La duda (2008)

 

• Título original: Doubt
• Año: 2008
• Género: Drama
• Dirección: John Patrick Shanley
• Intérpretes: Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Viola Davis, Joseph Foster, Alice Drummond. Lydia Jordan, Bridget Megan Clark.
• Guión: John Patrick Shanley
• Música: Howard Shore
• Fotografía: Roger Deakins
• Vestuario: Ann Roth
• Montaje: Dylan Tichenor
• Productora: Miramax

SINOPSIS

Año 1964. En un colegio católico de el Bronx, el padre Flynn (Philip Seymour Hoffman) intenta cambiar las estrictas normas llevadas a cabo por la directora y religiosa Aloysious (Meryl Streep). Prueba de ello es la aceptación del primer alumno negro. Todo esto cambia cuando la hermana James (Amy Adams), lanza acusaciones sin pruebas contra el padre Flynn, lo que provocará un cambio de dirección en todos los sentidos.

CRITICA

A primera vista, el espectador se puede encontrar con una película en la cual, se va a ir desgranando poco a poco todos los abusos que ha sufrido el niño, pero no es así. El objetivo de la historia no es contar ese acontecimiento sino el momento en el que se empieza a difundir un rumor o una verdad y como afecta a la integridad de la persona. Con este filme se pretende ahondar en la búsqueda de la verdad que está basada en sospechas y prejuicios, a la par que son personajes complejos.

Indagando cuando me disponía ha realizar el cinefórum de esta película, me topé con que la obra de teatro en la que se basa, lleva el sobrenombre de "La parábola", lo que permite entender al espectador toda la simbología que aparece y que pueda plantearse y albergar esa duda. Inicialmente parece que se nos va a introducir en temas de religión o de política, pero se tratan temas mucho más complejos y de mayor envergadura. La acción de la película hace que lleve al espectador a límites para prestar atención en todo tipo de detalles, que están relacionados con cada uno de los planos secuencia que aparecen.

Estos simbolismos aparecen sobre todo cuando los pensamientos turban a los personajes. Destacando varios de ellos. Cuando en la primera secuencia el sacerdote da el sermón acerca de la duda (un ejemplo claro, cuando muchas veces no notamos la presencia de Dios en los momentos más complicados de nuestra vida) uno de los monaguillos mira hacia la cúpula y hay una película; una clara referencia a la presencia del Espíritu Santo (que insufla la paz de Dios). Otros simbolismos presentes: el gato que caza ratones (más concretamente una gata, ya que son mejores cazadoras que los machos), las tormentas y las lluvias que atormentan a los personajes (momento clave cuando la hermana James, no puede dormir por estos elementos y se levanta a cerrar la ventana), las bombillas que se funden haciendo referencia a la oscuridad del corazón; el momento en el que el padre Flynn les comenta a los alumnos que no deben de tener las uñas sucias, haciendo a una clara referencia a la suciedad del alma. En definitiva, una serie de detalles que destacan como es en verdad cada uno de los personajes; sobre todo, cuando el padre Flynn da el sermón sobre lo que ocurre por chismorrear. Simplemente, maravilloso.

En todo el dilema moral que va apareciendo de forma progresiva en toda la película, si que es verdad que su ritmo lento y excesivamente pausado, produzca en el espectador un efecto de somnolencia que haga que se pierda entre tanta vorágine de imágenes. Todo este efecto lo palia (con creces) todos y cada uno de los duelos interpretativos que provoca en el espectador un posicionamiento según van hablando cada uno de ellos, sobre todo entre Meryl Streep y Philip Seymour Hoffman (el cual falleció tristemente en el año 2014).

En conclusión con respecto a esta película, es complicado decir si el acontecimiento ocurrió en cuestión o no, de ahí que siembre esa duda directa. Porque al final si se cree, se duda. Por otro lado, el ser humano es un sujeto, por lo que su percepción será siempre subjetiva; si fuese objeto, su perspectiva sería objetiva. Porque como dice la hermana Aloysious, "era lo que yo creía que era".

Calificación persona: 7.5

Piel de serpiente (1960)

 

• Título original: The fugitive kind
• Año:  1960
• Género: Drama
• Dirección: Sidney Lumet
• Intérpretes: Marlon Brando, Ana Magnani, Joanne Woodward, Victor Jory, Maureen Stapleton, R.G. Armstrong, Madame Spivy, Joe Brown Jr.
• Guión: Tennessee Williams
• Música: Kenyon Hopkins
• Fotografía: Boris Kaufman
• Montaje: Carl Lerner
• Vestuario: Frank Thompson
• Productora: United Artists

SINOPSIS

Val Xavier (Marlon Brando) es un joven músico de Nueva Orleans que tras una trifulca, decide abandonar la ciudad y establecerse en otro lugar para empezar de nuevo. Acaba en la ciudad de Two Rivers en donde Lady (Ana Magnani) le da trabajo a la vez que se enamora de el y siente que su vida vuelve a tener sentido. También, la joven alcohólica Carol Cutrere (Joanne Woodward) se siente atraída por el joven Val.

CRITICA

En el siglo pasado, ver una película basada en una obra del escritor americano o una adaptación llevada a cabo por el mismo, es sinónimo de entrar en la propia vida del escritor, de sus tormentos e incluso como vivía mucha gente de mediados de los cincuenta en el considerado el país de los sueños. Con esto quiero decir que a pesar de no ser una obra culmen, no deja al espectador indiferente. Sobre todo, porque es capaz de mostrar la debilidad de la mujer cuando esta ha sido usada como un trapo viejo y que, no tenía ni voz ni voto en lo que se refería a su vida, pero que al final resultaban ser las grandes heroínas en todos los sentidos.

Al igual que en el resto de las adaptaciones del escritor, el elemento discordante siempre es la figura masculina, la cual juega el papel que siempre le ponían a la mujer: el hombre objeto. En el cine clásico de Hollywood, en muchas ocasiones, el papel de la mujer era siempre el de ama de casa, cuidar de los ojos e incluso a veces vivir bajo el yugo y la infelicidad provocada por el marido; por eso el escritor siempre cambiaba las tornas, con el contrapunto de que la mujer era una ser desgraciado. Esto era el reflejo de la lobotomía mal realizada a su hermana, que le marcó para siempre y también, que su madre viviese siempre callada bajo la mirada de su padre.

