Este blog está dedicado a todos aquellos amantes del buen cine. En este blog encontraréis aquellas películas (tanto antiguas como recientes) que más interés han suscitado en mí y mi calificación personal acerca de las mismas. También podeís dejar vuestros comentarios, opiniones o cualquier tipo de información que creáis relevante.
¡Disfrutad cinéfilos!
Al mal tiempo, buen cine...
Queridos lectores y seguidores:
Me permito escribir una líneas para agradeceros a todos (desde todas las partes del mundo) que visitéis mi blog y todo lo que voy publicando. Ante todo comentar que no estoy licenciada en cinematografía pero, doy gracias por haber asistido a cursos y que mis padres me introdujeran al cine con sólo 8 años.
Por eso os animo que escribáis vuestras opiniones sin vergüenza alguna (¡por eso existe la libertad de expresión!) o sugerir cambios o visionados de películas, ya que se convierte en un feedback donde podemos aprender unos de otros.
Para finalizar, gracias una vez más por vuestro tiempo y dedicárselo a mi blog. ¡Seguid disfrutando del cine!
Intérpretes: Pablo Chiapella, Carlos Santos, Fran Perea, Esther Acebo, Jorge Cremades, María Botto, Carlos Areces, Paulo Pires, Kira Miró.
Guión: Antonio Mercero, Juana Macías, Daniel Corpas.
Música: Carolina Fontecha, Aida Ten
Fotografía: Alfonso Segura.
Productora: Pecado Films, La Claqueta PC, Sony Pictures España.
SINOPSIS
Tres amigos que se acercan a la cuarentena tienen que viajar a Río de Janeiro para reconocer el cuerpo de un viejo amigo. Pero cuando llegan a la ciudad brasileña, la situación se complica al descubrir que el muerto no está realmente muerto.
CRITICA
De vez en cuando al espectador le gusta pasar un rato entretenido y evadirse con una película cómica pero muchas veces, las comedias puedan resultar un poco aburridas o empiezan bien y su ritmo gracioso va decayendo a medida que pasan lo minutos. Por otro lado el intentar hacer una copia de un éxito americano o intentar emularlo, no es la mejor opción, sobre todo porque se pierde la esencia del verdadero cine español.
En el caso de esta película a medida que pasan los minutos va perdiendo fuerza y al final, todos y cada uno de los chistes que aparecen no hacen gracias o los meten con calzador para hacer la historia más ligera, pero realmente cuesta. A pesar de que la elección del reparto es muy certero, el guión es bastante flojo y no consiguen sacarlo adelante.
Al igual que me ha pasado en otras películas hay veces que cuando una películas no te dice gran cosa o no hay una gran profundidad en ella, dedicarle unas líneas de más en mi crítica puesto que ha pasado por mi retina sin pena ni gloria y no creo que se la recomiendo a nadie en un futuro.
Intérpretes: Bette Davis, Ernest Borgnine, Debbie Reynolds, Barry Fitzgerald, Rod Taylor, Robert Simon, Madge Kennedy, Rick Stricklyn.
Guión: Gore Vidal
Música: André Previn
Fotografía: John Alton
Montaje: Gene Ruggiero, Frank Santillo
Productora: Metro Goldwyn Meyer
SINOPSIS
Jane Hurley (Debbie Reynolds) le anuncia a sus padres Agnes (Bette Davis) y Tom (Ernest Borgnine) que se va a casar y que desea una ceremonia íntima. A pesar de los pocos recursos económicos, Agnes querrá darle a su hija la boda que se merece.
CRITICA
Aunque el anuncio de un compromiso matrimonial siempre debe de ser motivo de alegría pero a veces, esa emoción muestra la realidad de una familia y la importancia de mantenerse unido y que demostrar a los demás la grandeza de un evento, no te hace ser mejor persona. Por eso, todos y cada uno de los personajes que aparecen en la película, no tienen ni un desperdicio y por eso es interesante poder analizarlos uno a uno y ver la esencia. Habla sobre diferencias generacionales, el amor y la realidad de enfrentarse al día al día.
