La vida privada de Enrique VIII (1933)

• Título original: The private life of Henry VIII
• Año: 1933
• Género: Biográfico, drama
• Dirección: Alexander Korda
• Intérpretes: Charles Laughton, Robert Donat, Merle Oberon, Wendy Barrie, Elsa Lanchester, Binnie Barnes, Robert Donat, Franklin Dynall, Laurenc Hanray, Joh Loder.
• Guión: Lajos Biró, Arthur Wimperis
• Música: Kurt Schröder
• Fotografía: Georges Périnal
• Montaje: Stephen C. Harrison
• Productora: London Films

SINOPSIS

En mayo de 1536, después de la ejecución de su segunda esposa, Enrique VIII (Charles Laughton) se casa con su tercera mujer: Jane Seymour. Durante todo su reinado se llegó a casar seis veces para así poder asegurar un heredero varón al trono.

CRITICA

De sobra es de todos conocidos la vida de uno de los reyes más famosos de Inglaterra. En primer lugar porque rompió con la Iglesia Católica y creó la Iglesia de Inglaterra (denominada hoy en día Iglesia Anglicana) y por sus seis turbulentos matrimonios donde dos de los cuales sus esposas acabaron siendo ejecutadas, puesto que no eran de sangre real; de la única de la que "no se pudo deshacer" fue de Catalina de Aragón, hija de los Reyes Católicos.

Centrándonos en lo que concierne al mundo del cine, muestra con bastante realismo la opulencia con la que vivían antes los reyes (y con los grandes ricos en la actualidad) y también el temor que se les tenía por si se comentaba algo "inapropiado" o incluso siempre tener que estar alabándole por todo lo que hacía y besar el suelo por donde el pisaba.

Por otro lado, nos muestra a un personaje que más que gobernar por Inglaterra y para el pueblo, era un personaje grotesco, lujurioso y, ya en la madurez, patético, un personaje regio en su postura de piernas separadas y brazos en jarras y humanizado (incluso humillado) cuando su anciana niñera le echa más de una reprimenda, cuando juega y no para de perder contra su cuarta esposa o incluso decide dejar la mesa para mostrar sus dotes de luchador ante su quinta esposa, Katherine Howard.

De alguna forma muestra de forma caricaturesca la decadencia de un rey que a principios de su reinado tuvo mucho poder y una buena imagen frente a Europa pero, su avaricia y su lujuria le llevaron no solo a separarse de Roma, sino a guiarse más de sus apetencias y gustos y no reprimirse lo más mínimo para ser recordado como un buen monarca.

Calificación personal: 7

La noche de los generales (1967)

• Título original: The night of the generals
• Año: 1967
• Género: Bélico, drama
• Dirección: Anatole Litvak
• Intérpretes: Peter O'Toole, Omar Sharif, Tom Courtenay, Donald Pleasence, Joanna Pettet, Pilippe Noiret, Charles Gray, Coral Browne, John Gregson, Nigel Stock
• Guión: Paul Dehn
• Música: Maurice Jarre
• Fotografía: Henri Decaë
• Montaje: Alan Osbiston
• Productora: Horizon Pictures

SINOPSIS

Una prostituta aparece brutalmente asesina durante la invasión nazi en la ciudad de Varsovia. El mayor Grau (Omar Sharif) descubre que el asesino es un general destinado en dicha ciudad. En su lista habrá tres sospechosos pero solo uno, el general Tanz (Peter O'Toole) es al que le señalan las todas las pistas.

CRITICA

La primera impresión que puede causar esta película es encontrarnos con otra historia sobre la Segunda Guerra Mundial y sus consecuencias devastadoras que, en parte queda reflejada en muchos de los fotogramas del filme pero, a medida que van avanzando los minutos es que dentro de la ya por si monstruosidad que hacían los alemanes durante la guerra, de algún modo intentaban evitar que no sobrepasasen ciertos límites (aunque ya lo habían hecho en muchos sentidos).

Lo que realmente llama bastante la atención es la actitud fría, porque la verdad es que no encuentro un término exacto para definirlo, del general Tanz que tiene el beneplácito de Hitler y por eso no debe de responder ante otros generales sobre las decisiones que toma ni como lleva a cabo su gestión y por otro lado, lleva sus excentricidades hasta el extremo que tiene que tratar a los de rango inferior como si fueran auténtica basura. Eso lleva a que muchos militares y/o generales eviten tener trato con el.

Uno de los aspectos que me llamó la atención fue el posicionamiento de la cámara según qué bando quería mostrar: el del pueblo polaco, oprimido por un ejército invasor que vivía en las peores condiciones posibles y por otro, el ejército nazi, que aparecía como una especie de salvador y liberador con todo su armamento así como sus recepciones con sus opulentas comidas. Pero no hay que olvidar, que en ese lado se encuentra el Mayor Grau que, aún a sabiendas de su posición y de lo que hace el ejército alemán (y de forma paralela se va desarrollando la operación "Valkiria", que intentó asesinar a Hitler) intenta hacer justicia independientemente de la posición dentro del ejército, aunque se tenga que acusar a un superior.

Es cierto que la película me pareció soberbia en cuanto al punto de vista pero, lo que realmente hizo que no apartase la mirada ni un segundo de la pantalla fue la interpretación magistral de Peter O'Toole (al cual amas o al cual odias) que hace de sádico nazi a la perfección y es totalmente creíble y veraz y llega a estremecer. No realizaré ningún tipo de spoiler pero si se quiere ver a un asesino en serie psicópata, no hay mejor película que esta.

Calificación personal: 8

Gardenia azul (1953)

• Título original: The blue gardenia
• Año: 1953
• Género: Thriller, drama
• Dirección: Fritz Lang
• Intérpretes: Anne Baxter, Richard Conte, Ann Sothern, Raymond Burr, Jeff Donnell, George Reeves, Nat King Cole, Richard Erdman, Dolores Fuller, Hugh Sanders
• Guión: Charles Hoffmann
• Música: Raoul Kraushaar
• Fotografía: Nicholas Musuraca
• Productora: Warner Bros

SINOPSIS

Una telefonista (Anne Baxter) se emborracha y se levanta a la mañana siguiente sin recordar nada y acusada de haber asesinado a un hombre. Un periodista (Richard Conte) enamorado de ella intentará descubrir al verdadero asesino.