En esta historia se nos presentan a dos mujeres enganchadas al atractivo de un hombre, que parece ser el salvador de su vidas pero, realmente está igual de atormentado que ellas y el que se tenga una imagen suya que no le corresponde y que revuelve la vida de ambas féminas. Por otro lado, se van reflejando las miserias de las dos mujeres y como sus vidas se han vuelto anodinas y a su vez, están siendo juzgadas por todos los habitantes de la ciudad. Sin necesidad de entrar de lleno en sus vidas, a medida que van transcurriendo los minutos, el espectador intuye esas miradas inquisitivas: porque han tenido demasiado libertinaje. Parece ser que la llegada de Val va a ser un bálsamo para ellas pero lo que ocurre, es que el pueblo piensa que va a ser un elemento discordante y para ello es necesario eliminarlo de alguna forma y eso a ellas, no les parece lo mejor.

En casi la dos horas de duración y de tener un reparto estelar, peca un poco de exceso de dramatismo y de extenderse en elementos secundarios de la historia, que hace que el espectador pierda por completo el interés y que no sepa realmente, a donde va a ir la historia y difuminando también el carácter de los personajes. Para concluir que en este caso, las que salen mal paradas son las mujeres.

Calificación personal: 6.8

El cielo no puede esperar (2023)

 

• Dirección: José María Zavala
• Año: 2023
• Género: Documental
• Guión: José María Zavala
• Música: Luis Mas
• Fotografía: Miguel Gilaberte
• Montaje: Rod Reego
• Productora: European Dreams Factory

SINOPSIS

En octubre de 2006, el joven Carlo Acutis fallece a causa de una leucemia. Un joven de 15 años que amaba a Cristo y que disfrutaba de las pequeñas cosas del mundo. Tanto es así, que en octubre de 2020 fue beatificado. Su testimonio, sigue resonando entre los jóvenes de la Iglesia.

CRITICA

El género documental, está cogiendo fuerza en la última década, puesto que es la forma más fidedigna de contar un acontecimiento real y, poder focalizarse en lo que realmente importa de lo que se quiere contar sobre una persona o un acontecimiento. Pero a veces no se suele aprovechar la oportunidad de contar todo con más pelos y señales.

Lo atractivo que tiene este documental sobre el joven Carlo es, como ha influido sobre la vida de muchas personas (tanto jóvenes como adultos) pero, si que echo de menos profundizar un poco más en su vida o incluso el haber preguntado a gente de sus círculos más cercanos para que contasen desde su vivencia, como era el joven Carlo. No con esto quiero decir que los testimonios de la gente no sea válida pero, si que es verdad que intenta recalcar que lo que se necesita es ser como el joven beato y que tenemos que acudir siempre a el como fuente de fe.

En el caso del catolicismo, los santos, las santas, los beatos, las beatas y la Virgen son intercesores entre el ser humano y Dios, no por ello el pedirles cosas es algo negativo, pero mostrarles como una vía para acercarse a Dios.  También, da un poco a entender que solo puedes conseguir lo que anhelas si veneras a Carlo Acutis, yo le hubiese dado otra perspectiva para que la gente pudiese entender eso. Si que es verdad que a través de la figura de este joven es posible ser santos en nuestro día a día: respetando a los demás, ayudando a nuestros compañeros de trabajo, dándole un café a un mendigo; en definitiva, con nuestros actos de amor día a día. En definitiva, en los pequeños actos de amor, también se puede ver a Dios y estar con Él.

Calificación personal: 6.5

Cinco lobitos (2022)

 

• Dirección: Alauda Ruiz de Azúa
• Año: 2022
• Género: Drama
• Intérpretes: Laia Costa, Susi Sánchez, Ramón Barea, Mikel Bustamante, Leire Ucha, Isidoro Fernández.
• Guión: Alauda Ruiz de Azúa
• Música: Aránzazu Calleja
• Fotografía: Jon D. Domínguez
• Montaje: Andrés Gil
• Vestuario: Anna Martínez Fesser
• Productora: Encanta Films, RTVE, Buena Pinta Media.

SINOPSIS

Amaia (Laia Costa), acaba de tener una hija. Mientras intenta lidiar con las ausencias de so novio por trabajo, con su propio empleo y con la crianza de su hija; al verse sobrepasada, decide irse con sus padres (Ramón Barea y Susi Sánchez). Pero lo que no sabrá, es el verdadero viaje que le espera.

CRITICA

Creo que en más de una ocasión he defendido el cine español, sobre todo por su compromiso social y por mostrar realidades de las que muchas veces queremos escapar, pero no por ello es un cine malo y que solo muestre sexo a diestro y siniestro; pero si no hace reflexionar muchas veces. Por eso, el cine español es bueno y de calidad.

Centrándome en la película, me ha parecido simplemente maravillosa y una mirada tierna y sin reproches al acontecimiento de la maternidad, de las relaciones conyugales, de las relaciones paterno-filiales y de que nunca es tarde para sacar lo mejor de nosotros mismos y de aprovechar el tiempo con nuestra familia. Aquí claramente aparece muy bien reflejado como es el vínculo que une y separa a cada miembro de la familia, donde se entienden muchas más cosas de las que se dicen y que, con una sola mirada o un solo gesto, ese vínculo es mucho más fuerte. También quiere reflejar a esas relaciones que (supuestamente) elegimos (como son las relaciones de pareja) y las que nos vienen dadas (de familia).

El nexo de unión de estos diferentes tipos de relaciones es Amaia (increíble una joven Laia Costa) que, ante el abrumador acontecimiento que le supone la maternidad, se encontrará con los problemas ocultos del matrimonio de sus padres y como cada uno de ellos establece su relación personal con su hija y como, ante el desarrollo de los problemas familiares, es ella, Amaia, la que demuestra con sus acciones, el amor que siente por sus padres y como intenta hacerlo lo mejor posible para su hija recién nacida. Y en donde, en esos momentos de mayor urgencia, es cuando aparecen esos roles familiares. Lo que se puede traducir en definitiva, como un canto a la maternidad. A la verdadera maternidad.

A esa maternidad que no viene con manual de instrucciones. A esa maternidad que a veces nos hace hacer un alto en el camino para recuperarnos. A esa maternidad que muchas veces, nos hace renunciar a nuestros sueños (y a una pequeña felicidad) por darle lo mejor a nuestros hijos. A esa maternidad que nos hace sentir culpables, cuando cometemos un pequeño error. A esa maternidad que nos hace ser fuertes en todos los momentos más amargos de nuestra vida. En definitiva, a este elemento tan maravilloso que es: el de ser madre.

Es cierto que además de reflejar la maternidad, muestra de una forma muy clara como (aunque no lo parezca) como la familia está rota, y como hay que ir uniendo uno a uno todos los cachitos para que al final cada uno pueda contar su historia. Pero manteniendo esa imagen de un amor ocultado, por miedo al dolor. Se manifiesta de una forma clara y sincera a través de gestos, miradas y conversaciones. Como en la que Amaia tiene una conversación con su madre y le dice: "No sé si lo estoy haciendo bien". A lo que ella responde: "Hija, haces todo lo que puedes".