Por un lado está Jane (Debbie Reynolds) que comunica a sus padres que se va a casar y que desea que su boda sea sencilla y algo muy íntimo pero, está su madre Agnes (Bette Davis) que desea que la boda sea grandiosa ya que los padres de su futuro yerno piensan que el amor que se tienen se debe de mostrar con un evento grandioso. Ante este acontecimiento, su marido Tom (Ernest Borgnine) está agobiado por el dinero y pensar que todo el esfuerzo de ahorrar durante mucho tiempo para tener un taxi propio y ver como su mujer está descontrolada porque no le escucha a el ni a su hija. Esto provoca que Jane termine por ceder a los deseos de su madre, pero también está siendo infeliz. Por otro lado, Agnes piensa que el ser una familia es realizar un banquete fastuoso. Todo esto se traduce en que Agnes tiene un miedo terrible a la soledad porque nunca ha estado sola y da a entender que el que sus hijos se vayan y se queden ella y su marido, es símbolo de que la familia se rompe o pensar que si no le da a sus hijos todo lo que ella no pudo tener, su hija no será feliz en su matrimonio.
En el momento en el que Jane le deja a Agnes las cosas claras y su marido le recuerda que el también cuenta y que el sigue ahí a pesar de que sus hijos no estén y que a lo mejor es el momento de que puedan estar solos ya que nunca lo han estado y puede ser que ese sea su momento. Porque también lo necesitan y eso es importante.
Lo que al final nos quiere transmitir las película es que los progenitores tuvieron una vida dura y el que no hayan podido darles estudios a los hijos, no significa que hayan sido malos padres. Siempre han estado pendientes de todo el mundo y han acogido a todo aquel que lo ha necesitado y que no hace falta hacer cosas muy fastuosas para demostrar cuanto vales. La valía está asociada con el valor humano, no con cuantas cosas hay que tener.
Intérpretes: Jordi Sánchez, Carlos Areces, Silvia Abril, Loles León, Carmina Barrios, Pilar Bergés, Saturnino García.
Guión: Jordi Sánchez, Pep Antón Gómez
Música: Isabel Royán.
Productora: Feel Good Media, Kowalski Films, Movistar +, RTVE.
SINOPSIS
Carlos (Carlos Areces) y Paco (Jordi Sánchez) son dos hermanos que se acaban de unir pensando que su madre se había muerto, pero al ver que no es cierto intentan urdir un plan para poder cobrar la herencia. Si no se lo impiden las tres y únicas vecinas que viven en el edificio.
CRITICA
Si no recuerdo mal, en muchas ocasiones defiendo a capa y espada el cine español reconociendo su valía y su calidad pero, al igual que el cine americano hay veces que algunas películas patinan bastante y no consiguen sacarle todo el potencial que merecen. Es el caso de Alimañas, cuya vertiente cómica no termina de despegar del todo y va desinflándose poco a poco a medida que va avanzando el metraje.
La premisa con la que pretende enganchar al espectador es muy potente pero cuando van apareciendo todos los personajes y compartiendo escenas, se nota a simple vista la falta de química entre el elenco e intentar forzar situaciones cómicas que no generan ni una sola carcajada. En definitiva, arriesga poco. No intenta llegar a ser una comedia negra como las que suele hacer el director Álex de la Iglesia o incluso las tres vecinas deberían de sacar su vena maligna para evitar quedarse sin su casa.
En todo ese ir de venir en el que los dos hermanos quieren heredar los bienes de su madre, las vecinas que no quieren perder su casa y los dos ocupas se entremezclan en una comedia sin mucho fuelle y sin tener mucho más que decir por mi parte. Salvo que a veces no es oro todo lo que reluce en el cine español (aunque hay que seguir apoyándolo).
Intérpretes: Jane Fonda, Donald Sutherland, Charles Cioffi, Roy Scheider, Dorothy Tristan, Rita Gam, Nathan George, Vivian Nathan.
Guión: Andy Lewis, Dave P. Lewis
Música: Michael Small
Fotografía: Gordon Willis
Montaje: Carl Lerner
Vestuario: Ann Roth
Productora: Gus Productions, Warner Bros Pictures
SINOPSIS
El agente Klute (Donald Sutherland) sigue las pistas de unas cartas de un amigo suyo que ha desaparecido en Nueva York. Una de esas cartas le lleva hasta Bree (Jane Fonda) una prostituta que intentará ayudarle en la búsqueda de su amigo.
