Indiana Jones y el dial del destino (2023)

 

• Título original: Indiana Jones and the Dial o destiny
• Año: 2023
• Género: Aventuras
• Dirección: James Mangold
• Intérpretes: Harrison Ford, Phoebe Waller-Bridge, Mads Mikkelsen, Antonio Banderas, Toby Jones, Ethann Isidore, Olivier Richters, John Rhys-Davis.
• Guión: James Mangold, David Koepp, Jez Butterworth, John Henry Butterworth.
• Música: John Williams
• Fotografía: Janusz Kaminski
• Montaje: Michael McCusker, Andrew Buckland
• Productora: Walt Disney Pictures, Lucasfilm Ltd.

SINOPSIS

El arquéologo Henry Jones (Harrison Ford) en su último día de trabajo dando clase acompañado de su ahijada Wombat (Phoebe Waller-Bridge) para conseguir la Anticitera de Arquímides y evitar un desastre para la humanidad.

CRITICA

Hay películas que han marcado una generación o una época del cine y que cuando las vuelven a poner en televisión una y otra vez, es como si el espectador las viese por primera vez. Pero creo que en más de una ocasión he comentado la falta de ideas en la meca del cine hollywoodiense provocan que los guionistas se reinventen de mala manera, es decir, escribiendo precuelas y secuelas que no tienen sentido de sagas que fueron cerradas o porque los grandes estudios necesitan recaudar cantidades ingentes de dinero para un megaproyecto futuro pero, terminan por arruinar personajes o sagas míticas.

Esto es algo que ha ocurrido con el personaje de Indiana Jones con el que creció una generación (si bien es cierto que yo nací en los noventa, mi padre me transmitió el buen cine de aventuras) ver como intentan explotar a este personaje para enrocarse una y otra vez en los mismos tópicos de sus predecesoras pero ya no sorprende a nadie a pesar de tener rostros conocidos e intentar darle un protagonismo importante a una mujer que rompe los esquemas anteriores y vuelven a coger a los nazis como los malos de esta nueva entrega (unidos a la aplicación de la tecnología del CGI para rejuvenecer a algunos de los actores). Si que hay que comentar que la Anticitera si que existió y se construyó, pero ni mucho menos sirve para viajar en el tiempo.

A pesar de intentar recuperar la esencia de esa maravillosa trilogía con la que crecimos muchos de nosotros y que el tiempo no pasa en balde para nadie y que hay veces que es mejor no tocar para mantener la esencia de esas historias.

Calificación personal: 5

Midnight in Paris (2011)

 

• Dirección: Woody Allen
• Año: 2011
• Género: Romántica
• Intérpretes: Owen Wilson, Marion Cotillard, Rachel McAdams, Corey Stoll, Kathy Bates, Michael Sheen, Kurt Fuller, Mimi Kennedy, Tom Hiddleston, Alison Pill, Adrien Brody, Léa Seydoux, Carla Bruni.
• Guión: Woody Allen
• Música: Stephane Wrembel
• Fotografía: Darius Khondji
• Montaje: Alisa Lepselter
• Vestuario: Sonia Grande
• Productora: Mediapro, Versátil Cinema, Gravier Productions

SINOPSIS

Gil (Owen Wilson) viaja con su novia Inez (Racheal McAdams) a Paris con los padres de ella. Gil por otro lado, se encuentra en una crisis vital sobre su vida y en la época en que le hubiese gustado vivir. Un día mientras vaga por las calles parisinas y sueña con los felices años 20, le cae un hechizo que le hace revivir esa época una noche tras otra y conoce a artistas que nunca se imaginaba.

CRITICA

Hay una frase típica que dice así: "Cualquier tiempo pasado fue mejor". Es decir, que el ser humano tiende a ver que en los años en lo que está viviendo no son los mejores con respecto a épocas pasadas. Aunque se podría decir que no es verdad realmente puesto que cada siglo o cada etapa de la historia ha tenido momentos buenos, momentos malos y grandes avances para la humanidad. Sin embargo, a pesar de que este concepto se aplique a esta película, si se lee un poco más en profundidad refleja otros conceptos diferentes.

En esta historia lo que nos muestra es una carta de amor del pasado, presente y futuro. ¿Por qué? Al pasado porque nos hubiese gustado conocer a personajes ilustres pero que también vivieron sus tormentos correspondientes o querían vivir en otras épocas anteriores. En cuanto a la carta de amor al presente, porque permite descubrir que el tiempo en el que vive el personaje no era lo que el deseaba para su vida pero, al poder haber visto el pasado, enfocar su presente y tener decisión para hacer y poder vivir realmente como le gustaría. Y por último, en cuanto al futuro nos ayuda a que nos sorprenda y así aprovechar todos y cada uno de los días.

Todo esto perfectamente combinado al hacer que el personaje se encontrase con grandes eruditos de la literatura y de la pintura sobre todo, porque a Gil se le ve con la intención de querer aprender de ellos y ver que es lo que le hicieron para ser los grandes genios recordados que son en la actualidad. Al final, el personaje se da cuenta que ha tenido la oportunidad de viajar en el tiempo y poder conocer a esos grandes artistas que provocan que se replantee su vida y apreciar esas pequeñas cosas y también, en encontrar a alguien con el que compartas ciertos gustos porque sino al final uno se anula como persona.

Para concluir, es una película con la que el espectador puede disfrutar (sobre todo si le gusta el arte y la literatura) y descubrir que en esta época actual (un poco loca eso si) hay muchas cosas que podemos apreciar y seguir cultivándonos en todos las artes. En este caso, disfrutar del séptimo arte.

Calificación personal: 8.5

Malicia (1993)

 

• Título original: Malice
• Año: 1993
• Género: Suspense
• Dirección: Harold Becker
• Intérpretes: Nicole Kidman, Bill Pullman, Alec Baldwin, Bebe Neuwirth, Peter Gallagher, Tobin Bell, Duff Griffin, George C. Scott, Anne Bancroft.
• Guión: Aaron Sorkin, Scott Frank
• Música: Jerry Goldsmith
• Fotografía: Gordon Willis
• Montaje: David Bretherton
• Productora: Nelvana, Castle Rock Entertainment, New Line Cinema

SINOPSIS

Endy (Bill Pullman) y Tracy (Nicole Kidman) son una pareja joven que atraviesan un momento complicado por la muerte de varias alumnas en el campus de Endy, así como la aparición de Jed (Alec Baldwin), un antiguo compañero de Endy que es demandado por una mala praxis. Lo que daba la sensación de una vida tranquila, se va complicando.

CRITICA

Un elemento muy habitual en las películas que fue acuñada por el gran director del suspense Hitchcock indicando que un elemento produce suspense que hacen que los personajes avancen en la trama, pero puede tener relevancia o no en el desarrollo de toda la historia. Más tarde se amplió para las situaciones que van apareciendo en la película. ¿Qué tiene que ver esta explicación con esta película? Se debe principalmente a que esa situación se da en este filme y su calidad baja considerablemente.