Porque en definitiva, la cuestión no es poner en duda si eres un mal hijo o un buen hijo, pero si saber que, cuando lo has necesitado, tus padres han estado ahí; que no importa todo lo que pasase o lo que pasará. Lo importante es que te quede tiempo para disfrutar de uno de los elementos y pilares  más importantes de nuestra vida: la familia.

Calificación personal: 10

Querido John (2010)

 

• Título original: Dear John
• Año: 2010
• Género: Romántica
• Dirección: Lasse Hallström
• Intérpretes: Channing Tatum, Amanda Seyfried, Richard Jenkins, Henry Porter, Scott Porter, Luke Benward, Keith Robinson, Leslea Fisher.
• Guión: Jamie Linden
• Música: Deborah Lurie
• Fotografía: Terry Stacey
• Montaje: Kristina Boden
• Productora: Relativity Media

SINOPSIS

John (Channing Tatum) está de permiso que va a visitar a su padre que vive en Carolina del Sur. Un día en la playa conoce a Savannah (Amanda Seyfried). A medida que pasan los días se enamoran, pero John tiene que volver al ejército. Pero la situación se complica cuando le hacen regresar debido a los atentados del 11 de septiembre. Para mantener su relación, se escriben cartas contándose todo lo que ocurre. Hasta que un día, John deja de recibir cartas.

CRITICA

Creo que es de sobra conocidos por cinéfilos y/o lectores, la tendencia argumental de las novelas de Nicholas Sparks y lo que quiere reflejar en sus novelas. Principalmente, lo que siempre intenta remarcar es esos amores imposibles o esos amores complicados por lo que a veces merece la pena luchar. O incluso, poder quedarse con una buen recuerdo de un amor que pudo ser pero al final no fue. Por otro lado, destacar que lo que aparece en la película nada tiene que ver con el libro. Por eso, me desencanta que en la adaptación de las novelas, Hollywood rompa toda la esencia de las mismas.

Otro de los aspectos que a veces me desencanta de este estilo de películas románticas, es que se idealizan muchos aspectos de las relaciones de pareja, en las cuales al principio todo es muy bonito, pero muchas veces se idealiza tanto, que no se afrontan de forma frontal esos verdadero problemas de una pareja; que van desde la distancia hasta la propia convivencia.

Con todo esto no quiero decir que yo esté cerrada al amor, ni mucho menos. Pero, si que es verdad que el amor que muchas veces se plantea es el de juventud, el de verano, el de los momentos inesperados, pero sin llegar a ahondar sobre una relación fuerte. Por lo que, a pesar de todo esto, cuando veo este tipo de películas, es simple y llanamente para poder despejar mi mente de ver un cine con mayor profundidad o dureza social.

Calificación personal: 5.7

TÁR (2022)

 

• Dirección: Todd Field
• Año: 2022
• Género: Drama
• Intérpretes: Cate Blanchett, Nina Hoss, Noémi Merlant, Mark Strong, Sophie Kauer, Julian Glover, Allan Corduner.
• Guión: Todd Field
• Música: Hildur Gudnadóttir
• Fotografía: Florian Hoffmeister
• Montaje: Monika Willi
• Productora: Standard Film Company, EMJAG Productions

SINOPSIS

Lydia Tár (Cate Blanchett) es una de las mejores compositoras y directoras de orquesta vivas. A la espera de grabar una sinfonía que la llevará a la cumbre, empiezan a suceder diferentes elementos, que tambalean la carrera de Lydia.

CRITICA

Leyendo unas cuantas críticas de periodistas cinematográficos, estoy de acuerdo con ellos en que puede que esta película cueste que encaje más con los espectadores que con los críticos. A pesar de que la tarea de entrar en la trama es bastante dificultosa, la subtrama del personaje de Lydia Tár (una vez más, Cate Blanchett está indescriptible) nos traslada a esos abusos de poder que se ocultan tras una máscara de amabilidades retorcidas.

Aunque inicialmente se nos muestre a un personaje que es una maniática del control y que puede estar más relacionado con el tipo de trabajo que desempeña; se observa claramente que, más allá de que el personaje pierda la riendas de su vida, lo que realmente interesa mostrar al espectador es que Tár, no es una buena persona. Este elemento se ve a lo largo de toda la trama y hacen que sean demasiado evidentes (como trata a su pareja, como expulsa a gente de la orquesta, el desprecio con el que trata a su asistente personal, etcétera) sin dejar muy claro cual ha sido el objetivo de ese cambio de actitud e incluso de esa pérdida de control. Cada plano secuencia que aparece, es complicado enlazarlo con el anterior. También, algunos elementos discordantes (gritos inexplicables, metrónomos enigmáticos, dibujos inclasificables) suscitan incomodidad en el espectador sin terminar de encontrarse.

En resumidas cuentas, aunque se destaque la grandeza de TÁR como una obra imprescindible, se queda en una película ligeramente mediocre, no sin desdeñar ese reflejo de ese mundo tan complejo como es se director de orquesta y ser a la vez despiadado aunque sea de una forma muy sutil y que el poder, y las influencias, no entienden de género. Eso si, mi más profunda admiración al brillante trabajo de Cate Blanchett. Sin lugar a dudas, una grande de la interpretación.

Calificación personal: 6.3

Rocco y sus hermanos (1960)

 

• Título original: Rocco e i suoi fratelli
• Año: 1960
• Género: Drama
• Dirección: Luchino Visconti
• Intérpretes: Alain Delon, Renato Salvatori, Anni Girardot, Katina Paxinou, Alessandra Panaro, Spirtos Focás, Max Cartier, Corrado Pani, Rocco Vidolazzi, Claudia Cardinale.
• Guión: Luchino Visconti, Susso Cecchi d'Amico
• Música: Nino Rota
• Fotografía: Guiseppe Rotunno
• Vestuario: Piero Tosi
• Montaje: Mario Serandrei
• Productora: Titanus, Les Films Marceau

SINOPSIS

Rosaria Parondi y sus cinco hijos (Rocco, Simone, Ciro, Luca y Vicenzo) se han ido a vivir a Milán tras haber salido de su tierra, Lucania. Todos ellos intentan abrirse paso en sus vidas profesionales, pero las rencillas con Simone y la carga que se ejerce sobre Rocco, tambalean los cimientos de la familia Parondi.

CRITICA

El desasosiego que se ve reflejado en todos y cada uno de los personajes, refleja en cierto modo la situación de muchas de las familias italianas tras la Segunda Guerra Mundial, puesto que el movimiento cinematográfico que se desarrolló era el neorrealismo italiano, a pesar de que Luchino Visconti no fue su máximo exponente. Independientemente de este aspecto, la película no deja indiferente a nadie, sobre todo por la relación entre los hermanos, el juego de claro oscuros y, la inmensidad de referencias bíblicas introducidas.

