Efectos secundarios (2013)

• Título original: Side effects. 
•  Dirección: Steven Soderbergh. 
• Año: 2013.
• Género: Drama, thriller. 
• Interpretación: Jude Law ,Rooney Mara, Catherine Zeta-Jones ,Channing Tatum , Vinessa Shaw. 
• Guion: Scott Z. Burns.
•  Producción: Scott Z. Burns, Lorenzo di Bonaventura y Gregory Jacobs. 
• Música: Thomas Newman.
•  Fotografía: Peter Andrews. 
• Montaje: Mary Ann Bernard. 
• Diseño de producción: Howard Cummings. 
• Vestuario: Susan Lyall. 
• Distribuidora: eOne Films Spain.

SINOPSIS

Emily y Martin son una próspera pareja neoyorkina cuyo mundo se desmorona cuando Emily intenta suicidarse. Incapaz de superar su depresión, Emily acepta seguir una nueva medicación recetada por su psiquiatra, el Dr. Jonathan Banks, pensada para calmar la ansiedad. Pero el fármaco comienza a tener inesperados efectos secundarios que amenazan con destruir las vidas de todos los implicados.

CRITICA

Tengo que reconocer que esta película la vi de manera accidental, ya que haciendo "zapping" vi que la echaban y empecé a verla. A medida que transcurría la película, pensé que iba a ser un drama más; pero la verdad es que me sorprendió gratamente.

Lo que comienza como la historia de una mujer que entra en una depresión debido al encarcelamiento de su marido y su intento de suicidio, se agrava aún más cuando se pone en tela de juicio el uso de fármacos para diversos trastornos mentales (o simplemente para ayudar a luchar contra la depresión) y muestra como muchas veces los médicos sólo desean un reconocimiento o ganar más dinero a costa de personas enfermas.

A la vez que se desarrolla la trama, mete de manera soslayada (aunque muy directa) el tema de las farmacéuticas, los fármaco y los médicos; relacionándolos en de manera circular para demostrar que sin uno de ellos, el otro no existe. Por eso el director intenta llevar a confusión al espectador con la trama del personaje más la de los medicamentos.

La pena es que la historia no esté firmada por Steven Soderbergh, que hace buenas películas a la vez que guiones fuertes. Pero su pulso con la cámara y la inmersión que provoca al espectador dentro de la película, la hacen bastante aconsejable para visionarla.

En cuanto al reparto, Jude Law que reaparece después de varios años con fracasos (Repo Man, Dom Hemingay) y muestra su faceta como actor de antaño. Rooney Mara que saltó a la fama por La red social y que agrandó su fama por la nominación al Oscar por la versión americana de Millenium. De momento por esta película, le doy la enhorabuena porque su actuación está a la altura. Catherine Zeta- Jones que ya no es lo que era tras serle detectada la bipolaridad, pero que salva bastante su interpretación. Y Channing Tatum que poco a poco se quita el cartel de "sex symbol" y va haciendo papeles más serios.

No quiero destripar nada más, pero aunque no sea una gran película, si que uno se acaba quedando con la sensación de buena película y totalmente disfrutable.

Calificación personal: 7

Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia) (2014)

• Título original: Birdman or (The unexpected virtue of ignorance).
• Dirección: Alejandro González Iñárritu. 
• Año: 2014.
• Género: Comedia dramática. 
• Interpretación: Michael Keaton, Zach Galifianakis, Edward Norton, Amy Ryan, Emma Stone, Naomi Watts, Andrea Riseborough. 
• Guion: Alejandro González Iñárritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris y Armando Bo. 
• Producción: Alejandro González Iñárritu, John Lesher y Arnon Milchan.
• Diseño de producción: Kevin Thompson. 
• Vestuario: Albert Wolsky.
• Fotografía: Emmanuel Lubezki
•  Distribuidora: Hispano Foxfilm.

SINOPSIS

“Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)” es una comedia negra que cuenta la historia de un actor —famoso por dar vida a un emblemático superhéroe— que lucha por montar una obra de teatro en Broadway. En los días que preceden a la noche del estreno se enzarza con su ego y trata de recuperar a su familia, su carrera y a sí mismo.


CRITICA

Aunque ya para el espectador, esta película quede un poco lejana (aunque no demasiada) nos relata un acontecimiento que no forma parte solo del "famoseo" sino de la vida cotidiana de cada ser humano, en donde se confrontan los deseos, pensamientos y avatares de la vida.

Muchos espectadores pueden decir que el guión se asemeja bastante a la vida del protagonista, Michael Keaton, donde de un día para otro su carrera entró en declive tras haber interpretado a Batman en la película de Tim Burton. Pero realmente, la esencia de la película va mucho más allá de la similitud, sino realmente de la propia ignorancia que tiene la gente sobre la vida de los demás. Si a eso le unimos la lucha interna que cada uno de nosotros tenemos con nuestra alma y, sobre todo aquello que nos atormenta.

Aunque resulta un tópico la historia que cuenta, si muestra el reflejo de diferentes personalidades y acontecimientos que nos pueden llevar a un "caos" en nuestra vida. Eso sí, saber identificar aquellas personas que están a tu lado para ayudarte.

Dentro de la ficha técnica, un elenco más que conocido con el resurgimiento de Michael Keaton que pensando que iba a ganar el Oscar, lo perdió en favor de Eddie Redmayne por La teoría del todo (muy justo vencedor por cierto). Si embargo, no era la merecedora de tantos premios cuando había películas mucho más rompedoras y conmovedoras como Boyhood (me reconozco fan de Richard Linklater) o Whiplash. Pero a veces, los premios están demasiado sobrevalorados.