Inicialmente, parece que la trama de la película va a girar en torno al asesinato de las jóvenes que estudian en el campus donde trabaja Endy, el cual sería el elemento distractor. Pero lo que ocurre es que va mezclando diversas subtramas y de esta forma, no se sabe realmente que es lo que pretenden contarle al espectador y, por otro lado, cuando empieza a ponerse todo un poco más interesante, solo falta media hora para que termine la película.

Al final se van generando agujeros en el guión provocando que el espectador se vaya perdiendo irremediablemente hasta encontrar de nuevo el camino. He de reconocer que a medida que va avanzando la historia se van atando cabos de todas y cada una de las situaciones que han ido ocurriendo y las relaciones entre cada una de ellas y así entender el comportamiento de los personajes.

La verdad es que me encontré con esta película un poco de rebote y me dejé guiar al estar escrita por Aaron Sorkin (uno de los mejores guionistas en la actualidad) y que salva con cierta solvencia el guión (aunque no es suyo al cien por cien). Dicho lo cual, hay mejores películas de suspense y no pasa nada si esta cae un poco en el olvido.

Calificación personal: 6

Las crónicas de Blancanieves: El cazador y la reina de hielo (2016)

 

• Título original: The huntsman: Winter's War
• Año: 2016
• Género: Ciencia ficción, fantasía
• Dirección: Cedric Nicolas-Troyan
• Intérpretes: Chris Hemsworth, Jessica Chastain, Emily Blunt, Rob Brydon, Nick Frost, Charlize Theron, Sheridan Smith, Alexandra Roach, Liam Neeson.
• Guión: Craig Mazin, Evan Spilotopoulos
• Música: James Newton Howard
• Fotografía: Phedon Papamichael
• Vestuario: Colleen Atwood
• Montaje: Conrad Buff
• Productora: Perfect World Pictures, Roth Films, Universal Pictures

SINOPSIS

Antes de ser apuñalada por Blancanieves, la malvada reina Ravenna (Charlize Theron) fue testigo de como su hermana Freya (Emily Blunt) se convirtió en la reina de hielo tras la perdida de su hija. Para superar esa pérdida, creó una fortaleza de hielo con un ejército de cazadores entre los que destaca Eric (Chris Hemsworth) y Sara (Jessica Chastain) cuyas vidas serán separadas por la malvada Freya.

CRITICA

Creo que en más de una ocasión en este blog he contado que segundas partes nunca fueron buenas (aunque hay muy raras excepciones) sobre todo, cuando durante toda la producción de la película se va cambiando el guión de forma constante, a pesar de tener un reparto de escándalo. También porque ubican a esta película entre el principio y el final de su predecesora. Lo que puede generar un poco de lío sobre los giros de la trama.

A pesar de que su predecesora fue un poco más oscura que esta, la idea original al realizar este filme era para poder filmar posteriormente una tercera entrega pero, debido a sus desastrosos números de taquilla la productora decidió dejar en un cajón la última parte y creo que desde mi punto de vista, hacen lo correcto. A pesar de superar con creces a la película estrenada en 2012, esta se estrella estrepitosamente sobre todo en los momentos más importantes de toda la trama. Por ejemplo, una lucha más encarnizada entre Freya y Ravenna (sublimes Emily Blunt y Charlize Theron, la cual recupera su papel anterior), alguna dificultad a la hora de buscar el espejo, la relación entre Sara (soberbia Jessica Chastain) y Eric; para al final terminar en una historia lineal sin ningún otro tipo de aliciente que ayude a avivar la llama de esta trama.

Aunque se hicieran múltiples intentos por sacarla adelante, lo que al final termina por llamar la atención del espectador es el impresionante vestuario (como no, siempre a cargo de la increíble Colleen Atwood) y los momentos de lucha, que es lo que termina por hacer más llamativa a esta película cuyo error fue alejarse de la estela de Blancanieves.

Calificación personal: 5

Atlantic City (1980)

 

• Dirección: Louis Malle
• Año: 1980
• Género: Drama, suspense
• Intérpretes: Burt Lancaster, Susan Sarandon, Kate Reid, Robert Joy, Michel Piccoli, Hollis McLaren, Al Waxman, Sean Sullivan, Robert Goulet
• Guión: John Guare
• Música: Michel Legrand
• Fotografía: Richard Ciupka
• Montaje: Suzanne Baron
• Vestuario: Françoise Barbeau
• Productora: Selta Films, International Cinema Corporation

SINOPSIS

Lou (Burt Lancaster) es un gánster de poca monta que va consiguiendo dinero con los pequeños trabajos que va realizando. En su mismo edificio vive Sally (Susan Sarandon) una joven camarera que aspira a ser crupier en el casino en el que trabaja. Ambos se encontrarán en una situación inesperada.

CRITICA

Hubo un cine posterior a la época dorada de Hollywood, en la cual se mostraba la decadencia más absoluta de grandes ciudades que antaño eran referencia y, de todas aquellas personas que las habitaban. Dentro de esos habitantes, muchos de ellos ya eran ancianos y evocaban que el tiempo pasado había sido más próspero y generoso con ellos y que ahora, todos los barrios estaban plagados de delincuentes, drogadictos, corredores de apuestas y, gente muy pobre. De alguna forma, es lo que intenta transmitir esta película mezclando con aires del cine negro, pero el tiro no es muy certero que se diga.

En cierto modo, con esta película y en concreto con el personaje de Lou, el cual fue un gánster de poca monta y que recuerda lo que era antes Atlantic City y como es en el momento en el vive en su vejez. Solo hace falta observar la oscuridad de la gran mayoría de los planos secuencia y de los colores que abundan en cada uno de ellos, es decir, colores muy fríos y poco esperanzadores. Esa misma sensación que transmite el personaje de Lou, también lo emana el de Sally, una joven que quiere abrirse camino en el mundo de los casinos más allá de ser una simple camarera, pero su vida no es nada sencilla y como se va complicando poco a poco.

Todo el pulso que se manifiesta a lo largo de toda la duración de la película se debe a la mano de Louis Malle, un gran director francés de la afamada ola de la Nouvelle Vague, en donde los directores mostraban la realidad del tiempo en el que vivían y sus propias vivencias personales y es en parte lo que refleja en Atlantic City: reflejar no solo la decadencia de una ciudad, sino también de una sociedad y del propio ser humano como ser individual. Sin olvidar que en este caso, dos de esos seres humanos que se han visto contagiados por la decadencia de la urbe, y por eso se consideran ellos mismos víctimas de su propia resignación existencial que al final se traduce en el reconocimiento y aceptación de sus propias limitaciones personales.

Al final, entre ellos mismos se necesitan no solo por sus carencias afectivas, sino por la necesidad de ver que entre los dos hay un atisbo de esperanza y un rayo de luz que se introduce en sus agrietadas vidas. Y por lo tanto, se dan lo que otros no han sabido darles, ni siquiera a ellos mismos. Lou consigue sentirse de nuevo joven e importante con Sally a su lado y Sally, consigue que alguien más gentil, sabio y mayor pueda prestarla atención y protegerla. Todo esto, mientras que la decadencia de la ciudad sigue avanzando sin remedio.

