TÁR (2022)

 

• Dirección: Todd Field
• Año: 2022
• Género: Drama
• Intérpretes: Cate Blanchett, Nina Hoss, Noémi Merlant, Mark Strong, Sophie Kauer, Julian Glover, Allan Corduner.
• Guión: Todd Field
• Música: Hildur Gudnadóttir
• Fotografía: Florian Hoffmeister
• Montaje: Monika Willi
• Productora: Standard Film Company, EMJAG Productions

SINOPSIS

Lydia Tár (Cate Blanchett) es una de las mejores compositoras y directoras de orquesta vivas. A la espera de grabar una sinfonía que la llevará a la cumbre, empiezan a suceder diferentes elementos, que tambalean la carrera de Lydia.

CRITICA

Leyendo unas cuantas críticas de periodistas cinematográficos, estoy de acuerdo con ellos en que puede que esta película cueste que encaje más con los espectadores que con los críticos. A pesar de que la tarea de entrar en la trama es bastante dificultosa, la subtrama del personaje de Lydia Tár (una vez más, Cate Blanchett está indescriptible) nos traslada a esos abusos de poder que se ocultan tras una máscara de amabilidades retorcidas.

Aunque inicialmente se nos muestre a un personaje que es una maniática del control y que puede estar más relacionado con el tipo de trabajo que desempeña; se observa claramente que, más allá de que el personaje pierda la riendas de su vida, lo que realmente interesa mostrar al espectador es que Tár, no es una buena persona. Este elemento se ve a lo largo de toda la trama y hacen que sean demasiado evidentes (como trata a su pareja, como expulsa a gente de la orquesta, el desprecio con el que trata a su asistente personal, etcétera) sin dejar muy claro cual ha sido el objetivo de ese cambio de actitud e incluso de esa pérdida de control. Cada plano secuencia que aparece, es complicado enlazarlo con el anterior. También, algunos elementos discordantes (gritos inexplicables, metrónomos enigmáticos, dibujos inclasificables) suscitan incomodidad en el espectador sin terminar de encontrarse.

En resumidas cuentas, aunque se destaque la grandeza de TÁR como una obra imprescindible, se queda en una película ligeramente mediocre, no sin desdeñar ese reflejo de ese mundo tan complejo como es se director de orquesta y ser a la vez despiadado aunque sea de una forma muy sutil y que el poder, y las influencias, no entienden de género. Eso si, mi más profunda admiración al brillante trabajo de Cate Blanchett. Sin lugar a dudas, una grande de la interpretación.

Calificación personal: 6.3

Rocco y sus hermanos (1960)

 

• Título original: Rocco e i suoi fratelli
• Año: 1960
• Género: Drama
• Dirección: Luchino Visconti
• Intérpretes: Alain Delon, Renato Salvatori, Anni Girardot, Katina Paxinou, Alessandra Panaro, Spirtos Focás, Max Cartier, Corrado Pani, Rocco Vidolazzi, Claudia Cardinale.
• Guión: Luchino Visconti, Susso Cecchi d'Amico
• Música: Nino Rota
• Fotografía: Guiseppe Rotunno
• Vestuario: Piero Tosi
• Montaje: Mario Serandrei
• Productora: Titanus, Les Films Marceau

SINOPSIS

Rosaria Parondi y sus cinco hijos (Rocco, Simone, Ciro, Luca y Vicenzo) se han ido a vivir a Milán tras haber salido de su tierra, Lucania. Todos ellos intentan abrirse paso en sus vidas profesionales, pero las rencillas con Simone y la carga que se ejerce sobre Rocco, tambalean los cimientos de la familia Parondi.

CRITICA

El desasosiego que se ve reflejado en todos y cada uno de los personajes, refleja en cierto modo la situación de muchas de las familias italianas tras la Segunda Guerra Mundial, puesto que el movimiento cinematográfico que se desarrolló era el neorrealismo italiano, a pesar de que Luchino Visconti no fue su máximo exponente. Independientemente de este aspecto, la película no deja indiferente a nadie, sobre todo por la relación entre los hermanos, el juego de claro oscuros y, la inmensidad de referencias bíblicas introducidas.

Empezamos primeramente con la puesta en escena. El director italiano antes de dedicarse al cine, se dedicó a dirigir óperas, por lo que la historia está dividida en cinco partes, en las cuales se nos muestra a cada uno de los hermanos (hay que comentar, que de forma directa, el último hermano, Luca, no tiene su propia historia, pero configura las cuatro historias restantes) a medida que van pasando los años y su forma de adaptarse a las oportunidades que muestra una gran urbe como lo es Milán. Claramente, cuando se muestra al espectador a cada uno de los hermanos, no se pueden eliminar al resto, ya que, lo que hace uno de ellos, termina por afectar al resto y que al final la familia se tambalee. Como he comentado al principio, las referencias bíblicas que aparecen claramente reflejadas en el personaje de Rocco; puesto que es el y nadie más que termina por sacrificar su vida por su familia, poner la otra mejilla y hacer el bien para triunfar y como contrapunto está el hermano Ciro, que con esfuerzo, tesón y constancia consigue un buen trabajo y representa los nuevos tiempos que estaban por aparecer en Italia.

Por otro lado, aparecen escenas con alta carga erótica que fueron eliminadas del metraje al estrenarse en España, sobre todo en lo referente al personaje de Nadia (increíble Annie Girardot como carga de forma tan dramática a su personaje) y las insinuaciones que realiza cuando se dedicaba a la prostitución. También, Luchino Visconti fue un homosexual declarado, pero sin necesidad de tener que promoverlo a los cuatro vientos y esa orientación, se ve muy bien reflejada en el personaje de Simone que termina perdido ante los éxitos y la nueva vida que es capaz hasta de prostituirse con tal de seguir con su vida (no le importa si es con hombres) y cuyo descontrol le lleva a realizar actos deleznables, como violar a Nadia, simplemente porque está con Rocco y no con el.

En segundo lugar, el director italiano quiere resaltar la importancia de la familia y el estar unidos y ayudarse cuando lo necesiten, aunque uno de ellos termine por arruinar emocionalmente al resto. Dentro de este núcleo, aunque no sea de una forma muy destacada, está el quinto hermano, Luca, cuyo nombre es una clara referencia a la ciudad de Lucania, de la que provienen todos y a la que la gran mayoría de ellos quiere volver y que es representado, como parte de esa esperanza que ha perdido la familia. Por supuesto, destacar la gran actuación de Alain Delon, el cual se estaba encasillando en los papeles de galán, pero su interpretación dramática es simplemente espectacular.

A pesar de no ser una obra cumbre del neorrealismo, si que es la obra más importante del director italiano, por ser capaz de abordar diversos temas espinosos, encarnados en diferentes personajes, donde cada uno de ellos parece estar abocado a una desgracia personal, de la que no podrá salir.