CRITICA

Más de una vez he reseñado que en toda filmografía de un actor, de una actriz o de un director siempre hay alguna que otra película oculta por diversos motivos; la gran mayoría de las veces es porque el filme pasó sin pena ni gloria y no suscitó el interés correspondiente. Algo similar (siempre desde mi punto de vista) le ocurrió a Gardenia azul donde fue una de las obras menores del director austriaco y de su actriz protagonista Anne Baxter.

Al principio se intenta vender al espectador la historia de una mujer herida en el terreno sentimental y que va a ir arrastrando ese despecho a lo largo de toda la película pero, cuando se ve que los derroteros de la historia no van por ese camino, intenta seguir la estela del thriller pero sin llegar a producir determinados clímax en donde el espectador piense que la historia va a dar un giro totalmente inesperado. Ya que en lugar de querer descubrir quien es la mujer asesina, un periodista hace las veces de "policía del pueblo" para encontrar a la culpable pero de forma sensacionalista, lo que hace que el punto noir de la historia se diluya y que sea poco creíble.

La crítica que se puede apreciar y que en la actualidad sigue existiendo es el periodismo sensacionalista, el cual consiste en vender periódicos o conseguir adeptos o famas con historias famas o adornando de forma excesiva una noticia, de esta forma la gente se lo cree y se acaba de dar por cierto una historia o un acontecimiento que realmente no lo es.

En definitiva, no ha sido una película que realmente me haya enganchado por su trama ni por como se van desarrollando los acontecimientos de la misma ni, la conclusión final a la que se llega para resolver el crimen como si fuera por puro azar y casualidad y donde también se cuestiona no solo el trabajo de la policía sino también el de los periodistas.

Calificación personal: 6

 

Festival de la canción de Eurovisión: la historia de Fire Saga (2020)

• Título original: Eurovision Song Contest: The Story of Fire Saga
• Año: 2020
• Género: Comedia
• Dirección: David Dobkin
• Intérpretes: Will Ferrell, Rachel McAdams, Dan Stevens, Pierce Brosnan, Mikael Persbrandt, Ólafur Darri Ólafsson, Graham Norton, Jon Kortajaerena, Demi Lovato, Alfrun Rose.
• Guión: Will Ferrell, Andrew Steele
• Música: Atli Örvarsson
• Fotografía: Danny Cohen
• Montaje: Greg Hayden
• Productora: Gary Sanchez, Netflix

SINOPSIS

Lars (Will Ferrell) y Sigrit (Rachel McAdams) son dos músicos islandeses desconocidos que tienen la oportunidad de sus vidas: representar a su país en el festival de Eurovisión. Demostrando a la gente de su propio pueblo que hay sueños por los que merece la pena luchar.

CRITICA

Es irónico puesto que este año debido a la pandemia no se ha podido celebrar el festival de Eurovisión y, de alguna forma ha habido algún "consuelo" con esta película cómica sobre uno de los festivales de la canción más famosos del mundo. Para los que de alguna forma les gusta disfrutarlo lo han podido hacer a través de una película.

Este filme no va más allá de su mera función, la cual es entretener al espectador con los puntos cómicos que van apareciendo (desde mi punto de vista, no son muchos), como todos los números musicales espectaculares que nos recuerdan al ya mencionado festival. Por otro lado, de una forma lo más fidedigna posible intenta mostrar todos los preparativos que hay para que se lleve a cabo su celebración, aunque los protagonistas tengan que pasar por multitud de problemas.

Uno de los aspectos positivos con los que me quedo de la trama de la película es como ambos protagonistas nos se rinden nunca en su sueño de cantar a pesar de que no les tomen en serio, más en concreto Lars cuyo único objetivo es ir al festival de Eurovisión y como anima a Sigrit cuando ya lo han logrado. Pero, realmente Sigrit no ambiciona ganar, sino el simple echo de poder estar ahí y de representar a su país y saber que hay algo más que ese festival y que no siempre la vida tiene que girar en torno a una cosa y a un sueño sino a poder diversificar y que lo sencillo es valioso.

A pesar de que no le de una calificación elevada puesto que su función de entretenimiento la cumple también he de destacar los números musicales que enganchan bastante junto con las canciones que son muy pegadizas y que son cantadas en su mayoría por el dúo protagonista. Para pasar un buen rato y disfrutar y también averiguar los cameos "eurovisivos".

Calificación personal: 5.5

Hannah y sus hermanas (1986)

• Título original: Hannah and her sisters
• Año: 1986
• Género: Comedia
• Dirección: Woody Allen
• Intérpretes: Woosy Allen, Michael Caine, Mia Farrow, Carrie Fisher, Barbara Hershey, Lloyd Nolan, Maureen O' Sullivan, Daniel Stern, Max von Sydow, Dianne Wiest
• Guión: Woody Allen
• Música: Johann Sebastian Bach
• Fotografía: Carlo Di Palma
• Montaje: Susan E. Morse
• Vestuario: Jeffrey Kurland
• Productora: Orion Pictures Corporation

SINOPSIS

Historia que trata sobre el amor, la infidelidad, el hastío y otros aspectos que están relacionados en torno a Hannah (Mia Farrow) y sus dos hermanas: Lee (Barbara Hershey) y Holly (Dianne Wiest) donde todos los personajes reflexionan sobre diferentes conceptos de la vida.

CRITICA

Los grandes entendidos de cine comentan que la mejor etapa de Woody Allen fue desde mediados de los años 80 hasta mediados de los años 90 (hasta que hizo en el año 2005 Match Point y luego la increíble Blue Jasmine) sobre todo porque era capaz de tratar diversos temas y hacer preguntas existenciales a través de varios personajes y dándoles un toque cómo; que en parte es lo que se viene a reflejar en esta película.

La historia principal gira en torno a tres hermanas, las cuales muestran sus dudas e inseguridades sobre como van llevando su vida o incluso si están tomando las decisiones acertadas y parece que la que lo tiene todo bajo control es Hannah porque es la que parece tener una vida más estable pero aún así no sabe el secreto que le oculta su marido. El cual también empieza a plantearse su vida marital con Hannah y ver que no es feliz por lo que desea estar con la hermana de esta Lee, la cual tampoco tiene una vida medio resuelta (por decirlo de alguna forma) cuando siente esa atracción por el marido de su hermana, el cual la confunde.