 Desde mi punto de vista, no la consideraría como una gran obra o simplemente una de cine negro pero si, un reflejo de lo que era Atlantic City en esos año. E incluso, se podría hacer un paralelismo en función de como ha ido avanzando la sociedad (o retrocediendo, según desde que perspectiva lo miremos) para ver que muchas veces la mediocridad, se impone sobre la excelencia.

Calificación personal: 6

La sirenita (2023)

 

• Título original: The little mermaid
• Año: 2023
• Género: Musical
• Dirección: Rob Marshall
• Intérpretes: Halle Bailey, Melissa McCarthy, Jonah Hauer-King, Jacob Tremblay, Daveed Diggs, Javier Bardem, Akkwafina, Art Malik, Noma Dumezweni, Jessica Alexander.
• Guión: Jane Goldman, David Magee
• Música: Alan Menken
• Fotografía: Dion Beebe
• Vestuario: Colleen Atwood
• Montaje: Wyatt Smith
• Productora: Walt Disney Pictures, Lucamar Productions, Marc Platt Productions

SINOPSIS

Ariel (Halle Bailey) es la hija más joven del rey Tritón (Javier Bardem). Ella sueña con conocer a los humanos y poder convivir con ellos. Lo que pasa es que es una sirena y no tiene piernas. Para satisfacer sus deseos está Úrsula (Melissa McCarthy) que le ofrecerá tener piernas a cambio de una cosa: su voz.

CRITICA

Desde el momento en el que se anunció un live action sobre La sirenita pero, quien iba a interpretar a Ariel era una chica negra, la polémica se sirvió en bandeja de plata. A medida que avanzaban las grabaciones y se iban publicando pequeños adelantos de la misma, la polémica seguía creciendo en torno a la película. Y, cuando llegó el tan ansiado momento del estreno, se silenciaron muchas bocas al ver el resultado final.

Con este pequeño prólogo reafirmo que a pesar de que Hollywood ande casi más de una década con falta de ideas, es capaz de reencontrarse con el público que prefiere recordar su niñez que entrar en la polémica por el color de piel de la protagonista y que devuelve a los que crecimos con el clásico de animación de Disney a nuestra infancia. Por otro lado, hay que entender que podría ocurrir que hubiese ligeras modificaciones con respecto a la original  pero sin perder la esencia.

Desde el primer minuto de la película se sabe que la historia se va a centrar en Ariel pero antes, muestra al espectador todos los misterios que ocurren debajo del mar y, todos y cada uno de los personajes. Esa esencia se ve que está maravillosamente lograda por los efectos especiales (no significa que a mayor modernidad, mejores son los efectos) y con todas y cada una de las coreografías que acompañan a esas canciones de nuestra infancia. Es cierto que en este caso se han añadido dos canciones nuevas con respecto a la original (un solo para Eric y otra para el cangrejo Sebastián y Scuttle) y todo gracias al compositor Alan Menken que fue el artífice de las de las bandas sonoras originales y repite de nuevo, acompañado de un gran compositor en ciernes como es Lin Manuel Miranda.

En conclusión que más allá de todo el trabajo artístico que hay detrás (recordamos a la diseñadora de vestuario Colleen Atwood y al director y coreógrafo Rob Marshall), recordar a dos pesos pesados como Javier Bardem y Melissa McCarthy (increíble haciendo de Úrsula) y a la joven Halle Bailey que pueda seguir mejorando a nivel interpretativo y, que sea negra no importa, porque lo importante es mantener la esencia con la que crecimos. Y eso se mantiene sin lugar a dudas.

Calificación personal: 8

¡Esto es la guerra! (2012)

 

• Título original: This means war
• Año: 2012
• Género: Comedia
• Dirección: McG
• Intérpretes: Reese Whiterspoon, Chris Pine, Tom Hardy, Chelsea Handler, Til Schweiger, Abigail Spencer, Angela Bassett, Rosemary Harris.
• Guión: Timothy Dowling, Simon Kingberg
• Música: Christophe Beck
• Fotografía: Russell Carpenter
• Montaje: Nicola De Toth
• Vestuario: Sophie de Rakoff
• Productora: Overbrook Entertainment, Robert Simonds Productions

SINOPSIS

Tuck (Tom Hardy) y FDR (Chris Pine) son dos agentes de la CIA que, además de trabajar juntos son grandes amigos desde hace tiempo. Ambos empiezan a salir con una mujer y descubren que es la misma Lauren (Reese Whiterspoon). Por lo que ambos utilizarán todos los recursos disponibles para que se quede con uno de ellos.

CRITICA

De bien sabido es en Hollywood que, a falta de buenas historias es necesario explotar varios géneros de forma conjunta, o incluso, juntar a varios actores del momento para que rueden una película juntos. De esta forma, intentan romper varios clichés en torno a la comedia romántica. Al final sale algo al estilo "sálvese quién pueda".

La premisa desde la que parte la película al principio parece sencilla pero, cuando a los cinco minutos nos muestra a los dos protagonistas como espías y que, en un futuro muy cercano, van a utilizar todos los recursos para ligar con la misma chica, resulta bastante inverosímil; teniendo en cuenta que hubiesen recibido un toque de atención por parte de la organización gubernamental por uso indebido de material de empresa, nulo rendimiento a nivel laboral, causar daños y, un largo etcétera.

Por otro lado, se muestra al principio al personaje de Lauren como una mujer sin escrúpulos (en el sentido metafórico) que sale con dos hombres a la vez, algo que no está bien pero que, si fuese un hombre no pasaría nada en absoluto. Aunque, a medida que van pasando los minutos de la película, ese tema se va suavizando poco a poco.

Digamos que podemos resumir toda esta historia como algo innecesario en el cine, única y exclusivamente para explotar el filón que en su momento tuvieron (y que actualmente siguen teniendo) tanto Tom Hardy (que volvería a explotar ligeramente su faceta cómica en Venom y su secuela) y Chris Pine (el cual siempre tiene que poner un toque seductor en todos los personajes que interpreta, cosa que no entiendo) y así, poder obtener un buen cóctel Molotov. Pero vamos, película para olvidar.

Calificación personal: 5

El plan B (2010)

 

• Título original: The Back-up plan
• Año: 2010
• Género: Romántico
• Dirección: Alan Poul
• Intérpretes: Jennifer Lopez, Alex O'Loughlin, Michaela Watkins, Melissa McCarthy, Eric Christian Olsen, Anthony Anderson, Robert Klein, Tom Bosley.
• Guión: Kate Angelo
• Música: Stephen Trask
• Fotografía: Xabier Pérez Grobet
• Montaje: Priscilla Nedd-Friendly
• Productora: Sony Pictures, Escape Artists, CBS Films

SINOPSIS

Zoe (Jennifer Lopez) está cansada de no encontrar a un hombre con el que compartir su vida. Así que pone en marcha su plan B: ir a una clínica de inseminación artificial para tener un hijo. Y en ese mismo día conoce a Stan (Alex O'Loughlin), el cual podría ser el hombre de sus sueños.

