Terminator: Génesis (2015)

• Título original: Terminator: Genisys.
• Dirección: Alan Taylor.
• Año: 2015.
• Género: Acción, ciencia-ficción.
• Reparto: Arnold Schwarzenegger, Emilia Clarke, Jason Clarke, Jai Courtney, J.K. Simmons, Matthew Smith, Byung-Hun Lee.
• Guion: Laeta Kalogridis y Patrick Lussier.
• Música: Lorne Balfe.
• Fotografía: Kramer Morgenthaur.
• Productora: Paramount Pictures, Skydance Productions

SINOPSIS

Cuando John Connor (Jason Clarke), líder de la resistencia humana, envía al sargento Kyle Reese (Jai Courtney) al año 1984 para proteger a Sarah Connor (Emilia Clarke) y salvar el futuro, un inesperado giro de los acontecimientos crea una línea temporal fracturada. Ahora, el sargento Reese se encuentra en una versión nueva y desconocida del pasado, donde descubre aliados insólitos, como El Guardián, nuevos y peligrosos enemigos, y una misión nueva e inesperada: reconfigurar el futuro.

CRITICA

La saga Terminator surgió allá por lo años 80, yo todavía no había nacido y que, al igual que la saga de Star Wars (la trilogía original) marcó un hito en esa generación y muchos de esos adolescentes vieron como la segunda trilogía era un sacrilegio. Lo mismo ocurre con Terminator: Génesis, donde por sólo el afán de sacar dinero y la falta de ideas, destruyen una de las mejores sagas de ciencia ficción de la historia.

Desde mi punto de vista esta película es una falta de respeto al espectador por parte de la industria cinematográfica hollywoodiense que carente totalmente de ideas, se dedica ha hacer películas sin importar la esencia de la película y la revolución que supuso en el género de la ciencia ficción.

Como bien se lee, muestro mi total desagrado con esta película, por lo que voy a intentar no explayarme demasiado puesto que no merece más palabras de las necesarias. Un guión blando, sin gancho y con una historia demasiado confusa que hace que el espectador se pierda. Si a esto le unimos a un reparto que demuestra una química totalmente nula entre ellos y sus interpretaciones son más verdes que la hierba que crece en el campo, demuestra que la película echa humo y no sabe como apagarlo. Además, de que el Terminator interpretado por el gran Arnold Schwarzenegger se le llame abuelo, pierde una total credibilidad.

En definitiva, es una verdadera bazofia, así como el intentar hacer dos películas más (es lo que tiene previsto la productora) clama al cielo para que no se lleven a cabo y mancillen esta venerable saga. Por que, si ya la tercera parte, Terminator 3: La rebelión de las máquinas, supuso una hecatombe, esta cuarta entrega y las dos siguientes, serán un apocalipsis.

Calificación personal: 2.5

La calle de la vergüenza (1956)

• Título original: Akasen chitai
• Año: 1956
• Género: Drama
• Dirección: Kenji Mizoguchi
• Música: Toshiro Mayuzumi.
• Guión: Masahige Marusawa
• Productora: Daei Film.
• Intérpretes: Machiko Kyô, Aiko Mimasu, Ayako Wakao, Michiyo Kogure, Kumeko Urabe,Ayasuko Kawakami, Hiroko Machida, Eitarô Shindô, Sadako Sawamura,Toranosuke Ogawa

SINOPSIS

"El país de los sueños" es un burdel de las calles de Tokio con una alta afluencia de clientes. Ahí confluyen las vidas de diversas prostitutas cuyo sueño es salir de allí pagando su deuda. Pero ven que su sueño está lejos y su vida se verá truncada cuando no vean una salida clara.

CRITICA

Para mí el cine japonés (en este caso) era un completo desconocido hasta hace bien poco. Si bien es cierto que conocía al director Akira Kurosawa y su filmografía, pero nunca he visto ninguna de sus películas. Este descubrimiento, y en concreto de La calle de la vergüenza, me ha hecho replantearme la manera de ver cine y estar abierta a visionar películas procedentes de otros países.

Siempre se habla de la prostitución de mala manera, puesto que siempre se comenta que antes que dedicarse a ese "trabajo" pueden hacer cualquier otro; por lo que tendemos a juzgar antes de entender las diferentes situaciones que hacen que estas mujeres tengan que optar por esta alternativa. De esta forma la película muestra esta perspectiva de mujeres que han tenido que prostituirse debido a la Segunda Guerra Mundial y, como siempre hay alguien que se aprovecha de las desgracias ajenas para sacar dinero.

Las protagonistas son diversas mujeres con vidas completamente diferentes y que muestran en la historia que es lo que ha llevado a estas mujeres a tomar esa decisión. El caso de una de ellas (con un hijo) tiene que prostituirse porque su marido está enfermo y necesitan dinero para pagar sus tratamientos y, frente a este echo el marido se siente culpable y lo único que desea es que su mujer lo deje cuando pague su deuda con la dueña del burdel. Otra de las prostitutas se queda viuda y con sus suegros enfermos y, decide dejarles a su hijo y poder ayudar a los tres; por desgracia el destino final de esta prostitua es muy triste (el cual no voy a revelar). Y así un sinfín de mujeres condicionadas a pagar una deuda contraída y para ello, tienen que pagarla con su cuerpo.

También hay que destacar que nunca conseguirán parar su deud, porque ellas envejecen y los hombres las rechazan debido a su vejez, lo que también les causa un profundo rechazo a ellas mismas y a la vez, su propia consciencia de que nunca van a salir de ese agujero.

Cuando vemos esto en la sociedad, nos escandalizamos, pero hay que distinguir aquellas que lo hacen por necesidad o engañadas por proxenetas a, aquellas que lo hacen sólo por tener lujos y todos lo que les apetezcan, denigrando aún más la valía de muchas mujeres que luchan por sobrevivir por necesidad a sobrevivir sólo para el lujo.

Es una película que impacta ende principio a fin y que no deja indiferente al espectador y que le va ha hacre plantearse preguntarse realmente lo que a veces uno tiene que hacer para sobrevivir y que no se debe juzgar sin conocer. Que pena que su director, Kenji Mizoguchi, no puede se ver el estreno de su película, porque falleció antes del estreno.