La tercera en discordia es Holly, que tras haber dejado atrás las drogas intenta reconducir su vida intentando ser actriz y también intentando buscar a alguien que la complemente pero, ella siente que tiene la carga de haber sido la hermana "problemática" y que no termina de centrarse en su vida ni parece que es lo que quiere pero ella sigue luchando por superarse.

En el ir y devenir de la historia algunos temas se tratan directamente como la infidelidad, el hacer daño a los demás aunque sea de forma indirecta o ver que no vas a conseguir ningún tipo de progresión y que parece que todo está yendo siempre en su contra y no consigue ningún éxito. Y al final, siempre lo que queda es la relación entre las tres hermanas.

Desde mi punto de vista no considero que sea una de las grandes películas del director estadounidense pero si que es propio de el introducir temas controvertidos o que provoque que el espectador se haga las mismas preguntas que los personajes. Porque al final la vida es a veces tener que cuestionarse cosas y poder elegir el camino que nos conviene y que sobre todo, con el paso del tiempo todo acaba llegando.


Calificación personal: 7

La chica del tren (2016)

• Título original: The girl on the train. 
• Dirección: Tate Taylor.
• Año: 2016.
• Género: Thriller. 
• Reparto: Emily Blunt, Rebecca Ferguson, Justin Theroux, Luke Evans, Allison Janney, Edgar Ramirez, Lisa Kudrow, Laura Prepon, Hayley Bennett. 
• Guion: Erin Cressida Wilson. 
• Música: Danny Elfman.
• Fotografía: Charlotte Bruus Christensen
• Montaje: Michael McCusker
• Productora: Dreamworks

SINOPSIS

Rachel (Emily Blunt) es una mujer devastada por su reciente divorcio que dedica cada mañana de camino a su trabajo a fantasear sobre la vida de una pareja aparentemente perfecta que vive en una casa por la que el tren pasa cada día. Pero una mañana Rachel es testigo desde la ventana del tren de un impactante suceso y se ve involucrada en el misterio que ella misma revela.

CRITICA

Creo que en más de una ocasión he mostrado mi descontento sobre las adaptaciones cinematográficas de las novelas y justo cuando salió a la venta el libro me lo compré en inglés (la verdad es que se lee con facilidad y se sigue muy bien la lectura) y siempre me quedó pendiente el ver la película. Y, como suele ocurrir con todos los filmes siempre hay división de opiniones y los críticos expertos no la puntúan muy bien pero, desde mi punto de vista la adaptación es bastante certera.

Se puede decir que lo que a lo mejor le puede resultar al espectador un poco desconcertante son la diversidad de personajes que hay y la forma de jugar con el tiempo para ubicarle en lo que ha sucedido: el asesinato de una joven en extrañas circunstancias. Otro de los elementos (desde mi punto de vista) que puede desconcertar un poco son las conexiones inconexas entre personajes que de repente pasan de tener un gran peso en la trama a terminar de desaparecer.

Desde mi punto de vista, La chica del tren no es una adaptación perfecta pero si consigue mostrar la vulnerabilidad de todos los personajes y como la protagonista muestra cierto efecto lúcido frente a la constante embriaguez que presenta y que realmente es el hilo conductor de toda esta historia donde los elementos de thriller o más bien de un toque de "cine negro" se pueden apreciar.

Uno de los aspectos que si me gustaría reseñar es el poder de sugestión que tiene una persona ante situaciones de estrés y vulnerabilidad y como otros seres humanos son capaces de manipularlas a su antojo para que siempre piensen que son culpables de todas sus acciones y como se le hace creer al resto de personas que hay alrededor lo"mala persona" que puedes llegar a ser.

En resumen, creo que el espectador al principio puede que le cueste conectar con la historia y que es lo que realmente se nos quiere contar pero, a medida que va avanzando la misma podrá establecer las diferentes conexiones y llegar a sorprenderse del inquietante final y sobre todo saber que a veces la mente no puede jugar una mala pasada.

Calificación personal: 7.5

Las seductoras (2001)

• Título original: Heartbreakers
• Año: 2001
• Género: Comedia
• Dirección: David Mirkin
• Intérpretes: Sigourney Weaver, Jennifer Love Hewitt, Gene Hackman, Jason Lee, Ray Liotta, Nora Dunn, Anne Bancroft, Jeffrey Jones, Sarah Silverman, Zach Galifianakis
• Guión: Robert Dunn, Paul Guay, Stephen Mazur
• Música: John Debney, Emmanuel Kiriaku
• Montaje: William Steinkamp
• Productora: Metro Goldwyn Meyer, Davis Entertainment

SINOPSIS

Max Conners (Sigourney Weaver) y su hija Page (Jennifer Love Hewitt) se ganan la vida estafando a hombres ricos. Cuando Page decide seguir con el negocio por su cuenta, su madre le pide hacer un último trabajo estafando a William B. Tensey (Gene Hackman), un importante magnate de la industria tabacalera.

CRITICA

Recuerdo cuando vi esta película hará ya unos cuantos años pero, había partes de la misma que casi no recordaba y el poder volver a verla me hizo pasar un rato entretenido pero, si que es cierto que a mitad de la trama el nivel de risas y ver como se van desarrollando la trama el nivel de la "estafa" desciende considerablemente, puesto que ya se van entremezclando elementos románticos.

La esencia principal de la historia reside en como madre e hija planean las estafas y luego los diferentes papeles que van adoptando en cada una de las mismas. Pero su último trabajo les va a salir un "poco rana" no solo porque la hija quiere montárselo por su cuenta sino porque ésta se empieza a enamorar y eso va a complicar todo el trabajo.

Por otro lado la frescura que hace que de alguna forma el filme siga hacia delante es el papel de Sigourney Weaver que de una manera bastante sorprendente crea todos y cada uno de los personajes para estafar a los hombres y es la que realmente lleva el peso de la historia mientras que para completar esta trama de estafas está el aliciente romántico para ultimar su obra final.