CRITICA

El cine romántico suele estar lleno de bastantes tópicos, sobre todo con aquellos en los que intenta reflejar el encontrar al hombre ideal y que la mujer caiga rendida a sus pies. Si que es verdad que a lo largo de la película se van sucediendo momentos ligeramente graciosos relacionados con que Zoe quiere esconder su embarazo. 

Con esta historia se muestra lo inverso a lo habitual. Siempre se suele hacer el conocer a alguien, casarse y tener un hijo y aquí no ocurre eso. Por lo que supone un shock para Stan y el intentar hacer frente a una situación que el no ha buscado y de la que se podría decir que el no es responsable. Lo que crea unas situaciones un poco surrealistas y que es difícil de digerir por la otra parte de la pareja.

En definitiva, se podría decir que no es la típica película romántica con la historia habitual (bueno, a medias) y que plantea de alguna forma ese dilema moral acerca de aceptar los hijos de la otra persona o incluso, aventurarse en tener un hijo por inseminación artificial y enamorarse o empezar una relación con alguien cuando estás embarazada de un desconocido. Eso si, pintado todo de una forma poco creíble que es a la que nos tiene acostumbrados Hollywood.

Calificación personal: 4.5

Una jornada particular (1977)

 

• Título original: Una giornata particolare
• Año: 1977
• Género: Drama
• Dirección: Ettore Scola
• Intérpretes: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon, Alessandra Mussolini, Françoise Berd, Patrizia Basso, Tiziani Di Perso.
• Guión: Maurizio Constanzo, Ettore Scola, Ruggero Maccari.
• Música: Armando Trovaioli
• Fotografía: Pasqualino De Santis
• Montaje: Raimondo Crociani
• Vestuario: Enrico Sabbatini
• Productora: Compagnia Cinematografica Champion, Canafox.

SINOPSIS

En mayo de 1938 Hitler visita Roma. Todos los ciudadanos se preparan para ese gran día con sus mejores galas y para disfrutar del desfile. Todos en un edificio se van menos la portera, Antonietta (Sophia Loren) y Gabriele (Marcello Mastroianni), cuyas vidas cambiarán de alguna forma ese día.

CRITICA

El realismo del cine italiano es un verdadero deleite para los sentidos porque, más allá de poner a unos personajes lo que refleja es la realidad de la sociedad italiana de esa época y la naturalidad de sus vidas. Por lo que también, Una jornada particular se encuentra dentro de este ámbito y, cómo se sirve de un acontecimiento que marcó parte de la historia de Italia, en reflejar elementos privados y públicos.

El punto de partida de la película comienza con imágenes de archivo de esa famosa llegada de Hitler a Roma y del revuelo que se está generando para así, dar paso al reflejo de la vida que lleva la ama de casa Antonietta y hacer un recorrido por su casa y por cada uno de los miembros de su familia (aunque sea de una forma muy breve) a la vez que muestra a todo el vecindario (haciendo un magnífico homenaje a la película La ventana indiscreta) para hacerle partícipe al espectador del entusiasmo de los vecinos y el despliegue de las banderas para que al final, con un plano secuencia se muestren dos ventanas: la de Antonietta y la de Gabriele. Ambos son dos seres atrapados en sus anodinas vidas porque se sienten rechazados por su condición. Ella, aterrorizada por si se queda embarazada y ve que no puede prosperar en la vida y él, por ser homosexual y su forzoso destierro.

Ambos se encuentran sin saber nada del uno del otro ni de los tormentos de sus vidas y como han sido marginados de la celebración, aunque haya sido de una forma autoimpuesta. Se sentían solos, pero se van a encontrar. En ese encuentro, ambos temen mostrarse como son, tanto a nivel físico y emocional (maravilloso el detalle cuando Antonietta ve que sus zapatillas tienen un agujero y ve la media sucia y se dobla esa parte,  reflejo de lo que no quiere mostrar), que en caso de las emocionales no quieren ambos que el otro las vea. En definitiva, ambos tienen condición de víctimas. Pero, en ese victimismo se encuentran y el director les trata con inmensa ternura.

Por otro lado, ambos tienen pensamientos ideológicos diferentes que como es lógico, terminan por chocar, pero eso no les impide abrazarse y sostenerse a flote con palabras de aliento, aún sabiendo que van a terminar por naufragar aunque intenten cambiar una situación cuyo final ya está escrito. A pesar de sus diferencias, se han entregado mutuamente el uno al otro para tener un alivio, pero no es así. Como bien le dice Gabriele a Antonietta: "Ha sido precioso. Pero nada cambia". Ninguno de los dos es libre para vivir como realmente quieren y que en esa precaria vida, ambos se descubren.

Al final, la mirada del director nos quiere mostrar que no existen los milagros instantáneos ni las redenciones repentinas pero si, en la solidaridad humana; por lo que podríamos resumir esta película con una frase que le dice Gabriele a Antonietta: “Verte, conocerte, hablarte, pasar el día contigo, precisamente hoy, eso ha sido muy importante para mí”. Como si se lo dijese al propio espectador.

Calificación personal: 8

Amor y honor (2013)

 

• Título original: Love and honor
• Año: 2013
• Género: Romántica
• Dirección: Danny Mooney
• Intérpretes: Liam Hemsworth, Teresa Palmer, Austin Stowell, Aimee Teegarden, Chris Lowell, Wyatt Russell, Delvon Roe, Max Adler
• Guión: Jim Burnstein
• Música: Alex Heffes
• Fotografía: Theo van de Sande
• Productora: Sunset Pictures

SINOPSIS

Año 1969. Mickey Wright (Liam Hemsworth) debe de acompañar a su compañero Dalton Joiner (Austin Stowell) a Estados Unidos para intentar recuperar a su novia. Al descubrir que la novia de Joiner vive en una comuna hippie, les harán creer que son desertores de la guerra de Vietnam.

CRITICA

Bien es conocido que el planteamiento de las historias de amor de las películas hollywoodienses, no se asemejan ni por asomo a la realidad de lo que realmente debe de ser una relación de pareja, unido a intentar meter un poco con calzador todo el tema del patriotismo, bien sea recordando alguna guerra o ensalzando el espíritu americano.

En ese caso intentan emular la esencia de las novelas románticas por excelencia, Nicholas Sparks, creyendo en ese amor a primera vista y que en tres días los dos protagonistas estén enamorados el uno del otro y que parezca que se conocen de toda la vida y que nada ni nadie puede romper ese amor que sienten de forma mutua. Lo que termina por resultar en una película extremadamente pastelosa y poco plausible. Con interpretaciones muy sosas, poco creíbles y forzadas. Si a todo esto le añadimos el elemento del protagonista de mostrase como un "macho alfa", es algo que me pone enferma.

La gran pregunta que se pueden plantear los lectores es: ¿porqué la ves? La respuesta es sencilla: a veces necesitamos despejar la mente, desinhibirnos, relajarnos y buscamos películas sencillas (que acaban derivando en películas absurdas) lo que nos demuestra que el apreciar el buen cine es algo importante para aprender cultura cinematográfica. Y también, que nadie es perfecto incluso para ver una película.