A pesar de todo, no es una película que disguste y que además el espectador puede pasar un rato entretenido y poder entretenerse con un único plano secuencia que comienza desde principio hasta el final de la película. Por cierto, merece mucho más la pena verla en VOS, que doblada.


Calificación personal: 7.7

La parada de los monstruos (1932)

• Título original: Freaks
• Año: 1932
• Género: Terror
• Dirección: Tod Browing
• Reparto: Wallace Ford, Leila Hyams, Olga Baclanova, Roscoe Ates, Henry Victor, Harry Earles, Daisy Earles, ROsie Dione, Frances O'Connor.
• Guión: Willis Goldbeck, Leon Gordon, Al Boasberg
• Música: Richard Wagner
• Fotografía: Merrit B. Gerstad
• Productora: Metro Goldwyn Mayer

SINOPSIS

En un circo lleno de deformes, tullidos y personas con diversas amputaciones; el enano Hans hereda una fortuna. La circense que hace de Cleopatra, junto al que hace de Hércules, intentarán por todos los medios hacerse con la herencia del enano Hans.


CRITICA

Lo que realmente me impactó de esta película, es la naturalidad con la que refleja a personas con diferentes deformidades, amputaciones o trastornos y que, al igual que el resto de los mortales; ellos también forman parte de la sociedad. Aunque daría que pensar, si los que somos "normales" somos realmente los monstruos.

El género de terror se ha manoseado mucho con el paso del tiempo, llegando a una derivación de cine "gore" bastante desagradable y escabrosa, que nada tiene que ver con el verdadero género de terror, que comenzó con la película Nosferatu de Murnau y El gabinete del Docotr Caligari de Robert Weine.

A pesar de su corta duración (1 hora) el impacto que produce en el espectador es tan fuerte, que cuesta asimilar no sólo lo que está viendo; sino la trascendencia de un mundo que discrimina a las personas por cómo son, en vez de valorarlas por lo que son.. No sólo hay que ver el lado pesimista, sino su lado optimista donde lo raro, lo extraño; acaba venciendo.

Para desgracia de los amantes del cine, con La parada de los monstruos se acabó el verdadero cine de terror. Aquel que en su momento fue alguien ,y que muy de vez en cuando, sacaba algún título que lo hacía resurgir de manera momentánea. Porque el género de terror, se define como aquel que nos muestra todo aquello que nos da miedo que hurga en nuestros temores.

He visto poco cine de terror (por no decir un 0%) pero se cuando hay una buena película, y esta lo es. Por eso, le recomiendo al espectador que la vea, sobre todo porque las personas/personajes de las película, fueron reales.


Calificación personal: 9

El francotirador (2014)

• Título original: American sniper.
• Dirección: Clint Eastwood.
• Año: 2014.
• Género: Biopic, Drama, bélico. 
• Interpretación: Bradley Cooper, Sienna Miller, Jake McDorman,Luke Grimes, Navid Negahban, Keir O’Donnell. 
• Guion: Jason Dean Hall. 
• Producción: Bradley Cooper, Clint Eastwood, Andrew Lazar, Robert Lorenz y Peter Morgan. 
• Fotografía: Tom Stern. 
• Montaje: Gary D. Roach. 
• Diseño de producción: James J. Murakami y Charisse Cardenas. 
• Vestuario: Deborah Hopper.
• Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

SINOPSIS

Chris Kyle es el francotirador más letal de la historia del ejército de los Estados Unidos. Pero hay algo más en él aparte de ser un buen tirador. El marine del grupo de operaciones especiales de la Marina de Estados Unidos, Chris Kyle, es enviado a Irak con una sola misión: proteger a sus compañeros de ejército. Su precisión milimétrica salva incontables vidas en el campo de batalla y, a medida que se extienden sus valientes hazañas, se gana el apodo de Leyenda. Sin embargo, su reputación también crece detrás de las líneas enemigas, de manera que ponen precio a su cabeza y se convierte en objetivo prioritario de los insurgentes. También se está enfrentando a otra batalla en casa: ser un buen marido y padre desde el otro lado del mundo. A pesar del peligro, y del precio que, debido a su actividad, tiene que pagar su familia en su país, Chris sirve durante cuatro angustiosas misiones en Irak, personificando el emblema del credo de los SEAL: “no dejar a ningún hombre atrás”. Pero al volver a su casa, con su mujer y con sus hijos, Chris descubre que lo que no puede dejar atrás es la guerra.


CRITICA

Bueno, bueno... Una vez más, una película sobre la guerra de Irak pero, contada de manera diferente sobre todo si la hace el gran Clint Eastwood. Donde ya mostró las dos caras de la Segunda Guerra Mundial con el díptico Banderas de nuestros padres (lado americano) y Cartas desde Iwo Jima (lado japonés).

Como bien se comenta en la sinopsis, es la historia del francotirador más letal de Estados Unidos. Que ve, con el paso del tiempo como su servicio a la patria le acaba trastocando profundamente sin llegar a distinguir cuando tiene que dejar la guerra en algunos momentos. Es duro ver como alguien para luchar por su país decide matar a gente sin escrúpulos, y como eso le lleva a un grado de insociabilidad muy grande.

Se podría reflexionar un poco, en tanto en cuanto que ellos no deciden meterse en la guerra, sino los políticos y que ni siquiera ellos sufren los traumas posteriores, donde después en su propio país son ignorados y no tienen la atención suficiente para poder salir adelante.

