Al mal tiempo, buen cine...

Queridos lectores y seguidores:

Me permito escribir una líneas para agradeceros a todos (desde todas las partes del mundo) que visitéis mi blog y todo lo que voy publicando. Ante todo comentar que no estoy licenciada en cinematografía pero, doy gracias por haber asistido a cursos y que mis padres me introdujeran al cine con sólo 8 años.

Por eso os animo que escribáis vuestras opiniones sin vergüenza alguna (¡por eso existe la libertad de expresión!) o sugerir cambios o visionados de películas, ya que se convierte en un feedback donde podemos aprender unos de otros.

Para finalizar, gracias una vez más por vuestro tiempo y dedicárselo a mi blog. ¡Seguid disfrutando del cine!

miércoles, 23 de mayo de 2018

La pasión de Cristo (2004)



  • Título original: The passion of the Christ
  • Año: 2004
  • Género: Drama, hechos reales
  • Dirección: Mel Gibson
  • Intérpretes: Jim Caviziel, Maia Morgensten, Rosalinda Celentano, Monica Bellucci, Hristo Jivkov, Francesco DeVito, Hristo Shopov.
  • Guión: Mel Gibson, Benedict Fitzgerald
  • Música: John Debney
  • Fotografía: Caleb Deschanel
  • Montaje: John Wright
  • Vestuario: Mauricio Millenotti
  • Dirección artística: Perfranco Luscri, Daniela Pareschi, Nazzareno Pianna
  • Productora: Icon Productions

SINOPSIS

La película relata las últimas 12 horas de la vida de Jesucristo, desde la oración en el huerto de los olivos (Getsemaní) hasta su muerte en la cruz.


CRITICA

Siempre se comenta que sobre gustos no hay nada escrito y cada uno tiene preferencias o pensamientos que pueden ser contrarios a los de otros, pero ante todo lo que debe de primar es el respeto por el otro y por sus creencias. He tenido la licencia de escribir esto puesto que por mis creencias católicas, mi crítica puede estar enfocada de forma poco habitual a como lo hago con respecto a otras películas pero, también haré un análisis de la misma en cuanto a calidad y profundidad del guión.

De todas las películas que he visto sobre la vida de Jesucristo (sin desmerecer a ninguna) es la mejor y la que más me ha impactado. Es cierto que en su momento generó controversia por la dureza  crudeza de las imágenes pero, aunque en la actualidad no se utilizan esos métodos de tortura si se usan otros o se muestran a través de las noticias, películas o series de televisión.

Centrándome en lo que compete a esta entrada, desde mi punto de vista me parece una muestra continua de metáforas visuales que reflejan no solo el acompañamiento de Dios ante la inminente muerte de su hijo, sino también metáforas que van apareciendo por medio de otros personajes que de alguna forma pueden ayudar al espectador a entender el comportamiento. Y si se me permite, en algunos casos llegaré a escribir pequeños spoilers (cosa que odio) para trascender en lo profundo de esta historia que marcó a la humanidad. Desde mi punto de vista, yo creo que lo "más correcto" sería analizar las metáforas conjuntas con sus respectivos personajes, dejando eso sí a Jesucristo como colofón final.

Por un lado está Judas, que refleja arrepentimiento por haber entregado a Jesucristo al sacerdote y no encuentra con que paliar su dolor y su arrepentimiento. Estos dos sentimientos (dolor y arrepentimiento) se reflejan en forma de niños demoníacos que le persiguen más allá de los muros de Jerusalén, en lugar de arrepentirse acercándose en el momento de la muerte de Jesús a suplicar su perdón (como hizo uno de los ladrones en la cruz), prefiere acabar con su vida puesto que no es merecedor del perdón del verdadero Mesías.

Por otro lado tenemos a los personajes de María Magdalena y del apóstol Juan que no sólo acompañan a la Virgen María en su dolor sino que de alguna forma la "ayudan" a que ella en ciertos momentos del camino pueda encontrarse con Él ante esa muerte inevitable, al igual que en su momento, Jesús se acercó a María Magdalena para evitar que la apedreasen por adulterio y Jesús le tiende la mano en ese maravilloso flashback.

Por otro lado está la figura (indiscutible) de Poncio Pilato y de su mujer Claudia en donde se enfrenta la verdad (la de Jesús por parte de Claudia) y el raciocinio de Pilato que se encuentra en la disyuntiva entre lo que le dice su mujer, lo que le dicta la ley de Roma y lo que le reclama el pueblo judío. De ahí el signo de lavarse las manos para no hacerse responsable de lo que le ocurra a Jesús, y de alguna forma lavar su conciencia y su imagen como representante de Roma. De echo, en algunos planos se puede observar como no está muy conforme por el trato que se le da a Jesús y, como al mirar a su mujer Claudia se ve reflejado el dolor de ella al ver que Pilato no hace nada para evitar esa injusticia.

Ahora entra uno de los platos fuertes: el demonio. Interpretado magistralmente por Rosalinda Celentano a la que maquillaron con un aspecto "hermafrodita" y practicaba una voz grave. Por un lado en la Biblia siempre se ha reflejado al demonio como la serpiente y, cuando Jesús está en el huerto de los olivos sufriendo, le saca una serpiente y como Él, la pisotea. Por otro lado, la metáfora durante la flagelación cuando se encuentra entre los "asistentes" con un engendro de hijo como diciéndole a Jesús: "Yo cuido de mi hijo, ¿quién cuida de tí?". Por otro lado como intenta distraer a María durante el trayecto hacia el monte Calvario para que Ella pierda la estela de su hijo. Y como punto culminante, cuando Cristo muere, como el demonio grita porque no ha conseguido vencer ni a Dios ni a Jesús.

Otro plato fuerte sería la figura (pero sobre todo el rostro) de la Virgen María que sufre por la terrible muerte que va a sufrir su Hijo; pero en ese tránsito hay momentos de encuentro entre ambos aunque sea de manera fugaz. Un ejemplo es cuando Jesús está encerrado en la cárcel, no se oye nada pero como ella le siente hasta que se arrodilla en el suelo y pone la oreja y el plano termina como Jesús mira hacia arriba sabiendo que su madre está ahí. Cómo tras la flagelación con los paños recoge con mimo y cuidado la sangre de su Hijo. Por otro lado, cuando le sigue por la multitud y tiene un momento de flaqueza y siente que no puede seguir, ve a lo lejos como su Hijo se cae y tiene un recuerdo de la infancia de Él y sale hacia su encuentro y le dice: "Hijo mío, estoy aquí", a lo que el responde: "Lo ves madre, yo hago nuevas todas las cosas". Entonces, esas palabras te dejan sin respiración.