Calificación personal: 9

El Gato con Botas: El último deseo (2022)

 

• Título original: Puss in Boots: The last wish
• Año: 2022
• Género: Animación
• Dirección: Joel Crawford
• Doblaje original: Antonio Banderas, Salma Hayek, Florence Pugh, Olivia Colman, Harvey Guillén, Ray Winstone, Samson Kayo, Wagner Moura, John Mulaney.
• Guión: Paul Fisher, Tommy Swerdlow
• Música: Heitor Pereira
• Montaje: James Ryan
• Productora: DreamWorks Animation Studios

SINOPSIS

Tras llevar una vida llena de aventuras, El Gato con Botas descubre que ha gastado ocho de las nueve vidas que tiene. Para evitar gastar la última y recuperar las anteriores, debe de encontrar a la estrella de los deseos y restaurar su nueve vidas.

CRITICA

En el género de animación suele ocurrir bastante que, ante el éxito de una película, se planean secuelas (en las cuales no se habían pensado) para sacar una mayor rentabilidad económica (esto ocurre con cualquier otra película que se precie. Ante esta situación, la secuela suele ser un tanto aburrida  y no termina por conectar con el espectador. En este caso, al haber transcurrido once años desde la primera entrega, la historia es más refrescante.

Otro punto a favor que tiene es que el espectador, si ve esta segunda parte, no se va a sentir desconectado de la primer. Por otro lado, la historia es más ligera y no hay elementos muertos en toda la trama con los que rellenar ese vacío de guión. Más allá de esto, vamos a centrarnos en lo que es realmente importante en esta película.

Aunque se encuentra enfocada al público infantil, hay que reconocer que cualquiera puede verla. En este caso, se debe a que le tema que trata principalmente es el de las segundas oportunidades y como podemos ser merecedores de dichas oportunidades. En la película, esas oportunidades se ven reflejadas en el personaje de El Gato con Botas, que tras perder ocho de sus nueve vidas, quiere recuperarlas a toda costa, puesto que puede perder la última que le queda. Pero, a medida que va llegando a su destino, se termina de dar cuenta de que hay otras cosas más importantes que recuperar sus vidas, lo que hace en cierto modo apreciar y poder atesorar los pequeños momentos y esas amistades inesperadas que le van surgiendo y, como se enfrenta a sus problemas de verdad.

En definitiva, es una película entretenida y para toda la familia. Muy ligera y refrescante y de paso, saca a relucir temas importantes. Y además, nunca se es demasiado mayor/adulto, para disfrutar de una historia entretenida y divertida.

Calificación personal: 7.5

Una boda explosiva (2023)

 

• Título original: Shotgun wedding
• Año: 2023
• Género: Comedia
• Dirección: Jason Moore
• Intérpretes: Jennifer Lopez, Josh Duhamel, Jennifer Coolidge, Sonia Braga, Cheech Marin, D'Arcy Carden, Lenny Kravitz, Alex Mallari Jr., Desmin Borges.
• Guión: Mark Hammer
• Música: Pinar Toprak
• Fotografía: Peter Deming
• Productora: Amazon Prime Video, Mandelville Productions.

SINOPSIS

Tom (Josh Duhamel) y Darcy (Jennifer Lopez) por fin van a casarse. Lo harán en Filipinas, con una boda cuidadosamente organizada por Tom. Aunque, las cosas se torcerán el mismo día de la boda, cuando ambos discuten y, los invitados son tomados como rehenes.

CRITICA

A pesar de tener a la comedia un tanto atravesada (si bien es cierto, que en la última década, las que se han ido estrenando son bastante malas), me aparecido entretenida y que, aunque no tiene muchos puntos cómicos, si que me he reído en algunos momentos a la par que hay puntos ligeramente emotivos; sobre todo en esos momentos de dudas a la hora de dar un paso tan importante.

Aunque la historia es totalmente predecible desde el principio, más concretamente, en el momento en el que los invitados son tomados como rehenes; las peripecias y situaciones que sufren los protagonistas hasta lograr su final feliz, saliendo también a la palestra los problemas que tienen a la hora de comprometerse. Como he comentado anteriormente, los momentos cómicos son puntuales y muy certeros, sobre todo por parte de Jennifer Lopez (a pesar de no se una excelente actriz, siempre ha solventado sus interpretaciones con calidad) y Jennifer Coolidge (esta actriz está ahora en boca de todos por la miniserie The white lotus).

Este tipo de películas no merecen una crítica en profundidad, puesto que el objetivo no es otro más que entretener y, pasar un buen rato. No será una película recordada para la historia, pero para pasar un rato agradable y poder desconectar, sin duda.

Calificación personal: 6

Sólo se vive una vez (1937)

 

• Título original: You only live once
• Año: 1937
• Género: Drama
• Dirección: Fritz Lang
• Intérpretes: Henry Fonda, Sylvia Sydney, Barton MacLane, Jane Dixon, William Gargan, Warren Hymer, Ward Bond, Guinn Williams.
• Guión: Gene Towne, Graham Baker
• Música: Alfred Newman
• Fotografía: Leon Shamroy
• Montaje: Daniel Mandell
• Productora: United Artists

SINOPSIS

Eddie Taylor (Henry Fonda) un delincuente de poca monta, sale de la cárcel tras haber sido encerrado tres veces. Cuando goza de cierta libertad, es acusado de un crimen que no ha cometido y, a pesar de demostrar al final que no ha sido culpable; no hay vuelta atrás en el camino que ha decidido tomar.

CRITICA

Segunda película americana del director austríaco, poniendo como telón de fondo las injusticias que sufren muchas personas condenadas a muerte. O simplemente que te condenen a prisión por un crimen o delito que no has cometido. Remarcándolo con el echo de que si en el pasado has sido un delincuente, no te puedes redimir; ya que lo seguirás siendo el resto de tu vida. Las personas siempre merecen una segunda oportunidad (eso si, dependiendo del grado del delito y del arrepentimiento del sujeto).

Como se ha comentado brevemente en el párrafo anterior, la película contiene muchas denuncias. En concreto, la deficiencias de un sistema que condena a muerte a una persona con pruebas circunstanciales y, la imposibilidad de la reinserción de los expresidiarios y como son juzgados por una simple mirada o por su vida pasada. En esta época en Hollywood se grabaron una gran cantidad de películas que denunciaban diferentes aspectos relacionados con los trabajadores. Ejemplo de ello es Tiempos modernos (sobre la explotación laboral) o Las uvas de la ira (acerca de la pobreza rural).

