rendido a los pies de una mujer que no desea nada con el porque espera al hombre al que le hizo una promesa de encontrarse con el un año después.

Lo que realmente viene a plantear la película es lo que muchas veces (no siempre) es lo que se suele vender en la actualidad con las historias románticas en donde una pareja promete esperarse aunque realmente pase el tiempo. Pero, el contrapunto que tiene es que antiguamente se debía de tener una fe completamente ciega en que ambos se acabarían reencontrando. Aunque realmente lo que refleja es la soledad de ambos personajes en la que están sumidos pero no de tristeza sino en la falta de tener a alguien con quién compartir momentos; hasta que sus caminos se terminan encontrando.

Ese encuentro realmente les ayuda ambos a sobrellevar una vida en una pequeña ciudad italiana en la que no conocen a nadie y que de alguna forma el sincerarse mutuamente les ayudará no solo a llevar esa soledad (que en este caso no es buscada) sino esos momentos de enamoramiento cuando un hombre y una mujer comienzan a conocerse. Pero esos momentos intentan ser verdad pero, realmente no lo son.

La historia debería ser verdadera pero hay diversos puntos en el filme en el que el público tiene la sensación de que lo que ocurre entre ambos es verdadero pero, debe de sentir a la vez que es falso. Y en el momento en el cual tenga la sensación de que es falso, debe de sentir es verdadero. Es decir, que por unos instantes lo que ocurre entre ellos es real y que ambos deben de tomar una decisión aunque sea de forma precipitada para intentar estar juntos pero, hay un individuo que lo impide. No se le ve, no se le siente pero se interpone en esa relación.

Por otro lado, el ambiente en el que se desarrolla la historia muestra una serie de claros oscuros en los cuales cuando ambos están juntos se manifiesta con la nieve, como si fuese una metáfora de algo puro entre ambos. Pero cuando la sombra de la duda se cierne sobre ambos los planos son más oscuros o el encuentro entre ellos son por lugares sombríos. Por lo que esas "noches blancas" atisban ese rayo de esperanza pero, no se sabe lo que va a ocurrir.

En definitiva la historia entre ambos jóvenes se ve encaminada hacia algo desolador y donde la tristeza se percibe cuando se echa la mirada a atrás recordando esos breves días en los cuales se ha podido disfrutar de esos momentos que se recordarán para siempre.

Calificación personal: 7.5

La vieja guardia (2020)

• Título original: The old guard
• Año: 2020
• Género: Acción, ciencia ficción
• Dirección: Gine Prince-Bythewood
• Intérpretes: charlize Theron, Matthias Schoenaerts, Kiki Layne, Marwan Kenzari, Luca Marinelli, Chiwetel Ejiofor, Harry Melling, Van Veronica Ngo, Anamaria Manrica
• Guión: Greg Rucka
• Música: Hauschka
• Fotografía: Barry Ackroyd
• Montaje: Terilyn A. Shropshire
• Productora: Netflix, Skydance Productions

SINOPSIS

Un grupo de mercenarios inmortales liderados por Andy (Charlize Theron) han luchado durante siglos para poder proteger al mundo. En una misión de emergencia sus habilidades salen a la luz y deben de huir, hasta que detectan la presencia de otra como ellos, Naile (Kiki Layne) que se une a ellos para evitar que les atrapen.

CRITICA

Después de ver películas con demasiada intensidad me gusta ver alguna que me permita liberar un poco la mente y viendo que anunciaban tanto esta película decidí verla y, también reconozco porque sale Charlize Theron y me encanta esta actriz. Y lo que tiene este tipo de películas es que su única función en entretener al espectador y es lo que hace de principio a fin aunque tiene ligeros altibajos.

No hay que ahondar demasiado en la temática de la historia pero lo que si me llamó la atención es como trata el tema de la inmortalidad, es decir, que si lo son pero llegado un momento pero llegado un momento es como si su organismo no respondiese ya a la regeneración y es cuando reciben como una especie de "llamada" que les indica de que alguien como ellos ha aparecido. En todo este proceso deben de irse escondiendo para que no les atrapen y les utilicen como experimentos con fines equivocados puesto que su única finalidad es poder ayudar al planeta aunque este no quiera.

En definitiva la historia es bastante interesante y de alguna forma permite al espectador enterarse del origen de los personajes, aunque el de Andy sigue siendo en parte un misterio, y como han acabado reuniéndose y formándose como grupo y, con sus grandes dosis de acción que la hacen aún más entretenidas. Por supuesto ese final más que abierto que nos permitiría disfrutar de una segunda parte y veer que pasa con el grupo de mercenarios.