Y lo más espectacular, son todas las metáforas que aparecen en torno a Jesucristo (seguro que al terminar la crítica, me faltarán un montón de cosas). Está la escena en la que se presenta por primera vez ante Pilato y mientras está haciendo su discurso, Jesús alza la vista al Cielo y ve una paloma blanca, a la que mira durante un rato, simbolizando el Espíritu Santo. Segundo, en la primera parte de los latigazos al ver a su madre, le da fuerzas porque sabe que no le ha abandonado y se levanta a pesar del dolor (por cierto, el primer latigazo con la vara de madera fue real que le dejó al actor una cicatriz de 35 cm). Tercero, cuando le entregan la cruz antes de partir la abraza de tal forma que indica una señal de amor incondicional a lo que va a ser su sufrimiento. Cuando le dicen a Simón de Cirene que le ayude, hay un plano en el que Jesús no sólo se abraza a la cruz sino también al brazo de Simón. Cuando ya llegan al monte Calvario, hay unos segundos de miradas entre ellos que penetran hasta lo más fondo del alma donde Simón "descubre" que Jesús es el Mesías. Y por último, cuando Jesús da su última respiración, cae una gota de agua del Cielo representando la lágrima de Dios y como la tierra se estremece.

Se que la cantidad de spoilers han sido numerosos, pero ahora tocan los momentos de las anécdotas. El actor que interpreta a Jesús (Jim Caviezel) dejó de recibir ofertas, además de someterse a 7 horas diarias de maquillaje (incluso a veces dormía con el). En el momento de la crucifixión se le dislocó un hombro y le cayó un rayo. La película se rodó íntegramente en latín, hebreo y arameo y, para que los actores no perdiesen la fluidez, se realizaba una misa todos los días. Y, el actor que interpreta a Barrabás se convirtió al catolicismo.

Yo creo que con todo lo que he desarrollado, es más que suficiente. Sólo como puntualización, hay que ver más allá de la sangre y las escenas cruentas, sino el mensaje y todo lo que esta gran historia de la salvación de la humanidad, nos quiere contar. Y ante todo, esperar, tener fe y esperanza.



Calificación personal: 10







martes, 22 de mayo de 2018

Las brujas de Eastwick (1987)




  • Título original: The Witches of Eastwick
  • Año: 1987
  • Género: Comedia
  • Dirección: George Miller
  • Intérpretes: Jack Nicholson, Cher, Susan Sarandon, Michelle Pfeiffer, Richard Jenkins, Veronica Cartwright, Carel Struycken.
  • Música: John Williams
  • Guión: John Updike
  • Fotografía: Vilmos Zsigmond
  • Montaje: Hubert C. de la Boulliere
  • Productora: Barris Industries

SINOPSIS

Tres mujeres de una pequeña ciudad de Rhode Island, Alex (Cher), Jane (Susan Sarandon) y Sukie (Michelle Pfeiffer) con vidas aburridas descubren que tienen poderes mágicos pero en pequeña cantidad hasta que convocan al diablo Daryl Van Horne (Jack Nicholson) que les hará ampliar sus poderes.


CRITICA

La premisa con la que parte la película tiene un buen enganche: tres mujeres con poderes que desean encontrar al hombre perfecto para que así no se encuentren solas, y dicho hombre aparece en escena e intenta (y lo consigue) encandilar a las tres mujeres. Pero, en el transcurso del guión se van sucediendo una serie de acontecimientos que acaba generando confusión en el espectador.

Al final acaba oscilando entre una comedia descabellada y el fantástico turbio. Cómo he comentado en el párrafo anterior, la premisa es original y prometedora, pero acaba degenerando en muecas grotescas del protagonista masculino que encarna a un diablo un tanto patético.

Otra de las cosas que me desconcertó es como muchas veces el deseo de tener algo (ojo con lo que se desea) se puede hacer realidad, pero al ser un hombre las tres mujeres se ponen a los pies del mismo casi al comienzo de la película como si les fuese a resolver su vida y sus problemas, ya que a cada una les falta de una referencia masculina en su vida, aunque eso parece ser que cambia en el momento en el que se dan cuentan que viven "enganchadas" a Daryl y a sus encantos. Eso se refleja perfectamente tanto en el cambio de actitud del trío femenino protagonista, como en su vestimenta, el ponerse maquillaje, el peinado e incluso la propia seguridad en sí mismas para hacer frente a todo lo que se propongan (y además, son buenas en sus diferentes trabajos y labores domésticas). Porque es importante tener en cuenta que llevar las riendas de su vida, no tiene porqué ser una sumisión al sexo masculino.

Si es necesario destacar algo positivo (después de todo lo negativo) que el trío protagonista femenino está muy bien compenetrado y muestran de forma clara y sin tapujos el carácter de cada uno de sus personajes. En cuanto a Jack Nicholson, también está espléndido ya que es capaz de hacer un personaje dramático profundo como un personaje al que aborrecer totalmente. Pero en definitiva, no es una película en la que pararse mucho ni ponerla en la lista de imprescindibles.


Calificación personal: 4


lunes, 21 de mayo de 2018

Mi querida cofradía (2018)





  • Dirección: Marta Díaz de Lope Díaz
  • Año: 2018
  • Género: Comedia
  • Intérpretes: Gloria Muñoz, Pepa Aniorte, Juan Gea, Joaquín Núñez, Manuel Morón, Rosario Pardo, Rocío Molina, Alejandro Albarracín.
  • Guión: Zebina Guerra, Marta Díaz de Lope Díaz
  • Fotografía: Vanesa Sola
  • Música: Javier Rodero
  • Productora: Movistar +, TVE, Canal Sur Andalucía, Sacromonte Films, La zanfoña. Escac Films.


SINOPSIS

Carmen (Gloria Muñoz) lleva más de treinta años dedicándose a la hermandad de la cofradía de su pueblo de Málaga, y su sueño es convertirse en hermana mayor de la misma; pero hasta el momento ninguna mujer lo ha conseguido por lo que tendrá que luchar con Ignacio (Juan Gea), por el puesto.