En esta película, no interesa el lado belicoso de la historia sino, más bien lo que trasciende más allá. Son las miles de vidas que se destruyen, las miles de personas que mueren a causa de la guerra y las miles de personas que tras el horror; no encuentran su sitio en el mundo.

Con todo esto, el gran Clint Eastwood llega siempre al espectador y no decepciona nunca tanto si se pone detrás como delante de la cámara. También darle mérito a Bradley Cooper, que defiende con entereza al personaje y mejorando cada vez más a nivel interpretativo; dejando de lado su "sex appeal".

Creo que en todas las entradas del blog sobre historias reales, he comentado que es muy difícil establecer un juicio en este género, por diversos motivos. Pero en este caso, la gratificación que tuve al verla, me da esperanzas para saber que éste género se revitalizará y conseguirá llegar todavía más al espectador.


Calificación personal: 7.8

La evasión (1960)

• Título original: Le trou
• Año: 1960
• Dirección: Jacques Becker
• Intérpretes: Michel Constantin, Jean Kerauby, Philippe Leroy, Raymond Meuner, Marc Michel
• Guión: Jose Giovanni, Jacques Becker, Jean Aurel
• Música: Philippe Arthuys
• Fotografía: Gishlain Cloquet
• Productora: Filmonsor, Play Arts, Titanus

SINOPSIS

Gaspard Claude ha sido acusado de intento de homicidio contra su mujer, pero es inocente. Cuando llega a la cárcel, le meten en la celda con otros cuatro presos, los cuales están elaborando un plan para escapar de la misma; y Gaspard les ayudará para huir.

CRITICA

Esta película muestra un realismo claro sobre el intento de fuga de un grupo de presos. ¿Porqué digo un realismo claro? Pues por que filma a tiempo real todo el plan de huida, desde la realización de los butrones hasta la búsqueda del camino adecuado para la libertad.

Además al intento de huida hay que añadirle el magnetismo que provoca dicha huida en el espectador, puesto que le mete de lleno en la película y hace que se mimetice con los presos y hacerles partícipes de su plan. A todo esto le unimos la parsimonia que muestran los personajes mediante sus pequeños quehaceres diarios para así no ser descubiertos.

Todo esto unido a todos los detalles en los cuales se centra la cámara, la hacen una película realmente exquisita y los actores colman la película con una interpretación inconmensurable y digna de recuerdo con esas interpretaciones hieráticas.

Para mí, Jacques Becker era un completo desconocido pero, desde que ví La evasión, reconozco que ha sido uno de los directores franceses más influyentes y representativos de la Nouvelle Vague y que marcó un antes y un después en el cine carcelario. Por eso invito al espectador, que se siente y disfrute.

Calificación personal: 8.9

Hotel Transylvania (2012)

• Título original: Hotel Transylvania.
• Dirección: Genndy Tartakovsky.
•  Año: 2012.
• Género: Animación, comedia, familiar. 
• Doblaje original: Adam Sandler, Selena Gomez, Kevin James, Steve Buscemi, David Spade, Andy Samberg, Fran Drescher, Molly Shannon, CeeLo Green.
• Guion: Peter Baynham y Robert Smigel. 
• Producción: Michelle Murdocca. 
• Música: Mark Mothersbaugh. 
• Montaje: Catherine Apple. 
• Diseño de producción: Marcelo Vignali.
• Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España.

SINOPSIS

Drácula es el sobreprotector padre de la jovencita Mavis, de tal modo que idea todo tipo de peligrosos relatos que sirvan para frenar el espíritu aventurero de su hija. Ambos viven en el lujoso Hotel Transilvania, un sitio donde los monstruos y sus familias pueden mantenerse alejados de los humanos. El problema llega cuando aparece Jonathan, un muchacho de 21 años que se enamora de Mavis.

CRITICA

Dentro del estereotipo fijado con respecto a algunas películas de animación, Hotel Transylvania se aleja bastante en cuanto a historia tradicional (cierto es, que chico se enamora de chica) introduciendo como protagonistas a los monstruos que tienen miedo de los humanos.

Para ello rompe los cánones que se han fijado a lo largo de la historia con respecto a los dichos seres, para darles un toque cómico y así acercárselos al público infantil y hacerles pasar un buen rato. Y cómo siempre, intentar transmitir cosas positivas.

Como suele ocurrir con la mayoría de las películas infantiles, el guión no es muy elaborado pero si tiene la historia suficiente como para intentar llegar al espectador, y si a eso le añades un éxito de taquilla te aseguras una secuela prevista de estreno para este año.

No hay mucho más que decir, salvo que me entretuvo lo suficiente y conseguí reírme con ciertos gags de los personajes y a la vez mantuvo mi atención.

Calificación personal: 6

L'Atalante (1934)

• Dirección: Jean Vigo
• Año: 1934
• Guión: Jean Vigo, Albert Riera
• Intérpretes: Jean Dasté, Dita Parlo, Michel Simon, Gilles Margaritis, Maurice Gilles, Louis Lefebvre
• Música: Maurice Jaubert
• Fotografía: Boris Kauffman, Boris Berger.
• Productora: Gaumont

SINOPSIS

Jean y Juliette pasan su luna de miel el barco de la compañía fluvial donde trabaja Jean, puesto que tiene que rendir cuentas. Durante todo el trayecto, se pone a prueba su matrimonio con pequeños acontecimientos, puesto que ella sobre todo se siente incomprendida. Puesto que todo cambia a bordo de L'Atalante.