CRITICA
Desde hacía mucho tiempo deseaba ver esta película, sobre todo por la fama que la precedía a la interpretación de Jane Fonda. Más allá de esa fama, lo que viene a demostrar es el control sobre las mujeres por medio de la explotación sexual en mujeres simplemente por buscar un momento de placer.
La historia comienza por la búsqueda de un hombre de negocios que ha desaparecido y lo último que se sabe de el es que estuvo con una mujer. A la hora de ir haciendo averiguaciones, el detective que ha sido contratado para ello busca la ayuda de una prostituta cuyos clientes son hombres de buena posición económica. A pesar de ser un thriller, desea mostrarle al espectador el mundo que hay realmente detrás de la prostitución y cual es el destino de muchas mujeres al introducirse en ese mundo.
Se ve claramente reflejado en el personaje de Bree (magistralmente interpretado por Jane Fonda) la cual intenta salir de esa vorágine intentando llevar un trabajo más honrado pero, intentar sobrevivir la hace recurrir a la prostitución, siendo ella consciente que diciéndoles cuatro palabras bonitas a los hombres caen realmente rendidos ante sus encantos; y otros simplemente quieren su compañía sin tener que recurrir al sexo como moneda de cambio. Bree es consciente de todo esto e intentar dejarlo es algo difícil puesto que desea algo mejor para ella y ser algo más en la vida.
De una forma no tan clara, el director convierte al espectador en un auténtico voyeur (pero sin la connotación sexual) al observar todos y cada uno de los escenarios en los que Bree aparece y termina por se el deseo sexual de todos los hombres que aparecen en la pantalla rompiendo por completo todo momento de intimidad para la protagonista; la cual intenta huir de su vida pero que al final la acaba persiguiendo. Por lo que su intimidad termina por ser perseguida y está en peligro constante. Y al final es una reclamación política de la vulneración de la privacidad.
Intérpretes: Deborah Kerr, Hayley Mills, John Mills, Edith Evans, Felix Aylmer, Elizabeth Sellars, Lally Bowers.
Guión: John Michael Hayes
Música: Malcolm Arnold
Fotografía: Arthur Ibbetson
Productora: Universal Pictures, Ross Hunter Productions
SINOPSIS
La señora Maugham (Edith Evans) busca institutriz para su nieta Laurel (Hayley Mills), la cual es una adolescente rebelde y consentida; hasta que llega la señorita Madrigal (Deborah Kerr). Por lo que, para intentar seguir con su vida, Laurel hará todo lo posible para descubrir el pasado de la señorita Madrigal.
CRITICA
Hay películas que desde el principio tienen una atmósfera extraña, la cual es difícil de disipar a medida que van pasando los minutos y hace que al espectador le cueste entrar en la historia y no sepa realmente cual es el propósito de lo que se desea contar y que al final la ambigüedad de los personajes se quede en un punto muerto sin retorno.
Entrando ya en materia, la idea que se le quiere reflejar al espectador es el idílico lugar en donde se va a desarrollar la trama. Sin embargo, el jardín está yermo y a pesar de los intentos de la dueña por que crezca algo, sirve como metáfora para reflejar que todas y cada una de las personas que viven en esa casa, tienen algo muerto en su vida (hablando de forma metafórica) y que evita que puedan crecer a nivel humano. Se ve reflejado claramente en los tres personajes femeninos. En primer lugar estaría la joven Laurel que se revela ante todo y ante todos debido al abandono de su madre, o eso es lo que le ha hecho creer su abuela (la segunda en cuestión) para la cual el prestigio y el buen nombre es lo más importante en la vida de toda mujer. Para evitar también que haya un futuro enfrentamiento entre ambas está la señorita Madrigal cuya función será la de ejercer de institutriz de la joven Laurel, puesto que ve en ella un reflejo de su juventud y sabe que el camino que está tomando no es el correcto.