CRITICA

Yo, una vez más reivindico el papel del cine español en nuestra sociedad puesto que está un poco denostado a la vez que mal visto por no crear historias de calidad o con cierto entretenimiento. Pero, Mi querida cofradía nos mete en esa vorágine de la Semana Santa andaluza y de lo que se cuece entre bastidores, con un toque de humor negro.


Dentro del género cómico, van apareciendo tópicos que aunque no lo parezca siguen todavía arraigados en la mentalidad de nuestro país, como la posibilidad de que una mujer pueda desempeñar un papel que antiguamente los hacía un hombre o, todas las normas establecidas que hay al final las han impuesto los hombres hacia las mujeres y eso se ve claramente en la posición que ocupa cada sexo.

El acontecimiento que desemboca en la situación desastrosa a la que se le presenta a la protagonista es su oportunidad de hacerse hermana mayor de la hermandad (ya que todos los hombres se dan cuenta de que sin ella, las cosas no pueden salir adelante) pero todo eso se lo impide la llegada de su hija que no soporta al marido, la vecina que no tiene ni idea de como hacer torrijas y la montaña rusa de acontecimientos que van surgiendo.

Las situaciones cómicas que van apareciendo, es cierto que generan cierta risa en el espectador, pero determinados gags quedan sin fuelle; pero esa descompensación se ve claramente resuelta con los momentos cómicos. Lo que también destaco es que para una película de bajo presupuesto española, haya conseguido aguantar muy bien el envite en la cartelera con grandes superproducciones de Hollywood y, para pasar un rato entretenido y sin tener que pensar, esta puede ser la película idónea.



Calificación personal: 6.5


domingo, 20 de mayo de 2018

Número 9 (2009)




  • Título original: 9. 
  • Dirección: Shane Acker.
  • Año: 2009.
  • Género: Animación, aventuras, ciencia-ficción, fantástico. 
  • Doblaje original: Elijah Wood, John C. Reilly, Jennifer Connelly, Crispin Glover, Martin Landau, Christopher Plummer, Fred Tatasciore, Alan Oppenheimer, Tom Kane. 
  • Guión: Pamela Pettler.
  • Producción: Tim Burton, Timur Bekmambetov, Jim Lemley y Dana Ginsburg.
  • Música: Deborah Lurie, Danny Elfman 
  • Montaje: Nick Kenway. 
  • Diseño de producción: Robert St. Pierre y Fred Warter. 
  • Distribuidora: Universal Pictures International Spain. 


SINOPSIS

Aventura post-apocalíptica protagonizada por nueve muñecos de trapo que deberán enfrentarse a unas máquinas gigantes si quieren preservar el futuro de la civilización.


CRITICA

El cine de animación (más bien el poco convencional) no siempre tiene que estar dirigido al público más pequeño y además es una forma de remover también conciencias. Ya que esta película es una alegoría de tono apocalíptico, pacifista y ecologista sobre la decadencia del género humano (aunque no hace mucha falta presentarlo en un futuro tan distópico, para ver lo que ocurre hoy en día). Llegando a ser interesante y con gran imaginación, así como unos muñecos de texturas cuidadas y que están dotados de expresividad e inocencia asombrosas.

La guerra y la ambición sin límites del ser humano es lo que la ha llevado a su destrucción y la única esperanza de la misma son nueve muñecos de trapo que poseen cierta "alma" del científico que les creó y son el último vestigio para volver a tener una raza humana, si la máquina que fue creada por el ser humano no les destruye primero. Al final acaba mostrando como se debe de prevenir del cientificismo orgulloso y que se encuentra al margen de la ética, así como el progreso sin valores humanos de por medio.

Desde el principio, se marca cual es el objetivo que tienen estos muñecos de trapo y es, destruir a la máquina que destruyó a la humanidad. Pero, es todo ese hilo narrativo no aparece la historia sólida o el porqué más profundo de estos personajes, aunque si bien es cierto que los muñecos de trapo 3 y 4 (son gemelos) muestran como se produjo ese apocalipsis que además, hace una alusión bastante clara a la época del nazismo de la Segunda Guerra Mundial. Pero al final, el espectador se plantea una serie de preguntas: ¿queda algún ser humano?, ¿quién va a repoblar a la raza humana?, ¿cuál es el objetivo de estos pequeños de trapo?

Por otro lado de una manera no muy sutil, muestra el reflejo de la obra de G.H. Wells La guerra de los mundos, las cuáles se quieren adueñar de la tierra a costa de la humanidad y que mejor forma que hacerlo que yendo tras ellos porque realmente son un estorbo.

En definitiva, cuando el espectador acaba por "despertarse" del impacto de la terrible belleza estética de la película, desea que la misma se despida con un McGuffin que resuelva todas las preguntas que le iban surgiendo a lo largo de la historia. Pero hay que reconocer a Número 9 con mucho mérito, el riesgo de este tipo de animación que no se enfoca al público infantil y que se sale de las líneas convencionales de dicho cine y que al fin al cabo, siempre le deja al espectador pensando en qué se puede trabajar para que el ser humano no acabe con su propia raza.


Calificación personal: 6.3


La verdad sobre el caso Savolta (1979)




  • Dirección: Antonio Drove
  • Año: 1979
  • Género: Drama
  • Intérpretes: José Luis López Vázquez, Charles Denner, Omero Antonutti, Alfred Lucchetti, Ovidi Montllor, Stefania Sandrelli, Ettore Manni, Alfredo Pea
  • Guión: Antonio Drove, Antonio Larreta
  • Música: Egisto Macchi
  • Fotografía: Gilberto Acevedo
  • Productora: Filmmapha, NEF Difusión, P.C. Domingo Pedret


SINOPSIS

El enfrentamiento entre el proletariado de los trabajadores de la fábrica de armas de Savolta y lo dueños, decide terminarse cuando la familia decide contratar asesinos a sueldo para acabar con las revueltas y así ocultar las transacciones ilegales que realizan con Alemania.


CRITICA

¡Qué bien le sienta a una, poder ver una buena película española en una de las épocas doradas del cine español! Pero no sólo por eso, sino también porque se tanto la novela como la película se estrenaron en una época donde en España no había censura y se podían tratar todos los temas con total libertad y mostrar como se vivía tiempo atrás (y tampoco muy lejano).


Desde mi punto de vista, es una película cuyo argumento puede ser estudiado desde diferentes ángulos y desde perspectivas diferentes, pero vayamos una a una para no crear una confusión en el lector. Por un lado tenemos el proletariado y/o clase trabajadora que siempre se ha visto oprimida durante siglos por el trato por parte de sus patronos no solo por su analfabetismo, sino porque tuvieran su propia conciencia y pudieran luchar por unos derechos más justos, porque al fin y al cabo, sin ellos no saldría la producción adelante y sus patronos no podrían vivir con esa opulencia.