Calificación personal: 6.5

Seis grados de separación (1993)

• Título original: Six degrees of separation
• Año: 1993
• Género: Comedia, drama
• Dirección: Fred Schepisi
• Intérpretes: Stockard Channing, Will Smith, Donald Sutherland, Ian McKellen, Mary Beth Ruth, Bruce Davidson, Richard Masur, Heather Graham, Anthony Michael Hall.
• Guión: John Guare
• Música: Jerry Goldsmith
• Fotografía: Ian Baker
• Montaje: Peter Honess
• Productora: MGM, United Artists

SINOPSIS

El matrimonio Kittredge (Donald Sutherland y Stockard Channing) son ricos marchantes de arte que viven en un lujoso piso de Manhattan. Una noche reciben la visita de un joven negro, Paul (Will Smith) que estudia con uno de sus hijos en Harvard. Cenan con el y pasan una velada muy agradable y les encadila con sus historias y contándoles que es hijo del actor Sidney Poitier.

CRITICA

Para mi era totalmente desconocida esta película. Nunca había oído hablar de ella y había visto bastantes películas de los tres actores principales pero, como ya he podido comentar en más de alguna ocasión hay algunos filmes que pasan a la historia sin darnos cuenta no porque sean malos sino porque no han tenido la repercusión que realmente se merecían y, en parte es lo que le pasó a esta película que aunque a veces tiene unos cuantos altibajos, es una crítica sobre la vida urbana, el dinero, la amistad y la homosexualidad.

Es curioso ver como se plantea la historia, es decir, como el matrimonio cuenta su experiencia como si algo muy grave (casi les matan) les ha sucedido y se lo empiezan a contar a los asistentes a una boda a la que ellos también han sido invitados. Pero no acaba eso ahí, puesto que descubren que a unos amigos suyos les ha pasado lo mismo con el mismo joven negro y como es lógico, se sienten estafados. Pero, ¿cuál es la verdadera estafa? El joven no les ha robado nada, simplemente les ha mentido sobre su vida y conocía detalles sobre la misma un tanto íntimos pero nada más.

Lo que les ocurre es que no pueden dejar de pensar en el porque hay algo que les ha atraído y es realmente como ha querido encajar. Es cierto que se ha creado una identidad falsa y en un estatus social que no es el suyo (aquí ya hace una crítica a las diferencias de las clases sociales) pero lo ha hecho con naturalidad y con su personalidad sin tener que alardear de fortuna, ni de colecciones ni de cuantas propiedades posee y que además, les ha dado cierto cariño y atención que sus hijos no les dan y que sus propios vástagos hasta reniegan de ellos. De echo, el título de la película hace referencia a la idea que intenta probar que cualquiera en la Tierra puede estar conectado a otra persona del planeta a través de una cadena de conocidos que no tiene más de cinco intermediarios, conectando a ambas personas con solo seis enlaces, algo que se ve representando posteriormente en la frase "el mundo es un pañuelo". Por eso el matrimonio siente ese vínculo con el joven Paul, porque piensan que al conocerle a el pueden de alguna forma poder conocer más o poder acercarse a sus hijos, pero aún así es imposible.

Al final descubren entre ella y el joven que se han sentido atraídos no en la forma sexual sino porque se han llenado sus vidas y se han enriquecido de forma mutua y han descubierto la vulnerabilidad y la soledad de cuando se está solo y cuando se tiene todo pero realmente se tiene un vacío existencial. No es una gran película pero si que de vez en cuando te hace reflexionar y pensar que todo el mundo necesita aunque sea un poco de compañía porque a nadie le gusta estar solo.

Calificación personal: 6.8

Becket (1964)

• Dirección: Peter Glenville
• Año: 1964
• Género: Drama, biográfico
• Intérpretes: Richard Burton, Peter O' Toole, David Weston, John Gielgud, Paolo Stoppa, Martita Hunt, Pamela Brown, Donald Wolfit, John Philips, Felix Aylmer.
• Guión: Edward Anhalt, Lucienne Hill
• Música: Laurence Rosenthal
• Fotografía: Geoffrey Unsworth
• Vestuario: Anne V. Coates
• Productora: Paramount Pictures, Keep Films

SINOPSIS

Siglo XII, Thomas Becket (Richard Burton) un sajón es amigo del rey Enrique II de Inglaterra (Peter O'Toole). El monarca, al ver que no puede controlar a la iglesia, decide nombrar a Becket arzobispo de Canterbury para que tome determinadas decisiones en su favor. Pero, Becket sentirá su nueva religiosidad  y se convertirá en rival del rey.

CRITICA

Llevaba mucho tiempo queriendo ver esta película puesto que había oído hablar muy bien de ella y, posteriormente me ha permitido indagar un poco en la vida de ambos personajes y ver como esa amistad y a la vez rivalidad existió realmente y como se aprecia bastante bien en esta película; la cual me ha resultado espectacular y que además, podría decirse que ha entrado en el top veinte de mi lista de mis películas favoritas. Como al principio me acabo desviando del tema, voy a centrarme en la crítica de este maravillo filme.