Las diferentes situaciones que se van abordando a lo largo de la película, muestran las fragilidades de tres mujeres en diferentes etapas de la vida y que al no tener amor en sus vidas, intentar mostrar indiferencia ante cualquier situación para así evitar reflejar la vulnerabilidad de no sentirse amadas en el pasado. Por eso, la señorita Madrigal intente que Laurel no llegue a ese punto sabiendo que realmente su madre si la quiere pero que su odio que se ha enraizado en su interior, es más fuerte que el ver la realidad.
En definitiva, Mujer sin pasado es un melodrama donde todos y cada uno de sus personajes están rodeados por un halo de misterio el cual no termina por resolverse; acompañado de las emociones mostradas por los personajes así como la atmósfera extraña mencionada anteriormente. Para al final no saber que es lo que ocurrió en la mansión, que ocurre realmente y que les ha ocurrido a los personajes para que actúen de la forma en la que actúan.
Intérpretes: Glenn Close, Mila Kunis, Stephen Root, Joshua Leonard, Sam Hennings, Michael Hyatt, Carlos Laccamara, Rebecca Field.
Guión: Rodrigo García, Eli Saslow
Música: Edward Shearmur
Fotografía: Igor Jadue-Lillo
Montaje: Laura Connelly
Productora: Productivity Media, Indigenous Media, Oakhurst Entertainment
SINOPSIS
Tras diez años consumiendo opioides, Molly (Mila Kunis) recurre a su madre Deb (Glenn Close) para que la ayude a desintoxicarse, pero Deb le pone una condición: que vuelva cuando esté limpia. Cuando parece que la situación va bien, Molly debe de estar siete días sin drogarse para que la pongan una inyección. En estos días, la relación madre e hija se pondrá a prueba.
CRITICA
Siempre que descubro una película que no ha tenido mucha repercusión en taquilla y no se le ha hecho una promoción justa, me gusta darle su hueco correspondiente en mi blog. De ahí que al ver la película 4 días me haya impactado el dúo femenino interpretativo y tratar un tema que siempre es un tanto peliagudo: la drogadicción.
Desde el minuto uno de la película se trata sin miramientos las consecuencias de la drogadicción (en otras películas nos van mostrando el deterioro progresivo del personaje por el consumo de estupefacientes) y la virulencia de ese rechazo por parte de Deb hacia Molly. Este choque provocado hacia la mirada del espectador puede generar cierto inconformismo, ya que se muestra un cierto rechazo directo a Deb por no ayudar a su propia hija. Pero, en los siguientes minutos del metraje vemos claramente como ha sido Molly la que ha provocado que su propia madre haya puesto determinados límites en lo que se refiere a su relación materno-filial. Sabiendo que se parte de esta premisa, vamos a desarrollar de una forma antropológica lo que realmente reflejan estos dos personajes.
Empezamos por Molly. Mujer joven adicta a los opioides debido a una lesión de rodilla. Su estado físico es deplorable (extremadamente delgada, sin dientes, aspecto desaliñado, falta de higiene personal) que decide recurrir a su madre para desengancharse y como es lógico, su madre no la cree puesto que lo ha "intentado" diecisiete veces (que se dice pronto). Pero parece que esta vez va en serio gracias a una inyección, eso si, debe de estar sin consumir ninguna droga durante siete días, de los cuales cuatro debe de ser en casa con su madre. Molly refleja las ganas de cambiar y progresar, intentar recuperar su vida y no verse a si misma como un despojo humano. Sin embargo, ella reincide en que si consume, no verá lo desastrosa que es su vida; la cual hasta cierto punto ella se ha encargado de destruirla y provocando que su familia se aleje de ella. Al ver todo esto, el espectador se puede preguntar hasta que punto realmente es Deb la culpable de que Molly sea drogadicta o es la propia Molly la que se ha buscado su ruina diecisiete veces seguidas. De esta forma entra Deb, una mujer que a pesar de mostrar una actitud fuerte, el dolor que siente es real.
Deb es una mujer que sigue trabajando a pesar de tener una edad. Parece que tiene una vida tranquila y sencilla hasta que irrumpe su hija Molly, por lo que el mundo de Deb se viene abajo al recordar las contadas ocasiones que su hija le robó dinero, la mintió, las veces que intentó desengancharse, el inicio de Molly en las drogas e incluso su propio pasado; lo cual le hace cuestionarse si realmente ejerció como madre y, si la culpa de que Molly sea una drogadicta es por su culpa. En el transcurso de esos siete días debe de lidiar con su conciencia y con los reproches mutuos que se hacen su hija y ella para que al final el espectador pueda llegar a una conclusión sobre Deb: está sola en todo lo que concierne a Molly y lo ha hecho lo mejor que ha podido y sin darle la espalda a su hija.