CRITICA

¡Qué película más maravillosa! No es la típica película sensiblera sino todo lo contrario, una llamada en todo su esplendor al amor de verdad, a ese amor por el que tienes que seguir luchando y que, en la pareja ya no sólo se es uno; sino dos.

Lo que parece tan idílico como un viaje en barco, acaba demostrando que la convivencia es muy complicada y tiene que haber un equilibrio entre las dos personas y sobre todo es una relación donde a veces una parte tiene que ceder, y a veces la otra. Si todo esto se une a un amor incondicional por la otra persona y la capacidad de perdonar, la relación merece la pena.

No sólo la historia es realmente exquisita, también lo es la música y la fotografía que crean un conjunto armonioso maravilloso que permiten que la historia fluya con total naturalidad y que introduce de lleno al espectador en la película.

Lo que da pena es que el director, Jean Vigo de origen español, sólo realizase tres películas y que no pudiese ver el estreno de L'Atalante; en parte fue mejor puesto que la película sufrió la censura del gobierno francés. Sin duda, hubiese sido uno de los mejores cineastas de todos los tiempos. Como detalle curioso, el director de fotografía Boris Kaufman era el hermano del director ruso Dziga Vertov; y que trabajó en todas las películas de Jean Vigo y posteriormente con Elia Kazan. Además ganó un Oscar a la mejor fotografía por Doce hombres sin piedad (crítica de la misma más adelante).

Cómo resumen (y desde mi punto de vista) es una de las mejores películas de la historia así como un gran cinéfilo debería tener en su filmografía particular y verla una y otra vez; sin cansarte nunca, puesto que no deja indiferente a nadie.

Calificación personal: 10

Siempre Alice (2014)

• Título original: Still Alice. 
• Dirección: Richard Glatzer y Wash Westmoreland.
•  Año: 2014.
• Género: Drama. 
• Interpretación: Julianne Moore, Kristen Stewart, Kate Bosworth, Alec Baldwin. 
• Guion: Richard Glatzer y Wash Westmoreland.
•  Producción: James Brown, Pamela Koffler, Lex Lutzus. 
• Música: Ilan Eshkeri. 
• Fotografía: Denis Lenoir.
• Distribuidora: Golem.

SINOPSIS

La doctora Alice Howland (Julianne Moore) es una conocida profesora de neurología de la Universidad de Columbia. Felizmente casada y madre de tres hijos, no da mucha importancia a los pequeños lapsus mentales que padece cada vez con más frecuencia, hasta que debe comenzar a luchar para seguir siendo Alice.

CRITICA

Por más que lo intento, siempre me juro y me perjuro que determinados tipos de películas no las veré o, no las volveré a ver. Pero demasiadas veces, me salto ese juramento por si se da el caso de una buena película, como me ocurre en este caso.

Como persona que ha sufrido en primera mano a un familiar con Alzheimer, la visión de esta película se me hizo un poco dura, pero a la vez se me puso en conocimiento el Alzheimer precoz (el cuál desconocía) que aparece a partir de los 50 años y que es hereditario.

La historia es dura y mu conmovedora, en la cuál se muestran las diferentes fases de la enfermedad y cómo la misma avanza sin ningún remedio y cómo llega a afectar a las personas que hay alrededor; ya que éstas no son inmunes y cómo muchas veces tienen que sacrificar su vida para cuidar a esa persona que una vez les quiso y que ahora no se acuerda de ellos.

Aquellas películas que muestran una historia desgarradora y cuya existencia es real, resulta difícil afrontar esas cosas que suceden en el mundo y, que nunca se sabe si nos podría tocar a nosotros. Pero ante todo, teniendo un respeto a esta enfermedad.

Ante un reparto conocido, destacar a Julianne Moore como la mujer enferma de Alzheimer, y cuya interpretación le ha valido una gran cantidad de premios (entre ellos el Oscar), donde logra una interpretación bastante solvente y muy cercano a su registro dramático. Los directores de la cinta (pareja en la vida real) sufrieron un revés cuando a uno de ellos, Richard Glatzer, le diagnosticaron ELA hace cuatro años; y cuyo deseo fue ver estrenada la película. Lo cumplió, pero falleció hace dos meses de dicha enfermedad.

En definitiva, una película para estómagos sensibles y que no recomiendo para nada para aquellas personas con familiares con esta enfermedad; teniendo en cuenta que ellos no saben quién eres, pero tú sí, y hay que seguir queriéndoles.

Calificación personal: 7.5

A todo gas 2 (2003)

• Título original: 2 Fast, 2 Furious
• Dirección: John Singleton
• Año: 2003
• Intérpretes: Paul Walker, Tyrese Gibson, Eva Mendes, Ludacris, Devon Aoki, Cole Hauser, Mo Gallini, James Remar.
• Guión: Derek Haas, Michael Brandt
• Fotografía: Matthew F. Lonnetti.
• Productora: Universal Pcitures

SINOPSIS

Tras haber sido expulsado del FBI, el agente John Connor (Paul Walker) es reclutado por el mismo para desenmascarar a un traficante de Miami. Con la ayuda de su antiguo amigo Roman (Tyrese GIbson) y la agente de narcóticos infiltrada (Eva Mendes), intentarán atraparle a ritmo de motor automovilístico.

CRITICA

Viendo que el próximo 2 de Abril se estrena en los cines la séptima y última entrega de la saga, tampoco haré una crítica muy extensa sobre esta película; puesto que después de muchos años, ha sido y será una de las sagas más rentables en la historia del cine.