Es cierto que hay comedias de mucha mejor calidad y mucho más dinámicas pero de alguna forma, Las seductoras se ve que la historia se ha trabajado, escandalosa y procaz y tiene un espíritu que recuerda a las comedias de enredo del Hollywood clásico. Y también por ver el último trabajo de la gran Anne Bancroft por muy pequeño que sea y recordar su última aparición en la gran pantalla.

Calificación personal: 6

La dolce vita (1960)

• Dirección: Federico Fellini
• Año: 1960
• Género: Drama
• Intérpretes: Marcello Mastroianni, Anita Ekberg, Anouk Aimee, Yvonne Furneaux, Alain Cumy, Annibale Minchi, Magali Nöel, Lex Barker, Jacques Sernas, Nadia Grey.
• Guión: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tulio Pinelli, Brunello Rondi
• Música: Nino Rota
• Fotografía: Otello Martelli
• Montaje: Leo Cattozo
• Vestuario: Piero Gherardi
• Productora: Riama Film, Gray Films.

SINOPSIS

Marcelo Rubini (Marcello Mastroianni) es un escritor de crónicas sociales donde nos muestra su vida a lo largo de diferentes mañanas y noches por la Via Veneto, auténtico hervidero de celebridades y continuos acontecimientos sociales.

CRITICA

Esta película fue un icono en la época de mayor esplendor del cine italiano, donde esta etapa se conoció como neorrealismo italiano y dicen que es la mejor película del director italiano y además, por ser recordada por la escena famosa de Anita Ekberg en la Fontana di Trevi. Pero, desde mi punto de vista personal este filme que tanto revuelo causó y que se hizo tan famoso a mi no me ha dicho especialmente nada. No solo porque no esté (a lo mejor) acostumbrada al estilo narrativo sino también porque al final se generaban una sucesión de imágenes y acontecimientos donde había un excesivo "desorden" y no me transmitía nada.

La premisa de la que parte no está mal, ya que empieza a contarte un poco el estilo de vida de un escritor y lo que suele hacer por las mañanas y por las noches. En todo su ir y devenir nos va reflejando en que mundos se mueve el escritor y sobre todo las noches de desenfreno en las que se sumerge. Por lo que a mi entender, de alguna forma el director lo que quería reflejar era la vida de decadencia o de excesos que iba teniendo la sociedad italiana por aquella época y sobre todo las clases más pudientes; todo esto mezclado con fiestas interminables donde el ruido y el caos son los ejes principales para el desarrollo de la historia.

Al llegar a esta conclusión cuando terminé de ver la película no me llegó a a producir la sensación de estar ante una gran película ni mucho menos ante una obra maestra porque, a pesar de intentar mostrar la decadencia de la sociedad, realizar los planos sin orden ni concierto y con un montón de mostrar momentos tradicionales italianos que no tienen ninguna relación. Se podría decir que todo ese desorden, ese caos, esas fiestas desmesuradas es una metáfora del mundo de Marcelo de como va su vida sin un rumbo fijo. Pero aún así, no se termina de tener nada en claro cada uno de los escenarios que se muestran.

Para concluir, en la época del neorealismo italiano, muchos fueron los directores que se encumbraron en esta época pero para mi, La dolce vita no es un de ellas y tampoco me ha marcado de una forma profunda como para declararla una gran película. Pero no siempre se tiene que estar de acuerdo con lo que supone una revolución en una época determinada. Porque aunque no lo parezca, la decadencia humana sigue palpable en la actualidad.


Calificación personal: 5.5

Pastel de pera con lavanda (2015)

• Título original: Le Goût des merveilles
• Año: 2015
• Género: Romántica
• Dirección: Éric Besnard
• Intérpretes: Virginie Efira, Benjamin Lavernhe, Lucie Fagedet, Leo Lórleac'h, Hervé Pierre, Laurent Barco, Hiam Abbass
• Guión: Éric Besnardç
• Música: Christophe Julien
• Fotografía: Philippe Guilbert
• Productora: Pulsar Productions, Cámera One

SINOPSIS

Louise (Virginie Efira) intenta criar a sus dos hijos y sacar adelante el negocio familiar tras la muerte de su marido. Un día Louise atropella a un hombre (Benjamin Lavernhe) y descubre que es distinto al resto. La fascinación que siente Louise por ese hombre, puede cambiar la vida de su familia e incluso poder salvar el negocio familiar.

CRITICA

Recuerdo bien que el año del estreno de la película cada vez que iba al cine (ya fuera de una gran empresa o los cines poco comerciales) veía siempre el póster del filme pero, nunca me atrajo a la hora de verla. Pero, casualidades del destino hicieron que me topase con ella en la plataforma de Filmin (cada día me sorprende la gran variedad de catálogo que tienen) y la verdad se me demuestra una vez más, que el cine europeo tiene un gran calidad. Pero ahora, vamos a centrarnos en la película en si.

Aunque bastantes críticos la pusieron "de vuelta y media" por la poca veracidad de la relación que se establece entre los protagonistas pero a veces en determinadas películas hay que ver un poco más allá de esa situación que nos puede parecer poco creíble sino de lo que realmente transmite y como un pequeño gesto o alguien distinto a todo lo que habíamos visto antes en nuestra vida, nos puede impactar y dejar huella.

La historia de la protagonista se plantea un tanto complicada con la situación económica que está viviendo tras la muerte de su marido hasta que atropella a Pierre y le trata como a otro cualquiera sin saber cual es la verdadera personalidad de Pierre, la cual es distinta al resto pero no por ella, hace que Pierre no sea interesante, inteligente y pueda establecer vínculos emocionales cuando ve y siente que le tratan como a uno más y por ello, al ver la bondad de Louise hacia su persona, el decide corresponder no para recibir ningún tipo de halagos sino porque quiere sentirse útil.

Por otro lado nos presenta al personaje de Pierre no como a una persona de la que hay que compadecerse, sino dentro de sus limitaciones hacer que su vida sea lo más sana y lo más estable posible, de ahí que no solo encuentra la estabilidad el mismo con la familia de Louise, sino también ella y sus dos hijos sienten esa estabilidad emocional que de alguna forma habían perdido y poder recuperar un poco la alegría en sus vidas.