Al final, tanto Molly como Deb muestran el lado humano no solo en los momentos alegres, sino también en los momentos extremadamente duros entre ellas dos. Esto es posible gracias a la interpretación magistral de ambas actrices. La grandiosa Glenn Close nos tiene más que acostumbrados a interpretaciones que dejan sin aliento pero, el descubrimiento de la faceta interpretativa de Mila Kunis realmente quita el hipo también en lo que a su aspecto físico se refiere; por lo que me da pena que ambas no obtuviesen el reconocimiento merecido por parte de la Academia de Hollywood en los premios Oscar. Por lo que confirma mi teoría de que los premios no siempre lo son todo.
Es una joya del cine independiente que debe de ser saboreada en todos y en cada uno de sus planos. En todos los matices humanos. En el mundo peligroso de la drogadicción, sobre todo de aquellas personas que se dedican a traficar y vender droga. No solo con esta película se ve el reflejo de ese mundo sórdido, también gracias a la serie de The Wire, vimos la realidad de la destrucción del ser humano.
Doblaje original: Idina Menzel, Kristen Bell, Jonathan Groff, Josh Gad, Alfred Molina, Evan Rachel Wood, Ciarán Hinds, Sterling K. Brown.
Guión: Jennifer Lee
Música: Kristen Anderson-Lopez
Fotografía: Tracy Scott Beattie, Mohit Kallianpur
Montaje: Jeff Draheim
Productora: Walt Disney Pictures, Walt Disney Animation Studios
SINOPSIS
Elsa se ha preguntado siempre de donde provienen sus poderes. Para ello junto a Anna, Kristoff, Sven y Olaf; Elsa realiza un viaje hacia el interior del bosque para evitar que Arendelle pueda ser destruido pensando si sus poderes serán suficientes.
CRITICA
Creo que en más de una ocasión he comentado en alguna que otra entrada del blog, la tendencia de Hollywood de aprovecharse de un éxito de taquilla y de ahí, poder explotar grabando secuelas, cortos y multitud de eventos fílmicos. Lo mismo ha pasado que a raíz de Frozen: El reino de hielo (ver crítica en este blog) hicieran su secuela, la cual no es igual de potente pero si que hay diferentes elementos argumentales que la hacen un tanto interesante.
Como ocurrió en la primera película, los personajes femeninos son los que más carga argumental tienen resaltando de nuevo el valor de la unión entre las dos hermanas y como ponen su relación fraternal por encima de cualquier otra cosa. Este aspecto se ve claramente reflejado en las decisiones que tiene que tomar Elsa para salvar Arendelle y como Anna no depende de Kristoff para tomar una decisión (por mucha relación de noviazgo que tengan).
Al final todo se acaba relacionando con algo tan importante como es la naturaleza. Es decir, el equilibrio que se debe de establecer entre el ser humano y ésta. Se debe principalmente a que el ser humano debe de convivir con la naturaleza y no destruirla ni tampoco a los seres vivos, al igual que el cuidado de las diferentes tribus indígenas que puedan vivir en los entornos naturales y no acabar con ellos. Por lo que al final, el alegato claro de la película es el ecologismo y como el ser humano ha sido (y es) agente de cambio pero para mal. Y que al final, hay que establecer esa convivencia. Aunque este aspecto los quiera relacionar con la responsabilidad, el cuidado y cariño hacia los demás; que lo viene a recordar my bien el personaje de Olaf, que da el punto cómico a esta historia para que los más pequeños la puedan disfrutar.
Título original: R.I.P.D. Rest in Peace Department
Año: 2013
Género: Acción, comedia negra
Dirección: Robert Schwentke
Intérpretes: Ryan Reynolds, Jeff Bridges, Kevin Bacon, Maru-Louise Parker, Stéphanie Szostak, Marisa Miller, James Hong, Devin Ratray.