En segundo lugar están los patronos, es decir, los ricos los que se benefician económicamente a través del trabajo de la clase trabajadora y, cuya única visión es seguir siendo más ricos a costa de los más pobres y no retribuir económicamente esas horas de trabajo de más, ya que no podrían seguir viviendo con opulencia (cómo me recuerda eso a la crisis económica del año 2008 donde los ricos eran más ricos y los pobres, más pobres).

En tercer lugar tenemos al que podríamos llamar "el trepa" que goza de una gran posición en la empresa y que puede verla en peligro ya que pueden salir a la luz numerosos escándalos donde se descubre el ansia de poder y de que no le quiten esa vida lujosa que "se ha ganado". Eso se ve muy bien reflejado en su mente manipuladora con todo aquel que le rodea, con el momento de la fiesta de máscaras de Nochevieja (que evoca a un acontecimiento histórico). Pero hay alguien al que no puede comprar ni controlar: un periodista.

Por eso, en cuarto lugar se presenta el periodista, dispuesto a sacar a la luz todos los tejemanejes que se trae entre manos la fábrica de armas de Savolta, así como las condiciones infrahumanas en las que viven los trabajadores. Esto le trae unos cuantos problemas a posteriori donde le importa más la verdad que el comer y que los trabajadores puedan tener una vez en la sociedad con su ayuda.

Y por último el "mediador" entre la clase pudiente y la clase trabajadora, viéndose claramente como le llaman ambos lados pero no sabe a que lado decantar la balanza, y prefiere "vivir en la ignorancia" y no dar su opinión que ha expresarla y, que al final de la película se verá por cuál lado se inclina. En definitiva, al final nuestros ideales, nuestra forma de pensar o simplemente el convencimiento de nuestra ideas, van cambiando con el paso del tiempo y, cuando nos miramos al espejo a veces ni nos reconocemos y buscamos a ese yo primigenio que alguna vez estuvo en nuestro interior. Porque al final, el mensaje de la película (aparte del político) es no olvidar nunca quienes somos y lo que nos identifica como personas con humanidad.


Calificación personal: 8


viernes, 18 de mayo de 2018

Bambi 2: El príncipe del bosque (2006)




  • Dirección: Brian Pimental
  • Año: 2006
  • Género: Animación
  • Doblaje original: Patrick Stewart, Andrea Bowen, Alexander Gould, Brendon Berg, Nicky Jones, Keith Ferguson, Brian Pimental.
  • Guión: Alicia Kirk, Brian Pimental
  • Música: Bruce Broughton
  • Productora: Walt Disney Pictures, DisneyToon Studios.


SINOPSIS

La historia retoma el momento en el que a la madre de Bambi se la llevan los cazadores y él tienen que empezar a valerse por si mismo pero; antes tendrá que estar una pequeña temporada con su padre, que no lleva muy bien lo de los niños.


CRITICA

Como ya comenté con El libro de la selva 2, las primeras películas siempre serán las míticas y por muchas segundas partes que hagan, ninguna superará a la primera. Pero si es cierto que permite al espectador que no es tan niño poder volver a su infancia.


Se supone que esta película sería todo el tiempo que transcurre hasta que Bambi se hace un ciervo adulto y en este período, de alguna forma muestra pequeños valores que pueden ser útiles para muchos y eliminar pequeños prejuicios como que sólo la madre se tiene que encargar de los hijos o que al principio de su vida, los niños necesitan de un pequeño aprendizaje para saber enfrentarse al mundo que les rodea.

Cómo bien sabrán mis lectores que este tipo de críticas soy bastante escueta, si es cierto que la historia empieza con una pequeña fuerza pero se acaba desvaneciendo con el transcurso de la misma. Pero lo que al final encandila, es recordar a esos animalillos de nuestra infancia.



Calificación personal: 4



martes, 15 de mayo de 2018

Las aventuras de Priscilla, reina del desierto (1994)




  • Título original: The adventures of Priscilla, queen of the desert
  • Año: 1994
  • Género: Comedia
  • Dirección: Stephan Elliott
  • Intérpretes: Terence Stamp, Hugo Weaving, Guy Pearce, Bill Hunter, Alan Dargin, Sarah Chadwick, Mark Holmes
  • Guión: Stephan Elliott
  • Música: Guy Gross
  • Maquillaje: Angela Conte
  • Montaje: Sue Blainey
  • Fotografía: Brian J. Breheny
  • Vestuario: Tim Chapel, Lizzy Gardiner.
  • Productora: PolyGram Filmed Entertainment


SINOPSIS

Anthony, Adam y Bernadette; dos gays y un transexual que trabajan como transformistas y drag queens, atraviesan el desierto australiano para realizar una actuación en un hotel; y lo hacen en un autobús al que bautizan como "Priscilla".


CRITICA

Desde su estreno, la película no estuvo exenta de polémica y hoy en día se la considera una película de culto donde, muestra sin ningún tapujo los estereotipos gays, travestis y transexuales sin ridiculizarlos ni caricaturizarlos. Los personajes, de echo, no son antisociales, pecadores, malvados, perfectos, mártires o lastimeros, sólo un grupo de amigos ganándose la vida.


A pesar de contar una historia dramática y triste suponen una inyección de positividad y fuerza como esta película. Uno de los alicientes que tiene Las aventuras de Priscilla, reina del desierto es el trío protagonista, ya que consiguen a la perfección mimetizarse con personas gays (Hugo Weaving y Guy Pearce) y de un transexual (Terence Stamp) totalmente contenido en donde los excesos y los coloridos llaman más la atención. La película se basa en la sencillez de su planteamiento para ir dejando paso al humor, al brillo y a los tacones. En contraposición aparecen personajes secundarios que no son tolerantes, no solo a las excentricidades, sino tampoco a este tipo de personas que al fin y al cabo son igual que ellos en todo menos en la orientación sexual.

El guión es sencillo pero no tiene demasiados adornos y florituras, lo que hace que la película no sea pesada, así como los chistes y comentarios graciosos puntuales, que fluyen de forma natural. Si a eso le unimos la interpretación de los tres actores que están metidos de lleno en sus personajes, creo que se podría decir que se pasa un buen rato viéndola, así como la forma de ver otro tipo de espectáculo.