Si bien es cierto que el espectador puede llegar a la conclusión de que realmente de que el personaje de Eddie tiene redención, el nota de que no tiene cabida en la sociedad y, que siempre se le juzgará por actos del pasado y el tormento de volver a prisión, se hace cada vez más patente en su forma de vivir. Todos estos aspectos se ven claramente reflejados en los diferentes planos. Aquellos que son claros muestran que los personajes tienen todavía un halo de esperanza, mientras que aquellos en los que los tonos oscuros se ciernen sobre ellos, no presagia un buen destino.

Como conclusión podemos decir que siempre hay prejuicios hacia aquellas personas que han errado en su vida y parece, que no tienen cabida. Cuando muchas veces se desconocen las causas o los motivos por los que tomaron esos caminos. Si bien es cierto, que no es una manera de justificarlos, nunca se sabe que haríamos nosotros en diferentes situaciones y lo más seguro, es que querríamos una segunda oportunidad y seguir avanzando.

Calificación personal: 8

Padre no hay más que uno 3 (2022)

 

• Dirección: Santiago Segura
• Año: 2022
• Género: Comedia
• Intérpretes: Santiago Segura, Toni Acosta, Loles León, Carlos Iglesias, Luna Fulgencio, Calma Segura, Sirena Segura, Leo Harlem, Silvia Abril, Marina D'Antiochia, Carlo González, Wendy Ramos, Javier García.
• Guión: Santiago Segura, Marta González de la Vega
• Música: Roque Baños
• Fotografía: Ángel Iguacel
• Montaje: Fran Amaro
• Productora: Amazon Prime Video, Atresmedia Cine, Bowfinger International Pictures.

SINOPSIS

Se acercan las navidades en casa de los García Loyola. Aunque la situación se complicará cuando los niños rompen el Niño Jesús, el abuelo materno pasa las navidades aquejado de un abandono y cada uno intenta resolver los problemas como puede.

CRITICA

El género de la comedia anda bastante de capa caída, puesto que se reciclan en cuanto a los chistes y las temáticas. Es decir, que ubican a los personajes de la misma forma que en entregas anteriores, pero solo cambia la situación en la que se encuentran. De esta forma, no ofrecen nada nuevo al espectador para que de alguna forma mantenga su atención.

Al fin y al cabo, con lo que se pretende con este tipo de películas muchas veces es conseguir hacer caja, para poder enfrentarse a proyectos de más envergadura. Por otro lado se puede pensar que simplemente se ha realizado una comedia para toda la familia pero sin ningún tipo de creatividad cinematográfica. Se puede decir que uno de los elementos por lo que se puede caracterizar la película, es como se retratan la celebración de la Navidad al más puro estilo español, sin reseñar nada más.

Ya se sabe que en cualquier país que se precie para realizar un comedia, al final la originalidad brilla por su ausencia y no se le sacar el partido que podría tener. Porque ya se sabe, la comedia es para hacer reír y pasar el rato, aunque no se consigan ninguna de las dos cosas.

Calificación personal: 5

Avatar: El sentido del agua (2022)

 

• Título original: Avatar: The way of water
• Año: 2022
• Género: Ciencia ficción
• Dirección: James Cameron
• Intérpretes: Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Cliff Curtis, Kate Winslet, Jamie Flatters, Britain Dalton, Trinity Bliss, Bailey Bass, Edie Falco, Jack Champion, Brendan Cowell, Jemaine Clement.
• Guión: James Cameron, Josh Friedman
• Música: Simon Franglen
• Fotografía: Russell Carpenter
• Montaje: James Cameron, Stephen E. Rivkin, David Brenner, John Refua
• Productora: 20th Century Fox, Lightstorm Entertainment.

SINOPSIS

Jake Sully (Sam Worthington) vive en paz con los Na'vi junto a Neytiri (Zoe Saldaña) en Pandora. Esa paz se ve rota hasta que regresan los hombres del cielo comandados por el Coronel Miles Quaritch (Stephen Lang), que está dispuesto a acabar con los Sully cueste lo que cueste.

CRITICA

Desde mi punto de vista, las películas deben de comprender varios elementos para considerarlas como obras maestras; sobre todo en lo que se refiere al guión (es decir, la historia) puesto que lo que nos pretender transmitir es un mensaje (aunque en muchas de ellas brilla por su ausencia e incluso, los guiones son caóticos). En el caso de esta segunda parte de Avatar, la historia no importa del todo, ya que lo que más llama la atención es el mundo de Pandora y sus habitantes.

Está complemente claro que la historia que cuenta es para establecer una conexión entre los personajes y las futuras secuelas (hay más de una). Pero, no por ello deja de tener importancia el destacar el llamamiento que se hace a través de esta película. Cómo es lógico, todo relacionado principalmente con el medio ambiente y reflejado en diferentes planos secuencias: invadir otras tierras, la destrucción por parte del ser humano de la flora y fauna, matar animales por conseguir una riqueza, la unidad de la familia, la destrucción por encima de todo y un largo etcétera. También refleja esa armonía que puede coexistir entre el ser humano y la flora y fauna.

Todo lo mencionado en el párrafo anterior, unido a esos maravillosos efectos especiales, provoca que el espectador se introduzca de lleno en el universo de Pandora, así como en la historia, a pesar de ser muy simple. Pero hay que tener en cuenta una cosa, que el cine está muchas veces para entretener y hay que saber hacerlo. Y he de reconocer que James Cameron sabe hacerlo, y lo hace muy bien. Solo falta un año aproximadamente para ver la tercera entrega para ver que nuevos Na'vi aparecen.

Calificación personal: 7.5

Cómo eliminar a su jefe (1980)

 

• Título original: Nine to five
• Año: 1980
• Género: Comedia
• Dirección: Colin Higgins
• Intérpretes: Jane Fonda, Lily Tomlin, Dolly Parton, Dabney Coleman, Elizabeth Wilson, Marian Mercer, Peggy Poe, Sterling Hayden
• Guión: Patricia Resnik, Colin Higgins
• Música: Charles Fox
• Fotografía: Reynaldo Villalobos
• Montaje: Pembroke J. Herring
• Vestuario: Ann Roth
• Productora: 20th century fox

SINOPSIS

Tres secretarias que trabajan en una multinacional odian a su jefe, y fantasean con el método y la forma para poder acabar con el. La situación se complica cuando una de ellas le pone en el café matarratas en lugar de azúcar. Por lo que, hay que tener cuidado con lo que se desea.

CRITICA

Esta película, desde mi punto de vista, debió de pasar en su momento desapercibida y no debe de ser muy recordada por la mentalidad colectiva. Con esto no quiero decir que fuese nefasta en cuanto a guión o recaudación, sino porque en principio iba a ser un drama, terminó por ser una comedia que trata diversos temas que hoy en día son motivo de polémica: el acoso sexual y la poca igualdad entre hombres y mujeres ante un puesto en el mundo laboral.