Guión: Phil Hay, Matt Manfredi
Música: Christophe Beck
Fotografía: Alwin H. Küchler
Montaje: Mark Helfrich
Productora: Dark Horse Entertainment, Original Film
SINOPSIS
Nick (Ryan Reynolds) es un policía que acaba de morir asesinado a manos de su compañero Bobby (Kevin Bacon). Tras su muerte, Nick empieza a trabajar para el Departamento de Policía Mortal, evitando que los muertos invadan el mundo de los vivos. Para ello le asignan a Roy (Jeff Bridges), un policía del viejo Oeste que no ve con buenos ojos la llegada de Nick al cuerpo.
CRITICA
De vez en cuando hay películas de las cuales se tiene mucha expectativa y cuando la terminas de ver, te das un golpe de realidad al saber que has gastado unas horas en ver una auténtica basura. Es exactamente lo que me pasó al ver R.I.P.D. Departamento de Policía Mortal, donde realmente acabas muerto del aburrimiento. En parte porque intenta emular de una forma cómica a la película Ghost (protagonizada por Patrick Swayze y Demi Moore) pero estrellándose de una forma bastante estrepitosa.
La historia es bastante previsible en lo referente al personaje de Nick puesto que quiere redimirse de alguna forma en el más allá lo que no pudo hacer en vida. No le resulta nada fácil ya que le han asignado a un compañero de la época del Oeste, lo que provoca que ambos choquen en sus respectivos caracteres. Pero, esta situación se hace insostenible cuando todas y cada una de las bromas son una copia de la anterior, provocando cierto aburrimiento en el espectador. Si a esto le unimos que los efectos especiales son un desastre manifiesto, la poca química entre la dupla Reynolds-Bridges y que todas y cada una de las acciones se ven bastante forzadas.
En definitiva, todo el guión es muy lineal sin que haya ningún giro que pueda sorprender al espectador y donde los tópicos cómicos se han explotado en todas y cada una de sus vertientes. Para finalizar diría que a ver si dejan de darle este tipo de papeles a Ryan Reynolds, ya que tiene un enorme potencial para poder sacar su lado dramático.
Intérpretes: Joan Crawford, Jack Palance, Gloria Grahame, Bruce Bennett, Virginia Huston, Mike Connors.
Guión: Lenore J. Coffee, Robert Smith
Música: Elmer Bernstein
Fotografía: Charles Lang
Montaje: Leon Barsha
Productora: RKO Pictures, Joseph Kaufmann Productions
SINOPSIS
Myra (Joan Crawford) es una reputada escritora de obras de teatro que triunfa en Brodway. Hasta que un día tiene un pequeño encontronazo con el actor Lester Blaine (Jack Palance). Aunque terminan por resolver sus diferencias y terminan casándose, nada es idílico en la nueva vida de Mayra.
CRITICA
Cada vez que veo una película de cine clásico, me entra un cosquilleo agradable porque se que paso un rato muy entretenido y nunca me decepciona, además de mantenerme en tensión, es que la película es realmente buena. Con Miedo súbito el espectador no queda indiferente ante este noir acerca de una mujer realizada a si misma y como solía ocurrir en historias de este calibre, el hombre no salía muy bien parado. Vamos a profundizar un poco más en toda esta historia.
Inicialmente nos presentan a una mujer (Myra) que a pesar de tener una gran herencia, es también una prolífica escritora de obras de teatro. Pero, la situación se tuerce cuando en el casting de su última obra decide que el actor principal no participe en la obra. Como es lógico, esta situación provoca que el actor se enfurezca con ella por su desprecio. Lo que ocurre al final es que ambos se enamoran y terminan casándose y de alguna forma, están felices con la vida que llevan. Pero nada es lo que parece en ese idílico matrimonio cuando Myra descubre las verdaderas intenciones de su marido. A partir de ese descubrimiento, aparecen los elementos del thriller.
A simple vista puede parecer otra historia simplona o simplemente un melodrama más pero, a cada minuto que pasa de esta historia permite deleitar al espectador con todos y cada uno de los movimientos que realiza Myra para evitar que su marido lleve a cabo su plan. Así, de una forma clara y contundente se observa lo que va ocurriendo y evitando que quede ningún cabo suelto.
