La sociedad de la nieve (2023)

 

• Dirección: Juan Antonio Bayona
• Año: 2023
• Género: Hechos reales
• Intérpretes: Enzo Vogrincic, Matías Recalt, Agustín Pardella, Felipe González Otaño, Luciano Chatton, Valentino Alonso, Francisco Romero, Agustín Berrut, Andy Pruss, Manuela Olivera, Simón Hempe, Juan Caruso.
• Guión: Juan Antonio Bayona, Bernat Vilaplana, Jaime Marques, Nicolás Casariego.
• Música: Michael Giacchino
• Fotografía: Pedro Luque
• Montaje: Jaume Martí
• Productora: Misión Audaces Films, El Arriero Films, Netflix

SINOPSIS

En el año 1972, un avión de una compañía de vuelo uruguaya se estrella en medio de los Andes. De los 45 pasajeros, solo 29 de ellos consiguen sobrevivir ante las duras inclemencias meteorológicas en una zona totalmente desangelada.

CRITICA

Quizás a muchos de nosotros le pille algo lejano o incluso desconozcan esta historia tan dolorosa como esperanzadora y, como gracias al cine se ha vuelto a recuperar y descubrir como la verdadera unión entre los supervivientes hizo posible su rescate y una historia que ha merecido ser contada de nuevo. Si bien es verdad que en la década de los noventa se había rodado ¡Viven!, esta película no deja indiferente a nadie que la haya pasado por su retina. 

Como es lógico, tras los primeros quince minutos de haber empezado la película, el espectador sabe perfectamente lo que va a ocurrir y cual es el desenlace de la mayoría de ellos pero, lo que realmente llama la atención es el comportamiento de todos ellos: desde esa capacidad de unión hasta no forzar al otro para que se alimente de los cadáveres de aquellos que han fallecido; también de esa capacidad de ayuda, esa capacidad de escucha y de recordarlo mejor de cada uno.

Otro de los aspectos que me llamó especialmente la atención es el cuidado y el respeto cuando los superviviente deciden alimentarse de los cadáveres, es decir, practicar el canibalismo; como con mucho respeto no se recrea en ese acontecimiento tan doloroso para muchos de ellos sino el entender esa forma de sobrevivir como último recursos. Otro motivo por lo que la película deja sin respiración es, sobre todo, por como trata a todos y cada uno de los personajes: sus momentos de angustia, de desesperanza, de pequeñas risas que son acompañados por esa impresionante fotografía que sumerge de lleno en ese desolado paisaje.

Muchas veces, ante situaciones difíciles hay que elegir una situación que uno empieza a vivir y las decisiones que a veces hay que tomar y que no se elige y que cualquier situación traumática te cambia la vida. La cuestión es saber como enfrentarse a ella y saber que, a pesar de que te cambie por dentro y por fuera, habrá algo que te ayude a levantarte.

Calificación personal: 9

El padre (2020)

 

• Título original: The father
• Año: 2020
• Género: Drama
• Dirección: Florian Zeller
• Intérpretes: Anthony Hopkins, Olivia Colman, Imogen Potts, Rufus Sewell, Olivia Williams, Mark Gatiss.
• Guión: Florian Zeller, Christopher Hampton
• Música: Ludovico Einaudi
• Fotografía: Ben Smithard
• Montaje: Yorgos Lamprinos
• Productora: F comme film, Trademark Film, Film4, Canal+

SINOPSIS

Anthony (Anthony Hopkins) es un hombre de ochenta años que termina por rechazar a todas las cuidadoras que su hija Anne (Olivia Colman) contrata para cuidarle. Ante el deterioro progresivo que sufre su padre, Anne tendrá que tomar una decisión difícil.

CRITICA

Hay películas que marcan de una forma muy clara en la retina del espectador. No solo por el tema del que trata, sino también porque uno no para de darle vueltas a esa historia que ha cautivado de principio a fin y que necesitas hablar sobre ella y el impacto que ha producido. Esto es lo que a mi me ha causado El Padre, la cual habla de una forma demoledora sobre una enfermedad terrible: el alzhéimer.

A la hora de visualizar esta película, el espectador debe dejarse interpelar no solo por la sensibilidad que transmite Anthony (que está interpretado de una manera grandiosa por Anthony Hopkins) sino también lo que deben de padecer las personas con esta enfermedad. Siempre se ha comentado que las personas que tienen alzhéimer no sienten nada porque han olvidado todos sus recuerdos. Pero en realidad no es así, porque en cuanto tienen una momento de lucidez e intenta ubicarse de nuevo en su vida, les es imposible porque hay recuerdos que no los han vivido como suyos y entran en un bucle de confusión y angustia y vuelven a encerrarse en ellos mismos; volviendo a ese laberinto de confusión interna y a un sufrimiento también para sus familiares.

La forma de reflejar esta situación se encuentra muy bien establecida por la dupla que forman el ya mencionado Anthony Hopkins y Olivia Colman interpretando a la hija que sufre por la degeneración de su padre y que a pesar de tratarle con toda la normalidad que puede pero, es inevitable tener que tomar una decisión para que su padre pueda seguir conviviendo con esa enfermedad que arrasa con todos los recuerdos de tu vida de un plumazo.

El padre nos ayuda a recordar la fragilidad de la vida y de los recuerdos. De amar esos recuerdos y generar siempre los buenos. De evitar que los malos recuerdos engullan a los buenos. Del amor y el respeto a quien más lo necesita. De poder amar a esa persona pase lo que pase y que los recuerdos que tengamos de una persona, que siempre sean alegres.

Calificación personal: 10

Toy Story 4 (2019)

 

• Dirección: Josh Cooley
• Año: 2019
• Género: Animación
• Doblaje original: Tim Allen, Tom Hanks, Annie Potts, Tony Hale, Keanu Reeves, Joan Cusack, Christina Hendricks, Ally Maki, Jordan Peele, Jay Hernández.
• Guión: Andrew Stanton, Stephany Folsom
• Música: Randy Newman
• Fotografía: Patrick Lin, Jean Claude Kalache
• Montaje: Axel Geddes
• Productora: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures

SINOPSIS

Woody siempre ha tenido claro el cuidar del niño que le tuviese: Andy o Bonnie. Pero cuando la pequeña Bonnie añade a Forky a su colección, Woody hará todo lo que esté en su mano para evitar perder al nuevo integrante.

CRITICA

Creo que es de sobra conocido que el hacer secuelas ad infinitum de las películas, trae consigo repetir determinados estereotipos y hacen que sus predecesoras pierdan la esencia que las encumbró, simplemente para explotar aún más ese producto. Y en el caso de Toy Story 4 es muy claro, sobre todo para darle un buen cierre al personaje de Woody.