Calificación personal: 9.5

Dando la nota 2: Aún más alto (2015)

• Título original: Pitch perfect 2. 
• Dirección: Elizabeth Banks. 
• Año: 2015. 
• Género: Comedia, musical. 
• Reparto:Anna Kendrick, Elizabeth Banks, Rebel Wilson, Brittany Snow, Alexis Knapp, Hailee Steinfeld. 
• Guión: Kay Cannon
• Montaje: Craig Alpert
• Fotografía: Jim Denault
• Producción: Elizabeth Banks, Kay Cannon, Paul Brooks, Jeff Levine.
• Productora: Gold Circle Films

SINOPSIS

Han pasado tres años desde que las Bellas se convirtieron en el primer grupo completamente femenino en ganar un título nacional gracias a sus voces, su estilo y su fortaleza. Pero cuando son expulsadas después de un escandaloso acontecimiento que amenaza con hacer descarrilar su último año en la Universidad Barden, las tricampeonas empiezan a preguntarse si la armonía no las habrá abandonado.

CRITICA

He de admitir que a la primera película le puse la calificación de un 5, pero esta secuela le ha superado con creces en todos los aspectos. El guión es mucho más fresco, se centra más en las canciones y los gags son mucho más entretenidos que los de la primera entrega.

Sabiendo que es una película simple y cuyo argumento es sencillo, hace que el espectador pase un rato entretenido no sólo por los números musicales sino también porque el espectador ya conoce a las protagonistas y simpatiza más a lo que se dedican las mismas.

Como ya comento en muchas de las críticas, no es una historia que tenga un trasfondo que tenga que ser analizado y no merece mucha más explicación. Sólo comentar al respecto que la película está dirigida por una mujer, escrita por una mujer e interpretada (en su gran mayoría) por mujeres. Lo que demuestra que hay un gran potencial de las mujeres en la industria del cine.

Lo único que le aconsejo al espectador, es que disfrute y se relaje a la hora de ver esta película y que de vez en cuando, tarareé alguna que otra canción.


Calificación personal: 7.2

Grupo 7 (2012)

• Dirección: Alberto Rodríguez.
• Año: 2012. 
• Género: Acción, thriller, policiaco, drama.
• Interpretación: Antonio de la Torre, Mario Casas,  Inma Cuesta, José Manuel Poga, Joaquín Núñez , Julián Villagrán, Estefanía de los Santos, Alfonso Sánchez, Carlos Olalla, Lucía Guerrero. 
• Guion: Rafael Cobos.
• Producción: José Antonio Félez y Gervasio Iglesias. 
• Música: Julio de la Rosa.
• Fotografía: Alex Catalán.
•  Montaje: José M.G. Moyano. 
• Dirección artística: Pepe Domínguez. 
• Vestuario: Fernando García. 
• Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

SINOPSIS

El grupo lo componen: Ángel, un joven aspirante a inspector, inteligente y compasivo; Rafael, un policía expeditivo, contundente y arrogante; Miguel y Mateo, los socarrones del grupo, capazces de las mayores brutalidades, pero también de inesperadas muestras de ternura. Para el Grupo 7 no existe la delgada línea que separa los recursos poco éticos de los abiertamente ilegales. Su modus operandi: violencia, coacciones, mentiras y medias verdades… todo vale.

CRITICA

Es una película arriesgada no sólo por introducir la historia en una parte negra de la historia de España, sino porque en el cine español se pueden hacer thrillers de buena calidad y que mantenga pegado al espectador a la pantalla.

Me pareció un tema interesante a tratar, no sólo por el riesgo, sino también porque trataron el tema de la corrupción de una manera clara. No sólo se trata a nivel económico, sino también aquella que puede llegar a afectar a nivel personal y emocional sin saber discernir muchas veces lo que está bien de lo que está mal, pudiéndote convertir en un monstruo. Esto es lo que le pasa a los protagonistas, que cuando caen en desgracia, se dan cuenta de que el poder es una sensación de superioridad y a la vez sienta bien, y que cuando se pierde, hubiesen preferido estar en la ignorancia del mismo o como se encontraban al principio.

Es un guión bien planteado y con una historia bastante atractiva, pero a medida que se va desarrollando la misma, va perdiendo fuelle llegando a resultar un poco pesada y acaba perdiendo su atractivo; a su vez mezclan varios temas policiales sin quedar muy claro cuál es el objetivo que desea enfocar y muchas veces sin poder relacionarlos con los personajes. Me pareció lo más reseñable negativamente hablando, perdiendo una de las esencias de la película.

En cuanto a la ficha técnica, el director Albeto Rodríguez realiza un buen trabajo mostrando unos planos de la vida de cada personaje mostrando así el alma de los mismos. En cuanto al reparto, él siempre inmejorable Antonio de la Torre, que construye un personaje fuerte y sólido; en cuanto a Mario Casas, no le veo nunca en una película en la que demuestre su capacidad actoral, siendo desde mi punto de vista un mal actor y que hace poco creíble al personaje que interpreta, a la vez que lo hace de manera forzada. Comentar por último que los actores, sobe todo los andaluces, deben de vocalizar mucho mejor porque de esta forma se pierde mucho la esencia.

Recomendaría esta película, pero no me acaba de convencer los suficiente como para considerarla como una buena película, puesto que cuando el guión es un caos y no sigue una línea firme, no llega a generar una buena sensación en el espectador.


Calificación personal: 6.3

La gata sobre el tejado de zinc (1958)

• Título original: Cat on a hot tin roof
• Año: 1958
• Género: Drama
• Dirección: Richard Brooks
• Intérpretes: Elizaberth Taylor, Paul Newman. Burl Ives, Jack Carson, Judith Anderson, MAdelleine Sherwood.
• Guión: Richard Brooks, James Poe.
• Música: Charles Wolcott
• Montaje: Ferris Webster
• Productora: MGM

SINOPSIS

Brick (Paul Newman) vive sumido en la tristeza y el alcohol tras la muerte de su amigo Skipper. Su mujer Maggie (Elizabeth Taylor) nota el desprecio de su marido por no querer tener hijos con ella, lo que la hace estar a la defensiva de Brick. La situación se vuelve aún más tensa cuando tienen que pasar unos días en la casa de los padres de Brick por el cumpleaños del patriarca. Pero esta situación, va a traer muchos más problemas de los que existen en realidad.