Empezamos primeramente con la puesta en escena. El director italiano antes de dedicarse al cine, se dedicó a dirigir óperas, por lo que la historia está dividida en cinco partes, en las cuales se nos muestra a cada uno de los hermanos (hay que comentar, que de forma directa, el último hermano, Luca, no tiene su propia historia, pero configura las cuatro historias restantes) a medida que van pasando los años y su forma de adaptarse a las oportunidades que muestra una gran urbe como lo es Milán. Claramente, cuando se muestra al espectador a cada uno de los hermanos, no se pueden eliminar al resto, ya que, lo que hace uno de ellos, termina por afectar al resto y que al final la familia se tambalee. Como he comentado al principio, las referencias bíblicas que aparecen claramente reflejadas en el personaje de Rocco; puesto que es el y nadie más que termina por sacrificar su vida por su familia, poner la otra mejilla y hacer el bien para triunfar y como contrapunto está el hermano Ciro, que con esfuerzo, tesón y constancia consigue un buen trabajo y representa los nuevos tiempos que estaban por aparecer en Italia.

Por otro lado, aparecen escenas con alta carga erótica que fueron eliminadas del metraje al estrenarse en España, sobre todo en lo referente al personaje de Nadia (increíble Annie Girardot como carga de forma tan dramática a su personaje) y las insinuaciones que realiza cuando se dedicaba a la prostitución. También, Luchino Visconti fue un homosexual declarado, pero sin necesidad de tener que promoverlo a los cuatro vientos y esa orientación, se ve muy bien reflejada en el personaje de Simone que termina perdido ante los éxitos y la nueva vida que es capaz hasta de prostituirse con tal de seguir con su vida (no le importa si es con hombres) y cuyo descontrol le lleva a realizar actos deleznables, como violar a Nadia, simplemente porque está con Rocco y no con el.

En segundo lugar, el director italiano quiere resaltar la importancia de la familia y el estar unidos y ayudarse cuando lo necesiten, aunque uno de ellos termine por arruinar emocionalmente al resto. Dentro de este núcleo, aunque no sea de una forma muy destacada, está el quinto hermano, Luca, cuyo nombre es una clara referencia a la ciudad de Lucania, de la que provienen todos y a la que la gran mayoría de ellos quiere volver y que es representado, como parte de esa esperanza que ha perdido la familia. Por supuesto, destacar la gran actuación de Alain Delon, el cual se estaba encasillando en los papeles de galán, pero su interpretación dramática es simplemente espectacular.

A pesar de no ser una obra cumbre del neorrealismo, si que es la obra más importante del director italiano, por ser capaz de abordar diversos temas espinosos, encarnados en diferentes personajes, donde cada uno de ellos parece estar abocado a una desgracia personal, de la que no podrá salir.

Calificación personal: 9

El Gato con Botas: El último deseo (2022)

 

• Título original: Puss in Boots: The last wish
• Año: 2022
• Género: Animación
• Dirección: Joel Crawford
• Doblaje original: Antonio Banderas, Salma Hayek, Florence Pugh, Olivia Colman, Harvey Guillén, Ray Winstone, Samson Kayo, Wagner Moura, John Mulaney.
• Guión: Paul Fisher, Tommy Swerdlow
• Música: Heitor Pereira
• Montaje: James Ryan
• Productora: DreamWorks Animation Studios

SINOPSIS

Tras llevar una vida llena de aventuras, El Gato con Botas descubre que ha gastado ocho de las nueve vidas que tiene. Para evitar gastar la última y recuperar las anteriores, debe de encontrar a la estrella de los deseos y restaurar su nueve vidas.

CRITICA

En el género de animación suele ocurrir bastante que, ante el éxito de una película, se planean secuelas (en las cuales no se habían pensado) para sacar una mayor rentabilidad económica (esto ocurre con cualquier otra película que se precie. Ante esta situación, la secuela suele ser un tanto aburrida  y no termina por conectar con el espectador. En este caso, al haber transcurrido once años desde la primera entrega, la historia es más refrescante.

Otro punto a favor que tiene es que el espectador, si ve esta segunda parte, no se va a sentir desconectado de la primer. Por otro lado, la historia es más ligera y no hay elementos muertos en toda la trama con los que rellenar ese vacío de guión. Más allá de esto, vamos a centrarnos en lo que es realmente importante en esta película.

Aunque se encuentra enfocada al público infantil, hay que reconocer que cualquiera puede verla. En este caso, se debe a que le tema que trata principalmente es el de las segundas oportunidades y como podemos ser merecedores de dichas oportunidades. En la película, esas oportunidades se ven reflejadas en el personaje de El Gato con Botas, que tras perder ocho de sus nueve vidas, quiere recuperarlas a toda costa, puesto que puede perder la última que le queda. Pero, a medida que va llegando a su destino, se termina de dar cuenta de que hay otras cosas más importantes que recuperar sus vidas, lo que hace en cierto modo apreciar y poder atesorar los pequeños momentos y esas amistades inesperadas que le van surgiendo y, como se enfrenta a sus problemas de verdad.

En definitiva, es una película entretenida y para toda la familia. Muy ligera y refrescante y de paso, saca a relucir temas importantes. Y además, nunca se es demasiado mayor/adulto, para disfrutar de una historia entretenida y divertida.

Calificación personal: 7.5

Una boda explosiva (2023)

 

• Título original: Shotgun wedding
• Año: 2023
• Género: Comedia
• Dirección: Jason Moore
• Intérpretes: Jennifer Lopez, Josh Duhamel, Jennifer Coolidge, Sonia Braga, Cheech Marin, D'Arcy Carden, Lenny Kravitz, Alex Mallari Jr., Desmin Borges.
• Guión: Mark Hammer
• Música: Pinar Toprak
• Fotografía: Peter Deming
• Productora: Amazon Prime Video, Mandelville Productions.

SINOPSIS

Tom (Josh Duhamel) y Darcy (Jennifer Lopez) por fin van a casarse. Lo harán en Filipinas, con una boda cuidadosamente organizada por Tom. Aunque, las cosas se torcerán el mismo día de la boda, cuando ambos discuten y, los invitados son tomados como rehenes.

CRITICA

A pesar de tener a la comedia un tanto atravesada (si bien es cierto, que en la última década, las que se han ido estrenando son bastante malas), me aparecido entretenida y que, aunque no tiene muchos puntos cómicos, si que me he reído en algunos momentos a la par que hay puntos ligeramente emotivos; sobre todo en esos momentos de dudas a la hora de dar un paso tan importante.