A pesar de su extensa duración (¡dos horas y media!) merece totalmente la pena no solo verla, ya que mantiene al espectador pegado a la pantalla, sino también porque la intensidad que se vive entre los personajes (gracias a las grandes interpretaciones del dúo protagonista) nos introduce en una lucha que ha existido a lo largo de los siglos; la lucha entre la monarquía y la Iglesia. Es una lucha metafórica claro está, porque se decía antiguamente que el monarca de un país o de una región estaba en el trono gracias al designio divino, por lo que dicho monarca no debía desafiar el poder de Dios, esto quiere decir a la Iglesia y por ende no obligarla a intervenir en determinadas acciones pero, si que debía prestarle al rey su ejército en caso de combate.

¿Qué es lo que le ocurre al monarca Enrique II? El desea gobernar de la forma más fácil posible pero sin asumir ningún tipo de consecuencia ni de riesgo y para frenarle en sus impulsos está su amigo Thomas Becket que le hace entrar en razón para que no se enemiste ni con los barones ni con la Iglesia. Pero claro, Becket no está bien visto porque es un sajón (los sajones fueron una tribu germánica que invadió Gran Bretaña y que posteriormente fueron derrotados por los Normandos) y se considera un traidor. Pero el rey tiene fe en el y, decide nombrarle obispo de Canterbury para que así le pueda "echar una mano" y la Iglesia no interfiera en sus asuntos. Pero cuando Becket decide tomarse en serio su posición y su espiritualidad, comienza la confrontación.

Aquí aparece el conflicto y es donde el espectador se puede preguntar: a quien debe servir Becket, ¿a Dios o a su rey? Realmente es como he comentado antes, el monarca está en el trono porque "Dios ha querido" y por lo tanto solo le debe sumisión al Altísimo pero sin llegar a producirse un enfrentamiento abierto entre ambos, cosa que no ocurre puesto que el rey proclama su odio contra Becket y quiere acabar con el; aunque realmente se siente desorientado sin el hombre sabio que le daba buenos consejos y públicamente no puede cometer ningún tipo de crimen contra el al ser un alto cargo de la Iglesia, lo que hace que el monarca tenga las manos atadas.

Lo que en definitiva nos viene a enseñar en esta relación de amor odio en la amistad entre dos amigos es que la posición social no debería de ser un impedimento pero incluso, hoy en día el pensar el que dirán o la opinión del resto o simplemente ocultar una relación por mantener tu imagen o tu status quo y no reconocer lo que a uno mismo le completa, es bastante desolador y lleva a tomar decisiones equivocadas de las que luego uno se arrepiente. Y que también no siempre el poder te tiene que llevar a la verdad absoluta sino el poder reflexionar y fiarte de aquel que no busca nada a cambio y, no todo en la vida es diversión y juerga, también hay que asumir responsabilidades y hacer frente a las situaciones que se nos da en la vida. Por cierto, Peter O'Toole está que se sale en su papel de rey.

Calificación personal: 9

La vida privada de Enrique VIII (1933)

• Título original: The private life of Henry VIII
• Año: 1933
• Género: Biográfico, drama
• Dirección: Alexander Korda
• Intérpretes: Charles Laughton, Robert Donat, Merle Oberon, Wendy Barrie, Elsa Lanchester, Binnie Barnes, Robert Donat, Franklin Dynall, Laurenc Hanray, Joh Loder.
• Guión: Lajos Biró, Arthur Wimperis
• Música: Kurt Schröder
• Fotografía: Georges Périnal
• Montaje: Stephen C. Harrison
• Productora: London Films

SINOPSIS

En mayo de 1536, después de la ejecución de su segunda esposa, Enrique VIII (Charles Laughton) se casa con su tercera mujer: Jane Seymour. Durante todo su reinado se llegó a casar seis veces para así poder asegurar un heredero varón al trono.

CRITICA

De sobra es de todos conocidos la vida de uno de los reyes más famosos de Inglaterra. En primer lugar porque rompió con la Iglesia Católica y creó la Iglesia de Inglaterra (denominada hoy en día Iglesia Anglicana) y por sus seis turbulentos matrimonios donde dos de los cuales sus esposas acabaron siendo ejecutadas, puesto que no eran de sangre real; de la única de la que "no se pudo deshacer" fue de Catalina de Aragón, hija de los Reyes Católicos.

Centrándonos en lo que concierne al mundo del cine, muestra con bastante realismo la opulencia con la que vivían antes los reyes (y con los grandes ricos en la actualidad) y también el temor que se les tenía por si se comentaba algo "inapropiado" o incluso siempre tener que estar alabándole por todo lo que hacía y besar el suelo por donde el pisaba.