CRITICA

Una película muy intensa que debe ser analizada de principio a fin, no sólo por la gran actuación por parte de los actores; sino también de un guión intenso y trepidante que permite indagar al espectador en la historia que se esconde detrás de la obra de Tennesse Williams.

La película está basada en la obra de dicho autor del mismo nombre, donde se muestran todas las frustraciones y traumas que sufrió Tennesse a lo largo de su vida. Uno de esos problemas fue la declaración de su homosexualidad que quedó patente en su obra pero que se suavizó en la película, pero donde él, en muchas de sus obras intentaba mostrar el hecho de tener que vivir con unos padres muy estrictos.

La relación paternofilial se plasma muy bien en la película, donde el resquemor se hace evidente y Brick reclama el amor que nunca ha tenido. No aquel que se compra con cosas o parabienes, sino aquel en el cual necesitas tener a tu padre a tu lado en los buenos y malos momentos. Donde uno de los malos momentos es la pérdida de su mejor amigo y donde el padre le ignora por completo ya que el padre prefiere dejar de lado los problemas en vez enfrentarse a ellos.

Otro de los problemas latentes es la relación enfrentada con su mujer, donde no hace falta oír insultos sino los comentarios despectivos que se hacen unos a otros por el odio que se tienen mutuamente, y que ambos se culpan entre ellos por la muerte de Skipper. Se rumoreó que en esta parte de la obra, aparecía de manera latente la homosexualidad de Brick, pero decidieron cambiar la temática porque se querían centrar más en los sentimientos encontrados de los personajes.

En cuanto al reparto, todos están inmensos pero el careo de Paul Newman y Elizabeth Taylor es espectacular, donde la química en relación al odio se hace latente. Desde mi punto de vista en mabos actores, son los mejores papeles de sus carreras y muestran su alma actoral. Durante el rodaje, el tercer marido de Liz Taylor falleció, pero consiguió sacar una de sus mejores actuaciones junto a la que hizo en la película ¿Quién teme a Virginia Wolf?

Qué decir de una película que es imprescindible en toda filmografía de un buen espectador que se precie, así como todas las obras del gran Tennesse Williams que se llevaron al cine como Un tranvía llamado deseo, Dulce pájaro de juventud y De repente, el último verano. Todas necesarias para entender a uno de lso mejores escritores del siglo XX.

Calificación personal: 10

No hay dos sin tres (2014)

• Título original: The other woman.
• Dirección: Nick Cassavetes.
•  Año: 2014.
•  Género: Comedia. 
• Interpretación: Cameron Diaz, Leslie Mann, Kate Upton, Nikolaj Coster-Waldau, Taylor Kinney, Nicki Minaj, Don Johnson. 
• Guion: Melissa K. Stack. 
• Producción: Julie Yorn.
• Música: Aaron Zigman. 
• Fotografía: Robert Fraisse. 
• Montaje: Jim Flynn y Alan Heim. 
• Diseño de producción: Dan Davis.
• Vestuario: Paolo Nieddu y Patricia Field. 
• Distribuidora: Hispano Foxfilm.

SINOPSIS

Tras descubrir que su novio está casado, Carly Whitten (Cameron Diaz) trata de volver a encauzar su vida. Pero cuando conoce a la mujer con la que la engañaba, se da cuenta de lo mucho que tienen en común y así su mayor enemiga se convierte en su mejor amiga. Y cuando las dos descubren que tiene otra amante más, las tres mujeres se alían para planear la venganza contra el mentiroso que las ha engañado a todas.

CRITICA

Como comenté en la crítica de la película Mil maneras de morder el polvo, es bastante complicado hacer una comedia y no caer en lo absurdo ni en chistes fáciles. Y ésta es una de esas películas que pasan sin pena ni gloria y que en un futuro nadie recordará.

Como creo que saben por donde va a ir encaminada mi crítica hacia esta película, voy a ser lo más escueta y directa posible. Es una película totalmente nefasta rozando lo catastrófico, sin olvidar unas actuaciones excesivamente forzadas y llegando a ser bastante estúpidas. Por lo que al final queda una película insulsa y que pasa al montón de películas para el olvido.
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Lo que más me ha disgustado es que el director, Nick Cassavetes, que viene de hacer películas con trasfondo como Alpha Dog, El diario de Noa, La decisión de Anne y Querido John, se dedique ha hacer este tipo de películas bajando su caché bastante. Para hacer esto se debe a falta de dinero y para ello coge cualquier proyecto; como ya le pasó a Edward Zwick con Amor y otras drogas (crítica hecha en este blog).

Si también tenemos en cuenta, que el reparto hace lo mismo que el director como Cameron Diaz siempre intenta salir del paso económicamente con este tipo de películas, Leslie Mann está en el mismo camino que la anterior, cuya interpretación es forzada y parece una niña pequeña más que una adulta. En el caso de  Nikolaj Coster-Waldau, intenta salir del encasillamiento de Juego de tronos, realizó buenas películas como Mama o Headhunters y, se planta para hacer esta película. Lo que demuestra en definitiva que casi la totalidad de los actores se mueve por el dinero.

Como he dicho, a nivel artístico de la película no he hecho comentarios relevantes, por lo que el espectador se puede ahorrar su valioso tiempo en ver una película que ni siquiera le va a aportar un mínimo de risas aceptables.


Calificación personal: 3

Alemania año cero (1948)

• Título Original: Germania, anno zero
• Año: 1948
• Género: Drama
• Dirección: Roberto Rossellini
• Guión: Roberto Rossellini
• Intérpretes: Edmund Moeschke, Franz Otto-Krüger, Ingertraud Hinze, Ernst Pittschau.
• Música: Renzo Rossellini.
• Montaje: Eraldo Da Roma.
• Productora: UGC.