Al igual que en las tres entregas anteriores, la historia sigue girando en torno a los juguetes, aunque el centro de atención sigue siendo el vaquero Woody como el juguete protector y cuya función consiste en mantener unido a todo el grupo. Pero todo cambia cuando el mismo se siente relegado a un segundo plano para Bonnie (la niña que heredó los juguetes de Andy) sobre todo cuando fabrica un "juguete" con la basura y Woody se siente en la necesidad de cuidarlo y de hacer todo lo que esté en su mano para recuperarlo. En ese proceso, se encuentra con Bo Beep (¡todos nos preguntábamos que había sido de ella al no aparecer en la tercera entrega!).

Lo refrescante también de esta nueva entrega es la aparición de personajes secundarios que dan un toque de humor bastante interesante (los mejores son el conejo y el pato de peluche que están unidos) y, que Buzz Lightyear tenga un poco más de protagonismo (aunque le ponen como un poco tonto la verdad). En parte porque consiguen hacer un desenlace para poder terminar con la aventura de los juguetes que nos han acompañado casi treinta años. Y aunque no esté a la altura de la original, termina por dejar un buen sabor de boca que nos hace disfrutar de nuevo.

Calificación personal: 6.5

Toy Story 2 (1999)

 

• Dirección: John Lasseter, Lee Unkrich, Ash Brannon
• Año: 1999
• Género: Animación
• Doblaje original: Tom Hanks, Tim Allen, Joan Cusack, Kelsey Grammer,Don Rickles, Wallace Shawn, John Ratzenberger, Annie Potts, Wayne Knight, John Morris, Laurie Metcalf
  
• Guión: Andrew Stanton, Rita Hsiao, Doug Chamberlain, Chris Webb
• Música: Randy Newman
• Fotografía: Sharon Calahan
• Montaje: Edie Bleiman, David Ian Salter, Lee Unkrich
• Productora: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures

SINOPSIS

Tras un pequeño accidente, Andy rompe una parte del brazo de Woody y no se lo lleva al campamento. En su ausencia, la madre de Andy realiza un mercadillo y pone a la venta un juguete. Woody en su intento de rescatarlo acaba en manos de Al McWhiggin, que lo mandará a un museo de Tokio.

CRITICA

Pase el tiempo que pase, hay películas que son atemporales y que se quedan siempre en la retina del espectador. Además de verlas una y otra vez en bucle y no aburrirse nunca. Muchos dicen que esta segunda parte es mucho mejor que la primera entrega. Desde mi punto de vista es una película con muy buena calidad pero, el espectador tenía muy reciente (habían pasado cuatro años con respecto a la primera película) a su predecesora y el fracaso que supuso Bichos: una aventura en miniatura.

Como ya ocurrió con su predecesora, todos aquellos que crecimos con la primera deseábamos seguir con las aventuras de los juguetes que cobraban vida y de paso, volver a mostrarnos un mensaje positivo. Desde no abandonar a los amigos en los malos momentos, luchar siempre que esté en nuestras manos y que por un simple tropiezo, nuestro destino no está determinado.

Además de estos valores, no regalan momentos muy divertidos de los juguetes cuando van en búsqueda de Woody (quitando el momento un poco baboso cuando se encuentran a las Barbies) y las luchas continuas para llevar a cabo el rescate. Tampoco hay mucho más que decir cuando la propia historia lo cuenta todo y hacen que tanto pequeños como grandes sigan disfrutando.

Calificación personal: 7

Juan Nadie (1941)

 

• Título original: Meet John Doe
• Año: 1941
• Género: Drama
• Dirección: Frank Capra
• Intérpretes: Barbara Stanwyck, Gary Cooper, Edward Arnold, Walter Brennan, Spring Byington, James Gleason, Gene Lockhart.
• Guión: Robert Riskin
• Música: Dimitri Tiomkin
• Fotografía: George Barnes
• Montaje: Daniel Mandell
• Productora: Frank Capra Productions

SINOPSIS

Ann Mitchell (Barbara Stanwyck) para evitar ser despedida del periódico en el que trabaja, decide publicar una falsa carta de un ciudadano que va a suicidarse el 24 de diciembre. Para que el periódico vuelva a tener éxito, contratan a un vagabundo (Gary Cooper) para hacerse pasar por ese hombre.

CRITICA

Hacía bastante tiempo deseaba ver esta película por la fama que la precedía y también por todo lo que cuenta en un guión, el cual es brillante de principio a fin. Ninguno de los personajes está carente de análisis durante toda la duración de la película. Como a través de una mentira (que es bastante peligrosa) se empiezan a fraguar una serie de encuentros, donaciones y formaciones políticas que termina por destrozar la esencia de lo realmente importante: esas personas anónimas.

Primeramente destacamos a la protagonista Ann Mitchell (una siempre increíble Barbara Stanwyck) que para mantener su puesto a toda costa escribe la carta de un hombre que se va a suicidar y junto al dueño del periódico empieza a hilvanar una serie de planes para darle una cierta credibilidad al periódico y, llevar a todas las ciudades la figura de Juan Nadie para paliar el ruido de sus propias conciencias. Pero, ¿quién es realmente Juan Nadie? Es aquella persona que representa a los fracasados, marginados, personas sin hogar a las que nadie les hace caso.

A este colectivo (por llamarlo de alguna manera) se encuentra un Juan Nadie real (Gary Cooper): una persona sin hogar, sin trabajo, que pasa hambre y que solo responde al anuncio para poder conseguir un trabajo y poder salir de su situación. Pero, como suele ocurrirle a todo aquel que le llega la fama, no sabe gestionarla y le gusta tanto que no quiere abandonarla; hasta que se da cuenta que esa figura anónima de la que el ha sido partícipe, se da cuenta de como se ha generado una cadena de favores entre las personas y como al final solo se explotan las ganancias o la imagen política que pueda dar.

Al final, el falso Juan Nadie se da cuenta de la verdad cuando le descubren ante el mundo de quien es realmente como la gente se vuelve en su contra, encontrándose solo y sin un motivo para vivir decide poner en práctica lo que decía en su carta: acabar con su vida el 24 de diciembre y ver si realmente cumple su promesa. Esta situación provoca que aquellos que le dieron la espalda tienen miedo de que realmente vaya a cumplir su promesa. Lo que demuestra una vez más que el cine clásico nunca pasa de moda y que esas historias que se contaron hace más de cincuenta años, siguen teniendo su eco en la actualidad. Porque todos nos sentimos Juan Nadie en algún momento de nuestra vida o tenemos a alguno más cerca de lo que creemos. No esperemos para hablar con ese Juan Nadie. Porque todos necesitamos de la compañía de otro ser humano.

Calificación personal: 9

Buena suerte, Leo Grande (2022)

 

• Título original: Good Luck to you, Leo Grande
• Año: 2022
• Género: Drama
• Dirección: Sophie Hyde
• Intérpretes: Emma Thompson, Darryl McCormack
• Guión: Katy Brand
• Música: Stephen Rennicks
• Fotografía: Bryan Mason
• Montaje: Bryan Mason
• Productora: Lionsgate UK, Hulu, Searchlight pictures

SINOPSIS

Nancy Stokes (Emma Thompson) es una mujer viuda y jubilada que contrata los servicios de Leo Grande (Darryl McCormack), ya que nunca ha tenido un orgasmo en toda su vida. En esa búsqueda sexual, entre ambos empezarán a mostrarse poco a poco como realmente son, sin identidades flasas.