Por otro lado, nos muestra a un personaje que más que gobernar por Inglaterra y para el pueblo, era un personaje grotesco, lujurioso y, ya en la madurez, patético, un personaje regio en su postura de piernas separadas y brazos en jarras y humanizado (incluso humillado) cuando su anciana niñera le echa más de una reprimenda, cuando juega y no para de perder contra su cuarta esposa o incluso decide dejar la mesa para mostrar sus dotes de luchador ante su quinta esposa, Katherine Howard.

De alguna forma muestra de forma caricaturesca la decadencia de un rey que a principios de su reinado tuvo mucho poder y una buena imagen frente a Europa pero, su avaricia y su lujuria le llevaron no solo a separarse de Roma, sino a guiarse más de sus apetencias y gustos y no reprimirse lo más mínimo para ser recordado como un buen monarca.

Calificación personal: 7

La noche de los generales (1967)

• Título original: The night of the generals
• Año: 1967
• Género: Bélico, drama
• Dirección: Anatole Litvak
• Intérpretes: Peter O'Toole, Omar Sharif, Tom Courtenay, Donald Pleasence, Joanna Pettet, Pilippe Noiret, Charles Gray, Coral Browne, John Gregson, Nigel Stock
• Guión: Paul Dehn
• Música: Maurice Jarre
• Fotografía: Henri Decaë
• Montaje: Alan Osbiston
• Productora: Horizon Pictures

SINOPSIS

Una prostituta aparece brutalmente asesina durante la invasión nazi en la ciudad de Varsovia. El mayor Grau (Omar Sharif) descubre que el asesino es un general destinado en dicha ciudad. En su lista habrá tres sospechosos pero solo uno, el general Tanz (Peter O'Toole) es al que le señalan las todas las pistas.

CRITICA

La primera impresión que puede causar esta película es encontrarnos con otra historia sobre la Segunda Guerra Mundial y sus consecuencias devastadoras que, en parte queda reflejada en muchos de los fotogramas del filme pero, a medida que van avanzando los minutos es que dentro de la ya por si monstruosidad que hacían los alemanes durante la guerra, de algún modo intentaban evitar que no sobrepasasen ciertos límites (aunque ya lo habían hecho en muchos sentidos).

Lo que realmente llama bastante la atención es la actitud fría, porque la verdad es que no encuentro un término exacto para definirlo, del general Tanz que tiene el beneplácito de Hitler y por eso no debe de responder ante otros generales sobre las decisiones que toma ni como lleva a cabo su gestión y por otro lado, lleva sus excentricidades hasta el extremo que tiene que tratar a los de rango inferior como si fueran auténtica basura. Eso lleva a que muchos militares y/o generales eviten tener trato con el.

Uno de los aspectos que me llamó la atención fue el posicionamiento de la cámara según qué bando quería mostrar: el del pueblo polaco, oprimido por un ejército invasor que vivía en las peores condiciones posibles y por otro, el ejército nazi, que aparecía como una especie de salvador y liberador con todo su armamento así como sus recepciones con sus opulentas comidas. Pero no hay que olvidar, que en ese lado se encuentra el Mayor Grau que, aún a sabiendas de su posición y de lo que hace el ejército alemán (y de forma paralela se va desarrollando la operación "Valkiria", que intentó asesinar a Hitler) intenta hacer justicia independientemente de la posición dentro del ejército, aunque se tenga que acusar a un superior.

Es cierto que la película me pareció soberbia en cuanto al punto de vista pero, lo que realmente hizo que no apartase la mirada ni un segundo de la pantalla fue la interpretación magistral de Peter O'Toole (al cual amas o al cual odias) que hace de sádico nazi a la perfección y es totalmente creíble y veraz y llega a estremecer. No realizaré ningún tipo de spoiler pero si se quiere ver a un asesino en serie psicópata, no hay mejor película que esta.

Calificación personal: 8

Gardenia azul (1953)

• Título original: The blue gardenia
• Año: 1953
• Género: Thriller, drama
• Dirección: Fritz Lang
• Intérpretes: Anne Baxter, Richard Conte, Ann Sothern, Raymond Burr, Jeff Donnell, George Reeves, Nat King Cole, Richard Erdman, Dolores Fuller, Hugh Sanders
• Guión: Charles Hoffmann
• Música: Raoul Kraushaar
• Fotografía: Nicholas Musuraca
• Productora: Warner Bros

SINOPSIS

Una telefonista (Anne Baxter) se emborracha y se levanta a la mañana siguiente sin recordar nada y acusada de haber asesinado a un hombre. Un periodista (Richard Conte) enamorado de ella intentará descubrir al verdadero asesino.