De alguna forma, la conclusión de la película a pesar de ser bastante clara permite en cierto modo que el espectador pueda pensar que será del futuro de esa familia y de Pierre a niveles que muchas veces las personas que nos consideramos "no distintas" no tienen nada que envidiar a las "distintas". Porque al fin y al cabo, la vida no sería tan enriquecedora si no hubiese diversidad.

Calificación personal: 8

La extraña pareja (1968)

• Título original: The odd couple
• Año: 1968
• Género: Comedia
• Dirección: Gene Saks
• Intérpretes: Jack Lemmon, Walter Matthau, John Fiedler, Herb Edelman, David Sheiner, Larry Haines, Monica Evans, Carole Shelley, Iris Adrian.
• Guión: Neil Simon
• Música: Neil Hefti
• Fotografía: Robert B. Hauser
• Montaje: Frank Bacht

SINOPSIS

Óscar (Walter Matthau) acoge a su amigo Félix (Jack Lemmon) tras saber que su esposa le ha pedido el divorcio. Son dos divorciados que comparten piso y gastos. Lo que pasa es que Félix es limpio y ordenado, mientras que Óscar es todo lo contrario; por lo que la convivencia va a ser ligeramente complicada entre ambos...

CRITICA

Tanto Jack Lemmon como Walter Matthau fueron una de las parejas cómicas más icónicas desde que el cine es cine y, no había una sola película en la que trabajasen juntos en las que la risa no estuviese asegurada. Y es lo que ocurre con esta película, donde no solo permite al espectador pasar un buen rato sino que también refleja como el comportamiento de ambos son la antítesis total. Lo que demuestra que no todos los hombres tienen que vivir en el caos, el desorden y la guarrería y que pueden tener un equilibrio sin perder su famosa masculinidad.

Aunque es cierto que el toque principal de la película son esos momentos cómicos entre los protagonistas, eso se debe principalmente a que ambos personifican lo que el otro no es. Eso se ve reflejado en Óscar que al principio de la película se va su piso cochambroso, desordenado y una auténtica jungla. Cuando acoge a Félix, lo hace con la condición de que no le cambie mucho su estilo de vida pero claro, el pobre y bueno del recién divorciado Félix es limpio, ordenado y cocina. Y, como ocurre en toda relación que se precie, al principio parece que se "aguantan" mutuamente las excentricidades o estilo de vida del otro pero, con el paso de los días esa actitud cambia sobre todo Óscar que de alguna forma deja entrever que le gustaba "vivir en su porquería".

Esta situación creo que alguna vez alguno que haya compartido piso la ha vivido y tienes que ir viendo como convives con esa persona pero claro está, hay que aguantar ciertos límites también en la convivencia. Pero al final, si esa persona es agradable puedes acabar acostumbrándote (aunque no siempre). Me pareció en definitiva una comedia muy fresca donde el toque de humor está desde el principio hasta el final y aunque no lo parezca, estos dos amigos cogen lo positivo el uno del otro.

Calificación personal: 7.5

Cold War (2018)

• Dirección: Pawel Pawlikowski
• Año: 2018
• Género: Drama
• Intérpretes: Joanna Kulig, Tomasz Kot, Borys Szyc, Agata Kulesza, Jeanna Balibar, Cédric Kahn, Slavko Sobin, Adam Ferency
• Guión: Pawel Pawlikowski, Janusz Glowacki, Pitor Borkowski
• Música: Marcin Masecki
• Fotografía: Lukasz Zal
• Montaje: Jaroslaw Kaminski
• Vestuario: Aleksandra Staszko
• Productora: Film4 Productions

SINOPSIS

En Polonia, después de la Segunda Guerra Mundial, Wiktor (Tomadz Kot) junto con una compañera realizan audiciones para realizar un grupo de música folclórica patrocinado por el estado. En una de esas audiciones, conoce a Zula (Joanna Kulig) de la que queda completamente cautivado. Su relación tendrá múltiples idas y venidas, desde una Polonia invadida por la URSS hasta el exilio en Francia. En ambos países, ambos se sentirán libres a la par que prisioneros.

CRITICA

Sin ánimo de ser alarmista (ni nada por el estilo) la película es dura de digerir, no porque aparezcan escenas desagradables ni cruentas, sino porque muchas veces lleva un ritmo demasiado pausado y lento que al espectador le puede parecer un tanto aburrido y tedioso y no sabe en que punto de la historia se encuentra o que es lo que realmente nos quieren contar. Si soy sincera, eso fue lo que me pasó a mi a medida que iban avanzando los minutos pero, cuando terminó e intenté analizarla para ver que era lo que (en cierto modo) intentaba transmitir, creo que pude sacar alguna conclusión.

Tras su éxito unos pocos años atrás con Ida, el director polaco nos vuelve a sumergir en su Polonia natal introduciéndonos primero en (de forma breve) el folclore musical de su país, sin ningún tipo de explicación, solo para que el espectador se deleite con la música. Es decir, como a pesar de algo tan cruento como la guerra ha permanecido intacto y sigue formando parte del pueblo pero cuando el gobierno "mete mano" en ese proyecto tan bonito para ensalzar la figura de Stalin y el gran poder de la URSS en ese momento, los creadores de ese proyecto sienten que les han quitado su pequeño reducto, su espacio donde nadie les decía lo que tenía que hacer; que es lo que le pasa a Wiktor y que en cierto modo ve que aunque sigue siendo polaco y ama Polonia, realmente no es la Polonia que el conocía y le pide a Zula que vaya con él. Y claro, como el amor todo lo puede... Pero en realidad eso no es así. Es lo que hace que ambos protagonistas vivan sus vidas por separado pero que con el paso de los años sigan reencontrándose.

Ese reencuentro parece gratificante pero realmente es doloroso porque realmente se siente como en tierra de nadie, que de ahí se podría extraer una pequeña metáfora sobre el título "Guerra Fría" donde realmente ambos si han sabido lo que han querido que es el estar juntos pero, el periodo que les ha tocado vivir (por desgracia) les ha hecho tomar decisiones que les ha hecho actuar a veces como témpanos de hielo: a Wiktor, musicalmente hablando le va bien pero no disfrutando de su don artístico y a Zula, no aprovechando su talento con aquella persona que se lo descubrió y que la ayudó y que por temor a las circunstancias se fue conformando con lo que le iban dando; en más de una ocasión ella se lo dice a Wiktor y le culpa de la situación en la que ella se encuentra. Porque al final, lo que te desea mostrar son los retazos de la vida de cada uno de los protagonistas donde su historia de amor personal y por su país (pero libre) no tenía cabida en sus vidas, solo en su deseo, en sus recuerdos y cuando se encontraban esos mismos recuerdos eran si aún mucho más dolorosos que antes.