SINOPSIS

Berlín, año 1945. Edmund, un niño de 12 años intenta conseguir dinero para ayudar a su familia. Su padre está enfermo, su hermana es acusada de prostituirse y su hermano, está en búsqueda por su relación con el régimen de Mussolini. Mientras tanto, el reencuentro con un profesor que le daba clase, le hace a Edmund plantearse su forma de vida.

CRITICA

Última película del tríptico que hizo Rossellini sobre la Segunda Guerra Mundial que comenzó con Roma, ciudad abierta, posteriormente continuó con Camarada y por último, Alemania año cero. Siendo ésta última, la más cruda de estas tres sin dejar una cabida a la esperanza.

Ésta película, la escribió Rossellini con motivo de la muerte de uno de sus hijos, que le dejó profundamente tocado. Ese sentimiento lo reflejó en el niño, protagonista de la historia, que no sólo está harto de la situación de la posguerra, sino también de todo y de todos que le impiden tener una infancia un poco digna a pesar de la desesperación del país.

No sólo refleja lo que el niño siente y padece, también la aparición de un antiguo profesor, claramente pedófilo, que quiere llamar la atención de Edmund para que más tarde o más temprano pueda caer en sus redes, comenzando pues con una idea fatídica de que a lo mejor su padre tiene que tener un destino fatal. Este es otro de los dilemas que se le plantean a Edmund: quiere a su padre pero a la vez es una tediosa carga, entonces ¿qué pasa si sólo tuviesen que sobrevivir los más fuertes¿, ¿por qué los débiles siempre tienen que ser una carga en momentos de pobreza? Todo esto, no sólo afecta a Edmund, sino también su despertar sexual a través de una niña huérfana que sobrevive a partir de la prostitución.

Estos interrogantes hacen que Edmund pase brúscamente de una infancia que desea ardientemente mantener, a una etapa adulta a la que le obligan a entrar y de la que luego se arrepentirá, ya que se ve reflejado en el final tan impactante. 

Todo esto hace que el espectador se escandalice, porque muchas veces el escándalo no se tiene que producir de una manera brusca y violenta, sino con imágenes que demuestren que previo a la violencia, siempre está el contacto. Y esto es lo que hace Rossellini, el cual se sirve de imágenes y acciones concretas para demostrar que los hechos más devastadores, pueden llegar a acabar con todo lo bueno, puro e inocente que tiene el ser humano. Y que, por un pequeño acto, el ser humano puede llegar a ser corruptible y pasar a una etapa a la que todavía no está preparado.

Mucha gente criticó esta película por su dureza explícita, pero hay que ver el trasfondo de lo que fue realmente una guerra y, que el dolor nos puede atravesar duramente el corazón y cambiar nuestro modo de ver las cosas y, de cambiar nuestra conciencia. Por eso, recomiendo que esta película merece un buen visionado y que no dejará al espectador indiferente.

Calificación personal: 9.5

(NO HAY TRAILER DISPONIBLE)

Mil maneras de morder el polvo (2014)

• Título original: A Million Ways to Die in the West. 
• Dirección: Seth MacFarlane.
• Año: 2014. 
• Género: Comedia, western.
• Interpretación: Seth MacFarlane, Charlize Theron, Amanda Seyfried, Giovanni Ribisi, Neil Patrick Harris, Sarah Silverman, Liam Neeson. 
• Guion: Alec Sulkin, Seth MacFarlane y Wellesley Wild.
• Producción: Scott Stuber, Seth MacFarlane y Jason Clark. 
• Música: Joel McNeely. 
• Fotografía: Michael Barrett. 
• Montaje: Jeff Freeman. 
• Diseño de producción: Stephen J. Lineweaver. 
• Vestuario: Cindy Evans. 
• Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

SINOPSIS

Después de que Albert se eche atrás en un duelo de pistolas, su novia le deja por otro. Es entonces cuando aparece en su vida una mujer que le ayudará a encontrar el valor. Pero cuando empiezan a enamorarse, llega el marido, un conocido forajido, decidido a vengarse. El ovejero no tendrá más remedio que poner a prueba su recién encontrado coraje.

CRITICA

Hacer una buena comedia, es demasiado difícil. Pero hacer una comedia que simplemente te haga reír y pasar un buen rato es complicado, puesto que muchas veces se puede acabar en lo peyorativo, en chistes sin gracia y, hacer una historia rocambolesca sin ningún tipo de sentido. Pero esta película (dentro del género que le corresponde) mantiene un buen pulso con el espectador para que éste no se aburra.

La historia es sencilla con el comienzo de un pastor de ovejas, que quiere ser algo más en la vida y que acaba cumpliendo dicho fin. En medio de su hazaña, se suceden situaciones cómicas a la vez que escatológicas (sin rayar en lo obsceno), así como momentos muy hilarantes que generan unas buenas risas en el espectador. Esto es complicado, puesto que como he comentado antes, la comedia está de capa caída porque se ha caído en el chiste fácil y absurdo y dando por válido muchas veces, comentarios ofensivos.

Si consigues una buena combinación de chistes, historia y un buen plantel. Es lo que le ha pasado a esta película, puesto que detrás de esta historia está Seth McFarlane que saltó a la fama gracias a Padre de familia y American Dad y, que en el 2012 saltó al cine con la irreverente  Ted (y su secuela en el 2015) y pareció dar con el gancho. A este proyecto se le sumó el actor Neil Patrick Harris  que sabe solventar situaciones cómicas, y actores veteranos que han tocado menos este género como Charlize Theron o Liam Neeson, pero que saben enganchar bien al público.

Se dice que Seth McFarlene es el nuevo relevo de la comedia, puesto que los veteranos (sobre todo Adam Sandler) han caído en chistes bajos, que no hacen gracia al espectador y que vale cualquier cosa con tal de sacar dinero, independientemente del talento y calidad.

Desde mi punto de vista, dentro de su género consigue un buen honroso notable y, que al igual que el género de la comedia romántica, está de capa caída y no salen buenas producciones, por lo que hay que ir con cautela. Pero, si el espectador quiere pasar un buen rato, tiene carcajadas aseguradas.