Por otro lado, cada una de las protagonistas (el trío de actrices es simplemente maravilloso, sobre todo teniendo en cuenta que Dolly Parton grababa su primera película) refleja lo que muchas mujeres sufrieron (y siguen sufriendo) en todo lo relacionado con el mundo laboral. Inicialmente nos presente a Violet (increíble Lily Tomlin), una mujer viuda y con cuatro hijos que ha sabido ascender puestos en su empresa a base de trabajo duro pero, cuyo reconocimiento se ve mermado por el simple hecho de ser mujer y que es capaz de desempeñar a la perfección cualquier trabajo realizado por un hombre. Luego está Judy (grande Jane Fonda) que ha sido siempre ama de casa y que, abandonada por su marido, se ve en la necesidad de buscar trabajo y parece que será incapaz, pero demuestra que todo lo contrario. Por último está Doralee (primer papel de Dolly Parton) , de la cual todo el mundo piensa que es solo un cuerpo bonito y una cabeza hueca, pero tiene muchos más recursos que cualquier hombre.

Al partir de esta premisa, parece ser más un drama que una comedia pero, al darle ese cambio en el género, es gracias al ver que el sueño de las tres se hace realidad de una manera un poco desafortunada y, como se las van ingeniando entre las tres para evitar que la verdad salga a la luz, y de esta forma poder realizar los cambios deseados en la empresa para que esta funcione mejor. Ya que son las buenas ideas pensadas por mujeres, las que producen un cambio significativo y no la de un hombre que no sabe hacer nada. Por lo que podemos concluir que, pasando un rato entretenido y agradable con tres mujeres en un mundo un tanto machista, se observa claramente que, muchas de las personas (de ambos sexos) que desempeñan puestos de responsabilidad, son mediocres, no saben gran cosa de las realidades del mundo, puesto que lo único que les interesa es el dinero y el poder.

Calificación personal: 7

Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion (2022)

 

• Título original: Glass Onion: A knives out mystery
• Año: 2022
• Género: Suspense
• Dirección: Rian Johnson
• Intérpretes: Daniel Craig, Edward Norton, Kate Hudson, Kathryn Hahn, Janelle Monáe, Dave Bautista, Lesli Odom Jr., Jessica Henwick, Madelyn Cline, Jackie Hoffman, Dallas Roberts.
• Guión: Rian Johnson
• Música: Nathan Johnson
• Fotografía: Steve Yedlin
• Montaje: Bob Ducsay
• Productora: Netflix, Lionsgate, T-Street Productions
  
  

SINOPSIS

El multimillonario Miles Bron (Edward Norton) invita a sus amigos más allegados a su isla griega privada. Por error, es invitado Beniot Blanc (Daniel Craig), el cual se encargará de resolver el asesinato, que tiene lugar en la mansión de Miles.

CRITICA

Siempre cuando hay algún fenómeno cinematográfico, de cualquier índole, que explote la forma de realizar la películas, se intenta exprimirlo al máximo para sacar una cierta rentabilidad económica ante la falta de ideas en la meca del cine estadounidense. Sobre todo, en lo que se refiere en realizar precuelas, secuelas y remakes. No iba a ser menos con Puñales por la espalda, cuando Netflix compró los derechos para hacer tres películas más.

En el caso de esta secuela (aunque realmente no lo es como tal), se toma como elemento conductor al detective Benoit Blanc (muy correcto Daniel Craig, lejos de reconocerle como James Bond) debe de resolver un asesinato relacionado con un grupo de amigos ricos. La dinámica de la historia es prácticamente similar a la primera, donde todo el mundo duda de todo el mundo, hay alguna oveja descarriada, algún aprovechado, etcétera; ¿Qué es lo que realmente falla entonces en este filme? La respuesta es sencilla: se descubre demasiado pronto toda la investigación y el asesino, sin dejar ningún elemento sorpresa para resolver el crimen.

Hay que destacar que todos los personajes tienen un secreto relacionado con el estatus adinerado que han conseguido e intentan de alguna forma paliar sus conciencias al ver que Miles Bron es un farsante. Ciertamente, se puede comparar con todos los magnates que hay en la actualidad que se creen que saben de todo, pero en realidad no saben de nada, por el simple hecho de invertir sus grandes fortunas en grandes avances tecnológicos (véase Elon Musk, Jeff Bezos y una larga lista); porque están podridos de dinero y no saben realmente que hacer con el; y son bastante repelentes. Helo aquí en el caso de Edward Norton, que a la hora de trabajar con el resulta bastante repulsivo. Pero, volviendo al tema que nos atañe, la historia tiene su sentido y van encajando las piezas entre los personajes y sus comportamientos. Si que es verdad, que se intenta rizar demasiado el rizo con la dinámica del asesinato, las tecnologías y con interpretaciones un poco sobreactuadas. Lo que se termina traduciendo en una historia un poco larga, en la cual el espectador puede tardar en introducirse en la historia y, cuyo desarrollo y desenlace, son bastante predecibles.

Calificación personal :6.2

Aguas oscuras (2019)

 

• Título original: Dark waters
• Año: 2019
• Género: Hechos reales
• Dirección: Todd Haynes
• Intérpretes: Mark Ruffalo, Anne Hathaway, Tim Robbins, Bill Camp, Victor Garber, Mare Winningham, Bill Pullman, William Jackson Harper, Louisa Krause.
• Guión: Mario Correa, Matthew Michael Carnahan
• Música: Marcelo Zarvos
• Fotografía: Edward Lachman
• Montaje: Affonso Gonçalves
• Productora: Participan Media, Killer Films.

SINOPSIS

Robert Bilott (Mark Ruffalo) es un abogado que trabaja para un gran bufete, defendiendo a grandes corporaciones dedicadas a productos químicos. Un día recibe la visita de Wilbur (Bill Camp), el cual le insta a que revise una grabaciones sobre la planta de residuos de la empresa DuPont, la cual vierte sus productos al agua de la ciudad.

CRITICA

La verdad es que a una se le pone la piel de gallina cuando se tratan estos temas, es decir, aquellos en lo que se refleja la máxima impunidad de todas las industrias. Ya que lo que importa es producir y producir, sin importar las consecuencias y después, no asumir la consecuencia de sus actos y la forma de acallar a todos aquellos que sacan a la luz todos estos trapos sucios.

La idea principal (más allá de poner en conocimiento al espectador sobre lo ocurrido) es reflejar el sentido moral de las personas hasta donde es capaz de llegar por, no solo descubrir la verdad, sino por no destruir la vida de miles de personas solo por se cada vez más ricos. Muchas veces se habla sobre la moral, pero realmente no se profundiza en ella lo suficiente para ver que se vive en una sociedad cada vez más capitalista e individualista y que, pisar y hundir a los que tienen menos recursos, está a la orden del día, pero hay impasibilidad.