Aunque la historia es totalmente predecible desde el principio, más concretamente, en el momento en el que los invitados son tomados como rehenes; las peripecias y situaciones que sufren los protagonistas hasta lograr su final feliz, saliendo también a la palestra los problemas que tienen a la hora de comprometerse. Como he comentado anteriormente, los momentos cómicos son puntuales y muy certeros, sobre todo por parte de Jennifer Lopez (a pesar de no se una excelente actriz, siempre ha solventado sus interpretaciones con calidad) y Jennifer Coolidge (esta actriz está ahora en boca de todos por la miniserie The white lotus).

Este tipo de películas no merecen una crítica en profundidad, puesto que el objetivo no es otro más que entretener y, pasar un buen rato. No será una película recordada para la historia, pero para pasar un rato agradable y poder desconectar, sin duda.

Calificación personal: 6

Sólo se vive una vez (1937)

 

• Título original: You only live once
• Año: 1937
• Género: Drama
• Dirección: Fritz Lang
• Intérpretes: Henry Fonda, Sylvia Sydney, Barton MacLane, Jane Dixon, William Gargan, Warren Hymer, Ward Bond, Guinn Williams.
• Guión: Gene Towne, Graham Baker
• Música: Alfred Newman
• Fotografía: Leon Shamroy
• Montaje: Daniel Mandell
• Productora: United Artists

SINOPSIS

Eddie Taylor (Henry Fonda) un delincuente de poca monta, sale de la cárcel tras haber sido encerrado tres veces. Cuando goza de cierta libertad, es acusado de un crimen que no ha cometido y, a pesar de demostrar al final que no ha sido culpable; no hay vuelta atrás en el camino que ha decidido tomar.

CRITICA

Segunda película americana del director austríaco, poniendo como telón de fondo las injusticias que sufren muchas personas condenadas a muerte. O simplemente que te condenen a prisión por un crimen o delito que no has cometido. Remarcándolo con el echo de que si en el pasado has sido un delincuente, no te puedes redimir; ya que lo seguirás siendo el resto de tu vida. Las personas siempre merecen una segunda oportunidad (eso si, dependiendo del grado del delito y del arrepentimiento del sujeto).

Como se ha comentado brevemente en el párrafo anterior, la película contiene muchas denuncias. En concreto, la deficiencias de un sistema que condena a muerte a una persona con pruebas circunstanciales y, la imposibilidad de la reinserción de los expresidiarios y como son juzgados por una simple mirada o por su vida pasada. En esta época en Hollywood se grabaron una gran cantidad de películas que denunciaban diferentes aspectos relacionados con los trabajadores. Ejemplo de ello es Tiempos modernos (sobre la explotación laboral) o Las uvas de la ira (acerca de la pobreza rural).

Si bien es cierto que el espectador puede llegar a la conclusión de que realmente de que el personaje de Eddie tiene redención, el nota de que no tiene cabida en la sociedad y, que siempre se le juzgará por actos del pasado y el tormento de volver a prisión, se hace cada vez más patente en su forma de vivir. Todos estos aspectos se ven claramente reflejados en los diferentes planos. Aquellos que son claros muestran que los personajes tienen todavía un halo de esperanza, mientras que aquellos en los que los tonos oscuros se ciernen sobre ellos, no presagia un buen destino.

Como conclusión podemos decir que siempre hay prejuicios hacia aquellas personas que han errado en su vida y parece, que no tienen cabida. Cuando muchas veces se desconocen las causas o los motivos por los que tomaron esos caminos. Si bien es cierto, que no es una manera de justificarlos, nunca se sabe que haríamos nosotros en diferentes situaciones y lo más seguro, es que querríamos una segunda oportunidad y seguir avanzando.

Calificación personal: 8

Padre no hay más que uno 3 (2022)

 

• Dirección: Santiago Segura
• Año: 2022
• Género: Comedia
• Intérpretes: Santiago Segura, Toni Acosta, Loles León, Carlos Iglesias, Luna Fulgencio, Calma Segura, Sirena Segura, Leo Harlem, Silvia Abril, Marina D'Antiochia, Carlo González, Wendy Ramos, Javier García.
• Guión: Santiago Segura, Marta González de la Vega
• Música: Roque Baños
• Fotografía: Ángel Iguacel
• Montaje: Fran Amaro
• Productora: Amazon Prime Video, Atresmedia Cine, Bowfinger International Pictures.

SINOPSIS

Se acercan las navidades en casa de los García Loyola. Aunque la situación se complicará cuando los niños rompen el Niño Jesús, el abuelo materno pasa las navidades aquejado de un abandono y cada uno intenta resolver los problemas como puede.

CRITICA

El género de la comedia anda bastante de capa caída, puesto que se reciclan en cuanto a los chistes y las temáticas. Es decir, que ubican a los personajes de la misma forma que en entregas anteriores, pero solo cambia la situación en la que se encuentran. De esta forma, no ofrecen nada nuevo al espectador para que de alguna forma mantenga su atención.

Al fin y al cabo, con lo que se pretende con este tipo de películas muchas veces es conseguir hacer caja, para poder enfrentarse a proyectos de más envergadura. Por otro lado se puede pensar que simplemente se ha realizado una comedia para toda la familia pero sin ningún tipo de creatividad cinematográfica. Se puede decir que uno de los elementos por lo que se puede caracterizar la película, es como se retratan la celebración de la Navidad al más puro estilo español, sin reseñar nada más.

Ya se sabe que en cualquier país que se precie para realizar un comedia, al final la originalidad brilla por su ausencia y no se le sacar el partido que podría tener. Porque ya se sabe, la comedia es para hacer reír y pasar el rato, aunque no se consigan ninguna de las dos cosas.

Calificación personal: 5

Avatar: El sentido del agua (2022)

 

• Título original: Avatar: The way of water
• Año: 2022
• Género: Ciencia ficción
• Dirección: James Cameron
• Intérpretes: Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Cliff Curtis, Kate Winslet, Jamie Flatters, Britain Dalton, Trinity Bliss, Bailey Bass, Edie Falco, Jack Champion, Brendan Cowell, Jemaine Clement.
• Guión: James Cameron, Josh Friedman
• Música: Simon Franglen
• Fotografía: Russell Carpenter
• Montaje: James Cameron, Stephen E. Rivkin, David Brenner, John Refua
• Productora: 20th Century Fox, Lightstorm Entertainment.

SINOPSIS

Jake Sully (Sam Worthington) vive en paz con los Na'vi junto a Neytiri (Zoe Saldaña) en Pandora. Esa paz se ve rota hasta que regresan los hombres del cielo comandados por el Coronel Miles Quaritch (Stephen Lang), que está dispuesto a acabar con los Sully cueste lo que cueste.