En esta segunda película no aparece el personaje que interpretó Vin Diesel en la primera entrega, lo que hizo que la recaudación fuera menor que la primera y, que tocase fondo con la tercera de la saga titulada A todo gas: Tokyo Race.

Como ha ocurrido en todas las películas, el atractivo nunca ha residido en la historia (que fue mejorando a medida que aumentaban las entregas) sino en los maravillosos coches y el "tunning" que se les hacía, así como las persecuciones y los accidentes; haciendo a la película más atractiva.

En cuanto al reparto, sólo se mantiene Paul Walker que apareció en la primera película y que por desgracia falleció hace dos años en un accidente de coche, junto con Vin Diesel siempre será el alma de la saga. Tyrese Gibson que es conocido más como rapero, repite en una de las últimas películas. Y Eva Mendes... mejor no digo nada, porque nunca me ha gustado como actriz.

Si alguien quiere seguir la saga, le recomiendo que vea todas menos la tercera que no tiene ninguna relación y no es relevante para la historia.

Calificación personal: 6.6

La caja de Pandora (Lulú) (1928)

• Título original: Die Büchse der Pandora
• Dirección: G.W. Pabst
• Año: 1928
• Intérpretes: Louise Brooks, Fritz Kortner, Francis Lederer, Carl Goetz, Alice Roberts, Gustav Diessi.
• Guión: Ladislao Vadja
• Música: Peer Raben
• Fotografía: Günther Krampf
• Productora: Nero Films

SINOPSIS

Lulú (Louise Brooks) es una mujer ambiciosa y desinhibida que trata a su antojo a lo hombres, hasta conseguir lo que quiere. Pero llegado un momento que su juego de seducción, le acaba dando una mala pasada; por lo que tendrá que enfrentarse a la realidad.

CRITICA 

Según la mitología griega, Pandora era una mujer creada por Zeus que poseía una extraordinaria belleza y dotada de todo tipo de talentos. Debido a que Prometeo robó el fuego de los dioses, Zeus le entregó al hermano de Prometeo a Pandora, dándole a su vez una caja; la cual Zeus le dijo que no la abriese. Picada por la curiosidad, Pandora abrió la caja desatándose todos lo males, y cuando la cerró a tiempo, sólo consiguió encerrar la esperanza.

En este caso, la protagonista tiene el "efecto de Pandora" al revés, ya que a todos los hombre a los que se acerca acaban cayendo en desgracia, puesto que lo primero que pierden es todo atisbo de esperanza y humanidad que pueda quedar en ellos.

Este decaimiento se observa a medida que se desarrolla la película y cómo lo que da poder o cierta estabilidad a la protagonista, se acaba desvaneciendo y vuelve al comienzo de todo intentando buscar a algún hombre que le de esa sostenibilidad económica que le permita volver a ser aquella mujer del pasado. Estas expectativas de Lulú se muestran sobre todo a través de su mirada y de su encanto físico que le permite el manejo a su antojo de los hombres.

Para mi desgracia, el ritmo de la película decae por momentos, puesto que el director en algunos momentos del metraje, introduce escenas, acontecimientos, situaciones...; que no son relevantes para el desarrollo de la historia y que lleva demasiado lejos la duración de la misma. Desde mi punto de vista, intenta reflejar el mundo en el que vive Lulú y todo lo que necesitaba para vivir bien.

A pesar de todo, hoy día sigue siendo una de las películas más influyentes en el cine y de la que bebieron muchos cineastas americanos junto a otros directores europeos de los años 20 como Murnau, Lang, Eisenstein...

En definitiva, la película muestra que el ser humano puede estar en lo alto de la cima, como a los pies y que muchas veces, cómo uno actúe en la vida al final la vida le devolverá lo mismo. Invito al espectador a que la vea, puesto que el final es inesperado; y que a pesar de ser muda, siempre es necesario ver este tipo de películas para saber como se llegó al cine de la actualidad.

Calificación personal: 7

Sed de mal (1958)

• Título original: Touch of Evil
• Dirección: Orson Wells
• Año: 1958
• Intérpretes: Orson Wells, Charlton Heston, Janet Leigh, Marlene Dietrich, Joseph Calleja, Akim Tamiroff, Ray Collins, Joseph Cotten.
• Guión: Orson Welles
• Música: Henry Mancini
• Fotografía: Russell Metty
• Productora: Universal Pictures

SINOPSIS

Frontera entre un pueblo de México y de Estados Unidos, un americano muere tras la explosión de su coche de manera misteriosa. Al cargo se encuentra el capitán del distrito Hank Quinlan (Orson Wells) y a cuya investigación se une el capitán de la policía mexicana, Vargas (Charlton Heston), que tiene que dejar a su mujer (Janet Leigh) para resolver el asesinato. A medida que avanzan los hechos, el capitán Vargas recela de la metodología del capitán Quinlan, por lo que decide investigarle y lo que posteriormente, le acarreará diversos problemas.

CRITICA

Auténtico cine negro del que te mantiene pegado al sillón y donde el espectador no se intuye el final de la película; si a todo esto le unimos que está dirigida por el magnífico Orson Wells, obtenemos una película realmente espectacular.