CRITICA

No sé por donde empezar con esta película. Más que nada porque tengo una serie de pensamientos encontrados con lo que pretende predicar esta historia. Por un lado tenemos al personaje de Nancy (maravillosa Emma Thompson) que está luchando contra todos esos estereotipos que se les impone a las mujeres cuando llegan a una determinada edad y como ella intenta romper con esos estereotipos. Y por otro lado está Leo Grande, que encarna lo que muchas mujeres desean pero, promueve la prostitución aunque sea de una forma voluntaria.

El paso del tiempo es algo que todo ser humano experimenta a lo largo de su vida y que suele costar bastante aceptar, sobre todo si se trata de una mujer, ya que a veces está más condicionada por el paso del tiempo y, a nivel sexual no se siente deseada y piensa que ha perdido mucho el tiempo y quiere volver a sentirse mujer en ese sentido. Pero la gran pregunta que planteo es: ¿era necesario que recurriese al sexo del pago para sentirse mujer, sobre todo si ella estaba totalmente en contra de los servicios sexuales? Al final se acaba convirtiendo en una especie de "terapia sexual" en la cual se van intercalando diálogos sobre aspectos sexuales y otras veces sobre la vida personal de ambos.

Por desgracia, a medida que van avanzando los minutos de la película se va haciendo bastante previsible, no solo por el final que está bastante claro, sino también por esos momentos de reflexión íntima en los cuales quieren mostrarse como son y lo que sienten realmente pero, necesitan preservar parte de su intimidad para no sentirse expuestos a la verdad que el otro le está revelando.

El cambio que dan ambos personajes y que muestran la fragilidad de sus corazones es un reflejo que en parte han sido ellos mismos los que han decidido elegir su vida, en parte por su pasado que les han hecho pensar que no merecen nada más que lo que son en realidad, cuando lo que importa es poder cambiar y ser alguien mejor y siempre poder sacar la mejor versión de uno mismo. 

A pesar de intentar sacarle aspectos grandiosos a esta película, se me queda a mitad de camino sin poder explicar realmente aspectos profundos de la historia que me hayan llamado la atención. Si que es verdad que Emma Thompson llena la película y rompe con todos esos estereotipos en los cuales dictaminan que una mujer pasados los cuarenta, no merece la pena. Pues en eso, se equivocan.

Calificación personal: 6

Toy Story (1995)

 

• Dirección: John Lasseter
• Año: 1995
• Género: Animación
• Doblaje original: Tom Hanks, Tim Allen,  Don Rickles, Jim Varney, Wallace Shawn, John Ratzenberger, Annie Potts, John Morris, Laurie Metcalf, Erik Von Detten.
• Guión: Andrew Stanton, Joss Whedin, Joel Coen, Alec Sokolow
• Música: Randy Newman
• Montaje: Robert Gordon, Lee Unkrich
• Productora: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures

SINOPSIS

Los juguetes de Andy (un niño de seis años) temen que su final esté cerca con los nuevos regalos que le hagan a Andy por su cumpleaños. A pesar de los miedos, el vaquero Woody (Tom Hanks) les tranquiliza, hasta que aparece Buzz Lightyear (Tim Allen). Entre ambos se generará una rivalidad que irá cambiando hacia una amistad.

CRITICA

La llegada de Toy Story en el año 1995 a los cines cambió por completo la forma de hacer cine de animación. No solo por la tecnología sino también por dejar atrás determinados estereotipos a los que Disney nos tenía acostumbrados. De esta forma, los que crecimos con esta película nos abrieron el mundo a lo que pensábamos cuando éramos pequeños.

Cuando he vuelto a ver de nuevo esta película pensaba que le había hecho la crítica en el blog y cuando revisé que no la había hecho y la verdad es que me produjo mucha ilusión poder plasmar lo que he sentido al volver a verla. Lo primero ha sido poder transportarme de nuevo a mi infancia y como me montaba mis historias con mis juguetes e incluso me llegaba a imaginar que ocurriría si realmente cobrasen vida. Pero, más allá de ese sueño, la película transmitía una serie de valores a los más pequeños.

Se observaba claramente a través de los sentimientos que iban expresando cada uno de los juguetes de Andy que es como nos sentíamos a la larga cuando nosotros éramos niños: un juegue nuevo, dejar de lado a nuestros otros juguetes, comprarnos todo aquello que estaba relacionado con nuestro nuevo juguete, preocuparnos por la pérdida de ese juguete e incluso juntarlos a todos y jugar con aquellos que nos han acompañado a lo largo de nuestra vida y los nuevos. En definitiva, como nos acompañan a lo largo de todo nuestro crecimiento y los buenos recuerdos que tendremos. El contrapunto a todo es el personaje de Sid, el vecino malvado de Andy que se dedica a maltratar juguetes de mil maneras diferentes, un fiel reflejo de la maldad y de como no se valora lo que uno tiene y maltratar aquellas cosas que muchos niños desean: tener un único juguete.

Para concluir, Toy Story no solo nos transmite un mensaje de como cuidar nuestros juguetes y aprovechar esa infancia, sino también de esas amistades que son de verdad y basadas en la sinceridad y en el cariño y en permanecer siempre unidos. Porque al final, tus amigos se terminan convirtiendo en tu familia sin esperarlo.

Calificación personal: 10

La llave (1958)

 

• Título original: The key
• Año: 1958
• Género: Drama
• Dirección: Carol Reed
• Intérpretes: William Holden, Sophia Loren, Trevor Howard, Oskar Homolka, Kieron Moore, Bernard Lee, Noel Purcell.
• Guión: Carl Foreman
• Música: Malcolm Arnold
• Fotografía: Oswald Morris
• Montaje: Bert Bates
• Productora: Open Road Films, Highwoods productions

SINOPSIS

Stella (Sophia Loren) es una mujer que vive en el Londres de la Segunda Guerra Mundial. Con el paso de los años la llave de su casa ha ido de mano en mano con varios amantes, aunque la relación con ellos ha sido fría y distante. Un día llega su vida el capitán David Ross (William Holden) con el que volverá a recuperar la ilusión.

CRITICA

Hay periodos de la historia que marcan profundamente a la humanidad y también, a la hora de hacer cine. Sobre todo si se trata del periodo de la Segunda Guerra Mundial, los americanos supieron sacarle un buen partido (y hoy en día lo siguen explotando). También lo hicieron los británicos para sacar partido a sus producciones. Es lo que ocurre con La llave y con su argumento que no puede ser más misógino desde el principio.

Como suele ser habitual en esas producciones de época, el "elemento" débil es la mujer y como necesita del soporte masculino para salir adelante. Todo esto enmascarado de una forma demasiado sutil a través de un romance un tanto imposible y melodramático. Para poder rellenar gran parte del metraje se introduce en el metraje la labor de los barcos remolcadores de otro y mostrar la peligrosidad de dicho trabajo. Pero no me quiero parar en esa minucia, sino en el triángulo amoroso que se genera. Y en concreto en el personaje de Stella (interpretada por una contenida Sophia Loren).