Se refleja en esta película como un hombre cambia por completo su vida en todos los sentidos simplemente porque se da cuenta que hay algo que no está bien y que debe de investigar simplemente porque un desconocido le ha pedido ayuda. Una pregunta que nos deberíamos hacer es: ¿Qué hacemos cuando alguien de nuestro entorno, o un desconocido, nos pide ayuda?, ¿le atendemos al momento?, ¿pasamos de largo?, ¿lo dejamos para más adelante? Son preguntas que sabemos responder pero que, a la hora de la verdad, no somos capaces de realizar, sobre todo cuando aparecen intereses, en este caso se ve reflejado cuando Robert decide demandar a DuPont, sabiendo que ha dado trabajo a miles de personas y que a su vez, las está matando de forma silenciosa pero dolorosa.

Por otro lado, a medida que se va desarrollando la historia, se ve de una forma clara como los personajes se encuentran frustrados ante la imposibilidad de poder cerrar el asunto y pasar página. Porque, si se pueden parar las muertes, los engaños, los sobornos; se vería todo mucho más claro. Lo que intenta en definitiva es que el espectador se para a reflexionar, sin aleccionar.

Puestos ya a concluir, siempre se ha dicho que Estados Unidos es un país libre y en el que mejor se vive. Pues, gracias a todas las normativas Europea en materias de salud, se evita que ocurran este tipo de desgracias, ya que, en el gran país americano, en muchas aspectos sanitarios o que afecten a la salud de los ciudadanos, la legislación no protege a nadie.

Calificación personal: 8.5

Ed Wood (1994)

 

• Dirección: Tim Burton
• Año: 1994
• Género: Biográfico
• Intérpretes: Johnny Depp, Martin Landau, Sarah Jessica Parker, Lisa Marie Smith, Bill Murray, Patricia Arquette, Jeffrey Jones, Max Casella, Mike Starr.
• Guión: Scott Alexander, Larry Karaszewski
• Música: Howard Shore
• Fotografía: Stefan Cpazky
• Vestuario: Colleen Atwood
• Montaje: Chris Lebenzon
• Productora: Touchstone Pictures

SINOPSIS

Ed Wood (Johnny Depp) es un joven director que sueña trabajar en Hollywood, pero sacar adelante sus proyectos es algo costoso, sobre todo por su extraña forma de ver el cine. Al conocer a Bela Lugosi (Martin Landau), cree que de alguna forma se le abrirán más puertas. Pero esa unión entre una vieja estrella y un director sin visión, no es una buena combinación.

CRITICA

Creo que en más de una crítica, he comentado los pormenores del cine de Hollywood, es decir, de todas esas maravillas que no intentan vender o nos han vendido con el paso de los años, y que la final ha sido una cosa totalmente diferente. También, como muchas veces cuando se ha estrenado una película, ese año fue un sonado fracaso pero, con el paso del tiempo se ha ido revalorizando e incluso han aparecido adeptos y, se ha terminado por convertir en película de culto. Es en parte lo que intenta reflejar Ed Wood sobre la caída (sin llegar al auge) del peor director de todos los tiempos (con el permiso de Tommy Wiseau y Uwe Boll, aunque estos dos están casi a la par).

Claramente lo que se refleja en la película es la ineptitud más absoluta a la hora de dirigir una película, pero yendo más allá, la escritura de un guión, los efectos especiales, los decorados, etcétera. A pesar de que muchas veces hubiese impedimentos de tipo económico o de otra índole, afectando al final a la calidad del producto. Más allá de mostrar a una persona excéntrica que le gusta vestirse de mujer, refleja en cierto modo esa cara que Hollywood no te quiere enseñar y que, esos que fueron grandes estrellas, fueron relegados al ostracismo más absoluto.

Se observa como una gran estrella como fue Bela Lugosi (magnífica la interpretación de Martin Landau sobre este actor) como pasó de ser un filón para películas de terror (junto al gran Boris Karloff) terminó sus días prácticamente en la indigencia, arruinado, drogadicto y cuyo sueño consistía en poder seguir actuando y se sentía totalmente relegado. Por otro lado, se observa el ritmo frenético de los estudios (especialmente en la época dorada) y lo que costaba realizar una película. Si bien es cierto que estos estudios, aceptaban muchas veces cualquier guión con tal de no estar parados y que otro estudio no les comiese la tostada con las películas estrenadas. Con el paso del tiempo, salió a la luz los contratos con los que amarraban a actrices, actores y directores; realizando muchas veces proyectos bodriosos, arruinando sus carreras. Sin ir más lejos, hoy en día se sigue realizando, pero con otros aspectos mucho más personales.

Toda la atmósfera se refleja mu bien no solo por haber sido rodada en blanco y negro (como lo eran la gran mayoría de las películas de esa época) sino por esos decorados torpes, ese maquillaje nefasto y todo el attrezzo que se utilizaba para las películas. Mención especial tienen los créditos iniciales y el plano inicial de Hollywood, que se ve reflejado como si fuese la maqueta de una película.

Se puede concluir con unas reflexiones. Por un lado, los sueños no se cumplen, simplemente se luchan y se trabajan para intentar conseguirlos. En segundo lugar, que en cine americano, no es oro todo lo que reluce y que al fin y al cabo, las películas cuentan historias, donde no todas son reales.

Calificación personal: 7.5

Poderosa Afrodita (1995)

 

• Título original: Moghty Aphrodite
• Año: 1995
• Género: Comedia
• Dirección: Woody Allen
• Intérpretes: Woody Allen, Helena Bonham Carter, Mira Sorvino, F. Murray Abraham, David Odgen Stiers, Jimmy McQuaid, Michael Rappaport, Jack Warden, Peter Weller.
• Guión: Woody Allen
• Música: Dick Hayman
• Fotografía: Carlo DiPalma
• Montaje: Susan E. Morse
• Productora: Miramax

SINOPSIS

Amanda (Helena Bonham Carter) convence a su marido Leni (Woody Allen) para adoptar a un niño. Transcurridos cinco años, Leni decide buscar a la madre de su hijo, al verse asombrado por su inteligencia. Cuando conoce a Linda (Mira Sorvino), la madre biológica de su hijo y descubre que es prostituta y aspirante a actriz, Leni intenta sacarla de ese mundo.

CRITICA

El cine del director neoyorkino, tiende a tocar diversos temas metiendo un toque cómico. En este caso, lo hace a través de la narrativa como si fuese una tragicomedia griega para reflejar las idas y venidas de Leni, por hacer que la madre de su hijo sea un poco mejor.