Calificación personal: 7





lunes, 14 de mayo de 2018

Que baje Dios y lo vea (2018)




  • Dirección: Curro Velázquez
  • Año: 2018
  • Género: Comedia
  • Intérpretes: Karra Elejalde, Joel Bosqued, Macarena García, Juan Manuel Montilla "El Langi", Alain Hernández, Tito Valverde, Joaquín Núñez.
  • Guión: Curro Velázquez
  • Música: Fernando Velázquez
  • Fotografía: Unax Mendía
  • Productora: Morena Films, Turanga Films, RTVE Films.


SINOPSIS

Un monasterio en quiebra cuya única forma de salvarse y que no lo conviertan en un parador, es jugando la "Champions Clerum", sólo para religiosos europeos. Por eso el sacerdote Salvador (Alain Hernández) ayudará a los novicios en la preparación para ganar el torneo.


CRITICA

Sabemos que el género de la comedia no da mucho de si para hacer una crítica muy extensa ni para hacer un análisis profundo de la historia, sino para que el espectador pueda pasar un buen rato y a la vez, pueda echarse alguna que otra carcajada.


En este caso plantean el fútbol como un medio para que los religiosos (además de llevar su vida monástica) no estén ajenos a lo que pasa en el mundo y que, sin olvidar cual es su función dentro de la Iglesia, puedan encontrarle un sentido a su vocación y a la vez disfrutar de cosas pequeñas que no les puede hacer ningún daño. Esa apertura al mundo, se la dará un sacerdote que ha estado de misión en África y que ha observado que para poder transmitir la palabra de Dios  y lo que ella contiene, muchas veces hay que ser valiente y arriesgarse (aunque sea un poco) por ayudar a los demás aunque sea en las inquietudes que les ronda por la cabeza.

Por otro lado, refleja como muchas veces para evadirnos de nuestros problemas y/o responsabilidades, tomamos determinadas decisiones que no son las adecuadas para nosotros y que al final no hacen estar insatisfechos y no haber encontrado nuestro camino. Y que, el hierro a base de golpearlo, se acaba moldeando.

Desde mi punto de vista es una película que hace que el espectador pase un rato entretenido, donde los toques de humor están presentes pero que a su vez decae a mitad de la película, pero se acaba recuperando. No es una súper comedia, pero sí una comedia muy nuestra: a la española.


Calificación personal: 5




viernes, 11 de mayo de 2018

Una mujer difícil (2004)



  • Título original: The door in the floor
  • Año: 2004
  • Género: Drama
  • Dirección: Tod Williams
  • Intérpretes: Jeff Bridges, Kim Basinger, Elle Fanning, Mimi Rogers, Jon foster, Bijou Phillips, Larry Pine, John Rottman
  • Guión: Tod Williams
  • Música: Marcelo Zarvos
  • Fotografía: Terry Stacey
  • Vestuario: Eric Daman
  • Productora: Focus Pictures

SINOPSIS

Ted (Jeff Bridges) y Marion (Kim Basinger) deciden separarse durante un verano tras no poder superar la muerte de sus dos hijos mayores. Ambos se encuentran en sus quehaceres diarios sin tenerse en cuenta, hasta que aparece el joven Eddie (Jon Foster), que revolucionará sus vidas.


CRITICA

Desde el principio se parte con una buena premisa para la historia: como superar la muerte de un hijo (en este caso dos) y como hacerlo juntos como matrimonio y evitar que la relación decaiga y el apoyo mutuo, sin olvidar el momento de luto (y la forma) en la que cada persona lo lleva y dejando un espacio para la recuperación. Pero no llega a profundizar en ese contexto para hacer un buen drama.


A pesar de que el peso de las interpretaciones recae (obviamente) sobre dos grandes veteranos y se muestra su absoluta complicidad, los personajes no llegan a tener el carisma necesario para esta categoría de actores, ya que los sentimientos solo se quedan en la superficie y con la falta de comunicación, se pasa a una total falta de respeto entre el matrimonio y, pensando más en las carencias sexuales que en las afectivas. Lo que descompensa bastante el carácter emocional de la propia historia.

Aunque como ya he comentado antes, ciertos temas de las parejas si que se abordan de manera superficial pero, indican el momento en el que la relación se encuentra rota y es más fácil de hablar sobre temas banales que enfrentarse a una realidad que (a pesar de ser muy dolorosa) les permita volver a establecerse como matrimonio y pensar en la única hija que les queda y poder transmitirla unos buenos valores.

A simple vista puede parecer una película de la que no se puede profundizar mucho pero, han decidido centrarlo más en el despertar sexual del joven asistente del protagonista y el propio deseo del sexo para tapar de esta forma las grandes y graves carencias emocionales de la familia.

Desde mi punto de vista, no me ha dejado con buen sabor de boca, no porque no sea una historia sólida, sino por la falta de profundización en los temas más relevantes y las emociones necesarias y que se deben de sacar al exterior para que no se enquisten y que de alguna forma (aunque sea de manera ligera) se pueda vivir con una mayor paz de espíritu.


Calificación personal: 4.8


jueves, 10 de mayo de 2018

Los niños del Brasil (1978)




  • Título original: The boys from Brazil
  • Año: 1978
  • Género:Drama
  • Dirección: Franklin J. Schaffner
  • Intérpretes: Gregory Peck, Laurence Olivier, James Mason, Lilli Palmer, Uta Hagen, Steve Guttenberg, Bruno Ganz, Rosemary Harris, Michael Gough.
  • Guión: Heywood Gould
  • Música: Jerry Goldsmith
  • Sonido: Derek Ball
  • Fotografía: Henri Decaë
  • Montaje: Robert Swink
  • Vestuario: Anthony Mendlenson


SINOPSIS

El doctor Josef Mengele (Gregory Peck), conocido miembro del partido nazi alemán, se refugia en Brasil y, con la colaboración de unos jóvenes afines al partido decide continuar con sus aberrantes experimentos. Mientras, Ezra Liebermann (Laurence Olvier) le sigue los pasos para descubrir el plan de Mengele.


CRITICA

Este tipo de películas son buenas a la vez que perturbadoras, no solo porque trata temas un tanto espinosos sino también, porque en cierto modo es una película (eso sí, basada en una novela) atemporal donde se demuestra que el plan del ser humano por llegar a ser Dios, es una idea que no termina nunca.