Calificación personal: 2.5

El buen patrón (2021)

 

• Dirección: Fernando León de Aranoa
• Año: 2021
• Género: Comedia negra
• Intérpretes: Javier Bardem, Manolo Solo, Sonia Almarcha, Fernando Albizu, Almudena Amor, Óscar de la Fuente, Tarik Rmili, Celso Buglallo, Rafa Castejón.
• Guión: Fernando León de Aranoa
• Música: Zeltia Montes
• Fotografía: Pau Esteve Birba
• Montaje: Vanessa L. Marimbert
• Vestuario: Fernando García
• Productora: Reposado PC, The Mediapro Studios, Básculas Blanco A.I.E

SINOPSIS

Julio Blanco (Javier Bardem) es un empresario dueño de una empresa que fabrica básculas industriales. Está preparando todo para recibir un premio a la excelencia empresarial. Para ello, luchará contrarreloj para que no haya ni un solo fallo para obtener ese premio.

CRITICA

Yo siempre he sido una firme defensora del cine español y si que es verdad que varias veces me he pegado un castañazo pero, también salen buenas películas que critican en parte el mundo en el que vivos. En este caso, sobre el mundo empresarial y muchas veces como se les trata a los trabajadores aunque sea un tono de comedia negra.

Realmente esta película es retorcida a la par que cínica, especialmente en el personajes de Julio Blanco (una magnífica interpretación de Javier Bardem) que presume de ser un empresario modelo que ayuda a sus trabajadores en todo sus ámbitos, muestra lealtad en su matrimonio, está pendiente de que todo en su empresa vaya correctamente pero, debe de sacar un beneficio de todo eso: el equilibrio. Para ello manipula a los que están a su alrededor para conseguir sus objetivos, dando a entender que todas y cada una de las decisiones que toma son siempre desde la sabiduría, aunque realmente siempre está generando estrategias para conseguir ese ansiado premio a la excelencia empresarial.

Esas estrategias se ven sobre todo cuando empiezan a aparecer problemas que le pueden impedir conseguir el premio y es, en ese momento, cuando empiezan a desplegarse todas sus artimañas para evitar la catástrofe. Todo esto se vislumbra muy bien con la empresa que se dedica a fabricar balanzas, por lo que necesita obtener el peso exacto o en su defecto el equilibrio. Con esta metáfora acerca de esta aparatología, Julio Blanco está obsesionado con dicho equilibrio de la báscula de la entrada que, aplicado a su persona es lo que busca: es magnánimo y escucha a la gente pero, para conseguir lo que quiere al final tiene que tomar decisiones extremas para alcanzar ese ansiado equilibrio. Y que, a pesar de que queramos que las cosas nos salgan bien, siempre puede haber algo que nos lo impida.

Todo esto culmina con una de las secuencias finales cuando la comisión llega y el gran Julio Blanco empieza con su espíritu de alarde de empresa modelo con todos sus empleados se viste con un traje blanco. ¿A qué hace honor: a su apellido o a la "pureza" empresarial que transmite? Porque al final, ni el bueno es tan bueno y el bueno, puede llegar a convertirse en malo.

Calificación personal: 9

Una mujer marcada (1960)

 

• Título original: Butterfield 8
• Año: 1960
• Género: Drama
• Dirección: Daniel Mann
• Intérpretes: Elizabeth Taylor, Laurence Harvey, Eddie Fisher, Dina Merrill, Mildred Dunnock, Betty Field, Jeffrey Lynn, Susan Oliver.
• Guión: John Michael Hayes, Charles Schnee, John O'Hara
• Música: Bronislau Kaper
• Fotografía: Joseph Ruttenberg, Charles Harten
• Montaje: Ralph E. Winters
• Vestuario: Helen Rose
• Productora: Metro Goldwyn Meyer

SINOPSIS

Gloria (Elizabeth Taylor) es una joven modelo de lujo que lleva una vida un tanto dudosa. Un día, se despierta en la habitación del millonario Weston Liggett (Laurence Harvey) con un sobre con 250 dólares. Ante esto, Gloria se siente humillada y decide no volver a verlo. Pero la atracción es demasiado fuerte.

CRITICA

En Hollywood siempre había una doble moral en lo que se refiere al cine, ya que los personajes reflejaban esa doble moralidad, especialmente los personajes masculinos; lo que provocaba que el personajes femenino siempre acabase mal parado en todo los sentidos. Esta película es un reflejo en ambos géneros si bien, resulta ser un tanto fallida.

Sin decirlo de una forma directa pero sin ocultarlo tampoco, una joven se ve atrapada por ese mundo de lujos y de la lujuria de los hombres y, ella misma, es conocedora de esa doble vida que lleva y que le quiere seguir manteniendo en secreto a su madre (aunque esta algo sabe sobre lo que hace su hoja) y aunque desea cambiar de vida todo y hacer todo lo posible por salir de esa vorágine en la que se metió. 

Claramente se puede ver como la mujer es tratada como un simple objeto de deseo sin importar como terminó por llegar a ser una prostituta (aunque no se diga de una forma directa en la película) y, por el simple hecho de ser lo que, recibe el desprecio de todos aquellos que tiene en su alrededor incluido del hombre que se enamora de ella y que quiere darle una vida mejor pero siendo la mantenida, no su mujer. Todo cambia cuando el descubre que Gloria se llevó el abrigo de visón de su mujer y se da cuenta de que alguien como Gloria ha usado el abrigo de su mujer; como si fuese una apestada.

Lo que quiere transmitir la película (a pesar de resultar fallida por un guión con bastantes agujeros) es l mundo al que se tienen que introducir las mujeres y como los hombres son capaces de aprovecharse de ellas. Por otro lado, como los hombres deben de mantener esa doble apariencia como si fueran un hombre modelo cuando realmente son ellos los que están aprovechando de su situación para vivir como quieren pero luego, intentan dar clases de moralidad. Dentro de ser una película bastante floja en la que Elizabeth Taylor brilló con luz propia, la doble moral y el fariseísmo pasaron de moda. 

Calificación personal: 6

Almas en pena de Inisherin (2022)

 

• Título original: The banshees of Inisherin
• Año: 2022
• Género: Comedia negra
• Dirección: Martin McDonagh
• Intérpretes: Colin Farrell, Brendan Gleeson, Kerry Condon, Barry Keoghan, Pat Shortt, Jon Kenny, Gary Lydon, Sheila Flitton.
• Guión: Martin McDonagh
• Música: Carter Burwell
• Fotografía: Ben Davis
• Montaje: Mikkel E.G. Nielsen
• Productora: Film 4 productions, Blueprint Pictures, TSG Entertainment

SINOPSIS

Irlanda 1923. Pádraic (Colin Farrell) y Colm (Brendan Gleeson) son dos amigos que de un día para otro dejan de serlo. En concreto Colm, el cual ve que Pádraic es aburrido y no quiere que su legado se vea reducido a conversaciones absurdas. Pádraic no entiende la situación y en quien se refugia es en su hermana Shioban (Kerry Condon).