Calificación personal: 7

Ahora o Nunca (2015)

• Dirección: María Ripoll.
•  Año: 2015. 
• Género: Comedia romántica. 
• Interpretación: Dani Rovira, María Valverde, Clara Lago, Gracia Olayo, Joaquín Núñez, Jordi Sánchez, Melody Ruiz, Yolanda Ramos.
• Guión: Jorge Lara, Francisco Roncal.
• Fotografía: Pau Esteve Birba.
• Productora: Canal + España, AXN, Atresmedia Cine.

SINOPSIS

Eva y Alex son una pareja que, tras años de noviazgo, decide casarse en el lugar en el que se enamoraron, un pequeño pueblecito de la campiña inglesa, pero una huelga de controladores impide que el novio y los invitados se reúnan con la novia y su séquito. 

CRITICA

A veces, el cine español no aprende ni sabe aprovechar bien las oportunidades que se le brindan y, habiendo mejorado mucho sobre todo en los últimos diez años. Es lo que realmente le ha pasado a esta película, que para desgracia lo pagan hasta los actores.

Esta película intenta seguir el éxito y la estela que empezaron películas como A 3 metros sobre el cielo u 8 apellidos vascos y su actual secuela, 8 apellidos catalanes. Y realmente, el tiro le ha salido por la culata, donde la historia llega a sabotear hasta al reparto. A su vez, muchos de los actores fuerzan la interpretación y los chistes notándose que la historia no fluye.

De esta forma, también intenta emular el estilo de las comedias románticas de Hollywood que no encajan de manera correcta con el estilo de vida español y, donde el término de comedia romántica hacía gracia antaño, pero ahora no.

Un aspecto que queda reflejado, y que ya se vió en películas como Perdiendo el Norte u 8 Apellidos Vascos, es el uso de actores secundarios para poder paliar el error garrafal del guión, como es el caso de Jordi Sánchez, Joaquín Núñez o Yolanda Ramos. Sin embargo, la presencia de actores secundarios, no suple la carencia actoral del reparto principal, que sobre todo gira en los personajes de María Valverde y Dani Rovira, donde su química es totalmente nula y las interpretaciones forzadas.

Esta película está enfocada a un público en concreto, intentando repetir el éxito de predecesoras, pero el pero esto no es bueno para nuestra industria , puesto que el público no es tonto y ve por donde se dirigen este tipo de producciones. Por lo que no recomiendo su visionado y, ésta película pasará a la posteridad.

Calificación personal: 4

Los minions (2015)

• Dirección: Kyle Balda y Pierre Coffin.
• Año: 2015. 
• Género: Animación, comedia. 
• Doblaje original: Sandra Bullock, Jon Hamm, Steve Carell, Michael Keaton, Steve Coogan, Allison Janney. 
• Guion: Brian Lynch. 
• Música: Heitor Pereira.
• Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

SINOPSIS

Los entrañables y divertidos Minions ya tienen su propia película. Su historia se remonta al principio de los tiempos. Siempre han estado al servicio de los amos más despreciables. Ante su incapacidad para mantener a esos amos —desde el T. Rex a Napoleón—, los Minions acaban encontrándose solos. Sin embargo, uno de ellos, llamado Kevin, tiene un plan. Acompañado por el rebelde adolescente Stuart y el adorable Bob, decide lanzarse al mundo en busca de un nuevo amo malévolo a quien puedan seguir. El trío emprende un emocionante viaje para conseguir un jefe a quien servir, en realidad una jefa, la primera supervillana que jamás ha conocido el mundo, la terrible Scarlet Overkill. Pasarán de la helada Antártida, a la ciudad de Nueva York en los años sesenta, para acabar en el Londres de la misma época, donde deberán enfrentarse a su mayor reto hasta la fecha: salvar a la raza Minion de la aniquilación.

CRITICA

¡Los mini monstruos han vuelto! Y la verdad es que lo han hecho a lo grande, ya que siempre que se suele hacer algún spin-off o secuela, suele tener malas pasadas pero esta película sale airosa en su combate particular.

A diferencia de las dos películas de Gru, aquí nos muestra la historia de los Minions antes de conocer a al villano al que posteriormente se unirán. La historia es simple y muy sencilla, para nada sobrecargada pero ante todo, hay que tener en cuenta que es una película enfocada al público infantil, sabiendo que muchas veces en películas de animación no se busca que sea una buena película, sino más bien un éxito comercial.

Hay que tener en cuenta, que no siempre se puede cortar a las películas con el mismo rasero, puesto que el fin es totalmente diferente. Por lo que el fin de esta historia es entretener y que el espectador pase un buen rato, pero sin ser tedioso. Si es cierto que a mitad de película la acción empieza a decaer a mitad de la película, generando un pequeño efecto soporífero.

Sin mucho más que reseñar al respecto, puesto que desde mi punto de vista, este tipo de películas las enfoco al más absoluto entretenimiento y diversión. Desde mi punto de vista, lo va a tener complicado a la hora de ganar premios, puesto que competirá con La oveja Shaun y Del revés (Inside Out).

Calificación personal: 6.7

Psicosis (1960)

• Título Original: Psycho
• Año: 1960
• Dirección: Alfred Hitchcock
• Intérpretes: Anthony Perkins, Vera Miles, John Gavin, Janet Leigh, John McIntire.
• Guión: Joseph Stefano
• Música: Bernan Herrman
• Fotografía: John L. Russell
• Productora: Paramount Pictures

SINOPSIS

Marion Crane (Janet Leigh), tras cometer un pequeño robo contra su jefe, decide huir con el dinero para empezar una nueva vida. Tras conducir durante horas y, con una intensa lluvia decide alojarse en un motel de carretera regentado por Norman Bates (Anthony Perkins) y su madre.

CRITICA

Cómo decirlo... ¡Normal que sea unas de las cien películas de todos los tiempos! Realmente soberbia toda ella, desde una interpretación muy solvente por parte de todo el reparto, como de un guión, banda sonora y dirección espectaculares.

Al igual que ya comenté en la crítica de Vampyr, es que Psicosis conecta también con nuestros miedos al mostrarnos en la película de lo que somos capaces de hacer sin importarnos las consecuencias. Y cómo los traumas, o las cosas mal hechas, nos acaban persiguiendo y no podemos huir de ellas.