Realmente ninguno de los dos marineros que conforman ese triángulo con Stella realmente está muy mal enfocado ya que parece que ella es una especie de viuda negra y cada hombre que ha estado con ella termina por fallecer cuando sale a alta mar. La muestran también como una pobre desgraciada que para sobrevivir siempre necesita la compañía de un hombre (si bien es cierto, que en esa época las mujeres eran más vulnerables) y que para que ella no esté sola y sentirse realizada, el amante actual debe de dejarle la llave del apartamento al siguiente.

Desde mi punto de vista no es una película que me aporte algo nuevo en el cine clásico y que se quede en mi retina para recomendársela a alguien. Tampoco es el estilo del director Carol Reed (si, el que hizo El tercer hombre) y a pesar de tener tres actores de gran relevancia, no termina por impactar en el espectador y simplemente es una película más.

Calificación personal: 5

Hija de su padre (2018)

 

• Título original: Like father
• Año: 2018
• Género: Drama
• Dirección: Lauren Miller
• Intérpretes: Kristen Bell, Kelsey Grammer, Paul W. Downs, Zach Appelman, Seth Rogen, Leonard Ouzts, Mary Looram, Bret Gelman.
• Guión: Lauren Miller
• Música: Roger Neill
• Fotografía: Seamus Tearney
• Montaje: Mollie Goldstein
• Productora: Netflix, aBard Production

SINOPSIS

El día de su boda, Rachel (Kristen Bell) es plantada en el altar y allí se encuentra a su padre, Harry (Kelsey Grammer) al que no veía hace veinticinco años. Juntos realizan el viaje de la luna de miel de Rachel y será el momento perfecto para encontrarse de nuevo.

CRITICA

Gran parte de los beneficios que va adquiriendo Netflix con el paso del tiempo es gracias a producciones propias, especialmente en pequeñas películas con una tendencia melodramática o de comedia romántica que le permite posteriormente hacer grandes inversiones en otros proyectos. De esta forma, estrenan película semanalmente y son siempre de un corte entretenido, como es el caso de Hija de su padre.

Además de realizar este tipo de películas pretenden mandar algún tipo de mensaje a través de las historias que cuentan. En el caso de este filme se observa de forma clara como el paso del tiempo ha marcado a un padre y a su hija tras veinticinco años sin verse y que, por circunstancias dolorosas para ambos, se van juntos en un crucero.

En ese viaje se encontrarán un poco a sí mismos y el poder establecer de nuevo vínculos. Pero, ¿qué es lo que realmente pasa con esta película? Pues que ya hemos visto en múltiples ocasiones este tipo de historias y de múltiples formas. Por lo tanto, no reflejan nada nuevo, salvo que en este caso ambos personajes están obsesionado con su trabajo de tal manera que no terminan de disfrutar de la familia, de un viaje o que no son capaces de desconectar y terminan por alejar a las personas más importantes de su vida y eso a la larga pasa factura.

Como ocurren con muchas películas que sacan en las plataformas de vídeo bajo demanda, es una más del catálogo que se puede ver si se quiere pasar un rato entretenido sin tener que pensar demasiado y poder despejar la mente pero tampoco es una película grandiosa. Solo una más de Netflix.

Calificación personal: 4

Los tipos malos (2022)

 

• Título original: The bad guys
• Año: 2022
• Género: Animación
• Dirección: Pierre Perifel
• Doblaje original: Sam Rockwell, Marc Maron, Anthony Ramos, Awkwafina, Craig Robinson, Richard Ayoade, Zazie Beetz, Alex Bornstein, Lilly Singh.
• Guión: Etan Cohen
• Música: Daniel Pemberton
• Montaje: John Venzon
• Productora: DreamWorks Animation

SINOPSIS

El señor Lobo, el señor Serpiente, el señor Tiburón, el señor Piraña y la señora Tarántula, son cinco delincuentes que tienen una oportunidad de transformarse en tipos buenos con la ayuda de una adorable cobaya. ¿Podrán conseguirlo?

CRITICA

En los últimos diez años (aproximadamente) la tendencia que tenían las películas de animación estaba más enfocada al público infantil pero, lo que buscan al final es que sirvan para entretener a los más pequeños y a los no tan pequeños y centrarse sobre todo en mostrar una serie de valores que son necesarios en los seres humanos. Pero en este caso lo hacen a través de personajes infantiles cuya trayectoria nunca ha sido positiva.

Lo que intenta transmitir con esta película es que la gente mala puede cambiar y convertirse en alguien bueno pero, también la gente buena no siempre lo es realmente y puede tener sus momentos de maldad. Esta premisa que se plantea en el guión viene marcada con momentos cómicos entre los diferentes personajes para hacer esa conversión de la maldad a la bondad. También destaca la famosa frase "las apariencias engañan", ya que no siempre todo el mundo es quien dice ser en realidad. Es decir, que ni el malo es realmente tan malo ni el bueno es realmente bueno.

Aunque no es una película grandiosa, si que es verdad que sale un poco de los estándares habituales de la animación y parece ser que le da un soplo de aire fresco a la productora DreamWorks. Es entretenida y con algunos momentos cómicos. Ideal para pasar el rato en familia.

Calificación personal: 6

Matar a un ruiseñor (1962)

 

• Título original: To kill a mockingbird
• Año: 1962
• Género: Drama
• Dirección: Robert Mulligan
• Intérpretes: Gregory Peck, Mary Badham, Philip Alford, John Megna, Paul Fix, Brock Peters, Robert Duvall, Rosemary Murphy, Frank Overton.
• Guión: Horton Foote
• Música: Elmer Bernstein
• Fotografía: Rusell Harlan
• Montaje: Aaron Stell
• Vestuario: Rosemary Odell
• Productora: Universal Pictures, Brentwood Productions

SINOPSIS

Atticus Finch (Gregory Peck) es un abogado viudo con dos hijos. Un día, el juez del pueblo de la ciudad sureña en la que vive, le pide que defienda a un hombre negro acusado de violar a una mujer blanca. Atticus acepta el caso, lo que va a provocar un cambio en su vida y en la de sus hijos.

CRITICA

Esta película está catalogada como una de las mejores de la historia, y la verdad es que, debido a todo lo que relata, merece estar en esa categoría. Por un lado, no solo es una de las mejores adaptaciones al cine, sino que en la época en la que se estrenó reflejaba muy bien la denuncia racial, los derechos civiles, la igualdad, la amistad y la empatía. Todo esto se refleja a través de un viudo con dos hijos y todo lo que les va sucediendo.

Aunque parece que la historia que pretende contar es a través de los ojos de Scout (la hija del abogado Atticus Finch), lo que nos muestra son historias cruzadas en donde las apariencias físicas es lo que cuenta y lo que realmente determina la identidad de un hombre. A pesar de ser una película que se estrenó hace más de sesenta años su esencia sigue perdurando al igual que el libro en el que se basa. 