En esta película, aunque lo mezcla con esa vis cómica, refleja la situación de una mujer que tiene que salir adelante prostituyéndose, la cual dio a su hijo en adopción porque no auguraba un buen futuro para el si ella se dedicaba a esa profesión. De alguna forma, intenta no mostrar todo el lado oscuro que tiene la prostitución, sino ir más allá y como intentar salir de ese agujero.

Realmente, lo que se observa de una forma clara es como el personaje de Leni (siempre directo y sutil el gran Woody Allen) trata siempre con respeto y ternura a la prostituta Linda, sin llegar a ser condescendiente e incluso sin tildarla de tonta, ya que lo único que pretende es que ella salga de esa situación e incluso reconocer (sin decírselo a ella), que ya que su hijo tiene una buena vida, porque ella va a ser menos. También se lo merece. Todos estos aspectos se van entremezclando con momento como si tratase de una tragicomedia griega, para contar la evolución de la relación entre Linda y Leni. Momento a destacar como el director del coro griego, tiene conversaciones con Leni.

Es una película tierna e hilarante a ratos. Que muestra cierto lado humano y sensible y que trata (aunque sea de forma soslayada) diversos temas interconectados. Por otro lado, la posibilidad de que las personas puedan tener siempre, una segunda oportunidad en la vida.

Calificación personal: 7

La escuela del bien y del mal (2022)

 

• Título original: The school for Good and Evil
• Año: 2022
• Género: Fantasía
• Dirección: Paul Feig
• Intérpretes: Sofia Wylie, Sophia Ann Caruso, Laurence Fishburne, Charlize Thero, Kerry Washington, Michelle Yeoh, Jamie Flaters, Kit Young, Cate Blanchett, Patti LuPone, Robe Delany.
• Guión: David Magee, Paul Feig
• Música: Theodore Shapiro
• Fotografía: John Schwartzman
• Montaje: Brent White
• Vestuario: Renee Ehrlich Kalfus
• Productora: Netflix

SINOPSIS

Aghata (Sofia Wylie) y Sophie (Sophia Ann Caruso) son dos amigas que viven en un pueblo marginadas. Son admitidas en la famosa "Escuela del bien y del mal". Sophie es mandada a la Escuela del Mal, mientras que Agatha es recibida en la Escuela del Bien. Pensando que ha ocurrido un error, ambas lucharán para mantener su amistad a flote.

CRITICA

En la última década (aproximadamente) podría decirse que ha habido una tendencia al alza de realizar adaptaciones literarias, sobre todo aquellas que están enfocadas al público adolescente y, que de alguna forma intentar realzar los valores de la amistad y que no todo gire encontrar al príncipe azul o príncipe encantador. En este caso usan algunos personajes tradicionales de los cuentos (ya sean héroes o villanos) para sacar adelante esta historia de dos amigas.

Bien es sabido que el propósito de este tipo de películas, es única y exclusivamente entretener al espectador ( y si sale alguna moraleja, mejor que mejor). Hay que destacar que la trama no es muy elaborada y, se puede predecir con antelación parte de lo que está ocurriendo. Por otro lado, las interpretaciones están un poco sobreactuadas por parte del elenco (sobre todo de pesos pesados como Charlize Theron y Kerry Washington), lo que provoca que parte del desarrollo de la película sea un poco lento a la par que cargante.

Muchas veces, en una película, no hay que dar demasiadas vueltas a una trama que no desarrolla un mensaje profundo ya que (como se ha comentado anteriormente), solo tiene un objetivo: entretener. Y si se consigue, pues mejor. Y parece que lo consigue, pero sin grandes logros.

Calificación personal: 6

Tal como éramos (1973)

 

• Título original: The way we were
• Año: 1973
• Género: Romántica
• Dirección: Sydney Pollack
• Intérpretes: Robert Redford, Barbra Streisand, Patrick O'Neal, Suasan Blakely, Bradford Dillman, Lois Chiles, James Woods, Viveca Linfors.
• Guión: Arthur Laurents
• Música: Marvin Hamlisch
• Fotografía: Harry Stradling Jr.
• Montaje: John F. Burnett
• Vestuario: Dorothy Jeankins
• Productora: Columbia Pictures Corporation, Rastar Productions, Tom Ward Enterprises

SINOPSIS

Katie Morosky (Barbra Streisand) es una joven universitaria activista por la libertad política, todo lo contrario a Hubbell Gardiner (Robert Redford). Pero ambos sienten atracción el uno por el otro. La relación entre ellos parece funcionar, pero el amor no es el único elemento que les debe de mantener unidos, ya que deben de sortear varios problemas.

CRITICA

Es cierto la frase que enuncia "los polos opuestos se atraen". Porque, si bien es cierto que de una persona, lo primero que entra es el físico y que poco a poco la vas conociendo (eso debería de ser algo lógico y racional) en diferentes facetas de la vida. Pero, no siempre hay que coincidir en todo pero, cuando se tratan de elementos fundamentales de la vida (aspiraciones personales, formar una familia, ideas políticas), muchas veces la relación puede hace aguas por múltiples sitios.

Desde el inicio de la película, se nos muestra a dos jóvenes universitarios y su evolución, tanto en su vida personal como en su vida como pareja. Y desde el primer momento se observa con bastante claridad, que el amor que sienten el uno por el otro, no es suficiente para que su relación salga a flote. Ante este hecho, el espectador puede pensar que realmente no están luchando por su amor y que el amor todo lo puede. En ocasiones, eso es un simple espejismo de una realidad que va más allá del amor. Eso se ve claramente reflejado cuando Katie no solo mantiene sus convicciones políticas, sino que quiere abrirle a Hubbell los ojos del mundo que hay y que existe, y que no se debe de conformar ni de vivir en una determinada comodidad ni tampoco vivir parado a la hora de tomar decisiones.

Por otro lado, está Hubbell, el cual en unas cuántas ocasiones le hace saber a Katie que el mundo no es todo política y que el mundo no se divide en blancos o negros, que puede haber una escala de grises; al igual que no todo el mundo tiene que pensar en temas de política ni hablar siempre de cosas serias. Antes las dos miradas totalmente opuestas, la pregunta es: ¿Quién de los dos tiene razón? Realmente la respuesta es sencilla: los dos. Aunque, si bien es cierto que Katie hace esfuerzos por cambiar y adaptarse a la vida de Hubbell y a la vez intentar seguir con sus ideales, es Hubbell quien realmente tiene miedo a la vida y a enfrentarse a lo malo, pero también aprovechar lo bueno. Lo que realmente le pasa es que no ha madurado lo suficiente para saber que el presente y el futuro es lo que hay por delante, que el pasado ha quedado atrás. Este aspecto hay que resaltarlo, sobre todo por una parte de la canción del mismo título en inglés (cantada con la gran voz de Streisand) que dice así: "Memories. May be beautiful and yet, what's too painful to remember. We simply to choose to forget" ("Recuerdos. Pueden ser bonitos y también, ser demasiado dolorosos para recordar. Lo sencillo es escoger olvidarlos"). Por lo que ahí queda dicho todo.