Es una película que merece ser desmenuzada parte a parte para llevar un análisis exhaustivo. Lo primero es analizar todos y cada uno de los planos, ya que Hitchcock nos va sorprendiendo con planos cenitales, contrapicados unidos a metáforas (por ejemplo cuando aparece un contrapicado enfocando a Anthony Perkins y aparecen las aves disecadas como si le estuvieran observando). Segundo, la famosa escena de la ducha, ésa en la que la protagonista muere y no se le dilatan las pupilas.

En aquella época, no se permitían hacer desnudos en la película y, para poder llevar a cabo la escena de la ducha, Hitchcock iba metiendo elementos sorpresa a lo largo de la película; como la aparición del inodoro, siendo Psicosis la primera que introdujo un urinario. En esta escena también aparece una metáfora, la cual es que ella escribe una carta para confesar el robo, tirando los papeles al retrete y tirando de la cadena, se puede interpretar que "desagua" su culpabilidad y que no hay nada que la vaya a detener.

Explicar muchos de los detalles de manera escrita es complicado ya que, se debería hacer un coloquio después del visionado para así no perder detalle alguno y, saborearla aún más. y así poder unir al diálogo la interpretación de un fantástico Anthony Perkins que borda su papel y, que posteriormente fue una losa para él. Janet Leigh, que después de la escena de la ducha, estuvo más de dos semanas sin ducharse por el miedo que había cogido al rodar la escena. Qué decir de esa banda sonora que mantiene en suspensión al espectador y los muy logrados títulos de crédito del gran Saul Bass (gran colaborador del director)

Desde mi punto de vista, la considero una de las 10 mejores películas de la historia, aunque me entristece que Hitchcock sólo recibiese un triste Oscar honorífico a toda su carrera, siendo el maestro del suspense. Merece realmente la pena, ver esta gran obra maestra.

Calificación personal: 10

Black Mass (2015)

• Dirección: Scott Cooper
•  Año: 2015.
• Género: Biopic, thriller.
• Reparto: Johnny Depp, Joel Edgerton, Benedict Cumberbatch, Kevin Bacon, Jesse Plemons, Peter Sarsgaard, Dakota Johnson, Corey Stoll, Juno Temple, Adam Scott.
• Guión: Mark Mallouk, Jez Butterworth
• Montaje: David Rosenbloom
• Música: Tom Holkenborg
• Fotografía: Masanobu Takayanagi
• Productora: Warner Bros, Cross Creek Pictures

SINOPSIS

En los años 70, en el sur de Boston, el agente John Connolly (Joel Edgerton) convence al gánster irlandés, James “Whitey” Bulger (Johnny Depp), para que colabore con el FBI para eliminar a un enemigo en común: la mafia italiana. Este drama cuenta la historia real de esta alianza infernal, que se volvió incontrolable, permitiendo a Whitey evitar a la ley, consolidar su poder y llegar a ser uno de los mafiosos más implacables y poderosos de la historia de Boston.


CRITICA

No sorprende que unas cuantas veces al año, Holywood realice biopics de personajes relvantes para intentar colarse en los nominaciones de los Globos de Oro y de los Oscars y, donde Black Mass, no intenta ser menos contando la historia del mayor gángster de la historia americana (raro, ya que dejan fuera a Al Capone).

Este película no se queda atrás a la hora de reflejar la historia de uno de sus criminales más famosos como ya pasase con John Dillinger en la película de Enemigos públicos (interpretada también por Johnny Depp) y, que nos quiere mostrar como se mueven los gángsteres y la actuación del FBI ante estas redes criminales.

La historia es interesante si se tiene en cuenta el género que es y no es una historia profunda con la que el espectador se pueda identificar. El guión tiene una cierta solidez pero no llega a alcanzar un clímax con el cual el espectador sienta curiosidad por saber más la historia del protagonista y, a lo mejor hubiese sido bueno intentar conocer más el plan de acción por parte del FBI.

La historia es demasiado lineal que incluso la interpretaciones suelen ser demasiado insulsas para ser un reparto coral y con cierto renombre en la industria cinematográfica intentando tomar en serio una historia que va perdiendo dicha seriedad a medida que avanza la propia historia.

A pesar que Johnny Depp hace esfuerzo ímprovos por recuperar el "caché" de antes, tras los últimos fiascos, no es desdeñable su interpretación. El resto del reparto está muy formal, pero he de reconocer que el actor Joel Edgerton me parece un actor pésimo y, que fuerza demasiado su actuación llegando a parecer a un chulo más que a un agente del FBI.

Queridos espectadores, el crimen no compensa. Al menos a la larga, porque aquí nos siguen invitando para ver como se vive al margen de la ley. Y con aspiraciones. Por lo que si no tienen estas aspiraciones, pueden pasar sin verla.


Calificación personal: 5.9

Vampyr (1932)

• Dirección: Carl Theodor Dreyer
• Año: 1932
• Intérpretes: Julian West, Maurice Schutz, Rena Mandel, Sybille Schimtz, Albert Bras, Jane Mora, Henriette Gerard, Georges Boidin.
• Guión: Christine Jul, Carl Theodor Dreyer
• Música: Wolfgag Zeller
• Sonido: Hans Bittman
• Fotografía: Rudolph Maté
• Montaje: Carl Theodor Dreyer, Tonka Taldy.
• Producción ejecutiva: Carl Theodor Dreyer, Julian West, Christine Jul.

SINOPSIS

Un joven granjero llamado Allan Gray, se aloja en un misterioso castillo en el cual empieza a tener constante pesadillas hasta que, descubre a una joven que ha sido atacada por un vampiro con forma de bruja. Desde ese momento, intenta ayudar a la joven para que no sucumba a la oscuridad.


CRITICA

Espeluznante película que muestra los verdaderos miedos del ser humano, que es lo que de verdad nos acaba produciendo terror donde, no deja indiferente al espectador y provoca su inmersión total en la trama de la película.