Lo que ocurre con este tipo de  películas es que muchas veces el espectador no se deja llevar por la cámara, es decir, es solo ver como a veces transcurre la vida y que no todo tiene que ser el éxito, las pasiones o un pragmatismo férreo sino apreciar pequeños momentos de la vida como si se quisiera coger agua con la mano y ésta se te escapa entre los dedos. Porque aunque no lo creas querido espectador, el cine europeo está de moda y las retrospectivas son más íntimas y muchas veces importa más una imagen, un sonido, una mirada, un silencio que mil capturas en movimiento.


Calificación personal: 7.5

Ayer, hoy y mañana (1964)

• Título original: Ieri, oggi, domani
• Año: 1964
• Género: Comedia
• Dirección: Vittorio de Sica
• Intérpretes: Marcello Mastroianni, Sophia Loren, Aldo Giuffré, Lino Mattera, Tecla Scarano,  Armando Trovajoli, Tina Pica, Gianni Ridolfi, Gennaro Di Gregorio.
• Guión: Billa Billa, Eduardo de Filippo, Alberto Moravia, Cesare Zavattini, Isabella Quarantotti
• Música: Armando Trovaili
• Fotografía: Guiseppe Rotunno
• Vestuario: Piero Tosi
• Productora: Embassy Pictures Corporation

SINOPSIS

En este peculiar filme narra la historia de tres mujeres de tres regiones diferentes de Italia. La primera es Adelina, una contrabandista de cigarrillos que se queda constante embarazada para evitar ir a la cárcel. La segunda es Anna, una mujer de la alta sociedad casada con un millonario. Y la tercera es Mara, una mujer con un gusto un tanto peculiar para los hombres.

CRITICA

Cuando leí el título de esta película y vi los actores que la protagonizaban (en su época era un tándem que nunca fallaba) me imaginaba que ubicaba las historias de las tres mujeres en tres momentos diferentes de Italia y cómo se podía reflejar su vida, aunque aquí se puede atisbar un ligero esbozo porque llega a ser una metáfora, pero lo que realmente muestra es de una forma cómica (aunque muy sutil) lo que hace una mujer para salir adelante, para no ser una mantenida y, lo que es lo más importante, lo que hace para sacar una familia con tanto "churumbel" de por medio.

He de reconocer, que salvo en la historia de Anna, que en la historia de Adelina y de Mara casi no paraba de reírme por el echo de la gran naturalidad con la que la gran Sophia Loren interpretaba a esos dos personajes femeninos tan opuestos en lo que se refiere en posición económica y modales pero que le salía con una naturalidad y un desparpajo increíble. Se veía como se introducía de lleno en sus personajes y los daba vida propia y, por otro lado, como cambia en la serenidad de la joven rica con esa altanería.

A pesar de tener el toque cómico (y un poco erótico) es una crítica directa a como muchas veces la sociedad está divida sino también en que posición se le coloca a la mujer. En el fragmento de Adelina, se ve claramente como ella hace lo imposible para no ir a la cárcel, es decir, quedarse embarazada pero, a pesar de todo eso adora a sus hijos y está pendiente de todo; mientras que su marido no es capaz de ir a buscar trabajo. En el fragmento de Anna, vemos como esa joven rica ha despertado a una nueva vida (que realmente es una vida sexual) y desea cambiar pero, cuando ve que algo se tuerce o que va a salir de su zona de confort, prefiere volver a su vida anodina y monótona. En el último fragmento, el de Mara, vemos a una sensual mujer que claramente se dedica a la prostitución pero, desde un primer momento se le quiere dejar claro al espectador que tener determinados tipos de "trabajo" no te hace ser mala persona o tener malas intenciones y que prejuzgar es muy fácil sin conocer la historia que hay detrás.

Lo que me gusta muchas veces del cine italiano es lo similar que es al cine español en tanto en cuanto a que busca lo natural, es decir, a mostrar la cotidianidad de la vida, de las cosas, de las personas; en definitiva de un país y que eso es muchas veces la esencia de una película y de la historia que se nos quiere transmitir. Porque a veces esa historia puede ser nuestro ayer, nuestro hoy o nuestro mañana.

Calificación personal: 7.3

 

Cuando Harry encontró a Sally (1989)

• Título original: When Harry met Sally
• Año: 1989
• Género: Comedia romántica
• Dirección: Rob Reiner
• Intérpretes: Billy Crystal, Meg Ryan, Carrie Fisher, Bruno Kirby, Steven Ford, Lisa Jane Persky, Harley Jane Kozak, Michelle Nicastro.
• Guión: Nora Ephron
• Música: Marc Shaiman, Harry Connick Jr.
• Fotografía: Barry Sonnenfeld
• Montaje: Robert Leighton
• Vestuario: Gloria Greshman
• Productora: Castle Rock Entertainment, Nelson Entertainment

SINOPSIS

Sally Albright (Meg Ryan) y Harry Burns (Billy Crystal) son dos estudiantes universitarios que se conocen por casualidad cuando ella se ofrece a llevar a Harry desde Chicago a Nueva York. Durante el viaje hablan sobre la posibilidad de la amistad entre un hombre y una mujer. Harry cree que es imposible, mientras que Sally piensa que es todo lo contrario. Con el paso de los años, se van reencontrando en Nueva York y cada uno lleva vidas profesionales y personales diferentes, esperando ambos a encontrar el amor.

CRITICA

Esta es una película de la que todo el mundo siempre habla y que nunca ha pasado desapercibida y por la que nunca ha pasado el tiempo (aunque es cierto, que para el elenco y el resto de miembros del equipo si, claro está) pero, justo se estrenó un año antes de que yo naciese y no ha sido hasta ahora cuando he podido tener la oportunidad de verla. He de reconocer, que no es una obra maestra pero si que es (y con mucha diferencia) una de las mejores películas románticas que he visto. No solo por su toque ligero y cómico, sino porque no se centra en los estereotipos de buscar el amor como una idea efímera o idealizada sino como el querer tener un proyecto de vida con alguien, eso si empezando poco a poco y; resolver (en cierto modo) ese dilema de si puede existir la amistad entre un hombre y una mujer o si solo puede haber química sexual o al final puede terminar en una relación amorosa.