CRITICA

Más de una vez he reseñado que en toda filmografía de un actor, de una actriz o de un director siempre hay alguna que otra película oculta por diversos motivos; la gran mayoría de las veces es porque el filme pasó sin pena ni gloria y no suscitó el interés correspondiente. Algo similar (siempre desde mi punto de vista) le ocurrió a Gardenia azul donde fue una de las obras menores del director austriaco y de su actriz protagonista Anne Baxter.

Al principio se intenta vender al espectador la historia de una mujer herida en el terreno sentimental y que va a ir arrastrando ese despecho a lo largo de toda la película pero, cuando se ve que los derroteros de la historia no van por ese camino, intenta seguir la estela del thriller pero sin llegar a producir determinados clímax en donde el espectador piense que la historia va a dar un giro totalmente inesperado. Ya que en lugar de querer descubrir quien es la mujer asesina, un periodista hace las veces de "policía del pueblo" para encontrar a la culpable pero de forma sensacionalista, lo que hace que el punto noir de la historia se diluya y que sea poco creíble.

La crítica que se puede apreciar y que en la actualidad sigue existiendo es el periodismo sensacionalista, el cual consiste en vender periódicos o conseguir adeptos o famas con historias famas o adornando de forma excesiva una noticia, de esta forma la gente se lo cree y se acaba de dar por cierto una historia o un acontecimiento que realmente no lo es.

En definitiva, no ha sido una película que realmente me haya enganchado por su trama ni por como se van desarrollando los acontecimientos de la misma ni, la conclusión final a la que se llega para resolver el crimen como si fuera por puro azar y casualidad y donde también se cuestiona no solo el trabajo de la policía sino también el de los periodistas.

Calificación personal: 6

 

Festival de la canción de Eurovisión: la historia de Fire Saga (2020)

• Título original: Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga
• Año: 2020
• Género: Comedia
• Dirección: David Dobkin
• Intérpretes: Will Ferrell, Rachel McAdams, Dan Stevens, Pierce Brosnan, Mikael Persbrandt, Ólafur Darri Ólafsson, Graham Norton, Jon Kortajaerena, Demi Lovato, Alfrun Rose.
• Guión: Will Ferrell, Andrew Steele
• Música: Atli Örvarsson
• Fotografía: Danny Cohen
• Montaje: Greg Hayden
• Productora: Gary Sanchez, Netflix

SINOPSIS

Lars (Will Ferrell) y Sigrit (Rachel McAdams) son dos músicos islandeses desconocidos que tienen la oportunidad de sus vidas: representar a su país en el festival de Eurovisión. Demostrando a la gente de su propio pueblo que hay sueños por los que merece la pena luchar.

CRITICA

Es irónico puesto que este año debido a la pandemia no se ha podido celebrar el festival de Eurovisión y, de alguna forma ha habido algún "consuelo" con esta película cómica sobre uno de los festivales de la canción más famosos del mundo. Para los que de alguna forma les gusta disfrutarlo lo han podido hacer a través de una película.

Este filme no va más allá de su mera función, la cual es entretener al espectador con los puntos cómicos que van apareciendo (desde mi punto de vista, no son muchos), como todos los números musicales espectaculares que nos recuerdan al ya mencionado festival. Por otro lado, de una forma lo más fidedigna posible intenta mostrar todos los preparativos que hay para que se lleve a cabo su celebración, aunque los protagonistas tengan que pasar por multitud de problemas.

Uno de los aspectos positivos con los que me quedo de la trama de la película es como ambos protagonistas nos se rinden nunca en su sueño de cantar a pesar de que no les tomen en serio, más en concreto Lars cuyo único objetivo es ir al festival de Eurovisión y como anima a Sigrit cuando ya lo han logrado. Pero, realmente Sigrit no ambiciona ganar, sino el simple echo de poder estar ahí y de representar a su país y saber que hay algo más que ese festival y que no siempre la vida tiene que girar en torno a una cosa y a un sueño sino a poder diversificar y que lo sencillo es valioso.

A pesar de que no le de una calificación elevada puesto que su función de entretenimiento la cumple también he de destacar los números musicales que enganchan bastante junto con las canciones que son muy pegadizas y que son cantadas en su mayoría por el dúo protagonista. Para pasar un buen rato y disfrutar y también averiguar los cameos "eurovisivos".