CRITICA

Desde mi punto de vista, las películas deben de comprender varios elementos para considerarlas como obras maestras; sobre todo en lo que se refiere al guión (es decir, la historia) puesto que lo que nos pretender transmitir es un mensaje (aunque en muchas de ellas brilla por su ausencia e incluso, los guiones son caóticos). En el caso de esta segunda parte de Avatar, la historia no importa del todo, ya que lo que más llama la atención es el mundo de Pandora y sus habitantes.

Está complemente claro que la historia que cuenta es para establecer una conexión entre los personajes y las futuras secuelas (hay más de una). Pero, no por ello deja de tener importancia el destacar el llamamiento que se hace a través de esta película. Cómo es lógico, todo relacionado principalmente con el medio ambiente y reflejado en diferentes planos secuencias: invadir otras tierras, la destrucción por parte del ser humano de la flora y fauna, matar animales por conseguir una riqueza, la unidad de la familia, la destrucción por encima de todo y un largo etcétera. También refleja esa armonía que puede coexistir entre el ser humano y la flora y fauna.

Todo lo mencionado en el párrafo anterior, unido a esos maravillosos efectos especiales, provoca que el espectador se introduzca de lleno en el universo de Pandora, así como en la historia, a pesar de ser muy simple. Pero hay que tener en cuenta una cosa, que el cine está muchas veces para entretener y hay que saber hacerlo. Y he de reconocer que James Cameron sabe hacerlo, y lo hace muy bien. Solo falta un año aproximadamente para ver la tercera entrega para ver que nuevos Na'vi aparecen.

Calificación personal: 7.5

Cómo eliminar a su jefe (1980)

 

• Título original: Nine to five
• Año: 1980
• Género: Comedia
• Dirección: Colin Higgins
• Intérpretes: Jane Fonda, Lily Tomlin, Dolly Parton, Dabney Coleman, Elizabeth Wilson, Marian Mercer, Peggy Poe, Sterling Hayden
• Guión: Patricia Resnik, Colin Higgins
• Música: Charles Fox
• Fotografía: Reynaldo Villalobos
• Montaje: Pembroke J. Herring
• Vestuario: Ann Roth
• Productora: 20th century fox

SINOPSIS

Tres secretarias que trabajan en una multinacional odian a su jefe, y fantasean con el método y la forma para poder acabar con el. La situación se complica cuando una de ellas le pone en el café matarratas en lugar de azúcar. Por lo que, hay que tener cuidado con lo que se desea.

CRITICA

Esta película, desde mi punto de vista, debió de pasar en su momento desapercibida y no debe de ser muy recordada por la mentalidad colectiva. Con esto no quiero decir que fuese nefasta en cuanto a guión o recaudación, sino porque en principio iba a ser un drama, terminó por ser una comedia que trata diversos temas que hoy en día son motivo de polémica: el acoso sexual y la poca igualdad entre hombres y mujeres ante un puesto en el mundo laboral.

Por otro lado, cada una de las protagonistas (el trío de actrices es simplemente maravilloso, sobre todo teniendo en cuenta que Dolly Parton grababa su primera película) refleja lo que muchas mujeres sufrieron (y siguen sufriendo) en todo lo relacionado con el mundo laboral. Inicialmente nos presente a Violet (increíble Lily Tomlin), una mujer viuda y con cuatro hijos que ha sabido ascender puestos en su empresa a base de trabajo duro pero, cuyo reconocimiento se ve mermado por el simple hecho de ser mujer y que es capaz de desempeñar a la perfección cualquier trabajo realizado por un hombre. Luego está Judy (grande Jane Fonda) que ha sido siempre ama de casa y que, abandonada por su marido, se ve en la necesidad de buscar trabajo y parece que será incapaz, pero demuestra que todo lo contrario. Por último está Doralee (primer papel de Dolly Parton) , de la cual todo el mundo piensa que es solo un cuerpo bonito y una cabeza hueca, pero tiene muchos más recursos que cualquier hombre.

Al partir de esta premisa, parece ser más un drama que una comedia pero, al darle ese cambio en el género, es gracias al ver que el sueño de las tres se hace realidad de una manera un poco desafortunada y, como se las van ingeniando entre las tres para evitar que la verdad salga a la luz, y de esta forma poder realizar los cambios deseados en la empresa para que esta funcione mejor. Ya que son las buenas ideas pensadas por mujeres, las que producen un cambio significativo y no la de un hombre que no sabe hacer nada. Por lo que podemos concluir que, pasando un rato entretenido y agradable con tres mujeres en un mundo un tanto machista, se observa claramente que, muchas de las personas (de ambos sexos) que desempeñan puestos de responsabilidad, son mediocres, no saben gran cosa de las realidades del mundo, puesto que lo único que les interesa es el dinero y el poder.

Calificación personal: 7

Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion (2022)

 

• Título original: Glass Onion: A knives out mystery
• Año: 2022
• Género: Suspense
• Dirección: Rian Johnson
• Intérpretes: Daniel Craig, Edward Norton, Kate Hudson, Kathryn Hahn, Janelle Monáe, Dave Bautista, Lesli Odom Jr., Jessica Henwick, Madelyn Cline, Jackie Hoffman, Dallas Roberts.
• Guión: Rian Johnson
• Música: Nathan Johnson
• Fotografía: Steve Yedlin
• Montaje: Bob Ducsay
• Productora: Netflix, Lionsgate, T-Street Productions
  
  

SINOPSIS

El multimillonario Miles Bron (Edward Norton) invita a sus amigos más allegados a su isla griega privada. Por error, es invitado Beniot Blanc (Daniel Craig), el cual se encargará de resolver el asesinato, que tiene lugar en la mansión de Miles.

CRITICA

Siempre cuando hay algún fenómeno cinematográfico, de cualquier índole, que explote la forma de realizar la películas, se intenta exprimirlo al máximo para sacar una cierta rentabilidad económica ante la falta de ideas en la meca del cine estadounidense. Sobre todo, en lo que se refiere en realizar precuelas, secuelas y remakes. No iba a ser menos con Puñales por la espalda, cuando Netflix compró los derechos para hacer tres películas más.

En el caso de esta secuela (aunque realmente no lo es como tal), se toma como elemento conductor al detective Benoit Blanc (muy correcto Daniel Craig, lejos de reconocerle como James Bond) debe de resolver un asesinato relacionado con un grupo de amigos ricos. La dinámica de la historia es prácticamente similar a la primera, donde todo el mundo duda de todo el mundo, hay alguna oveja descarriada, algún aprovechado, etcétera; ¿Qué es lo que realmente falla entonces en este filme? La respuesta es sencilla: se descubre demasiado pronto toda la investigación y el asesino, sin dejar ningún elemento sorpresa para resolver el crimen.