El punto de partida entre Harry y Sally va a ser la amistad, lo que va a refutar la idea de Harry porque entre ellos dos si que hay una amistad sincera donde se cuentan todos los detalles más íntimos, por lo que Sally acaba teniendo razón. Pero, con lo que no cuentan ninguno de los dos es que muchas veces las relaciones de pareja empiezan a veces como relaciones de amistad y que los sentimientos pueden ir cambiando poco a poco hasta convertirse en sentimientos amorosos.

Analizando esta pequeña parte, se puede pensar es que cuando empiezas a salir con alguien que ha sido uno de tus mejores amigos y acabas (por ejemplo) casándote con el o con ella ya conoces todo de la otra persona pero, en realidad no es así, porque aún así sigue habiendo cosas que descubrir del otro que siendo amigos no se ha descubierto. Esto nos los pone de ejemplo cuando a medida que pasan los años entre el encuentro entre ambos protagonistas, muestran algunas parejas mayores como se conocieron y como siguen juntos; es una forma de exponer que hay diversas formas de mantener una relación y como se fueron conocieron.

A pesar de no ser una gran película, si que me mantuvo bastante entretenida y aunque la opinión pública (en su gran mayoría) la pone por las nubes y con un calificación muy elevada, dentro de su género como ya he comentado está muy bien y creo que ya no se hacen películas románticas como las de antes donde la sinceridad y mostrar la vida misma era a veces también importante. Porque lo que hay que tener en cuenta es que el amor o cualquier acontecimiento de la vida llega cuando tiene que llegar y que no hay que tener prisa.

Calificación personal: 6.8

Locke (2013)

• Dirección: Steven Knight.
• Año: 2013
• Género: Drama, thriller. 
• Interpretación: Tom Hardy, Ruth Wilson, Tom Holland, Andrew Scott, Olivia Colman.
• Guión: Steven Knight
• Música: Dickon Hinchliffe. 
• Fotografía: Haris Zambarloukos. 
• Montaje: Justine Wright. 
• Vestuario: Nigel Egerton. 
• Distribuidora: Vértigo Films.

SINOPSIS

Ivan Locke (Tom Hardy) ha trabajado duro para construirse una buena vida. En la víspera de su mayor reto laboral, Ivan recibe una llamada telefónica que desencadena una serie de acontecimientos que le darán la vuelta a su familia, a su trabajo y hasta a su alma.


CRITICA

He de decir que muy pocas veces en el cine se han rodado películas donde todo el metraje es un solo intérprete en un solo escenario (algo más cercano a este filme está en Buried de Rodrigo Cortés), ya que no solo el espectador debe de mantener la mirada fija en el actor y/o actriz y en su calidad interpretativa sino que la historia debe de ser lo suficientemente interesante como para no provocar el aburrimiento o aturdimiento. Pero, la verdad es que en el caso de Locke, se plantean bastantes dilemas morales para el protagonista pero que además al propio espectador se le plantea una pregunta: ¿que haríamos nosotros en su lugar?

Cualquiera de mis lectores que haya leído el primer párrafo querrá saber cual es esa llamada misteriosa que recibe el protagonista que va a provocar que su vida de un vuelvo en todos los sentidos. Pero, para mantener mejor el suspense lo que debe de hacer el espectador es verla (por el momento está disponible en Amazon Prime). A partir de esa llamada vamos descubriendo al protagonista que decide tomar una decisión en lo referente a su conciencia y que además en lo que el mismo cree que está haciendo lo correcto pero, lo que el no sabe es que esa decisión, que es la correcta, va a poner en riesgo su trabajo hasta límites insospechados; también su matrimonio. Y es en esta parte donde me quiero detener un poco.

En la situación en la que se encuentra Ivan en la que le debe de revelar toda la verdad a su mujer, pone de manifiesto que ha sido valiente en contarle el porque no va a ir a casa esa noche pero, las dudas que le pueden asaltar al espectador son, ¿por qué no lo ha hecho antes?, ¿por qué ha esperado tanto tiempo? Es cierto, que puedes cometer un desliz aunque quieras a alguien pero, aún así, lo mejor es decírselo cuanto antes no solo para quitarte esa losa de encima sino también para demostrar esa confianza a pesar de haberla dañado.

Al final lo que hace el espectador espectador es empatizar con Ivan Locke de una forma natural porque podría ser cualquiera, aunque aquí tiene el plus añadido de que llega a donde muchos no terminan de llegar. Rompe su silencio que hará que se lleve su vida por delante, quebranta un recuerdo lleno de odio que le ha convertido en parte en lo que es ahora (o llega a dar esa sensación al espectador): alguien mejor que quien le dio su propia vida. Y que, pese al dolor, espera estar a la altura como para poder decir que quien le suceda lo hará mejor. Desde mi punto de vista, el mejor papel que ha hecho (y probablemente hará) Tom Hardy en su carrera.


Calificación personal: 8

Regreso a Howards End (1992)

• Título original: Howards End
• Año: 1992
• Género: Drama
• Dirección: James Ivory
• Intérpretes: Emma Thompson, Anthony Hopkins, Helena Bonham Carter, James Wilby, Samuel West, Vanessa Redgrave, Prunella Scales, Jemma Redgrave, Joseph Bennett.
• Guión: Ruth Prawer Jhabala
• Música: Richard Robbins
• Fotografía: Tony Pierce Robbins
• Montaje: Andrew Marcus
• Vestuario: Jenny Beavan, John Bright
• Productora: Merchant Ivory Productions

SINOPSIS

Ruth Wilcox (Vanessa Redgrave) se hace amiga de la joven Margaret (Emma Thompson), a quien deja en herencia su casa de campo, Howards End. Pero, al escribirlo en un trozo de papel en el hospital, su marido Henry (Anthony Hopkins) y el resto de su familia, deciden no notificarlo. Por otro lado, la hermana de Margaret, Helen (Helena Bonham Carter) detesta a los Wilcox por el poco aprecio que tienen a la gente humilde y por haberle hecho perder el empleo al joven Leonard Bast (Samuel West).