CRITICA

El cine hace vivir al espectador grandes experiencias e incluso ser un buen refugio en aquellos momentos en los que te puedes encontrar más solo. Pero también, es un arma de doble filo porque a veces nos muestra realidades un tanto dolorosas o vaticina acontecimientos que pueden ocurrir en un futuro no muy lejano. Algo por el estilo ocurre con  Almas en pena de Inisherin en donde el director (que también ejerce de guionista) refleja en clave de humor negro un sentimiento bastante fuerte: la soledad.

Inicialmente trata a modo de humor como uno de los dos amigos deja de hablar al otro porque le parece aburrido y no tiene tema de conversación. Pero más allá de eso, está tratando un tema del que muchas veces se pretende huir como es el caso de la soledad. Esa soledad que puede embargarnos es diferentes momento de nuestra vida y que, se hace más patente aún cuando hemos vivido bastante y parece que no hemos hecho nada de provecho en nuestra vida. También es algo que se ve muy bien reflejado en el personaje de Shioban, una mujer culta que se da cuenta que a pesar de vivir en una isla de Irlanda donde la mayoría de la población es ganadera, nadie tiene ningún tipo de aspiración cultural, lo que provoca en ella ese afán de poder crecer más a nivel personal.

Hay momentos en los que el espectador puede llegar a comprender a cada uno de los personajes pero al final, se demuestra que todos y cada uno de los habitantes de esa isla tienen bastantes carencias emocionales y que, la única forma que tienen de poder aliviarlo es cuando todos van al pub a tomar una pinta y ponerse a charlar de cualquier tema intrascendente y salirse de esos cánones que tienen establecidos los habitantes, les rompen sus esquemas. De ahí que, cuando Colm decide dejar de hablar a Pádraic, nadie entiende el porqué, pero es mejor no preguntar y que se quede todo como está.

Todos y cada uno de los personajes están llenos de ricos matices que reflejan de una forma clara, como somos muchas veces las personas y lo doloroso que puede resultar dejar de lado una amistad que no nos favorece y nos está haciendo mucho daño. También, el querer enriquecerse a nivel cultural e intelectual  de otras personas o incluso querer ser mejores personas en todos y cada uno de los aspectos de nuestra vida, sin importar el qué dirán. 

A modo de conclusión podemos decir que en esta película se menciona la amistad, la soledad, la impronta humana, la trascendencia e incluso la Irlanda rural de principios del siglo XX. Una joya difícil de ver para aquellos que no están acostumbrados a este estilo narrativo pero que es un puro deleite para los sentidos.

Calificación personal: 7

El cuarto pasajero (2022)

 

• Dirección: Álex de la Iglesia
• Género: Comedia
• Año: 2022
• Intérpretes: Blanca Suárez, Alberto San Juan, Ernesto Alterio, Rubén Cortada, Carlos Areces, Enrique Villén, Jaime Ordóñez.
• Guión: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría
• Música: Roque Baños
• Fotografía: Rita Noriega
• Montaje: Domingo González
• Productora: Mediaset España, Pokeepsie Films, Te has venido arriba

SINOPSIS

Julián (Alberto San Juan) es un divorciado de 50 años que recurre a una aplicación para compartir coches con desconocidos y en especial con Lorena (Blanca Suárez) con la que hace siempre el mismo trayecto. A este viaje en particular se unen también Rodrigo (Ernesto Alterio) y Sergio (Rubén Cortada) que complicarán aún más este viaje.

CRITICA

Reconozco que soy muy fan de Álex de la Iglesia y la capacidad que tiene de mezclar varios géneros a la vez (sobre todo el humor y el terror) y generar el equilibrio perfecto en todas y cada una de sus tramas mostrando sobre todo lo miserable del ser humano (en lo que a persona se refiere) en lo referente a maldad. Si que es cierto que con El cuarto pasajero intenta volver a la comedia negra tras la película de El bar. Pero la verdad, no tiene un toque muy refrescante.

Leyendo por internet a varios críticos cinematográficos, describían a esta película como una gran película del director bilbaíno. Per, si he de ser sincera, a medida que va avanzando la trama se va desinflando por momentos y pierde todos lo elementos cómicos. El punto de partida es el habitual: presentación de los personajes, momento vital en el que se encuentran (donde cada uno es de su padre y de su madre) y es en ese punto, donde todos ellos empiezan a ver como les suceden una serie de contrariedades. Hasta ahí todo bien. Pero, no terminan de avanzar esas contrariedades que les ocurren a los personajes, quedándose en un maremágnum de momentos inconexos sin alcanzar ningún punto cómico.

Si que hay que destacar que lo único que se salva de la película son las interpretaciones de Alberto San Juan y de Ernesto Alterio como los dos personajes más alocados (sobre todo el último) que llevan sus nervios y su torpeza a límites insospechados además de ese momento delirante en el que los cuatro ocupantes del coche se van moviendo entre los diferentes vehículos parados por el atasco para huir de la persecución. Un aprobado justito para una historia un tanto justita.

Calificación personal: 5

Mujeres en Venecia (1967)

 

• Título original: The honey pot
• Año: 1967
• Género: Comedia negra, suspense
• Dirección: Joseph L. Mankiewicz
• Intérpretes: Rex Harrison, Cliff Robertson, Maggie Smith, Capucine, Edie Adams, Susan Hayward, Adolfo Celi.
• Guión: Joseph L. Mankiewicz
• Música: John Addison
• Fotografía: Gianni di Venanzo
• Montaje: David Bretherton
• Vestuario: Rolf Gerard
• Productora: United Artists

SINOPSIS

Cecil Fox (Rex Harrison) es un multimillonario que contrata a William McFly (Cliff Robertson) para llevar a cabo una estafa: engañar a tres antiguas amantes de que se está muriendo y engatusarlas para decirles que les dejará su herencia.

CRITICA

De vez en cuando me da alegría poder ver alguna película de cine clásico. Y la verdad es que llevaba bastante tiempo sin ver ninguna. Si que es verdad que no siempre el cine clásico tiene que ser la panacea. Si bien intenta hacer una mezcla entre suspense y comedia negra, ese intento le sale un poco más largo de lo esperado (a la par que un poco enrevesado).

El inicio de la historia esta muy bien planteado por parte de Cecil para llevar a cabo su plan, es utilizar la obra de teatro Volpone de Ben Jonson para engatusar a sus antiguas amantes. Y claro está, todas ellas quieren sacar partido ante esta situación haciendo lo que sea posible puesto que, de alguna forma, ellas son merecedoras de la herencia de su antiguo amante. En todo este entramado, se va viendo el comportamiento de los personajes y salen a la luz sus verdaderas intenciones, no solo de las mujeres, sino también las del propio Cecil Fox. El cuarteto amoroso como eje central de la historia, no hay que olvidar a dos personajes que no son relevantes en la trama y que realmente si lo son: William y Sara (interpretada por Maggie Smith) que a pesar de estar ligeramente al margen, son los que más atentos están a todos los detalles que se van desarrollando.