Lo que en principio parece obvio que es resolver un asesinato, se va complicando como a medida que se intenta resolver el caso, aparecen pruebas sospechosas dejando resuelto el crimen así como intentar desacreditar al capitán Vargas ya que le ven como una amenaza no sólo por ser mexicano sino, por enfrentarse al capitán Quinlan. Lo que lleva una espiral de sospechas continuas y situaciones bastante turbias; si a todo esto le unimos la aparición de la mujer del capitán mexicano y otros personajes secundarios, que desequilibran la historia.

Es complicado intentar dar una idea de lo que acontece e intentar evitar hacer spoilers. Pero lo que a mí me resultó más relevante en la película (aparte de la historia) es la profundidad que se muestra de los personajes: sus miedos, deseos, la ira... todos aquellos sentimientos que separan una fina línea entre el bien y el mal; y cuál es el límite para no sobrepasarla y ante todo, no atentar contra la libertad del otro.

Este análisis es propio del gran Orson Welles, que ya hizo lo propio con la película El tercer hombre (realizada en este mismo blog su crítica) y que sobre todo lo demostró con su gran debut de Ciudadano Kane, considerada una de las 50 películas más polémicas de la historia. Que pena que con el paso del tiempo sus películas fueran decayendo y sus obras maestras fueran relegadas a un primer plano años después de su muerte.

En cuanto al reparto, a pesar de ser una gran admiradora del ya fallecido Charlton Heston, no pega ni con cola que haga de mexicano; pero aún así su interpretación es redonda. En cuanto a Janet Leigh, no era del todo famosa, hasta que dos años después realizara Psicosis, lo que la encumbraría definitivamente (a modo de apunte/cotilleo, era la madre de la actriz Jamie Lee Curtis). Y... una actriz con una cara especial que hacia de femme fatale, a ver si el espectador la reconoce.

Desde mi punto de vista, una gran película (aunque no la mejor de Orson Welles) que consiguió ser ampliada en un segundo montaje para no perder la esencia de la historia, y creo que el esfuerzo mereció la pena y que el espectador sabrá valorar su calidad.

Calificación personal: 8.7

La teoría del todo (2014)

• Título original: The theory of everything.
• Dirección: James Marsh.
•  Año: 2014.
•  Género: Biopic, drama, romance.
•  Interpretación: Eddie Redmayne, Felicity Jones, Charlie Cox, Emily Watson, Simon McBurney, David Thewlis.
• Guion: Anthony McCarten.
•  Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Lisa Bruce y Anthony McCarten.
•  Música: Jóhann Jóhannsson. 
• Fotografía:Benoît Delhomme. 
• Montaje: Jinx Godfrey. 
• Diseño de producción: John Paul Kelly.
• Vestuario: Steven Noble.
•  Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

SINOPSIS

Basado en el libro "Hacia el infinito" de Jane Hawking, cuenta la historia del físico Sthepen Hawking (Eddie Redmayne) cuando a los 21 años le detectan esclerosis lateral amiotrófica (ELA) y que con ayuda de su mujer Jane (Felicity Jones) se convirtió en el gran físico que es hoy día.


CRITICA

Cómo muchos lectores sabrán (o a lo mejor no) la enfermedad del ELA no tiene una esperanza de vida superior a cinco años, aunque a veces es menos. A Stephen Hawking le dieron dos años de vida y ha sobrevivido hasta los 72 años que tiene actualmente.

Todo el mundo conoce al físico con la enfermedad y las grandes teorías que ha ido elaborando a lo largo de su vida, siendo la más famosa, la "teoría de los agujeros negros". Pero, ¿qué le hizo ser el científico que es hoy en día? Pues fue su perseverancia, su gran talento y sobre todo el apoyo de su primera mujer.

En la película es lo que se nos quiere mostrar, el cambio en la vida del físico cuando le detectan la enfermedad y como se va sobreponiendo a todos los obstáculos, incluso cuando se le produce la parálisis total del cuerpo a causa de la enfermedad. De esta manera, se intenta acercar al espectador mostrando la vida de un genio de una manera más intimista y cercana para así poder conocer mejor su vida y que, gracias a su mujer consiguió ser lo que es.

A la par que muestra este retrato, la película nos hace presente del reconocimiento mundial del sus teorías y su reconocimiento como un gran científico. A medida que se van desarrollando las escenas, se puede observar como Stephen en cierta manera no valora a su mujer, Jane, y ésta lo nota y siente como el tiempo y el amor dedicado a su marido se han ido esfumando; puesto que el egocentrismo de él ha ocupado el primer lugar en detrimento de su mujer.

Por eso, gracias a esta película Stephen y su primera mujer volvieron a hablarse después de muchos años y, en el pase privado que le hicieron al físico, soltó una lágrima por haberse visto reflejado en la película.
Haciendo mención a los protagonistas reales, también hay que tener en cuenta a los protagonistas ficticios como es el caso de Eddie Redmayne que se llevó el Oscar al mejor actor principal este año (de calle se lo llevaba frente a los otros candidatos) y una seria y formal Felicity Jones que muestra una gran química con el actor protagonista.

A todo esto se une la fabulosa banda sonora así como la fotografía y un guión muy bien logrado que hará las delicias del espectador. Y que a pesar de ser un biopic, no aburre y no va a dejar indiferente a nadie.


Calificación personal: 8.2

Musarañas (2014)

•  Dirección: Juanfer Andrés y Esteban Roel.
•  Año: 2014.
• Género:Terror.
•  Interpretación: Macarena Gómez, Luis Tosar, Hugo Silva, Nadia de Santiago, Carolina Bang, Gracia Olayo, Silvia Alonso. 
• Guion: Juanfer Andrés y Sofía Cuenca
• .Producción: Álex de la Iglesia, Carolina Bang y Kiko Martínez.
• Música: Joan Valent
•  Fotografía: Ángel Amorós. 
• Montaje: Juanfer Andrés. 
• Diseño de producción: Pablo Alonso. 
• Vestuario: Paola Torres.
•  Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España.