Parece que trata temas sociales pasado pero realmente siguen estando vigentes hoy en día. A raíz de que a Atticus Finch le asignan la defensa de un hombre negro acusado de violación, empiezan a salir a la luz los verdaderos "yoes" de la gente que vive en el pueblo sureño. Comienzan a despreciar a Atticus, le amenazan a el y a su familia e incluso al acusado. Todo esto ocurre sin perder de vista a Scout y a su hermano Jem, que a pesar de ser unos niños han visto obrar a su padre de una forma recta y darse también cuenta de que la bondad de una persona no viene definida por el color de la piel. Ese aspecto se observa de una forma clara en el momento en el que ambos hermanos se suben al primer piso del juzgado que es donde se encuentran todos los hombres de raza negra, lo que demuestra esa segregación racial y el hacer de menos a otros seres humanos.

Otro de los aspectos que también se mencionan es la figura que representa Atticus Finch. Es David luchando contra miles de Goliat y donde él, sigue luchando con el arma más poderosa que tiene, que son sus principios. Por eso, el juez del pueblo va a visitarle y le pide que defienda al acusado porque conoce la nobleza de sus actos y es el único que va a actuar sin ningún tipo de prejuicio. Esto provoca que tanto Scout como Jem estén orgullosos de su padre porque nunca pierde la compostura.

Para evitar hacer spoiler, el espectador sabrá como terminará la película o más directamente todo aquello relacionado con el juicio. Por lo que nos viene a decir que la justicia no es sorda ni ciega, pero que muchas veces se mueve hacia el lado que más le interesa y le conviene para evitar cualquier tipo de problema. Lo que se puede resumir en que los que menos tienen siempre se ven más perjudicados y los que más tienen, beneficiados.

A modo podemos concluir que esta película enseña valiosas lecciones de vida: integridad humana, el sentido del deber, la honestidad, ser fiel a unos principios, saber vivir en comunidad y evitar los prejuicios. Sabemos que hay mucha maldad en el mundo y que siempre la habrá pero, entre tanta zarza siempre crece una espiga de trigo.

Calificación personal: 10

De perdidos a Rio (2023)

 

• Dirección: Joaquín Mazón
• Año: 2023
• Género: Comedia
• Intérpretes: Pablo Chiapella, Carlos Santos, Fran Perea, Esther Acebo, Jorge Cremades, María Botto, Carlos Areces, Paulo Pires, Kira Miró.
• Guión: Antonio Mercero, Juana Macías, Daniel Corpas.
• Música: Carolina Fontecha, Aida Ten
• Fotografía: Alfonso Segura.
• Productora: Pecado Films, La Claqueta PC, Sony Pictures España.

SINOPSIS

Tres amigos que se acercan a la cuarentena tienen que viajar a Río de Janeiro para reconocer el cuerpo de un viejo amigo. Pero cuando llegan a la ciudad brasileña, la situación se complica al descubrir que el muerto no está realmente muerto.

CRITICA

De vez en cuando al espectador le gusta pasar un rato entretenido y evadirse con una película cómica pero muchas veces, las comedias puedan resultar un poco aburridas o empiezan bien y su ritmo gracioso va decayendo a medida que pasan lo minutos. Por otro lado el intentar hacer una copia de un éxito americano o intentar emularlo, no es la mejor opción, sobre todo porque se pierde la esencia del verdadero cine español.

En el caso de esta película a medida que pasan los minutos va perdiendo fuerza y al final, todos y cada uno de los chistes que aparecen no hacen gracias o los meten con calzador para hacer la historia más ligera, pero realmente cuesta. A pesar de que la elección del reparto es muy certero, el guión es bastante flojo y no consiguen sacarlo adelante.

Al igual que me ha pasado en otras películas hay veces que cuando una películas no te dice gran cosa o no hay una gran profundidad en ella, dedicarle unas líneas de más en mi crítica puesto que ha pasado por mi retina sin pena ni gloria y no creo que se la recomiendo a nadie en un futuro.

Calificación personal: 5.5

Banquete de bodas (1956)

 

• Título original: The catered affair
• Año: 1956
• Género: Drama
• Dirección: Richar Brooks
• Intérpretes: Bette Davis, Ernest Borgnine, Debbie Reynolds, Barry Fitzgerald, Rod Taylor, Robert Simon, Madge Kennedy, Rick Stricklyn.
• Guión: Gore Vidal
• Música: André Previn
• Fotografía: John Alton
• Montaje: Gene Ruggiero, Frank Santillo
• Productora: Metro Goldwyn Meyer

SINOPSIS

Jane Hurley (Debbie Reynolds) le anuncia a sus padres Agnes (Bette Davis) y Tom (Ernest Borgnine) que se va a casar y que desea una ceremonia íntima. A pesar de los pocos recursos económicos, Agnes querrá darle a su hija la boda que se merece.

CRITICA

Aunque el anuncio de un compromiso matrimonial siempre debe de ser motivo de alegría pero a veces, esa emoción muestra la realidad de una familia y la importancia de mantenerse unido y que demostrar a los demás la grandeza de un evento, no te hace ser mejor persona. Por eso, todos y cada uno de los personajes que aparecen en la película, no tienen ni un desperdicio y por eso es interesante poder analizarlos uno a uno y ver la esencia. Habla sobre diferencias generacionales, el amor y la realidad de enfrentarse al día al día.

Por un lado está Jane (Debbie Reynolds) que comunica a sus padres que se va a casar y que desea que su boda sea sencilla y algo muy íntimo pero, está su madre Agnes (Bette Davis) que desea que la boda sea grandiosa ya que los padres de su futuro yerno piensan que el amor que se tienen se debe de mostrar con un evento grandioso. Ante este acontecimiento, su marido Tom (Ernest Borgnine) está agobiado por el dinero y pensar que todo el esfuerzo de ahorrar durante mucho tiempo para tener un taxi propio y ver como su mujer está descontrolada porque no le escucha a el ni a su hija. Esto provoca que Jane termine por ceder a los deseos de su madre, pero también está siendo infeliz. Por otro lado, Agnes piensa que el ser una familia es realizar un banquete fastuoso. Todo esto se traduce en que Agnes tiene un miedo terrible a la soledad porque nunca ha estado sola y da a entender que el que sus hijos se vayan y se queden ella y su marido, es símbolo de que la familia se rompe o pensar que si no le da a sus hijos todo lo que ella no pudo tener, su hija no será feliz en su matrimonio.

En el momento en el que Jane le deja a Agnes las cosas claras y su marido le recuerda que el también cuenta y que el sigue ahí a pesar de que sus hijos no estén y que a lo mejor es el momento de que puedan estar solos ya que nunca lo han estado y puede ser que ese sea su momento. Porque también lo necesitan y eso es importante.

Lo que al final nos quiere transmitir las película es que los progenitores tuvieron una vida dura y el que no hayan podido darles estudios a los hijos, no significa que hayan sido malos padres. Siempre han estado pendientes de todo el mundo y han acogido a todo aquel que lo ha necesitado y que no hace falta hacer cosas muy fastuosas para demostrar cuanto vales. La valía está asociada con el valor humano, no con cuantas cosas hay que tener.