Por otro lado muestra lo que se lleva intentando desde hace mucho tiempo: la clonación de los seres humanos. Pero claro, ahí entra un dilema moral y religioso: si el hombre tiene alma, cada alma por lo tanto es única por lo que es imposible que se pueda crear un ser humano idéntico; y por otro el lado moral ya que lo que se pretende es crear una persona no sólo con las mismas características físicas sino también las psíquicas, por lo que se podría volver a tener a una persona malvada de nuevo.

En ciertos momentos, la película decae en su ritmo por las excesivas explicaciones que se realizan sobre la clonación (aunque no está de más conocer un poco el proceso) así como ciertos planos inverosímiles donde los efectos especiales son poco creíbles así como la pelea entre los dos actores más veteranos. Desde el principio se ve como el personaje de Mengele y Liebermann parecen tener e control de la situación e ir por delante uno del otro, pero siempre consiguen de alguna forma cada uno se va adelantando a los pasos del otro.

El objetivo es mantener la raza aria por encima de todo y que un plan que podría ser factible con los avances científicos en lo relacionado a la clonación sino por el aire de ciencia ficción que se desarrollan a lo largo de toda la atmósfera en la película. Hay que destacar que los dos actores veteranos, Gregory Peck y Laurence Olivier, mantienen un pulso donde el punto de locura y cordura  mantienen ese pulso. Es una película de cine clásico que es imprescindible por el simple hecho de poder reflexionar cuando el ser humano no se respeta entre ellos mismos y cuando se pretende jugar a ser Dios. Y que el poder y la ciencia puede ser un arma de doble filo.


Calificación personal: 7


lunes, 7 de mayo de 2018

Cantando bajo la lluvia (1952)




  • Título original: Singin' in the rain
  • Año: 1952
  • Género: Musical
  • Dirección: Gene Kelly, Stanley Donen
  • Intérpretes: Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell, Cyd Charisse, Rita Moreno.
  • Guión: Betty Comden, Adolph Green
  • Música: Lenny Hayton
  • Fotografía: Harold Rosson
  • Montaje: Adrienne Fazan
  • Productora: Metro Goldwyn Meyer

SINOPSIS

Don Lockwood (Gene Kelly) es un actor del cine mudo que tiene que adaptarse al cine sonoro con la ayuda de su amigo de la infancia Cosmo (Donald O'Connor) y una joven bailarina Kathy (Debbie Reynolds). Estos tres amigos, conseguirán salvar el estudio de cine donde trabaja y la película.


CRITICA

Cantando bajo la lluvia supuso una revolución en el cine musical de los años 50 por la estética de los bailes, los decorados, las canciones así como el ritmo cómico y agradable que generaba la película, ya que creaba una película dentro de otra película y con esas ideas refrescantes para salvar su carreras y su película a ritmo de buen baile.


La revolución musical de este brillante canto al séptimo arte vino de la mano de unos números musicales concebidos para provocar en el público una agradable sensación de sonrisa y ganas de bailar al mismo tiempo. Las canciones y todos los temas se encuentran ensamblados en el guión con una perfección tan equitativa como aparentemente espontánea. Consagrada como una de las mejores comedias de todos los tiempos, se abrió paso a taquillazo limpio por el público de la época, insaciable del cine-espectáculo, y sigue siendo hoy en día la favorita incluso de reputados detractores del cine musical. Está llena de una magia que es difícil de concretar en un instante de su magnífico relato.

Además de todas las anécdotas que surgieron durante el rodaje como la escena de la lluvia que no fue realizada con mezcla de agua y leche, sino gracias a las cámaras dispuestas en diferentes angulaciones, así como Gene Kelly rodó esa escena durante tres días con fiebre. Gene Kelly ayudó a bailar a Debbie Reynolds y sus pies acabaron sangrando. Por otro lado, la actriz que realmente canta las canciones del personaje de Debbie, es la voz de la antagonista.

Estrenada la película se convirtió en todo un icono de la época y una de las mejores películas de la historia del cine así como el baile mítico de Gene Kelly y, además por ella parecen que no pasen los años y que cualquier cinéfilo debería de verla al menos una vez en la vida.


Calificación personal: 8









miércoles, 2 de mayo de 2018

Calle Mayor (1956)





  • Dirección: Juan Antonio Bardem
  • Año:1956
  • Género: Drama
  • Intérpretes: Betsy Blair, José Suárez, Yves Massard, Luis Peña, Dora Doll, Alfonso Goda, Manuel Alexandre, Matilde Muñoz Sampedro, José Calvo.
  • Guión: Juan Antonio Bardem
  • Fotografía: Michel Kelber
  • Montaje: Margarita Ochoa
  • Dirección artística: Enrique Alarcón
  • Música: Joseph Kosma, Isidro B. Maiztegui
  • Productora: Suevia Films, Play Art, Iberia Films


SINOPSIS

Federico (Yves Massard) es un joven escritor que trabaja en una revista cultural de Madrid, que va de visita a una ciudad de provincias para recabar información. Allí se encuentra su amigo Juan (José Suárez) que trabaja en un banco, soltero y su grupo de amigos ya están casados. Entre bromas, deciden proponerle a Juan una: que haga que la solterona del pueblo (Betsy Blair) se enamore de él y posteriormente casarse.


CRITICA

Inspirándose en una farsa de Arniches, Juan Antonio Bardem construyó la que durante mucho tiempo iba a ser su obra más destacada y una de las mejores del cine español. Convencido, de que el neorrealismo era la vía más adecuada para renovar críticamente el cine español, Bardem traza en esta película un amargo retrato de la vida cotidiana en cualquier provincia española, regida por las ceremonias religiosas y los paseos dominicales por la Calle Mayor, donde todo el mundo se conoce e invade la existencia de los demás con chismorreos incesantes, mientras la mujer no tiene más horizonte que casarse y no conseguirlo supone el mayor de los fracasos...

Al mismo tiempo, el filme alude a la cerrazón de la sociedad española, la falta de ambiciones de unos ciudadanos que aceptan de modo conformista la situación existente, a la hostilidad general contra los intelectuales, al machismo imperante y a otros muchos aspectos negativos.

Por ello, la censura le obligó a introducir entre otras modificaciones, el texto inicial en el que se da a entender que todo eso podría ocurrir en cualquier otra ciudad del mundo. Sin embargo, el incidente ocurrido durante el rodaje, cuando Bardem fue detenido y encarcelado por su vinculación con los movimientos de protesta que en aquellos años empezaban a surgir. Esto produjo la interrupción del trabajo y que incluso los actores se negasen a trabajar con otros, como era lo que pretendían los productores.