Calificación personal: 5.5

Hannah y sus hermanas (1986)

• Título original: Hannah and her sisters
• Año: 1986
• Género: Comedia
• Dirección: Woody Allen
• Intérpretes: Woosy Allen, Michael Caine, Mia Farrow, Carrie Fisher, Barbara Hershey, Lloyd Nolan, Maureen O' Sullivan, Daniel Stern, Max von Sydow, Dianne Wiest
• Guión: Woody Allen
• Música: Johann Sebastian Bach
• Fotografía: Carlo Di Palma
• Montaje: Susan E. Morse
• Vestuario: Jeffrey Kurland
• Productora: Orion Pictures Corporation

SINOPSIS

Historia que trata sobre el amor, la infidelidad, el hastío y otros aspectos que están relacionados en torno a Hannah (Mia Farrow) y sus dos hermanas: Lee (Barbara Hershey) y Holly (Dianne Wiest) donde todos los personajes reflexionan sobre diferentes conceptos de la vida.

CRITICA

Los grandes entendidos de cine comentan que la mejor etapa de Woody Allen fue desde mediados de los años 80 hasta mediados de los años 90 (hasta que hizo en el año 2005 Match Point y luego la increíble Blue Jasmine) sobre todo porque era capaz de tratar diversos temas y hacer preguntas existenciales a través de varios personajes y dándoles un toque cómo; que en parte es lo que se viene a reflejar en esta película.

La historia principal gira en torno a tres hermanas, las cuales muestran sus dudas e inseguridades sobre como van llevando su vida o incluso si están tomando las decisiones acertadas y parece que la que lo tiene todo bajo control es Hannah porque es la que parece tener una vida más estable pero aún así no sabe el secreto que le oculta su marido. El cual también empieza a plantearse su vida marital con Hannah y ver que no es feliz por lo que desea estar con la hermana de esta Lee, la cual tampoco tiene una vida medio resuelta (por decirlo de alguna forma) cuando siente esa atracción por el marido de su hermana, el cual la confunde.

La tercera en discordia es Holly, que tras haber dejado atrás las drogas intenta reconducir su vida intentando ser actriz y también intentando buscar a alguien que la complemente pero, ella siente que tiene la carga de haber sido la hermana "problemática" y que no termina de centrarse en su vida ni parece que es lo que quiere pero ella sigue luchando por superarse.

En el ir y devenir de la historia algunos temas se tratan directamente como la infidelidad, el hacer daño a los demás aunque sea de forma indirecta o ver que no vas a conseguir ningún tipo de progresión y que parece que todo está yendo siempre en su contra y no consigue ningún éxito. Y al final, siempre lo que queda es la relación entre las tres hermanas.

Desde mi punto de vista no considero que sea una de las grandes películas del director estadounidense pero si que es propio de el introducir temas controvertidos o que provoque que el espectador se haga las mismas preguntas que los personajes. Porque al final la vida es a veces tener que cuestionarse cosas y poder elegir el camino que nos conviene y que sobre todo, con el paso del tiempo todo acaba llegando.


Calificación personal: 7

La chica del tren (2016)

• Título original: The girl on the train. 
• Dirección: Tate Taylor.
• Año: 2016.
• Género: Thriller. 
• Reparto: Emily Blunt, Rebecca Ferguson, Justin Theroux, Luke Evans, Allison Janney, Edgar Ramirez, Lisa Kudrow, Laura Prepon, Hayley Bennett. 
• Guion: Erin Cressida Wilson. 
• Música: Danny Elfman.
• Fotografía: Charlotte Bruus Christensen
• Montaje: Michael McCusker
• Productora: Dreamworks

SINOPSIS

Rachel (Emily Blunt) es una mujer devastada por su reciente divorcio que dedica cada mañana de camino a su trabajo a fantasear sobre la vida de una pareja aparentemente perfecta que vive en una casa por la que el tren pasa cada día. Pero una mañana Rachel es testigo desde la ventana del tren de un impactante suceso y se ve involucrada en el misterio que ella misma revela.

CRITICA

Creo que en más de una ocasión he mostrado mi descontento sobre las adaptaciones cinematográficas de las novelas y justo cuando salió a la venta el libro me lo compré en inglés (la verdad es que se lee con facilidad y se sigue muy bien la lectura) y siempre me quedó pendiente el ver la película. Y, como suele ocurrir con todos los filmes siempre hay división de opiniones y los críticos expertos no la puntúan muy bien pero, desde mi punto de vista la adaptación es bastante certera.

Se puede decir que lo que a lo mejor le puede resultar al espectador un poco desconcertante son la diversidad de personajes que hay y la forma de jugar con el tiempo para ubicarle en lo que ha sucedido: el asesinato de una joven en extrañas circunstancias. Otro de los elementos (desde mi punto de vista) que puede desconcertar un poco son las conexiones inconexas entre personajes que de repente pasan de tener un gran peso en la trama a terminar de desaparecer.

Desde mi punto de vista, La chica del tren no es una adaptación perfecta pero si consigue mostrar la vulnerabilidad de todos los personajes y como la protagonista muestra cierto efecto lúcido frente a la constante embriaguez que presenta y que realmente es el hilo conductor de toda esta historia donde los elementos de thriller o más bien de un toque de "cine negro" se pueden apreciar.