Calificación personal: 9

(NO HAY TRAILER DISPONIBLE)

Alimañas (2023)

 

• Dirección: Jordi Sánchez, Pep Antón Gómez.
• Año: 2023
• Género: Comedia
• Intérpretes: Jordi Sánchez, Carlos Areces, Silvia Abril, Loles León, Carmina Barrios, Pilar Bergés, Saturnino García.
• Guión: Jordi Sánchez, Pep Antón Gómez
• Música: Isabel Royán.
• Productora: Feel Good Media, Kowalski Films, Movistar +, RTVE.

SINOPSIS

Carlos (Carlos Areces) y Paco (Jordi Sánchez) son dos hermanos que se acaban de unir pensando que su madre se había muerto, pero al ver que no es cierto intentan urdir un plan para poder cobrar la herencia. Si no se lo impiden las tres y únicas vecinas que viven en el edificio.

CRITICA

Si no recuerdo mal, en muchas ocasiones defiendo a capa y espada el cine español reconociendo su valía y su calidad pero, al igual que el cine americano hay veces que algunas películas patinan bastante y no consiguen sacarle todo el potencial que merecen. Es el caso de Alimañas, cuya vertiente cómica no termina de despegar del todo y va desinflándose poco a poco a medida que va avanzando el metraje.

La premisa con la que pretende enganchar al espectador es muy potente pero cuando van apareciendo todos los personajes y compartiendo escenas, se nota a simple vista la falta de química entre el elenco e intentar forzar situaciones cómicas que no generan ni una sola carcajada. En definitiva, arriesga poco. No intenta llegar a ser una comedia negra como las que suele hacer el director Álex de la Iglesia o incluso las tres vecinas deberían de sacar su vena maligna para evitar quedarse sin su casa.

En todo ese ir de venir en el que los dos hermanos quieren heredar los bienes de su madre, las vecinas que no quieren perder su casa y los dos ocupas se entremezclan en una comedia sin mucho fuelle y sin tener mucho más que decir por mi parte. Salvo que a veces no es oro todo lo que reluce en el cine español (aunque hay que seguir apoyándolo).

Calificación personal: 5

Klute (1971)

 

• Dirección: Alan J. Pakula
• Año: 1971
• Género: Drama
• Intérpretes: Jane Fonda, Donald Sutherland, Charles Cioffi, Roy Scheider, Dorothy Tristan, Rita Gam, Nathan George, Vivian Nathan.
• Guión: Andy Lewis, Dave P. Lewis
• Música: Michael Small
• Fotografía: Gordon Willis
• Montaje: Carl Lerner
• Vestuario: Ann Roth
• Productora: Gus Productions, Warner Bros Pictures

SINOPSIS

El agente Klute (Donald Sutherland) sigue las pistas de unas cartas de un amigo suyo que ha desaparecido en Nueva York. Una de esas cartas le lleva hasta Bree (Jane Fonda) una prostituta que intentará ayudarle en la búsqueda de su amigo.

CRITICA

Desde hacía mucho tiempo deseaba ver esta película, sobre todo por la fama que la precedía a la interpretación de Jane Fonda. Más allá de esa fama, lo que viene a demostrar es el control sobre las mujeres por medio de la explotación sexual en mujeres simplemente por buscar un momento de placer.

La historia comienza por la búsqueda de un hombre de negocios que ha desaparecido y lo último que se sabe de el es que estuvo con una mujer. A la hora de ir haciendo averiguaciones, el detective que ha  sido contratado para ello busca la ayuda de una prostituta cuyos clientes son hombres de buena posición económica. A pesar de ser un thriller, desea mostrarle al espectador el mundo que hay realmente detrás de la prostitución y cual es el destino de muchas mujeres al introducirse en ese mundo.

Se ve claramente reflejado en el personaje de Bree (magistralmente interpretado por Jane Fonda) la cual intenta salir de esa vorágine intentando llevar un trabajo más honrado pero, intentar sobrevivir la hace recurrir a la prostitución, siendo ella consciente que diciéndoles cuatro palabras bonitas a los hombres caen realmente rendidos ante sus encantos; y otros simplemente quieren su compañía sin tener que recurrir al sexo como moneda de cambio. Bree es consciente de todo esto e intentar dejarlo es algo difícil puesto que desea algo mejor para ella y ser algo más en la vida.

De una forma no tan clara, el director convierte al espectador en un auténtico voyeur (pero sin la connotación sexual) al observar todos y cada uno de los escenarios en los que Bree aparece y termina por se el deseo sexual de todos los hombres que aparecen en la pantalla rompiendo por completo todo momento de intimidad para la protagonista; la cual intenta huir de su vida pero que al final la acaba persiguiendo. Por lo que su intimidad termina por ser perseguida y está en peligro constante. Y al final es una reclamación política de la vulneración de la privacidad.

Calificación personal: 8

Mujer sin pasado (1964)

 

• Título original: The chalk garden
• Año: 1964
• Género: Suspense
• Dirección: Ronald Neame
• Intérpretes: Deborah Kerr, Hayley Mills, John Mills, Edith Evans, Felix Aylmer, Elizabeth Sellars, Lally Bowers.
• Guión: John Michael Hayes
• Música: Malcolm Arnold
• Fotografía: Arthur Ibbetson
• Productora: Universal Pictures, Ross Hunter Productions

SINOPSIS

La señora Maugham (Edith Evans) busca institutriz para su nieta Laurel (Hayley Mills), la cual es una adolescente rebelde y consentida; hasta que llega la señorita Madrigal (Deborah Kerr). Por lo que, para intentar seguir con su vida, Laurel hará todo lo posible para descubrir el pasado de la señorita Madrigal.

CRITICA

Hay películas que desde el principio tienen una atmósfera extraña, la cual es difícil de disipar a medida que van pasando los minutos y hace que al espectador le cueste entrar en la historia y no sepa realmente cual es el propósito de lo que se desea contar y que al final la ambigüedad de los personajes se quede en un punto muerto sin retorno.

Entrando ya en materia, la idea que se le quiere reflejar al espectador es el idílico lugar en donde se va a desarrollar la trama. Sin embargo, el jardín está yermo y a pesar de los intentos de la dueña por que crezca algo, sirve como metáfora para reflejar que todas y cada una de las personas que viven en esa casa, tienen algo muerto en su vida (hablando de forma metafórica) y que evita que puedan crecer a nivel humano. Se ve reflejado claramente en los tres personajes femeninos. En primer lugar estaría la joven Laurel que se revela ante todo y ante todos debido al abandono de su madre, o eso es lo que le ha hecho creer su abuela (la segunda en cuestión) para la cual el prestigio y el buen nombre es lo más importante en la vida de toda mujer. Para evitar también que haya un futuro enfrentamiento entre ambas está la señorita Madrigal cuya función será la de ejercer de institutriz de la joven Laurel, puesto que ve en ella un reflejo de su juventud y sabe que el camino que está tomando no es el correcto.