Hay que destacar que todos los personajes tienen un secreto relacionado con el estatus adinerado que han conseguido e intentan de alguna forma paliar sus conciencias al ver que Miles Bron es un farsante. Ciertamente, se puede comparar con todos los magnates que hay en la actualidad que se creen que saben de todo, pero en realidad no saben de nada, por el simple hecho de invertir sus grandes fortunas en grandes avances tecnológicos (véase Elon Musk, Jeff Bezos y una larga lista); porque están podridos de dinero y no saben realmente que hacer con el; y son bastante repelentes. Helo aquí en el caso de Edward Norton, que a la hora de trabajar con el resulta bastante repulsivo. Pero, volviendo al tema que nos atañe, la historia tiene su sentido y van encajando las piezas entre los personajes y sus comportamientos. Si que es verdad, que se intenta rizar demasiado el rizo con la dinámica del asesinato, las tecnologías y con interpretaciones un poco sobreactuadas. Lo que se termina traduciendo en una historia un poco larga, en la cual el espectador puede tardar en introducirse en la historia y, cuyo desarrollo y desenlace, son bastante predecibles.

Calificación personal :6.2

Aguas oscuras (2019)

 

• Título original: Dark waters
• Año: 2019
• Género: Hechos reales
• Dirección: Todd Haynes
• Intérpretes: Mark Ruffalo, Anne Hathaway, Tim Robbins, Bill Camp, Victor Garber, Mare Winningham, Bill Pullman, William Jackson Harper, Louisa Krause.
• Guión: Mario Correa, Matthew Michael Carnahan
• Música: Marcelo Zarvos
• Fotografía: Edward Lachman
• Montaje: Affonso Gonçalves
• Productora: Participan Media, Killer Films.

SINOPSIS

Robert Bilott (Mark Ruffalo) es un abogado que trabaja para un gran bufete, defendiendo a grandes corporaciones dedicadas a productos químicos. Un día recibe la visita de Wilbur (Bill Camp), el cual le insta a que revise una grabaciones sobre la planta de residuos de la empresa DuPont, la cual vierte sus productos al agua de la ciudad.

CRITICA

La verdad es que a una se le pone la piel de gallina cuando se tratan estos temas, es decir, aquellos en lo que se refleja la máxima impunidad de todas las industrias. Ya que lo que importa es producir y producir, sin importar las consecuencias y después, no asumir la consecuencia de sus actos y la forma de acallar a todos aquellos que sacan a la luz todos estos trapos sucios.

La idea principal (más allá de poner en conocimiento al espectador sobre lo ocurrido) es reflejar el sentido moral de las personas hasta donde es capaz de llegar por, no solo descubrir la verdad, sino por no destruir la vida de miles de personas solo por se cada vez más ricos. Muchas veces se habla sobre la moral, pero realmente no se profundiza en ella lo suficiente para ver que se vive en una sociedad cada vez más capitalista e individualista y que, pisar y hundir a los que tienen menos recursos, está a la orden del día, pero hay impasibilidad.

Se refleja en esta película como un hombre cambia por completo su vida en todos los sentidos simplemente porque se da cuenta que hay algo que no está bien y que debe de investigar simplemente porque un desconocido le ha pedido ayuda. Una pregunta que nos deberíamos hacer es: ¿Qué hacemos cuando alguien de nuestro entorno, o un desconocido, nos pide ayuda?, ¿le atendemos al momento?, ¿pasamos de largo?, ¿lo dejamos para más adelante? Son preguntas que sabemos responder pero que, a la hora de la verdad, no somos capaces de realizar, sobre todo cuando aparecen intereses, en este caso se ve reflejado cuando Robert decide demandar a DuPont, sabiendo que ha dado trabajo a miles de personas y que a su vez, las está matando de forma silenciosa pero dolorosa.

Por otro lado, a medida que se va desarrollando la historia, se ve de una forma clara como los personajes se encuentran frustrados ante la imposibilidad de poder cerrar el asunto y pasar página. Porque, si se pueden parar las muertes, los engaños, los sobornos; se vería todo mucho más claro. Lo que intenta en definitiva es que el espectador se para a reflexionar, sin aleccionar.

Puestos ya a concluir, siempre se ha dicho que Estados Unidos es un país libre y en el que mejor se vive. Pues, gracias a todas las normativas Europea en materias de salud, se evita que ocurran este tipo de desgracias, ya que, en el gran país americano, en muchas aspectos sanitarios o que afecten a la salud de los ciudadanos, la legislación no protege a nadie.

Calificación personal: 8.5

Ed Wood (1994)

 

• Dirección: Tim Burton
• Año: 1994
• Género: Biográfico
• Intérpretes: Johnny Depp, Martin Landau, Sarah Jessica Parker, Lisa Marie Smith, Bill Murray, Patricia Arquette, Jeffrey Jones, Max Casella, Mike Starr.
• Guión: Scott Alexander, Larry Karaszewski
• Música: Howard Shore
• Fotografía: Stefan Cpazky
• Vestuario: Colleen Atwood
• Montaje: Chris Lebenzon
• Productora: Touchstone Pictures

SINOPSIS

Ed Wood (Johnny Depp) es un joven director que sueña trabajar en Hollywood, pero sacar adelante sus proyectos es algo costoso, sobre todo por su extraña forma de ver el cine. Al conocer a Bela Lugosi (Martin Landau), cree que de alguna forma se le abrirán más puertas. Pero esa unión entre una vieja estrella y un director sin visión, no es una buena combinación.

CRITICA

Creo que en más de una crítica, he comentado los pormenores del cine de Hollywood, es decir, de todas esas maravillas que no intentan vender o nos han vendido con el paso de los años, y que la final ha sido una cosa totalmente diferente. También, como muchas veces cuando se ha estrenado una película, ese año fue un sonado fracaso pero, con el paso del tiempo se ha ido revalorizando e incluso han aparecido adeptos y, se ha terminado por convertir en película de culto. Es en parte lo que intenta reflejar Ed Wood sobre la caída (sin llegar al auge) del peor director de todos los tiempos (con el permiso de Tommy Wiseau y Uwe Boll, aunque estos dos están casi a la par).

Claramente lo que se refleja en la película es la ineptitud más absoluta a la hora de dirigir una película, pero yendo más allá, la escritura de un guión, los efectos especiales, los decorados, etcétera. A pesar de que muchas veces hubiese impedimentos de tipo económico o de otra índole, afectando al final a la calidad del producto. Más allá de mostrar a una persona excéntrica que le gusta vestirse de mujer, refleja en cierto modo esa cara que Hollywood no te quiere enseñar y que, esos que fueron grandes estrellas, fueron relegados al ostracismo más absoluto.