Como es lógico, el concepto de romanticismo en las películas en Hollywood, has ido cambiando con el paso de los años, quedándose en una edulcoración de las relaciones de pareja. Que va más allá de ese enamoramiento (qué también tiene que existir), pero que, junto a otras cosas, conforman más aspectos en la relación de pareja.

Calificación personal: 7.5

Katyn (2007)

 

• Dirección: Andrzej Wadja
• Año: 2007
• Género: Historias reales
• Intérpretes: Andrzej Chyra, Artur Żmijewski, Maja Ostaszewska, Wiktoria Gąsiewska, Władysław Kowalski, Maja Komorowska, Jan Englert, Danuta Stenka, Sergei Garmash.
• Guión: Andrzej Mularczyk, Andrzej Wajda, Przemysław Nowakowski
• Música: Krzysztof Penderecki
• Fotografía: Paweł Edelman
• Montaje: Milenia Fiedler, Rafał Listopad
• Vestuario: Magdalena Biedrzycka
• Productora: ITI Cinema

SINOPSIS

El 17 de septiembre de 1939, el Ejército Rojo invadió Polonia. Los oficiales relacionados con la Inteligencia Polaca fueron arrestados como prisioneros de guerra y, un año más tarde, la policía secreta rusa, NKVD, mató a miles de estos hombres en el bosque de Katyn. Miles de familias esperaban que se reconociesen los crímenes. Pero tanto Rusia como Alemania, negaban lo sucedido.

CRITICA

Durante la Segunda Guerra Mundial, de lo único que se hablaba era de la acción de Hitler contra los judíos, de su expansión por Europa, del fascismo de Mussolini en Italia. Pero en ningún momento se hablaba del avance de los rusos (por aquel entonces era la famosa URSS) y, como aprovechó la debilidad de la gran mayoría de los países europeos para realizar matanzas a diestro y siniestro; llegándose a contabilizar veinte millones de muertes, entre rusos y otros ciudadanos europeos. Una de esas masacres, fue la de Katyn, que es lo que se nos describe en esta película.

Por un lado, no solo cuenta parte de la vivencia del pueblo polaco tras la guerra y tras esa matanza, sino como se aniquilaba de un plumazo toda la esperanza. En la vida, en el futuro, sino también en uno de los elementos más fuertes de ese pueblo: la fe. El ver que habían sido abandonados y que nadie respondía ante esos crímenes. Sin embargo, esos oficiales del ejército polaco, eran los únicos que mantenían la fe, a pesar de presentir cual sería su negro destino.

Bien se sabe que la implantación del comunismo consiste en aniquilar todo vestigio de lo que hubiese antes sin importar nada. Aunque no lo parezca, Dios no abandonó al pueblo polaco, porque cincuenta y cuatro años después, gracias a la acción del Papa Juan Pablo II, se consiguió derribar ese muro que separaba la Europa democrática de la Europa comunista. Y conocer que, a pesar de todo, la fe es lo único que termina prevaleciendo, por mucho que se quiera negar su evidencia.

Calificación personal: 8.5

La herencia del viento (1960)

 

• Título original: Inherit the wind
• Año: 1960
• Género: Drama
• Dirección: Stanley Kramer
• Intérpretes: Spencer Tracy, Frederic March, Gene Kelly, Dick York, Donna Anderson, Harry Morgan, Claude Akins, Elliott Reed Paul Hartman.
• Guión: Jerome Lawrence, Robert E. Lee, Nedrick Young, Harold Jacob Smith
• Música: Ernest Gold
• Fotografía: Ernest Lazlo.
• Montaje: Frederic Knudtson
• Productora: United Artists

SINOPSIS

En una pequeña ciudad de Tennesse, se juzga a un profesor por enseñar la teoría de la evolución de Darwin. Chocando frontalmente con la teoría del creacionismo. Por lo que, el abogado Henry Drummond (Spencer Tracy) se enfrentará Matthew Brady (Frederic March), por defender al profesor.

CRITICA

Aunque se tenga a Estados Unidos como una superpotencia mundial y, por ser un país con grandes libertades, siempre se ha contradicho en todo lo que el mismo promulga. Desde temas políticos, hasta religiosos, pasando incluso por las diferentes enmiendas de la constitución. Por lo que, la trama de esta película (que es una historia real) refleja esa hipocresía constante en la que se mueve el país americano y por ende, todos los ciudadanos.

Por esos años, Estados Unidos seguía floreciendo tras haber sufrido el crack del 29, el ataque del Pearl Harbour, así como las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial. Ante estas situaciones, el país pensaba que, para recomponerse (en todos los aspectos), debía de volver la moralidad a la nación. Por otro lado pensaban que, todo lo ocurrido era un castigo de Dios, lo que provocaba que, a la hora de proclamar la palabra de Dios (sobre todo de las ramas protestantes), se debía de mostrar desde una vertiente oscura y tenebrista para que, el feligrés, tuviese miedo del Todopoderoso. Y que, todo aquello o aquel que se saliese de la moral establecida, era un pecador y un apóstata y, representaba al demonio. Lo que mostraba aún más la evidencia de que ser una potencia solvente, no la libraba de su doble moral. Por eso, esta historia, que se cubrió a nivel nacional, demuestra que llevar todo al extremo no es bueno. Ni tampoco ser demasiado laxo.

Lo que se pretende demostrar con esta película es que, pueden existir dos extremos, sin necesidad de tener que odiar a la otra parte. En el caso de la religión, respetar la presencia de otras religiones, así como de las personas que no crean, puesto que ser creyente no significa ser menos válido. En segundo lugar, podemos tener en cuenta a la ciencia, que si está ahí es para ayudar al hombre y usarla en su favor, pero sin jugar a ser Dios. En tercer lugar, solo hace falta mencionar lo que la "Declaración universal de los derechos humanos" menciona: "Toda persona tiene derecho a la libertad de pensamiento, de conciencia y de religión; este derecho incluye la libertad de cambiar de religión o de creencia, así como la libertad de manifestar su religión o su creencia, individual y colectivamente, tanto en público como en privado, por la enseñanza, la práctica, el culto y la observancia". Por lo que, todo queda dicho.

Claramente, a lo largo de toda la película, Drummond (con un inconmensurable Spencer Tracy), le intenta hacer ver a Brady (gran interpretación de Frederic March) que ambas cosas (creacionismo y evolucionismo) no son incompatibles y que, no por ello se debe de criminalizar al otros y que es necesario que cada uno tenga sus pensamientos ya que, cuanta menos sabida sea una persona, hay una mayor posibilidad de manipulación. Como último punto, destacar que la frase proviene del Libro de los Proverbios de la Biblia, dice así: "El que perturba su casa, solo heredará el viento, y el insensato, será esclavo del sabio corazón". Película impactante y necesaria.