Las diferentes situaciones que se van abordando a lo largo de la película, muestran las fragilidades de tres mujeres en diferentes etapas de la vida y que al no tener amor en sus vidas, intentar mostrar indiferencia ante cualquier situación para así evitar reflejar la vulnerabilidad de no sentirse amadas en el pasado. Por eso, la señorita Madrigal intente que Laurel no llegue a ese punto sabiendo que realmente su madre si la quiere pero que su odio que se ha enraizado en su interior, es más fuerte que el ver la realidad.

En definitiva, Mujer sin pasado es un melodrama donde todos y cada uno de sus personajes están rodeados por un halo de misterio el cual no termina por resolverse; acompañado de las emociones mostradas por los personajes así como la atmósfera extraña mencionada anteriormente. Para al final no saber que es lo que ocurrió en la mansión, que ocurre realmente y que les ha ocurrido a los personajes para que actúen de la forma en la que actúan. 

Calificación personal: 6

4 días (2020)

 

• Título original: Four good days
• Año: 2020
• Género: Drama
• Dirección: Rodrigo García
• Intérpretes: Glenn Close, Mila Kunis, Stephen Root, Joshua Leonard, Sam Hennings, Michael Hyatt, Carlos Laccamara, Rebecca Field.
• Guión: Rodrigo García, Eli Saslow
• Música: Edward Shearmur
• Fotografía: Igor Jadue-Lillo
• Montaje: Laura Connelly
• Productora: Productivity Media, Indigenous Media, Oakhurst Entertainment

SINOPSIS

Tras diez años consumiendo opioides, Molly (Mila Kunis) recurre a su madre Deb (Glenn Close) para que la ayude a desintoxicarse, pero Deb le pone una condición: que vuelva cuando esté limpia. Cuando parece que la situación va bien, Molly debe de estar siete días sin drogarse para que la pongan una inyección. En estos días, la relación madre e hija se pondrá a prueba.

CRITICA

Siempre que descubro una película que no ha tenido mucha repercusión en taquilla y no se le ha hecho una promoción justa, me gusta darle su hueco correspondiente en mi blog. De ahí que al ver la película 4 días me haya impactado el dúo femenino interpretativo y tratar un tema que siempre es un tanto peliagudo: la drogadicción.

Desde el minuto uno de la película se trata sin miramientos las consecuencias de la drogadicción (en otras películas nos van mostrando el deterioro progresivo del personaje por el consumo de estupefacientes) y la virulencia de ese rechazo por parte de Deb hacia Molly. Este choque provocado hacia la mirada del espectador puede generar cierto inconformismo, ya que se muestra un cierto rechazo directo a Deb por no ayudar a su propia hija. Pero, en los siguientes minutos del metraje vemos claramente como ha sido Molly la que ha provocado que su propia madre haya puesto determinados límites en lo que se refiere a su relación materno-filial. Sabiendo que se parte de esta premisa, vamos a desarrollar de una forma antropológica lo que realmente reflejan estos dos personajes.

Empezamos por Molly. Mujer joven adicta a los opioides debido a una lesión de rodilla. Su estado físico es deplorable (extremadamente delgada, sin dientes, aspecto desaliñado, falta de higiene personal) que decide recurrir a su madre para desengancharse y como es lógico, su madre no la cree puesto que lo ha "intentado" diecisiete veces (que se dice pronto). Pero parece que esta vez va en serio gracias a una inyección, eso si, debe de estar sin consumir ninguna droga durante siete días, de los cuales cuatro debe de ser en casa con su madre. Molly refleja las ganas de cambiar y progresar, intentar recuperar su vida y no verse a si misma como un despojo humano. Sin embargo, ella reincide en que si consume, no verá lo desastrosa que es su vida; la cual hasta cierto punto ella se ha encargado de destruirla y provocando que su familia se aleje de ella. Al ver todo esto, el espectador se puede preguntar hasta que punto realmente es Deb la culpable de que Molly sea drogadicta o es la propia Molly la que se ha buscado su ruina diecisiete veces seguidas. De esta forma entra Deb, una mujer que a pesar de mostrar una actitud fuerte, el dolor que siente es real.

Deb es una mujer que sigue trabajando a pesar de tener una edad. Parece que tiene una vida tranquila y sencilla hasta que irrumpe su hija Molly, por lo que el mundo de Deb se viene abajo al recordar las contadas ocasiones que su hija le robó dinero, la mintió, las veces que intentó desengancharse, el inicio de Molly en las drogas e incluso su propio pasado; lo cual le hace cuestionarse si realmente ejerció como madre y, si la culpa de que Molly sea una drogadicta es por su culpa. En el transcurso de esos siete días debe de lidiar con su conciencia y con los reproches mutuos que se hacen su hija y ella para que al final el espectador pueda llegar a una conclusión sobre Deb: está sola en todo lo que concierne a Molly y lo ha hecho lo mejor que ha podido y sin darle la espalda a su hija.

Al final, tanto Molly como Deb muestran el lado humano no solo en los momentos alegres, sino también en los momentos extremadamente duros entre ellas dos. Esto es posible gracias a la interpretación magistral de ambas actrices. La grandiosa Glenn Close nos tiene más que acostumbrados a interpretaciones que dejan sin aliento pero, el descubrimiento de la faceta interpretativa de Mila Kunis realmente quita el hipo también en lo que a su aspecto físico se refiere; por lo que me da pena que ambas no obtuviesen el reconocimiento merecido por parte de la Academia de Hollywood en los premios Oscar. Por lo que confirma mi teoría de que los premios no siempre lo son todo.

Es una joya del cine independiente que debe de ser saboreada en todos y en cada uno de sus planos. En todos los matices humanos. En el mundo peligroso de la drogadicción, sobre todo de aquellas personas que se dedican a traficar y vender droga. No solo con esta película se ve el reflejo de ese mundo sórdido, también gracias a la serie de The Wire, vimos la realidad de la destrucción del ser humano.

Calificación personal: 9

Frozen II (2019)

 

• Dirección: Chris Buck, Jennifer Lee
• Año: 2019
• Género: Animación
• Doblaje original: Idina Menzel, Kristen Bell, Jonathan Groff, Josh Gad, Alfred Molina, Evan Rachel Wood, Ciarán Hinds, Sterling K. Brown.
• Guión: Jennifer Lee
• Música: Kristen Anderson-Lopez
• Fotografía: Tracy Scott Beattie, Mohit Kallianpur
• Montaje: Jeff  Draheim
• Productora: Walt Disney Pictures, Walt Disney Animation Studios

SINOPSIS

Elsa se ha preguntado siempre de donde provienen sus poderes. Para ello junto a Anna, Kristoff, Sven y Olaf; Elsa realiza un viaje hacia el interior del bosque para evitar que Arendelle pueda ser destruido pensando si sus poderes serán suficientes.