En su momento fue una película que pasó un poco desapercibida por las salas de cine, si bien recibió cuatro nominaciones a los premios Oscar; y fue gracias a una restauración unas décadas más tarde por lo que volvió a adquirir popularidad. Independientemente de estos factores, una grandiosa Joan Crawford se mueve como pez en el agua con este papel el cual tiene su parte romántica (a veces melodramática) y su parte terrorífica y que acrecentaba echándose boro en los ojos para darles un aspecto más vidrioso y consiguiendo que el espectador quede hipnotizado. Por todo lo escrito anteriormente, es una historia que no deja indiferente y donde se respira un verdadero ambiente del thriller clásico.
Intérpretes: Cillian Murphy, Emily Blunt, Matt Damon, Robert Downey Jr., Josh Harnett, Jason Clarke, Florence Pugh, Tony Goldwyn, Dane DeHaan, Alden Ehrenreich, Benny Safdie, Kenneth Branagh, Jack Quaid, Josh Peck, Rami Malek, Olivia Thirlby.
Guión: Christopher Nolan
Música: Ludwig Göransson
Fotografía: Hoyte van Hoytema
Montaje: Jennifer Lame
Vestuario: Ellen Mirojnick
Productora: Universal, Atlas Entertainment, Syncopy Inc.
SINOPSIS
Durante la Segunda Guerra Mundial, el físico J. Robert Oppenheimer (Cillian Murphy) lidera el famoso Proyecto Manhattan para poder parar a Hitler creando la primera bomba atómica. Pero los planes cambian cuando Hitler se suicida y se decide aplicar la bomba en Japón.
CRITICA
Desde que hice el blog hace doces años siempre he hecho críticas extensas, pero creo que Oppenheimer se va a llevar la palma. Porque más allá de conocer parte de la vida del creador de la bomba atómica, hay otros elementos muy interesantes en las tres horas de duración. Se observa la corrupción, la carrera armamentística, el abuso de poder y el prestigio por la destrucción. Por otro lado, creo que es recomendable comentar algunos aspectos (aunque sea brevemente) sobre ese periodo de la historia y los conceptos de física que fraguaron la primera arma de destrucción masiva. Y a continuación, trataremos todos los temas morales que plantea la película.
Primeramente, es importante destacar que tras la Primera Guerra Mundial Alemania salió muy tocada y Rusia había realizado la famosa Revolución Bolchevique. Hasta que comenzó la Segunda Guerra Mundial en el año 1939, Japón entraba en conflicto con China en 1937 y Rusia intentaba hacerse un hueco a nivel armamentístico. Ya comenzada la guerra, el miedo del mundo era que Hitler pudiese hacerse con toda Europa (e incluso llegar hasta Asia) y de alguna forma había que pararle los pies. Para ello, el científico Albert Einstein le comentó al presidente Roosvelt que habría que crear una bomba para poder frenar el ataque de los nazis. Hasta que no se vio el avance claro del dictador alemán no pusieron en práctica el crear la bomba y para ello contrataron al científico J. Robert Oppenheimer para llevar a cabo su fabricación. Y en todo esto, ¿qué pintan Japón y Rusia en todo esto? Pues tan sencillo como que Rusia se "aliaba" con Estados Unidos para esa creación de la bomba, y Japón, aprovechó para realizar el ataque a Pearl Harbour, lo que provocaba que Estados Unidos tuviera dos frentes abiertos. Por lo que, si Hitler había caído la otra alternativa era utilizarla contra el país nipón. Y la segunda pregunta, ¿cómo se creaba la bomba atómica? Utilizando elementos radioactivos que mediante la fisión (es la rotura en átomos más pequeños) que con la ayuda de un detonador se generaba al explosión, causando miles de muertos y los que no morían, lo harían más tarde debido a la radiación. Por lo que, con esta explicación nos cuenta todo lo que se llevó a cabo en Estados Unidos y las consecuencias posteriores.