Uno de los aspectos que si me gustaría reseñar es el poder de sugestión que tiene una persona ante situaciones de estrés y vulnerabilidad y como otros seres humanos son capaces de manipularlas a su antojo para que siempre piensen que son culpables de todas sus acciones y como se le hace creer al resto de personas que hay alrededor lo"mala persona" que puedes llegar a ser.

En resumen, creo que el espectador al principio puede que le cueste conectar con la historia y que es lo que realmente se nos quiere contar pero, a medida que va avanzando la misma podrá establecer las diferentes conexiones y llegar a sorprenderse del inquietante final y sobre todo saber que a veces la mente no puede jugar una mala pasada.

Calificación personal: 7.5

Las seductoras (2001)

• Título original: Heartbreakers
• Año: 2001
• Género: Comedia
• Dirección: David Mirkin
• Intérpretes: Sigourney Weaver, Jennifer Love Hewitt, Gene Hackman, Jason Lee, Ray Liotta, Nora Dunn, Anne Bancroft, Jeffrey Jones, Sarah Silverman, Zach Galifianakis
• Guión: Robert Dunn, Paul Guay, Stephen Mazur
• Música: John Debney, Emmanuel Kiriaku
• Montaje: William Steinkamp
• Productora: Metro Goldwyn Meyer, Davis Entertainment

SINOPSIS

Max Conners (Sigourney Weaver) y su hija Page (Jennifer Love Hewitt) se ganan la vida estafando a hombres ricos. Cuando Page decide seguir con el negocio por su cuenta, su madre le pide hacer un último trabajo estafando a William B. Tensey (Gene Hackman), un importante magnate de la industria tabacalera.

CRITICA

Recuerdo cuando vi esta película hará ya unos cuantos años pero, había partes de la misma que casi no recordaba y el poder volver a verla me hizo pasar un rato entretenido pero, si que es cierto que a mitad de la trama el nivel de risas y ver como se van desarrollando la trama el nivel de la "estafa" desciende considerablemente, puesto que ya se van entremezclando elementos románticos.

La esencia principal de la historia reside en como madre e hija planean las estafas y luego los diferentes papeles que van adoptando en cada una de las mismas. Pero su último trabajo les va a salir un "poco rana" no solo porque la hija quiere montárselo por su cuenta sino porque ésta se empieza a enamorar y eso va a complicar todo el trabajo.

Por otro lado la frescura que hace que de alguna forma el filme siga hacia delante es el papel de Sigourney Weaver que de una manera bastante sorprendente crea todos y cada uno de los personajes para estafar a los hombres y es la que realmente lleva el peso de la historia mientras que para completar esta trama de estafas está el aliciente romántico para ultimar su obra final.

Es cierto que hay comedias de mucha mejor calidad y mucho más dinámicas pero de alguna forma, Las seductoras se ve que la historia se ha trabajado, escandalosa y procaz y tiene un espíritu que recuerda a las comedias de enredo del Hollywood clásico. Y también por ver el último trabajo de la gran Anne Bancroft por muy pequeño que sea y recordar su última aparición en la gran pantalla.

Calificación personal: 6

La dolce vita (1960)

• Dirección: Federico Fellini
• Año: 1960
• Género: Drama
• Intérpretes: Marcello Mastroianni, Anita Ekberg, Anouk Aimee, Yvonne Furneaux, Alain Cumy, Annibale Minchi, Magali Nöel, Lex Barker, Jacques Sernas, Nadia Grey.
• Guión: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tulio Pinelli, Brunello Rondi
• Música: Nino Rota
• Fotografía: Otello Martelli
• Montaje: Leo Cattozo
• Vestuario: Piero Gherardi
• Productora: Riama Film, Gray Films.

SINOPSIS

Marcelo Rubini (Marcello Mastroianni) es un escritor de crónicas sociales donde nos muestra su vida a lo largo de diferentes mañanas y noches por la Via Veneto, auténtico hervidero de celebridades y continuos acontecimientos sociales.

CRITICA

Esta película fue un icono en la época de mayor esplendor del cine italiano, donde esta etapa se conoció como neorrealismo italiano y dicen que es la mejor película del director italiano y además, por ser recordada por la escena famosa de Anita Ekberg en la Fontana di Trevi. Pero, desde mi punto de vista personal este filme que tanto revuelo causó y que se hizo tan famoso a mi no me ha dicho especialmente nada. No solo porque no esté (a lo mejor) acostumbrada al estilo narrativo sino también porque al final se generaban una sucesión de imágenes y acontecimientos donde había un excesivo "desorden" y no me transmitía nada.