SINOPSIS

España, años cincuenta. Montse ya no es joven, ha perdido su juventud cuidando de su hermana pequeña, encerradas en un siniestro piso del centro de Madrid. Su madre murió en el parto de la pequeña, y el padre no pudo soportarlo. Huyó cobardemente dejándolas solas. Obligada a ser padre, madre y hermana mayor, Montse se esconde de la vida, entre cuatro paredes, alimentando un temperamento obsesivo y desequilibrado: padece de agorafobia, y no puede dar un paso fuera de casa. Ella no entiende lo que le sucede, y el sufrimiento que esa extraña enfermedad le genera la obliga a refugiarse en un mundo de Padrenuestros y Avemarías. Montse trabaja de costurera y el único eslabón que la une con la realidad es la niña, una niña que está dejando de serlo. Un día, esa cadena se rompe: Carlos, un vecino joven e irresponsable, tiene la desgracia de caerse por la escaleras buscando ayuda en la única puerta a la que ha sido capaz de arrastrarse. Montse le recoge. Alguien ha entrado en la madriguera de las musarañas, puede que no vuelva a salir…


CRITICA

Madre mía... ¡qué gran película y que tensión marca desde el comienzo hasta el final, donde no falta ni un sólo detalle! Se masca la tragedia desde el comienzo, pero el ansia del espectador por saber cómo acabará la historia y porqué la protagonista tiene agorafobia, permiten el culmen de la película.

Esta película ha tenido muchas críticas sobre todo desde el punto de vista de la historia, en la cuál muchos espectadores comentan que la historia es previsible desde el minutos uno y, que a medida que avanza la historia, se acaba descubriendo el pastel sin ningún miramiento.

La historia hace justicia con el escenario donde se desarrolla prácticamente la totalidad de la acción, haciendo aún más emocionante y sobrecogedora la historia que te permite meterte de lleno en los rincones más oscuros de la casa.

La historia nos permite de manera muy sutil introducirnos en la complejidad de la mente humana y la línea fina que separa la cordura de la locura y los acontecimientos que nos hacen cruzar dicha línea y porqué cometemos actos violentos.

Quiero que este sobrecogimiento se quede en el aire para que de esta manera el espectador se pueda mimetizar con la película y con los personajes. Sobre todo con Macarena Gómez que está sencillamente espectacular y que ha sabido captar a la perfección la esencia de su personaje; aunque hay un gran reparto, ella sin duda lleva todo el peso de la película.

En definitiva, esta película de terror/thriller psicológico no deja indiferente a nadie y donde la tensión se respira por doquier y te deja pegado a la butaca (o al sillón de tu casa).


Calificación personal: 9.1

Interstellar (2014)

• Dirección: Christopher Nolan.
• Año: 2014.
• Género: Ciencia-ficción. 
• Interpretación: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine, Bill Irwin, Casey Affleck, Topher Grace, David Oyelowo, John Lithgow, Ellen Burstyn, David Gyasi. 
• Guion: Christopher Nolan y Jonathan Nolan. 
• Producción: Christopher Nolan, Lynda Obst y Emma Thomas.
•  Música: Hans Zimmer.
•  Fotografía: Hoyte Van Hoytema.  
• Montaje:Lee Smith. 
• Vestuario: Mary Zophres. 
• Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. 

SINOPSIS

Al ver que la vida en la Tierra está llegando a su fin, un grupo de exploradores decide embarcarse en la que puede ser la misión más importante de la historia de la humanidad y emprender un viaje más allá de nuestra galaxia en el que descubrirán si las estrellas pueden albergar el futuro de la raza humana.


CRITICA

¡Espectacular! Digan lo que digan, para mí es una de las mejores películas de ciencia ficción que he visto en mucho tiempo, además de una calidad y una maestría única propia del gran Christopher Nolan; el cuál quiere que el espectador pase un buen rato a la vez que quiere que le demos al intelecto.

Ante todo reconocer el gran espectáculo visual que muestra la película además de la indagación en temas de física que están claramente estudiados al mínimo detalle. Dicha espectacularidad es lo que permite que nos introduzcamos de lleno en la historia y en todas las explicaciones, aunque a veces puede ser un poco recargante y confuso.

Mucha gente establece una relación entre Kubrick y Cameron, pero Nolan tiene un sello indiscutible que le hace diferente. Además de los picos fascinantes de tensión que provoca la estremecedora música del genial Hans Zimmer (que se quedó sin Oscar en esta edición) que hace que no te separes de la butaca.

Si a todo esto le unimos el gran talento del director (y guionista) alza con un gran reparto que sabe llevar a la perfección su carga emocional, obtenemos una película exquisita y bella; que sólo se ha visto recompensada con un Oscar a los mejores efectos visuales.