Dentro de la filmografía de Dreyer, en su época fue muy infravalorada lo que llevo al director a retirarse durante 9 años hasta que rodó su siguiente gran película. En esta película lo que intenta es que el ser humano ahonde en sus mayores miedos y tormentos que es lo que realmente no le deja avanzar. Esto se ve reflejado a medida que avanza la película, pero sobre todo en un plano subjetivo que nos muestra como el protagonista está despierto y consciente pero no puede hacer nada por "despertar".

Hoy en día se suelen asociar a las película de terror estigmas sobre fantasmas, espíritus o monstruos pero, la esencia verdadera radica muchas veces en emplear dichos hechos para mostrar aquello que tenemos realmente oculto.

Dreyer, gran pionero del cine danés venía de rodar dos obras como El amo de la casa (habla sobre el maltrato a la mujer) y La pasión de Juana de Arco lo que supuso que con Vampyr tocara fondo (de manera injusta) y volviendo en 1943 con Días de ira, culminando su segunda etapa con la fabulosa Ordet y Gertrud. Reconocido como uno de los mejores directores europeos de la historia aunque sólo filmase seis películas.

Recomiendo a aquel espectador que le guste el cine de terror, que revise esta gran película no sólo por la historia sino, por el contexto que hay detrás de todas y cada una de las imágenes las cuales, nos transmiten aquello que más tememos y no queremos que se descubra.


Calificación personal: 8

(No hay trailer disponible)

Lava (2015)

Otra vez un corto de Pixar que se exhibe antes de ver su nueva película Del revés (Inside Out). Muestra el deseo de un volcán por conseguir el amor. Lo que suena como una historia de amor, para muchos es considerada como el peor corto de Pixar hasta la fecha (por estar demasiado"edulcorado"). Además de que, según su director, la moraleja del corto viene a decir: "ten cuidado con lo que deseas". Aunque por otro lado está inspirada en la música de un famoso cantante hawaiano llamado Iz Kamakawiwo'ole.

Magical Girl (2014)

• Dirección y guion: Carlos Vermut. 
•  Año: 2014. 
• Género: Drama.
• Interpretación: José Sacristán, Bárbara Lennie, Luis Bermejo, Lucía Pollán, Israel Elejalde , Elisabet Gelabert, Miquel Insúa, Teresa Soria Ruano, David Pareja, Eva Llorach.
• Producción: Álvaro Portanet Hernández, Amadeo Hernández Bueno y Pedro Hernández Santos. 
• Fotografía: Santiago Racaj.
• Montaje: Emma Tusell. 
• Diseño de producción: Montse Lacruz.
•  Vestuario: Iratxe Sanz.
• Distribuidora: Avalon

SINOPSIS

Alicia, una niña enferma, sueña con el vestido de la serie japonesa Magical Girl Yukiko. Luis, su padre, hará todo lo que esté en su mano para conseguirlo. Su destino se cruza con el de Bárbara, una atractiva joven con desórdenes mentales, y con el de Damián, un profesor retirado de todo menos de su tormentoso pasado. Todos ellos quedarán atrapados en una red de oscuros chantajes en la que instintos y razón se debatirán en una trágica lucha.



CRITICA

Realmente cuando la vi, me quede sin palabras. Más que nada, no sólo porque la película en sí es impactante sino; también por el efecto sinérgico que provocan las relaciones entre los diferentes personajes que (de manera indirecta) les hace aflorar lo más vil y retorcido de su interior.

Como ya pasó igual que La soledad de Jaime Rosales, Magical Girl pasó sin pena ni gloria por las carteleras españolas pero que su reivindicación en los premios Goya, la resurgió un poco de sus cenizas. Fascinada yo por dicho resurgimiento, decidí ver la película a ver con lo que me podía encontrar. Y la verdad es que me encontré una historia llena de recovecos tanto a nivel narrativo como a nivel fotográfico, sumergiéndome después en una reflexión.

Aunque para la mayoría de los espectadores les parezca lenta, aburrida y sin ningún tipo de fundamento. A veces hay que mirar un poco más allá y entender o analizar las imágenes y los planos que suelen hablar por si solas y que las apariencias engañan. Y no sólo eso, sino una gran cantidad de metáforas visuales que en un principio no causan ningún efecto, pero que después si se analizan, dan que pensar. Fue lo que me pasó a mi la verdad.

Más que nada, yo invitaría al espectador que no haya visto Magical Girl, que la viese y que intentase analizarla al cabo de unos días, a ver cual sería su impresión. Pero si es cierto, que la cinta es un poco larga y que a lo mejor se podría haber acortado un poco el metraje.

En cuanto a la ficha técnica, para mi era un completo desconocido el director Carlos Vermut y pienso que hace un buen trabajo. En cuanto al reparto coral, destacar al siempre impecable José Sacristán que deja su huella de calidad. Bárbara Lennie, que no tengo nada en contra de ella, pero sigo pensando que el Goya a la mejor actriz se lo tenía que haber llevado Macarena Gómez por Musarañas, pero su actuación está bastante correcta.

Como dato curioso, la película ha tenido mucho más éxito en Francia que en España. Por lo que se debería valorar un poco más nuestro cine y, apreciar el buen cine; donde muchas veces el éxito no tiene que estar reñido con la cantidad de dinero que se recauda, sino con la calidad.


Calificación personal: 8

Ant Man (2015)

• Dirección: Peyton Reed. 
• Año: 2015.
• Género: Acción, ciencia-ficción. 
• Reparto: Paul Rudd, Evangeline Lilly, Michael Douglas, Bobby Cannavale, Michael Peña, Corey Stoll, Hayley Atwell, Judy Greer, Jordi Mollà. 
• Guion: Joe Cornish y Edgar Wright.

SINOPSIS

Scott Lang (Paul Rudd) es un ladrón que sacará a la luz el héroe que lleva dentro para ayudar a su mentor, el Dr. Hank Pym (Michael Douglas) , a proteger el secreto que esconde su espectacular traje de Hombre Hormiga de una nueva generación de peligrosas amenazas. Dotado con la fascinante habilidad para encoger de tamaño pero aumentar la fuerza y a pesar de los obstáculos que parecían invencibles, Lang ayudará a Pym a planear y llevar a cabo un atraco que salvará al mundo.