CRITICA

La verdad es que cada vez que veo una película británica me atrapa por dos motivos: uno de ellos es por la estética, cuidado y esmero que ponen en todos los elementos de la trama; y el segundo es por la denuncia social (en eso se parece bastante al cine español) en lo que se refiere a las injusticias que se cometen con los más vulnerables o con las clases más desfavorecidas (un claro ejemplo es la película Yo, Daniel Blake, cuya crítica pueden leer en este blog).

Es cierto que en el filme hay una clara denuncia social hacia las clases pudientes pero también, hace una clara distinción entre esa misma posición social. Por un lado están los Wilcox, los cuales se rigen por una férreas normas morales y donde la imagen exterior es algo muy importante y, en el otro lado de la moneda están las hermanas Schlegel que, sin perder un ápice de su educación y de su posición social, salen fuera de ese estereotipo de la clase social alta en donde las mujeres tienen que estar en torno a una única posición y tener un cierto cometido y, además de forma totalmente desinteresada se preocupan por un joven de clase social más baja para que pueda llevar una vida un poco más digna, a sabiendas que dicho joven es un luchador. Pero, de alguna forma todo empieza a cambiar cuando Margaret va a formar parte de la familia de los Wilcox y aunque no lo parezca, va a perder parte de esa esencia tan particular suya al tener que guardar siempre las apariencias. De esta forma, también es una crítica a lo que le ocurrían a muchas mujeres de aquella época (y de antes) a las que les educaban con el objetivo de ser esposas y madres, mientras que los maridos podían actuar a su antojo.

Lo que viene a resumir la historia de esta película no es solo la denuncia social sino también esa hipocresía que el ser humano lleva tan alegremente y que es capaz de juzgar y de señalar con el dedo lo que hacen los demás y, como son rectos de moral pero, cuando realmente se descubre que nadie es moralmente es superior y que una vez más, nadie tiene derecho a juzgar la vida de los demás; pero sobre todo, ¡cómo le gusta al ser humano guardar las apariencias frente a los demás para que hablen bien de el, menudos hipócritas somos! La referencia a Howards End es el sitio favorito de la familia para ir pero, como no se respetó la última voluntad de la señora Wilcox, se evade a toda costa para no ir nunca allí y, porque aunque no lo parezca allí fue donde comenzaron todos los problemas.

Para finalizar, me gustaría destacar no solo los dos aspectos que siempre me deleitan de las películas británicas, sino también la gran presencia de grandes intérpretes como Anthony Hopkins y Emma Thompson, que siempre llenan la pantalla con sus interpretaciones aunque bien es sabido que su gran época fueron los años noventa donde su carrera dio un gran vuelvo.

Calificación personal: 7.5

Colegio privado (1992)

• Título original: School ties
• Año: 1992
• Género: Drama
• Dirección: Robert Mandel
• Intérpretes: Brendan Fraser, Matt Damon, Chris O' Donnell, Ben Affleck, Randall Batinkoff, Andrew Lowery, Anthony Rapp, Amy Locane.
• Guión: Dick Wolf, Darryl Ponicsan
• Música: Maurice Jarre
• Fotografía: Freddie Francis
• Montaje: Jerry Greenberg, Jacqueline Cambas
• Vestuario: Ann Roth
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

David Greene (Brendan Fraser) es un adolescente de clase media que ha conseguido una beca para estudiar en una de las escuelas privadas más prestigiosas de Estados Unidos, gracias a su capacidad física en el deporte. Allí consigue integrarse bien con un grupo de chicos y destacar manteniendo su sencillez pero a veces sentirá los celos de Charlie Dillon (Matt Damon), hasta que este descubra el secreto de David.

CRITICA

Desde que empieza hasta que termina la película en diferentes aspectos que se van mostrando, es una crítica no solo a las clases altas, sino también al propio comportamiento humano y como de alguna forma (por muy pequeña que sea) nos queremos beneficiar de los puntos débiles (aunque yo no lo llamaría así) de los otros con tal de poder alcanzar los más altos puestos porque uno ya no es el centro de atención. Es en definitiva lo que viene a reflejar en cierto modo esta película.

El punto de partida es un chico humilde que consigue una beca para un colegio de gente de postín pero que además, el colegio es católico y el es judío y le hacen ocultar su fe. Hoy en día, sea de la religión que seas, parece que eso es un estigma cuando no debería de importar y, como se ve más adelante en la película, parece que vivir en la ignorancia de una cosa así es mucho mejor para poder tener amigos o poder vivir en una "sociedad normal", cuando toda persona debe de ser tolerante sea de la religión que se sea.

Por otro lado, la envidia al prójimo también es uno de los elementos que ronda sobre el personaje de Charlie Dillon sobre David Greene porque, aunque intenta mostrar cierta empatía o amabilidad hacia el, siempre hay algo que le reconcome por dentro porque tiene que estar a la altura de su apellido y de su familia y, aquí vemos una vez más como la presión social, las apariencias y todo lo que envuelve a la imagen exterior tiene mucha más valía que el querer hacer algo por méritos propios o conseguir algo con mucho esfuerzo. Es decir, que si lo podemos extrapolar a la educación de hoy en día, siempre se premia a los alumnos que son excelentes y brillantes (que eso está muy bien) pero nunca, se premia a aquellos alumnos que hacen esfuerzo ímprobos por sacar un curso adelante o cuando les quedan varias suspensas, teniendo dificultades para estudiar, al final las acaban aprobando todas las asignaturas que han suspendido. Y esos chavales, tendrían que verse recompensados en algún momento, porque el esfuerzo también es un premio.

Al final de toda esta historia, se ve en claro que (como se dice vulgarmente) todos quieren "coger un trozo del pastel" ya sea guardando las apariencias del colegio, copiando en un examen o incluso rechazando a una persona que te caía bien solo porque te ha ocultado su religión por vergüenza. Porque no nos olvidemos, el desprecio se puede manifestar de muchas formas y de maneras inimaginables que acaban destruyendo a las persona. 

Calificación personal: 6.5