La premisa de la que parte no está mal, ya que empieza a contarte un poco el estilo de vida de un escritor y lo que suele hacer por las mañanas y por las noches. En todo su ir y devenir nos va reflejando en que mundos se mueve el escritor y sobre todo las noches de desenfreno en las que se sumerge. Por lo que a mi entender, de alguna forma el director lo que quería reflejar era la vida de decadencia o de excesos que iba teniendo la sociedad italiana por aquella época y sobre todo las clases más pudientes; todo esto mezclado con fiestas interminables donde el ruido y el caos son los ejes principales para el desarrollo de la historia.

Al llegar a esta conclusión cuando terminé de ver la película no me llegó a a producir la sensación de estar ante una gran película ni mucho menos ante una obra maestra porque, a pesar de intentar mostrar la decadencia de la sociedad, realizar los planos sin orden ni concierto y con un montón de mostrar momentos tradicionales italianos que no tienen ninguna relación. Se podría decir que todo ese desorden, ese caos, esas fiestas desmesuradas es una metáfora del mundo de Marcelo de como va su vida sin un rumbo fijo. Pero aún así, no se termina de tener nada en claro cada uno de los escenarios que se muestran.

Para concluir, en la época del neorealismo italiano, muchos fueron los directores que se encumbraron en esta época pero para mi, La dolce vita no es un de ellas y tampoco me ha marcado de una forma profunda como para declararla una gran película. Pero no siempre se tiene que estar de acuerdo con lo que supone una revolución en una época determinada. Porque aunque no lo parezca, la decadencia humana sigue palpable en la actualidad.


Calificación personal: 5.5

Pastel de pera con lavanda (2015)

• Título original: Le Goût des merveilles
• Año: 2015
• Género: Romántica
• Dirección: Éric Besnard
• Intérpretes: Virginie Efira, Benjamin Lavernhe, Lucie Fagedet, Leo Lórleac'h, Hervé Pierre, Laurent Barco, Hiam Abbass
• Guión: Éric Besnardç
• Música: Christophe Julien
• Fotografía: Philippe Guilbert
• Productora: Pulsar Productions, Cámera One

SINOPSIS

Louise (Virginie Efira) intenta criar a sus dos hijos y sacar adelante el negocio familiar tras la muerte de su marido. Un día Louise atropella a un hombre (Benjamin Lavernhe) y descubre que es distinto al resto. La fascinación que siente Louise por ese hombre, puede cambiar la vida de su familia e incluso poder salvar el negocio familiar.

CRITICA

Recuerdo bien que el año del estreno de la película cada vez que iba al cine (ya fuera de una gran empresa o los cines poco comerciales) veía siempre el póster del filme pero, nunca me atrajo a la hora de verla. Pero, casualidades del destino hicieron que me topase con ella en la plataforma de Filmin (cada día me sorprende la gran variedad de catálogo que tienen) y la verdad se me demuestra una vez más, que el cine europeo tiene un gran calidad. Pero ahora, vamos a centrarnos en la película en si.

Aunque bastantes críticos la pusieron "de vuelta y media" por la poca veracidad de la relación que se establece entre los protagonistas pero a veces en determinadas películas hay que ver un poco más allá de esa situación que nos puede parecer poco creíble sino de lo que realmente transmite y como un pequeño gesto o alguien distinto a todo lo que habíamos visto antes en nuestra vida, nos puede impactar y dejar huella.

La historia de la protagonista se plantea un tanto complicada con la situación económica que está viviendo tras la muerte de su marido hasta que atropella a Pierre y le trata como a otro cualquiera sin saber cual es la verdadera personalidad de Pierre, la cual es distinta al resto pero no por ella, hace que Pierre no sea interesante, inteligente y pueda establecer vínculos emocionales cuando ve y siente que le tratan como a uno más y por ello, al ver la bondad de Louise hacia su persona, el decide corresponder no para recibir ningún tipo de halagos sino porque quiere sentirse útil.

Por otro lado nos presenta al personaje de Pierre no como a una persona de la que hay que compadecerse, sino dentro de sus limitaciones hacer que su vida sea lo más sana y lo más estable posible, de ahí que no solo encuentra la estabilidad el mismo con la familia de Louise, sino también ella y sus dos hijos sienten esa estabilidad emocional que de alguna forma habían perdido y poder recuperar un poco la alegría en sus vidas.

De alguna forma, la conclusión de la película a pesar de ser bastante clara permite en cierto modo que el espectador pueda pensar que será del futuro de esa familia y de Pierre a niveles que muchas veces las personas que nos consideramos "no distintas" no tienen nada que envidiar a las "distintas". Porque al fin y al cabo, la vida no sería tan enriquecedora si no hubiese diversidad.

Calificación personal: 8