Pero Calle Mayor no sólo sobresale por su carácter testimonial, sino también por la manera de plantear (tanto desde el punto de vista ideológico como desde el puramente cinematográfico) el drama de la mujer, reforzado por el espléndido personaje de la prostituta que es comprensiva, lúcida y crítica a la vez. Y, en paralelo, el conflicto ético del protagonista masculino, incapaz de liberarse de la presión de sus amigos y actuar con libertad.

También por la inusitada fuerza de algunas escenas, como la falsa declaración de amor de Juan en medio de una profesión religiosa, la del gran salón vacío donde Federico (un personaje demasiado explícito en su papel de conciencia crítica o héroe positivo) desvela finalmente la verdad, y otras más intimistas, como la que refleja las ilusiones de Isabel mientras empareja las dos entradas de cine que piensa compartir con su "prometido". Todo ello muestra el talento de Juan Antonio Bardem, uno de los directores cuya trayectoria se vio más afectada por las condiciones en las que tuvo que trabajar.


Calificación personal: 9



lunes, 23 de abril de 2018

Plan de chicas (2018)




  • Título original: Girls Trip
  • Género: Comedia
  • Año:2018
  • Dirección: Malcom D. Lee
  • Intérpretes: Regina Hall, Tiffany Haddish, Jada Pinkett Smith, Queen Latifah, Kate Walsh, Larenz Tate, Kofi Siriobe, Lara Grice, Ricky Wayne.
  • Guión: Kenya Barris, Tracy Oliver, Erica Rivinoja, Karen McCullah Lutz
  • Música: David Newman
  • Fotografía: Greg Gardiner
  • Productora: Universal Pictures, Will Parker Productions


SINOPSIS

Cuatro amigas de la universidad, que tras cinco años sin verse harán un viaje al festival de música Essence en Nueva Orleans. Durante el transcurso de los días, irán saliendo a la luz no solo los problemas de cada una sino también su lado salvaje.


CRITICA

A pesar de haber escrito muchas críticas sobre comedias, he de decir que hacía mucho tiempo que no veía una película de este género con la que me hubiese reído tanto y que lo que aparece en el tráiler, es lo que realmente aparece en la película.

Desde el principio hasta el final, es una carcajada constante donde el humor "escatológico" y ordinario está en su justa medida sin sobrepasarse demasiado y no cayendo en el humor fácil. Por otro lado, es positivo que el peso de la película lo lleven todo mujeres y que además se vea una compenetración entre las actrices.

Siempre, hay que tener en cuenta que para este tipo de películas hay que escribir en la historia algo positivo y remarcable como el empoderamiento de la mujer, una mujer luchadora por sus sueños, una madre de familia y una mujer que es capaz de realizarse a sí misma y destacar que muchas veces no es necesario una pareja para poder realizarte como persona.

Como ya sabréis mis queridos lectores, en estas críticas de las comedias no suelo alargarme demasiado ni hacerlas demasiado elocuentes, puesto que su función es que el espectador pueda pasar un buen rato, reírse y sobre todo desconectar (comentar que Tiffany Haddish está brillante).


Calificación personal: 7.5


sábado, 21 de abril de 2018

Canino (2009)




  • Título original: Kynódontas
  • Dirección: Yorgos Lanthimos
  • Año: 2009
  • Género: Drama
  • Intérpretes: Mary Tsoni, Michelle Valley, Christos Stergioglou, Aggelikki Papoulia, Christos Pasalis, Anna Kalaitzidou.
  • Guión: Yorgos Lanthimos, Efthymis Fillipou.
  • Fotografía: Thimios Bakatatakis
  • Montaje: Yorgos Mavropsaridis
  • Productora: Boo Productions, Greek Film Center


SINOPSIS

Un matrimonio vive en un chalet a las afueras de la ciudad con su tres hijos ya adultos, a los cuales han aislado del mundo y les han educado según su forma de entender la vida. El simple acontecimiento de que la única persona del exterior a la que conocen, les cambiará su entendimiento de la vida.


CRITICA

La idea que tuvo el director y guionista, se basó en unos amigos suyos, que veían como sobreprotegían demasiado a sus hijos y no les permitían en cierto modo que tuvieran un "contacto directo" con el mundo y las personas que les rodeaban y, como sería su enfrentamiento cuando llegasen a la edad adulta. Con esta premisa, el director elabora esta historia cruel, angustiosa, asfixiante y desconcertante sobre ese aislamiento al que se les somete a veces a los hijos.

Desde el principio, la historia que se le muestra al espectador es un poco inverosímil porque no se entienden determinadas palabras, el comportamiento de los padres, la actitud sumisa de los hijos e incluso la creación de un mundo falso (a la vez que erotizado) donde los hijos parecen más robots que personas.

Lo que viene a transmitir sobre todo es una fábula sobre el aislamiento y donde mostrar cosas no aceptadas por la sociedad (como las relaciones incestuosas) como algo normal y que es la pauta de conducta que tienen que vivir tres adultos, aunque realmente son como niños y cuyo único contacto con el mundo exterior es a través de una compañera del trabajo del padre que ofrece servicios sexuales al hijo.

Aquí el director Yorgos Lanthimos sigue en cierto modo la estela de cineastas como Luis Buñuel o Michael Haneke, los cuales son capaces de incomodar al espectador con situaciones que (aunque se pueda creer que son inverosímiles) se dan en la sociedad pero no se escucha en las noticias o se oculta a nuestros ojos. Por otro lado, hace también un homenaje a Stanley Kubrick, donde muchas veces lo raro o paranormal a través de los planos, acaba generando más angustia que la propia historia en si.

Hay en un momento de la trama, que los hijos le preguntas a sus padres cuando podrán conocer el mundo exterior y, que hay más allá de esa valla que les protege. Y el padre, les dice que hasta que se les caiga uno de los caninos (de ahí el título) pero resulta irónico, puesto que en la edad adulta ya no hay dientes de leche y no se cae ninguno, por lo que la respuesta es fácil de adivinar por parte del espectador: nunca.

Como ya hiciese con la igual de impactante El sacrificio de un ciervo sagrado, se nos presenta una historia con toques de surrealismo para que el espectador pueda pensar y reflexionar sobre determinados temas que, aunque estén llevados un poco al extremo en sus película, sin lugar a dudas reflexione sobre esas cosas y/o acontecimientos que se hayan fuera de nuestra zona de confort.