A pesar de tener una trama muy interesante, tres de los personajes de esta película, están un poco infravalorados o incluso les muestra de una forma estúpida, sobre todo en lo que se refiere a las mujeres, para que al final se enreden en demasías para contar algo de una forma más escueta y un poco más cómica. Pero he de reconocer que los actores y actrices están sublimes y entre todos ellos se dan perfectamente la réplica para mantener esa intriga en el devenir de los personajes. En resumen, vanidad de vanidades, todo vanidad.

Calificación personal: 6.3

Libres (2023)

 

• Dirección: Santos Blanco
• Año: 2023
• Género: Documental
• Guión: Javier Lorenzo
• Música: Óscar M. Leanizbarrutia
• Fotografía: Carlos de la Rosa
• Montaje: Paulo García Seco
• Productora: Bosco Films, Variopinto Producciones

SINOPSIS

La vida contemplativa de los monjes, siempre nos ha parecido algo impensable. ¿Qué ocurre para que hombres y mujeres del siglo XXI se retiren a los monasterios y vivir su vida? Gracias a este documental, se introduce al espectador en doce monasterios para conocer su vida más a fondo.

CRITICA

La verdad, es que el género documental va cogiendo cada vez mucha más fuerza. Si que es verdad que hace unos años, estaba bastante desaprovechado y no se veía el gran potencial que podía tener. Pero, gracias a este género cinematográfico, permite al espectador poderse imbuir en unas historias que no son inventadas y que hace que se quede con ganas de más. De conocer en mayo profundidad todo aquello que se nos desea contar. Y gracias a Libres, podemos conocer aún más, la vida de estas personas. En concreto, sus vidas fascinantes.

En todo momento, el documental quiere apartar esa idea preconcebida que se tiene sobre la vida monástica y, sobre esas personas que deciden tomar los hábitos pero, en un monasterio. Estas múltiples historias no dejan al espectador indiferente, acompañada por una hermosa fotografía que, a modo de metáfora, nos indica la paz y el amor de estas personas. Por otro lado, parece que el que vivan alejados del mundanal ruido, parece que van a llevar una vida más sencilla y tranquila, cuando en realidad no es así. Porque, aunque no tengan el estrés diario del trabajo, de las prisas, de pagar una hipoteca y un largo etcétera; tienen que hacer otro tipo de labores que no se realizan en las grandes ciudades y además, procurarse el cuidado del alma. Por otro lado, muchas de esas personas han encontrado un descanso corporal y espiritual, porque sus vidas no estaban llenas o simplemente, porque estaban atrapadas en un sufrimiento y complicaciones terribles, y son ellas mismas las que deciden tomar esa decisión.

Ante todo, son personas con una libertas increíble porque, no solo han dejado toda su vida, sino porque se han fiado de la llamada de Dios y han empezado otra nueva vida. Destacar también que, aunque hacen vida monástica, no todo se reduce simplemente a estar ellos solos, sino también el poder realizar actividades dentro de su ámbito con el resto de los hermanos de comunidad. Porque, ¿Quién dice que ser religioso o religiosa no llena o no es interesante? Quizás, para todos aquellos que tenemos una vida ajetreada, nos interesaría pararnos un poco a poder meditar, pensar y reflexionar en todos y cada uno de los ámbitos de nuestra vida; y no dejar que simplemente pase de largo, sin poder admirar la belleza, la bondad y todo lo bueno, que tenemos ante nosotros. Porque, todos y cada uno de los días, siempre lo que primero que nos tiene que salir es agradecer.

Aunque no sintamos la llamada, siempre necesitamos un momento para contemplar. Contemplar aquello que nos incomoda, contemplar aquello que nos hace feliz, contemplar para encontrarnos con nosotros mismos. En definitiva, poder contemplar para poder encontrarnos con Dios en la cotidianeidad de nuestra vida y que sigamos siendo nosotros mismos.

 

Calificación personal: 10

Super Mario Bros. La película (2023)

 

• Título original: The Super Mario Bros movie
• Año: 2023
• Género: Animación
• Dirección: Aaron Horvath, Michael Jelenic
• Doblaje original: Chris Pratt, Jack Black, Anya Taylor-Joy, Seth Rogen, Keegan Michale-Key, Fred Armisen, Sebastian Maniscalco, Charles Martinet
• Guión: Matthew Fogel
• Música: Brian Tyler, Koji Kondo
• Montaje: Eric E. Osmond
• Productora: Illumination Entertainment, Nintendo, Universal Pictures

SINOPSIS

Mario deberá emprender una épica misión para encontrar a Luigi. Con la ayuda del champiñón local Toad y unas cuantas nociones de combate de la guerrera líder del Reino Champiñón, la princesa Peach, Mario descubre todo el poder que alberga en su interior.

CRITICA

Para todos aquellos que critican esta película, bien se puede deber a dos motivos. El primero de ellos es que, no siempre las películas que se estrenan tienen que se obras maestras y pasar a la posteridad y, en segundo lugar, es que lo más seguro nunca han jugado a lo videojuegos de Mario Bros y, desconocen lo que esta gran saga de videojuegos ha hecho con una generación.

También, por otro lado, he comentado en más de una ocasión que para que una película sea apetecible, debe de tener multitud de factores y uno de ellos a la par que fundamental, es el guión. Puesto que sin historia pero, sin saberla contar bien, la película puede resultar bastante aburrida. Lo bueno que tiene este filme es que, ha sido capaz de captar toda la esencia de todos los videojuegos de esta legendaria saga. Juegos desde sus comienzos (Super Mario Bros. 2), hasta los actuales (Super Mario Odyssey, Luigi Mansion, Super Mario Kart) y hacer un buen cóctel que recuerde esa nostalgia.

La verdad, es que la fui a ver con un gran amigo que me reintrodujo en el mundo de los videojuegos y que la verla, ambos llegamos a la misma conclusión: esta película está hecha para aquellos que han disfrutado con las diferentes videoconsolas que ha ido sacando Nintendo y, a los cuales nos sigue fascinando el mundo de Mario Bros. Y que a veces, aunque el guión sea de lo más sencillo, basta con hacer un historia ligeramente atractiva y entretenida (sin necesidad de adornos) para que, en este caso, el espectador recuerde su adolescencia con estos personajes. Un verdadero disfrute y deleite para todo gran amante de los videojuegos.

Calificación personal: 8

Todos lo hacen (2022)

 

• Dirección: Hugo Martín Cuervo
• Año: 2022
• Género: Comedia
• Intérpretes: Salva Reina, Kira Miró, Carlos Santos, Mariam Hernández, Julián López, Andrea Duro, Toni Acosta, Macarena Gómez, Víctor Palmero, Pablo Carbonell.
• Guión: Marta Sánchez, Irene Niubó.
• Música: Iván Valdés
• Fotografía: Pablo Bürmann
• Productora: Álamo Producciones, A contracorriente Films.

SINOPSIS

Cuatro parejas reciben una invitación para pasar un fin de semana en el hotel donde se casaron. Lo que no saben es que el anfitrión quiere chantajearles. Y mucho menos que, al día siguiente, aparecerá́ muerto.