CRITICA

Es cierto que aunque tengo alguna que otra entrada sobre críticas a películas basadas en cómics, no es un género que especialmente me entusiasme y me pierda por ir a ver una película. Pero ya que me dieron dos entradas y para el prestreno, no iba a desaprovechar la oportunidad.

Desde mi punto de vista, y con pocos conocimientos sobre los cómics, considero que es una película con mucho entretenimiento, que evita que el espectador se pierda y no se aburre gracias a los giros de guión, acompañados con ligeros toques de tensión así como muchos "gags" que mantienen esa línea de buen rollo que fluye de la película.

Además, dados a ver surperhéroes que tienen poderes o que han sufrido alguna trasformación que le ha acabado dando poderes, en el caso de Ant Man se puede ver con claridad que el protagonista aunque adquiere un tamaño diminuto no va tener superpoderes, seguirá siendo un humano más.

La verdad es que este tipo de historias no tienen demasiado trasfondo y a veces no es necesario hacer demasiado hincapié. Comentar a modo de curiosidad, que cuando se comenzó el rodaje, antes de llegar al guión y al director definitivo, se despidieron dos directores (que también eran los guionistas) provocando una restructuración de toda la historia, llegando incluso a que el protagonista (Paul Rudd) escribiera parte del guión. En definitiva, la película ha salido bastante bien parada, con buenos actores, guión sólido y momentos graciosos, que hará que el espectador pase un rato entretenido.

Calificación personal: 7

Te querré siempre (1954)

• Título Original: Viaggio in Italia
• Año: 1954
• Dirección: Roberto Rossellini
• Género: Drama
• Intérpretes: Ingrid Bergman, George Sanders, Maria Mauban, Paul Muller, Leslie Daniels, Anna Proclemer.
• Guión: Roberto Rossellini, Vitaliano Brancati, Antonio Pietragienli.
• Música: Renzo Rossellini.
• Fotografía: Enzo Serafin
• Productora: Seveva Film, Italia Film

SINOPSIS

Un matrimonio inglés viaja a Italia con el fin de vender una casa heredada. Esto les sirve para olvidar el ajetreado mundo inglés, pero al mismo tiempo empezarán a surgir sentimientos que creían olvidados.

CRITICA

Siempre había oído hablar de Roberto Rossellini, pero nunca había visto ninguna de sus películas. Y la verdad es que invita a tener una verdadera fe en la humanidad y en las segundas oportunidades e intentándolo hacer de manera trascendental.

Más allá de una historia de amor, llega a mostrar de una forma casi "real" lo que muchas veces puede llegar a ocurrir en una relación, y eso es lo que vislumbra la historia; aquellas pequeñas cosas que pensamos que son irrelevantes pero que a lo largo del tiempo alcanzan importancia y por las que, muchas veces nos acabamos lamentando y pensamos que podríamos haber hecho las cosas mejor.

Pero no sólo es aplicable en el tema de las relaciones de pareja, sino también en las decisiones que vamos tomando a lo largo de nuestra vida y que pueden muchas veces, condicionar nuestro futuro; o incluso afectar a nuestro presente.

Rossellini era muy dado ha contar historias directas, veraces y expresivas desde el punto de vista en el que se imaginaba su vida y la de los demás. También es cierto que su narrativa se veía influenciada casi en su totalidad por las experiencias personales, siendo un canto a la vida. Pero ese giro lo dio años antes cuando realizó Alemania año cero (de la que habrá una crítica más adelante) en el año 1945 tras perder a su hijo, mostrando una imagen negativa de la vida y del mundo.


Cómo último detalle Ingrid Bergman que fue musa de Rossellini hasta su divorció y que la encumbró al éxito; y considerada como una de las mejores actrices de la historia, su expresividad en esta película no pasa desapercibida llegando el espectador a mimetizarse con ella.


Te querré siempre es no sólo un canto al amor, sino a la reconciliación, al perdón y a la existencia de las segundas oportunidades.


Calificación personal: 7.2

Doce hombres sin piedad (1957)

• Título Original: 12 Angry Men
• Año: 1957
• Género: Drama
• Dirección: Sidney Lumet
• Intérpretes: Henry Fonda, Lee J. Cobb, Ed Begley, Jack Warden, Martin Balsam, John Fiedler, Billy Nelson, John Savoca, Rudy Bond, James Kelly.
• Guión: Reginald Rose
• Fotografía: Boris Kauffman
• Música: Kenyon Hopkins
• Productora: MGM, Orion Nova Productions

SINOPSIS

Doce miembros de un jurado, tienen que dictaminar que un chico ha matado a su padre. A la hora de concluir el veredicto, uno de ellos dice que es inocente. Lo que parecía un juicio fácil, se acabará convirtiendo en un intento cambio de voto llegando a sacar a la luz sus más dolorosos recuerdos y miedos.

CRITICA

Esta película pone en entredicho el sistema judicial, no sólo el americano, sino a nivel mundial. Planteando de esta manera una cuestión: ¿son realmente culpables todos los reos? o ¿se aplica de verdad la frase: "eres inocente hasta que se demuestre lo contrario"?

Son preguntas morales totalmente válidas, incluso cuando se vislumbran indicios claros de haber cometido una atrocidad. Pero esta historia, nos intenta mostrar que hay que usar el raciocinio antes que los sentimientos, puesto que nos pueden jugar una mala pasada. Es lo que les pasa a 11 de los 12 miembros del jurado que, arrastrados por sus sentimientos, se inclinan hacia la culpabilidad.

Cada uno de los miembros muestra su opinión por la culpabilidad (inclinado por el personaje de Henry Fonda que está sublime) por aquel que piensa que no es culpable. A medida que cada uno de ellos muestra "su verdadera" opinión. El espectador se da cuenta de que los sentimientos personales interfieren en el veredicto, lo que lleva a un trepidante desarrollo de la trama.

En esta película, mi crítica es muy escueta puesto que si sigo escribiendo más, puede que acabe destripando la película y quite el sentido de la misma y no sea una gran obra maestra del siglo XX.

Calificación personal: 9.2