CRITICA

Creo que en más de una ocasión he comentado en alguna que otra entrada del blog, la tendencia de Hollywood de aprovecharse de un éxito de taquilla y de ahí, poder explotar grabando secuelas, cortos y multitud de eventos fílmicos. Lo mismo ha pasado que a raíz de Frozen: El reino de hielo (ver crítica en este blog) hicieran su secuela, la cual no es igual de potente pero si que hay diferentes elementos argumentales que la hacen un tanto interesante.

Como ocurrió en la primera película, los personajes femeninos son los que más carga argumental tienen resaltando de nuevo el valor de la unión entre las dos hermanas y como ponen su relación fraternal por encima de cualquier otra cosa. Este aspecto se ve claramente reflejado en las decisiones que tiene que tomar Elsa para salvar Arendelle y como Anna no depende de Kristoff para tomar una decisión (por mucha relación de noviazgo que tengan).

Al final todo se acaba relacionando con algo tan importante como es la naturaleza. Es decir, el equilibrio que se debe de establecer entre el ser humano y ésta. Se debe principalmente a que el ser humano debe de convivir con la naturaleza y no destruirla ni tampoco a los seres vivos, al igual que el cuidado de las diferentes tribus indígenas que puedan vivir en los entornos naturales y no acabar con ellos. Por lo que al final, el alegato claro de la película es el ecologismo y como el ser humano ha sido (y es) agente de cambio pero para mal. Y que al final, hay que establecer esa convivencia. Aunque este aspecto los quiera relacionar con la responsabilidad, el cuidado y cariño hacia los demás; que lo viene a recordar my bien el personaje de Olaf, que da el punto cómico a esta historia para que los más pequeños la puedan disfrutar.

Calificación personal: 7

R.I.P.D. Departamento de Policía Mortal (2013)

 

• Título original: R.I.P.D. Rest in Peace Department
• Año: 2013
• Género: Acción, comedia negra
• Dirección: Robert Schwentke
• Intérpretes: Ryan Reynolds, Jeff Bridges, Kevin Bacon, Maru-Louise Parker, Stéphanie Szostak, Marisa Miller, James Hong, Devin Ratray.
• Guión: Phil Hay, Matt Manfredi
• Música: Christophe Beck
• Fotografía: Alwin H. Küchler
• Montaje: Mark Helfrich
• Productora: Dark Horse Entertainment, Original Film

SINOPSIS

Nick (Ryan Reynolds) es un policía que acaba de morir asesinado a manos de su compañero Bobby (Kevin Bacon). Tras su muerte, Nick empieza a trabajar para el Departamento de Policía Mortal, evitando que los muertos invadan el mundo de los vivos. Para ello le asignan a Roy (Jeff Bridges), un policía del viejo Oeste que no ve con buenos ojos la llegada de Nick al cuerpo.

CRITICA

De vez en cuando hay películas de las cuales se tiene mucha expectativa y cuando la terminas de ver, te das un golpe de realidad al saber que has gastado unas horas en ver una auténtica basura. Es exactamente lo que me pasó al ver R.I.P.D. Departamento de Policía Mortal, donde realmente acabas muerto del aburrimiento. En parte porque intenta emular de una forma cómica a la película Ghost (protagonizada por Patrick Swayze y Demi Moore) pero estrellándose de una forma bastante estrepitosa.

La historia es bastante previsible en lo referente al personaje de Nick puesto que quiere redimirse de alguna forma en el más allá lo que no pudo hacer en vida. No le resulta nada fácil ya que le han asignado a un compañero de la época del Oeste, lo que provoca que ambos choquen en sus respectivos caracteres. Pero, esta situación se hace insostenible cuando todas y cada una de las bromas son una copia de la anterior, provocando cierto aburrimiento en el espectador. Si a esto le unimos que los efectos especiales son un desastre manifiesto, la poca química entre la dupla Reynolds-Bridges y que todas y cada una de las acciones se ven bastante forzadas.

En definitiva, todo el guión es muy lineal sin que haya ningún giro que pueda sorprender al espectador y donde los tópicos cómicos se han explotado en todas y cada una de sus vertientes. Para finalizar diría que a ver si dejan de darle este tipo de papeles a Ryan Reynolds, ya que tiene un enorme potencial para poder sacar su lado dramático.

Calificación personal: 4

Miedo súbito (1952)

 

• Título original: Sudden Fear
• Año: 1952
• Género: Thriller
• Dirección: David Miller
• Intérpretes: Joan Crawford, Jack Palance, Gloria Grahame, Bruce Bennett, Virginia Huston, Mike Connors.
• Guión: Lenore J. Coffee, Robert Smith
• Música: Elmer Bernstein
• Fotografía: Charles Lang
• Montaje: Leon Barsha
• Productora: RKO Pictures, Joseph Kaufmann Productions

SINOPSIS

Myra (Joan Crawford) es una reputada escritora de obras de teatro que triunfa en Brodway. Hasta que un día tiene un pequeño encontronazo con el actor Lester Blaine (Jack Palance). Aunque terminan por resolver sus diferencias y terminan casándose, nada es idílico en la nueva vida de Mayra.

CRITICA

Cada vez que veo una película de cine clásico, me entra un cosquilleo agradable porque se que paso un rato muy entretenido y nunca me decepciona, además de mantenerme en tensión, es que la película es realmente buena. Con Miedo súbito el espectador no queda indiferente ante este noir acerca de una mujer realizada a si misma y como solía ocurrir en historias de este calibre, el hombre no salía muy bien parado. Vamos a profundizar un poco más en toda esta historia.

Inicialmente nos presentan a una mujer (Myra) que a pesar de tener una gran herencia, es también una prolífica escritora de obras de teatro. Pero, la situación se tuerce cuando en el casting de su última obra decide que el actor principal no participe en la obra. Como es lógico, esta situación provoca que el actor se enfurezca con ella por su desprecio. Lo que ocurre al final es que ambos se enamoran y terminan casándose y de alguna forma, están felices con la vida que llevan. Pero nada es lo que parece en ese idílico matrimonio cuando Myra descubre las verdaderas intenciones de su marido. A partir de ese descubrimiento, aparecen los elementos del thriller.

A simple vista puede parecer otra historia simplona o simplemente un melodrama más pero, a cada minuto que pasa de esta historia permite deleitar al espectador con todos y cada uno de los movimientos que realiza Myra para evitar que su marido lleve a cabo su plan. Así, de una forma clara y contundente se observa lo que va ocurriendo y evitando que quede ningún cabo suelto.

En su momento fue una película que pasó un poco desapercibida por las salas de cine, si bien recibió cuatro nominaciones a los premios Oscar; y fue gracias a una restauración unas décadas más tarde por lo que volvió a adquirir popularidad. Independientemente de estos factores, una grandiosa Joan Crawford se mueve como pez en el agua con este papel el cual tiene su parte romántica (a veces melodramática) y su parte terrorífica y que acrecentaba echándose boro en los ojos para darles un aspecto más vidrioso y consiguiendo que el espectador quede hipnotizado. Por todo lo escrito anteriormente, es una historia que no deja indiferente y donde se respira un verdadero ambiente del thriller clásico.

Calificación personal: 9