Se observa como una gran estrella como fue Bela Lugosi (magnífica la interpretación de Martin Landau sobre este actor) como pasó de ser un filón para películas de terror (junto al gran Boris Karloff) terminó sus días prácticamente en la indigencia, arruinado, drogadicto y cuyo sueño consistía en poder seguir actuando y se sentía totalmente relegado. Por otro lado, se observa el ritmo frenético de los estudios (especialmente en la época dorada) y lo que costaba realizar una película. Si bien es cierto que estos estudios, aceptaban muchas veces cualquier guión con tal de no estar parados y que otro estudio no les comiese la tostada con las películas estrenadas. Con el paso del tiempo, salió a la luz los contratos con los que amarraban a actrices, actores y directores; realizando muchas veces proyectos bodriosos, arruinando sus carreras. Sin ir más lejos, hoy en día se sigue realizando, pero con otros aspectos mucho más personales.

Toda la atmósfera se refleja mu bien no solo por haber sido rodada en blanco y negro (como lo eran la gran mayoría de las películas de esa época) sino por esos decorados torpes, ese maquillaje nefasto y todo el attrezzo que se utilizaba para las películas. Mención especial tienen los créditos iniciales y el plano inicial de Hollywood, que se ve reflejado como si fuese la maqueta de una película.

Se puede concluir con unas reflexiones. Por un lado, los sueños no se cumplen, simplemente se luchan y se trabajan para intentar conseguirlos. En segundo lugar, que en cine americano, no es oro todo lo que reluce y que al fin y al cabo, las películas cuentan historias, donde no todas son reales.

Calificación personal: 7.5

Poderosa Afrodita (1995)

 

• Título original: Moghty Aphrodite
• Año: 1995
• Género: Comedia
• Dirección: Woody Allen
• Intérpretes: Woody Allen, Helena Bonham Carter, Mira Sorvino, F. Murray Abraham, David Odgen Stiers, Jimmy McQuaid, Michael Rappaport, Jack Warden, Peter Weller.
• Guión: Woody Allen
• Música: Dick Hayman
• Fotografía: Carlo DiPalma
• Montaje: Susan E. Morse
• Productora: Miramax

SINOPSIS

Amanda (Helena Bonham Carter) convence a su marido Leni (Woody Allen) para adoptar a un niño. Transcurridos cinco años, Leni decide buscar a la madre de su hijo, al verse asombrado por su inteligencia. Cuando conoce a Linda (Mira Sorvino), la madre biológica de su hijo y descubre que es prostituta y aspirante a actriz, Leni intenta sacarla de ese mundo.

CRITICA

El cine del director neoyorkino, tiende a tocar diversos temas metiendo un toque cómico. En este caso, lo hace a través de la narrativa como si fuese una tragicomedia griega para reflejar las idas y venidas de Leni, por hacer que la madre de su hijo sea un poco mejor.

En esta película, aunque lo mezcla con esa vis cómica, refleja la situación de una mujer que tiene que salir adelante prostituyéndose, la cual dio a su hijo en adopción porque no auguraba un buen futuro para el si ella se dedicaba a esa profesión. De alguna forma, intenta no mostrar todo el lado oscuro que tiene la prostitución, sino ir más allá y como intentar salir de ese agujero.

Realmente, lo que se observa de una forma clara es como el personaje de Leni (siempre directo y sutil el gran Woody Allen) trata siempre con respeto y ternura a la prostituta Linda, sin llegar a ser condescendiente e incluso sin tildarla de tonta, ya que lo único que pretende es que ella salga de esa situación e incluso reconocer (sin decírselo a ella), que ya que su hijo tiene una buena vida, porque ella va a ser menos. También se lo merece. Todos estos aspectos se van entremezclando con momento como si tratase de una tragicomedia griega, para contar la evolución de la relación entre Linda y Leni. Momento a destacar como el director del coro griego, tiene conversaciones con Leni.

Es una película tierna e hilarante a ratos. Que muestra cierto lado humano y sensible y que trata (aunque sea de forma soslayada) diversos temas interconectados. Por otro lado, la posibilidad de que las personas puedan tener siempre, una segunda oportunidad en la vida.

Calificación personal: 7

La escuela del bien y del mal (2022)

 

• Título original: The school for Good and Evil
• Año: 2022
• Género: Fantasía
• Dirección: Paul Feig
• Intérpretes: Sofia Wylie, Sophia Ann Caruso, Laurence Fishburne, Charlize Thero, Kerry Washington, Michelle Yeoh, Jamie Flaters, Kit Young, Cate Blanchett, Patti LuPone, Robe Delany.
• Guión: David Magee, Paul Feig
• Música: Theodore Shapiro
• Fotografía: John Schwartzman
• Montaje: Brent White
• Vestuario: Renee Ehrlich Kalfus
• Productora: Netflix

SINOPSIS

Aghata (Sofia Wylie) y Sophie (Sophia Ann Caruso) son dos amigas que viven en un pueblo marginadas. Son admitidas en la famosa "Escuela del bien y del mal". Sophie es mandada a la Escuela del Mal, mientras que Agatha es recibida en la Escuela del Bien. Pensando que ha ocurrido un error, ambas lucharán para mantener su amistad a flote.

CRITICA

En la última década (aproximadamente) podría decirse que ha habido una tendencia al alza de realizar adaptaciones literarias, sobre todo aquellas que están enfocadas al público adolescente y, que de alguna forma intentar realzar los valores de la amistad y que no todo gire encontrar al príncipe azul o príncipe encantador. En este caso usan algunos personajes tradicionales de los cuentos (ya sean héroes o villanos) para sacar adelante esta historia de dos amigas.

Bien es sabido que el propósito de este tipo de películas, es única y exclusivamente entretener al espectador ( y si sale alguna moraleja, mejor que mejor). Hay que destacar que la trama no es muy elaborada y, se puede predecir con antelación parte de lo que está ocurriendo. Por otro lado, las interpretaciones están un poco sobreactuadas por parte del elenco (sobre todo de pesos pesados como Charlize Theron y Kerry Washington), lo que provoca que parte del desarrollo de la película sea un poco lento a la par que cargante.

Muchas veces, en una película, no hay que dar demasiadas vueltas a una trama que no desarrolla un mensaje profundo ya que (como se ha comentado anteriormente), solo tiene un objetivo: entretener. Y si se consigue, pues mejor. Y parece que lo consigue, pero sin grandes logros.

Calificación personal: 6