Calificación personal: 9.5

Ammonite (2020)

 

• Dirección: Francis Lee
• Año: 2020
• Género: Romántica
• Intérpretes: Kate Winslet, Saoirse Ronan, Gemma Jones, James McArdle, Fiona Shaw, Claire Rushbrook, Alec Secareanu.
• Guión: Francis Lee
• Música: Dustin O'Halloran, Volker Bertelmann
• Fotografía: Stéphane Fontaine
• Montaje: Chris Wyatt.
• Vestuario: Michael O'Connor
• Productora: BBC Films, British Film Institute, See-Saw Films

SINOPSIS

Mary Anning (Kate Winslet) es un a paleontóloga de mediados del siglo XIX cuyos descubrimientos no son reconocidos. En su tienda entra un hombre con su mujer, llamada Charlotte (Saoirse Ronan), a la que debe de cuidar durante un tiempo. En los momentos que pasan a solas, su cercanía se irá haciendo cada vez más intensa.

CRITICA

Antes de centrarme en la propia crítica de la película, es importante detenerse (aunque sea brevemente) en el personaje de Mary Anning. Ella existió realmente y fue una gran paleontóloga pero, la ciencia la ocultó durante mucho tiempo y que no obtuvo el reconocimiento que realmente mereció. En una época en la cual las mujeres no tenían mucha voz (en pleno siglo XIX), se unía que la paleontología y, otras muchas ramas de las ciencias, estaban copadas por hombres. Por ser mujer y ser pobre, no pudo ser reconocida. Por lo que vendía todos sus descubrimientos para poder sobrevivir.

Tras conocer de una forma fugaz quien fue Mary Anning, es necesario conocer que realmente no se supo si la relación entre Mary y Charlotte existió, sino que es una forma de explorar este tipo de relaciones en esa época tan moralista. Pero, al intentarlo, se queda en una historia un tanto fría y desigual, no solo por la posición social de ambas, sino porque no hay cierta intimidad entre ambas actrices (a pesar de tener una buena reputación, tanto Saoirse Ronan como Kate Winslet) y, que se pierde en elementos insustanciales que no aportan grandes cosas a la historia.

Si bien es cierto que el director, nos muestra esos pequeños detalles para observar el avance de la relación entre ambas. Un simple caricia, una mirada; gestos que en definitiva permiten desarrollar la relación entre estas mujeres. De alguna forma, el momento en el que Mary va al museo y ve esos cuadros de científicos y que su nombre no aparece en los restos que envió, es una metáfora de que el mundo no quería a una mujer científica, ni tampoco la relación entre dos mujeres. 

Calificación personal: 5

En los márgenes (2022)

 

• Dirección: Juan Diego Botto
• Año: 2022
• Género: Drama
• Intérpretes: Penélope Cruz, Luis Tosar, Adelfa Calvo, Christian Checa, Aixa Villagrán, Juan Diego Botto, Font García, Nur Levi, María Isabel Díaz, Javier Perdiguero.
• Guión: Juan Diego Botto, Olga Rodríguez
• Música: Eduardo Cruz
• Fotografía: Arnau Valls Colomer
• Montaje: Mapa Pastor
• Vestuario: Wanda Morales
• Productora: On the fringe, Panache Productions, Morena Films, Amazon Prime Video

SINOPSIS

Tres historias entrelazadas directamente o indirectamente, donde sus vidas cambiarán en el transcurso de 24 horas. Las situaciones personales, familiares, profesionales y económicas; que terminan por ahogar a las personas en una sociedad, que mira hacia otro lado.

CRITICA

Hacía mucho tiempo que no veía una película tan desgarradora, no solo por su alto contenido emocional, sino porque es una triste pero verdadera realidad, de la cual miramos muchas veces hacia otro lado, sin que grandes personalidades hagan nada y que, puede ocurrirle a cualquiera. Nunca se sabe quién va a necesitar ayuda ni cuándo.

Hace mucho tiempo, tuve una profesora cuya justificación sobre "lo malo que era el cine español" es que mostraba realidades y eso, la gente no lo tenía que ver. Pues creo que eso es algo que la gente debería ver, ya que el cine español es un cine realista y que no edulcora (como el cine de Hollywood) las realidades que le sucede a nuestra sociedad. Porque, cuando siempre se ha estado desde un posición privilegiada (sea del tipo que sea) y no se ha visto el dolor y la miseria de cerca, se prefiere culpar a la persona que tiene esa situación, porque ella se lo ha buscado. De ahí también que muchos críticos estén un poco contrariados con esta película.

Volviendo al tema que nos ocupa, la película es ligera (dentro de la dureza de su trama), para mostrarnos las diferentes dificultades de tres mujeres diferentes y, como hacen frente a sus situaciones inminentes de precariedad. El nexo de unión entre esas mujeres es Rafael (un inmenso Luis Tosar) que como abogado intenta luchar por los derechos de esas personas pero, como contraposición, termina descuidando a su propia familia, sin llegar a "ningún final" viable ni para el ni para los que en cierto modo le rodean. Al final, las promesas no son efectivas puesto que hay otros factores determinantes para no llegar a problemas mayores. Pero sobre todo destaca la solidaridad. Esa solidaridad que provoca que haya gente que se ayuda sin esperar nada a cambio, esa solidaridad que hace que haya personas que pongan sus estudios y conocimientos a disposición de otros; en definitiva, esa solidaridad que valora otras cosas por encima del dinero.

Ni mucho menos estoy intentando ser moralista por un lado. Por el otro, está claro que el dinero no da la felicidad, pero ayuda y, cuando no hay, se demuestra si realmente una persona es capaz de desprenderse a lo que está más apegado: el dinero. Nos refleja también la forma de estas mujeres a enfrentarse a la situación. En ningún modo es nada cobardeo huidiza sino, como he comentado anteriormente, al estar muchas veces en una situación de privilegio, no se sabe lo que se siente.

Es una película totalmente desgarradora a la par que necesaria y que nos devuelve a una realidad que ya no es noticia porque "no ocurre muy a menudo" pero que sigue ahí. Al igual que otras muchas, como es el coronavirus, porque como ya está "todo más tranquilo", no es necesario que aparezca en los medios. Pero todo está ahí. Presente en nuestra vidas. No se debe de mirar a otro lado. No se debe de ignorar al que tenemos al lado. Debemos de ser mejores personas, porque el mundo lo componen personas, las cuales deben ser ayudadas, respetadas y amadas en múltiples aspectos. No olvidemos eso.

Calificación personal: 10