Calificación personal: 8.3

La lego película (2014)

• Título original: The Lego movie. 
• Dirección y guion: Phil Lord y Chris Miller.
•  Año: 2014.
•  Género: Animación,comedia, aventuras. 
• Doblaje original: Morgan Freeman, Liam Neeson, Elizabeth Banks, Will Ferrell, Chris Pratt, Alison Brie, Will Arnett, Channing Tatum, Cobie Smulders. 
• Producción: Roy Lee y Dan Lin. 
• Música: Mark Mothersbaugh. 
• Fotografía: Barry Peterson.
• Montaje: David Burrows y Chris McKay. 
• Diseño de producción:Grant Freckleton.
•  Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

SINOPSIS

Cuenta la historia de Emmet, una figurita Lego absolutamente normal y fiel a las normas que es identificada por error como la persona más extraordinaria y la clave para salvar al mundo. Se ve entonces inmerso en una búsqueda épica para detener a un malvado tirano, una aventura para la que Emmet no está preparado en absoluto, lo que resulta especialmente divertido.

CRITICA

Ante todo he de decir, que mi crítica va a generar más detractores que benefactores puesto que mi opinión es totalmente contraria a la del resto del mundo: es una película pasable, ni más ni menos pero que ha tenido demasiado delirios de grandeza.

Me explico, la historia lleva un tono muy lineal y con pocas variaciones que puedan soltar alguna que otra carcajada; la historia tampoco es que sea atractiva no por cómo está escrita, sino por la forma poco atractiva hacia el espectador.

Al principio la historia engancha, pero va cuesta abajo y los gags no son nada certeros; solamente lo que mantiene un poco el listón es el personaje de Batman que tiene sus puntos fuertes pero no muy elevados. Pero he de reconocer, que el mérito de la película está en mantener la esencia de Lego en una película: construyendo los edificios, las nubes, el agua... Con esto se demuestra que la esencia aparece desde un principio en todas y cada una de las piezas y de los muñecos con los que hemos jugado en nuestra infancia y evocando dichos recuerdos.

Unas cuantas curiosidades es que la película se estrenó a principios del año 2014 y que antes del estreno, ya se firmó por una segunda parte y una película en solitario del Lego de Batman. Además, la Academia de Hollywood la ha ignorado por completo en su nominación a la mejor película de animación en los Oscar (perdió en Globo de Oro) y sin embargo la ha nominado a la mejor canción original. Aunque la historia me ha disgustado, solo por todo el mérito de llevar estos juguetes a la pantalla, merecía dicha nominación.

Mi calificación (aunque es baja) es una aprobado alto debido a la calidad técnica y a los pequeños momentos que me ha hecho reír; pero que realmente no ha calado demasiado en mi fuero interno.

Calificación personal: 5.5

Amor y otras drogas (2010)

• Título original: Love and other drugs.
• Dirección: Edward Zwick.
•  Año: 2010.
•  Género: Comedia, romance.
•  Interpretación: Jake Gyllenhaal, Anne Hathaway, Hank Azaria, Oliver Platt, Gabriel Macht, Judy Greer, Josh Gad. 
• Guion: Charles Randolph, Edward Zwick y Marshall Herskovitz.
• Producción: Edward Zwick, Charles Randolph, Marshall Herskovitz, Scott Stuber y Pieter Jan Brugge. 
• Música: James Newton Howard. 
• Fotografía: Steven Fierberg. 
• Montaje: Steven Rosenblum. 
• Diseño de producción: Patti Podesta.
•  Vestuario: Deborah L. Scott. 
• Distribuidora: Hispano Foxfilm

SINOPSIS

Maggie (Anne Hathaway) es una mujer independiente que no deja que nada ni nadie la ate. Pero conoce a su media naranja, Jamie (Jake Gyllenhaal), cuyo implacable e infalible encanto le sirve bien tanto con las mujeres como dentro del despiadado mundo de las ventas farmacéuticas. La evolución que sufre la relación entre Maggie y Jamie coge a ambos por sorpresa,  al encontrarse bajo la influencia de la droga suprema: el amor.

CRITICA

Esta película pasa a ser una de las peores que he visto en toda mi vida, donde el guión no tiene ningún sentido, continuamente hay sexo y toma una enfermedad (el Parkinson) como algo que hay que tomarse en broma y de manera demasiado exagerado.

La excusa del guión tal malo y demasiado sexual, lo unen al año (en concreto 1996) en el que se descubrió la viagra y de esta manera unirlo con una sexualidad demasiado libertina y que para todo siempre hay remedio con el uso de fármacos; cuando realmente éstos matan muchas veces y las compañías farmacéuticas se lucran por medio de gente enferma.

El otro lado de la moneda es el de la protagonista, la cuál padece Parkinson y que para evadirse de la realidad de su enfermedad, utiliza el sexo como vía de escape en vez de llevar su enfermedad de manera positiva para poder ayudar a la gente e incluso a sí misma. Siempre una enfermedad brusca es difícil de afrontar, pero si no buscas ayuda o te apoyas en cosas que realmente pueden serte útiles; es complicado sobrellevarlo.

Así que una vez más, una comedia romántica totalmente fallida que explota el tirón de actores en auge y donde no hay moraleja posible. Si a todo esto le añadimos que el director (Edward Zwick) después de haber hecho dramas bastante aceptable como Diamante de sangre, El último samurái o Resistencia; al encontrarse en horas bajas decide hacer una película mediocre para así recuperar su carrera, cuando realmente la está llevando al abismo. En el caso de los actores protagonistas, ya trabajaron juntos en Brokeback Mountain, tienen altibajos en sus carreras (ahora son más altos que bajos) y muchas veces sus interpretaciones son demasiado exageradas.

Si todo esto lo mezclamos en la misma saca, sale una película bastante pestilente y que la mayoría de los espectadores se habrán arrepentido a la hora de verla. En definitiva, que uno no se pierde absolutamente nada si la ve.

Calificación personal: 2.1