CRITICA

Esta película pasó desapercibida por los cines. De hecho, a la semana de estrenarse iba al cine para verla y solo había una sesión a última hora de la noche. Y ahora, está teniendo éxito en HBO Max. Y la verdad es que, a pesar de no ser una comedia en la que no pares de reírte pero, si tiene puntos bastantes buenos y los actores dan muy bien el pego.

La trama está bien hilada de principio a fin, donde todos los personajes tienen sus secretos y que intentan guardar lo mejor posible. Todo esto en un ambiente donde se ha cometido un asesinato y como también entre ellos intentan culparse para que el muerto (literalmente) no caiga sobre ellos.

Se podría decir que es una versión cómica de el juego de "El cluedo" pero con un toque cómico y particular según la personalidad de cada uno de ellos. Tampoco es que haya que decir mucho sobre la película, porque realmente se disfruta y se pasa un rato entretenido. La esperanza ha vuelto a resurgir ligeramente en lo que se refiere al género de la comedia.

Calificación personal: 7

¡Este cuerpo no es el mío! (2002)

 

• Título original: The hot chick
• Año: 2002
• Género: Comedia
• Dirección: Tom Brady
• Intérpretes: Rob Schneider, Anna Faris, Rachel McAdams, Matthew Lawrence, Eric Christian Olsen, Michael O' Keefe, Melora Hardin, Alexandra Holden, Maritza Murray.
• Guión: Tom Brady, Rob Schneider
• Música: John Debney
• Fotografía: Tim Suhrstedt
• Montaje: Peck Prior
• Vestuario: Alix Friedberg
• Productora: Touchstone Pictures, Happy Madison Productions.

SINOPSIS

Una joven adolescente, muy popular y atractiva pero mala, se despierta un día dentro del cuerpo de un hombre. Mientras intenta descubrir qué ha pasado y cómo volver a su estado anterior, se da cuenta entonces de lo cruel y maligna que ha sido con los demás hasta ese momento. 

CRITICA

Creo que en contadas ocasiones he comentado que el género de la comedia está para hacer reír y pasar un rato entretenido pero, para ello debe de tener un buen guión. Si que es verdad que ¡Este cuerpo no es el mío! no es una comedia grandiosa porque cae en demasiados tópicos pero es, ligeramente disfrutable.

Digamos que esta película se puede categorizar como humor adolescente y los tópicos de las películas americano en las cuales la más popular del instituto es una preciosidad, tiene unas esbirras y, es mala persona. Puesto todos estos aspectos se unen en el filme y se traducen en lo que conocemos como karma: si solo haces cosas malas, te pasarán cosas malas. Eso exactamente le pasa a la protagonista pero, por medio de unos pendientes y se levanta al día siguiente siendo un hombre. Y, a partir de esa experiencia pues observa que no ha sido buena persona y piensa en todo lo que tiene.

Si soy sincera, la verdad es que no hay mucho más que decir sobre la película. Se pasa un rato entretenido pero al final, se empieza a enrocar en las mismas situaciones una y otra vez solamente para rellenar. Que se le va hacer, las apariencias de las películas engañan y a veces, picamos.

Calificación personal: 4.5

Una mujer bajo la influencia (1974)

 

• Título original: A woman under the influence
• Año: 1974
• Género: Drama
• Dirección: John Cassavetes
• Intérpretes: Gena Rowlands, Peter Falk, Fred Draper, Lady Rowlands, Katherine Cassavetes, Matthew Laborteaux, Matthew Cassel, Christina Grisanti, Eddie Shaw.
• Guión: John Cassavetes
• Música: Bo Harwood
• Fotografía: Mitch Breit, Al Ruban
• Montaje: David Armstrong
• Productora: Faces International Films

SINOPSIS

Nick (Peter Falk) es un capataz de la construcción, que ve como su vida se desmorona, al ver que su mujer Mabel (Gena Rowlands) tiene una desestabilidad emocional. A largo plazo, afecta a su matrimonio, a sus hijos y a la vida que llevaban juntos.

CRITICA

De sobra es conocido, que el máximo exponente del cine independiente es John Cassavetes, lo que le permitió poder realizar sus películas al margen de los grandes estudios y, que nos dejase grandes obras cinematográficas. Y, una de las más destacadas de su filmografía, fue Una mujer bajo la influencia que provoca en el espectador un halo de desasosiego, que le deja pensando en lo que ha querido transmitir.

Lo que quiere transmitir a lo largo de toda la película es las diferentes trabas que se encontraba una mujer en aquella época (aunque hoy en día, sigue habiendo pero de formas diferentes) y como la falta de libertad y esa soledad profunda que lleva a la protagonista a un estado mental relacionado con la locura e incluso, ser la propia locura en sí misma. Al final, Mabel es una mujer que genera inseguridad entre todos aquellos que la rodean. Como es lógico, Nick, el marido, es el que parece el héroe, el conciliador, el que se le justifica todo, el que siempre está cansado; pero en realidad es el gran causante de ese desequilibrio en Mabel, debido a que está más centrado en lo que opinan los demás (lo que lleva a actuar en varios momentos de forma violenta, e incluso contra su mujer) sin parar ni siquiera un segundo en estar con su mujer, cuidarla o dedicarle un tiempo a ella. Porque, para más inri, Nick es un completo inútil en la casa porque, si no fuese por su mujer, esa casa sería un desastre.

Cabe destacar varios escenarios y situaciones que se dan en la película que muestran ese gran abismo entre ambos. Una de las escenas, es cuando Nick invita a desayunar espaguetis a su casa; para que tengan una buena opinión de él como patrón, sin reparar en Mabel y, por lo tanto, ella actúa de forma incontrolada humillándole. En otra escena, cuando Mabel invita al vecino  y ve a los niños desnudos corriendo por la casa, ve que todo está fuera de control, sacando su lado violento. Ese lado violento, se traslada también en su ámbito laboral e incluso con su madre. A partir de ese momento, se ve claramente como Nick ha perdido el control de su familia y el ser el cabeza de la misma y, se acrecienta aún más cuando Mabel vuelve cambiada y Nick no le para de decir: "Sé tu misma", "sé natural", "di lo que decías antes", haciendo que Mabel se sienta incómoda, porque ella ya no quiere ser así.

A modo de conclusión, el título siempre me ha llamado la atención, hasta que he visto la película y lo entendí. Una mujer bajo la influencia... ¿Cuál?, ¿de qué?, ¿de quién?; mostrando en todo momento que la perspectiva de esta historia es de aquella persona que sufre la inadaptación, que es Mabel. Quien mejor para reflejarlo que la gran Gena Rowlands que está espectacular. Por eso hacía tan buen tándem con su marido, el director John Cassavetes y que, a pesar de ser un verdadero alcohólico (murió de cirrosis) y de mostrar lo mal que trataban los hombres a las mujeres, estuvo felizmente casado con Rowlands y nunca, le puso una mano encima. Y para terminar, el cine de este director americano es muy visceral y con mucha dureza. Por lo que recomiendo ir poco a poco viendo sus películas.

Calificación personal: 8.5