Calificación personal: 9





domingo, 15 de abril de 2018

Antes que anochezca (2000)




  • Título original: Before night falls
  • Dirección: Julian Schnabel
  • Año: 2000
  • Género: Drama
  • Intérpretes: Javier Bardem, Olivier Martinez, Andrea Di Stefano, Johnny Depp, Michael Wincott, Hector Babenco, Najwa Nimri, Sean Penn.
  • Guión: Julian Schanbel, Cunningham O'Keefe, Lázaro Gómez Carriles
  • Música: Carter Burwell
  • Fotografía: Xavier Pérez Grobet, Guillermo Rosas
  • Productora: Grandview Pictures Productions

SINOPSIS

La vida de Reinaldo Arenas (Javier Bardem) se muestra desde su infancia en un pueblo rural en Cuba hasta su lucha en la revolución cubana, así como la persecución que sufrió durante la dictadura de Fidel Castro como poeta y su condición de homosexual.


CRITICA

Las autobiografías, es un género que siempre me ha generado cierta incertidumbre cuando se han adaptado a la gran pantalla, porque no sólo a veces es difícil de clasificar dentro del género literario sino porque es complicado encontrar el punto exacto para no desvirtuar la historia así como no contarla de forma poco atractiva.


Si miramos esta historia desde un punto de vista histórico, lo que el escritor (por medio de la mano del director) pretende es mostrar a través de sus vivencias como esa revolución cubana que tantas promesas les daban y que les permitiría esa libertad tan añorada, se acabó convirtiendo en una mera ilusión en donde las personas intelectuales, con ideas propias o con un estilo de vida diferente, sufrían las más fuertes de las torturas.

Por otro lado refleja de una manera clara y sin tapujos como Cuba cambió radicalmente y se convirtió prácticamente en un país inhabitable por las constantes persecuciones, además de vivir situaciones de máxima pobreza, hambre, torturas y muertes únicamente por tener un pensamiento contrario al régimen.

Pero, no hace falta irse a esa época en concreto, cuando hoy en día esa realidad también se vive en muchos países del mundo e incluso en países democráticos donde parece que con solo respirar, vas a manifestar algo en contra de alguien.

Desde mi punto de vista, no es una película que pueda clasificarse como una de las mejores de la década de los 2000 pero si, resaltar el valor interpretativo de Javier Bardem, que consigue mimetizarse por completo con el escritor, si bien es cierto que el doblaje al castellano es totalmente penoso y desafortunado. No está de más conocer la vida (y un poco de su obra) de uno de los escritores cubanos cuyos libros, siguen censurados en su país.


Calificación personal: 6



viernes, 13 de abril de 2018

Hitchcock/Truffaut (2015)



  • Dirección: Kent Jones. 
  • Año: 2015.
  • Género: Documental
  • Intervenciones: Martin Scorsese, Wes Anderson, James Gray, David Fincher, Kiyoshi Kurosawa, Olivier Assayas, Richard Linklater, Arnaud Desplechin, Peter Bogdanovich y Paul Schrader
  • Guion: Kent Jones y Serge Toubiana. 
  • Música: Jeremiah Bornfield.
  • Fotografía: Nick Bentgen
  • Montaje: Rachel Reichman
  • Productora: Cohen Media-Group, Arte France, Artline Films



SINOPSIS

Medio siglo después de la publicación de “El cine según Hitchcock” de François Truffaut, el director Kent Jones invita a los mejores directores de nuestro tiempo para compartir sus pensamientos sobre el perdurable legado y el genio del maestro del suspense Alfred Hitchcock.


CRITICA

El documental (al igual que los cortometrajes) pocas veces tienen presencia en los cines, a no ser que se realice una buena campaña d publicidad. Por otro lado, muchos piensan que es un género aburrido sin nada relevante que contar, pero al contrario, cuenta muchas cosas que pueden ser desconocidas para el espectador y le ayude a abrir la mente o incluso, recordar cosas de antaño.

Con este documental, lo que se pretende es recordar a dos grandes directores que ha dado la historia del cine y que (indudablemente) no habrá nadie como ellos y con la ayuda de directores consagrados del siglo XXI recordar las influencias que tuvieron en sus películas. Aunque el esfuerzo de este documental no es nada desdeñable, si me gustaría destacar que dicha película, no aporta información nueva acerca de estos dos cineastas que no se se sepa ya. Sino lo que recuerda en cierto modo es el amor que sintieron por el cine y utilizar las películas como medio de transmisión no solo de historias sino también de emociones.

También hay que tener en cuenta, que este documental es un pequeño (esta palabra se queda corta) homenajes del libro que publicó Truffaut en el año 1965 donde plasmó todo lo que el gran Hitchcock le contó  sobre lo que significaba para el hacer cine y expresarse la admiración mutua de ambos.

Es una película que invita por completo al pleno disfrute de dos de los mejores directores del mundo y recordar a través de pequeños fragmentos esas películas icónicas en sus respectivas filmografías y también añorar (aunque sea un poco) el buen cine (y de calidad) que se hacía allá por mediados del siglo pasado.


Calificación personal: 7



Tokyo Project (2017)





  • Dirección: Richard Shepard
  • Año: 2017
  • Intérpretes: Elisabeth Moss, Ebon Moss-Bachrach, Sushaku, Kakizawa
  • Género: Cortometraje, drama.
  • Guión: Richard Shepard
  • Música: Rolfe Kent
  • Fotografía: Giles Nuttgens
  • Productora: HBO Films

SINOPSIS

Claire (Elisabeth Moss) y Sebastian (Ebon Moss-Bachrach) se encuentran en Tokio. Ella es fotógrafa y él, está de viaje de negocios. Ambos descubren que están alojados en el mismo hotel de la ciudad, pasan la noche juntos y dejan atrás su vida real durante ese lapso de tiempo.


CRITICA

La verdad es que voy a intentar decir en pocas palabras la impresión de este cortometraje. A pesar de no mostrar un gran dinamismo, lo que realmente cautiva es el desarrollo de la historia y como las miradas entre los personajes permite profundizar aún más en sus vidas atormentadas y que realmente sus vidas no son tan diferentes como parecen. Pero sobre todo, como muchas veces intentamos escapar de nuestra vida o escapar de los problemas sin intentar hacerlos frentes.