Me parece que es una película que trata de una forma breve y concisa todo lo detallado en el párrafo anterior para que el espectador pueda ubicarse, sino también todas las implicaciones sociales y bélicas que se generó y que al final, Estados Unidos queda como el país heroico y termina por despreciar a todo aquel que le haya ayudado. Porque no usaron a Oppenheimer para la creación de la bomba, sino a muchos otros científicos europeos que habían huido de la guerra y a los que les dieron ciudadanía estadounidense; pero, les tenían completamente controlados con respecto a sus actividades políticas y también, el poder culparles si algo salía mal llegando al extremo del desprestigio más absoluto. El ansia de querer ser el primero en crear un arma de destrucción masiva ha traído consecuencias. No solo la muerte de millones de japoneses sino que en la actualidad haya nueves países con bombas nucleares: Estados Unidos, Rusia, Pakistán, India, Francia, Reino Unido, Corea del Norte, China e Israel.
Por lo que se nos plantea una duda al espectador, tanto Oppenheimer como el resto de científicos que formaron parte del Proyecto Manhattan (la creación de la bomba) que son realmente: ¿héroes o villanos? ¿Hasta que punto podrían tener objeción de conciencia? ¿Sólo estaban poniendo en práctica todos sus estudios? ¿Buscaban el éxito o reconocimiento? ¿Qué pasó después con muchos de ellos? ¿Les utilizaron a todos ellos porque tenían conocimientos sobre física cuántica? Algunas de estas preguntas se responden a medida que se van haciendo los avances. Se ve claramente en comentarios que hace el general Grooves sobre el gasto, las disconformidad de algunos físicos, la persecución a gente que apoyaba a los trabajadores (sin necesidad de pertenecer al Partido Comunista) o el juicio al que someten a Oppenheimer tras haber conseguido lo que necesitaban (manipulando a testigos, falsear documentación y desprestigiarle públicamente) y posteriormente querer arreglarlo. Ni mucho menos, le hace ser un héroe, pero tampoco es un villano. Lo bueno es que, para evitar que la mentira salga adelante, el director de fotografía hace un excelente contraste entre lo que es verdad y lo que es mentira, puesto que cuando los planos hacen referencia a Oppenheimer, son planos a color, mientras que si son planos de los momentos de Lewis Strauss, son el blanco uy negro; lo que podemos interpretar que las mentiras que decía Strauss eran para conseguir el poder y sus movimientos son muy turbios. Sin embargo, en los de Oppenheimer, él comenta todo hasta sus infidelidades, por lo que no oculta nada por muy duro que sea todo.
Para concluir, desde mi punto de vista es increíble la calidad del guión, de los paisajes, la fotografía, los decorados, la rigurosidad histórica y el elenco actoral. Cillian Murphy se mimetiza completamente con su personaje al igual que Robert Downey Jr que está espectacular y que le vemos ya muy alejado del personaje de Iron Man de Marvel, y Emily Blunt que está inmensa; lo que favorece también el ritmo ligero de la película a pesar de su ciento ochenta minutos de duración. Es un película de pleno disfrute pero que provoca que el espectador piense realmente en que el poder en sus múltiples facetas es una de las peores lacras de la humanidad.
Intérpretes: Hugh Jackman, Laura Dern, Vanessa Kirby, Zen McGrath, Anthony Hopkins, Hugh Quarsire.
Guión: Florian Zeller, Christopher Hampton
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Ben Smithard
Montaje: Yorgos Lamprinos
Productora: STX Films, Ingenious Media, Cross City Films, Film 4
SINOPSIS
Peter (Hugh Jackman) lleva una vida ajetreada con su novia Beth (Vanessa Kirby) y su hijo. Un día llama a su puerta su exmujer Kate (Laura Dern) que le comenta que el hijo que tienen en común, Nicholas (Zen McGrath) lleva un mes faltando al instituto y que no se encuentra bien. La vida de todos ellos cambia por completo.
CRITICA
En más de una ocasión en el cine se ha mencionado el tema del suicidio pero de una forma más indirecta. Es decir, que algún personaje que se encontraba en un grupo de apoyo mencionaba que había perdido a su hijo o a su hija por el suicidio, pero nunca se había tratado el tema tan directamente como en esta película y como afecta el que una persona padezca depresión a todos los que están a su alrededor.
Primeramente, hay que comentar que se parte de una situación complicada para un adolescente: el divorcio de sus padres. Y que a pesar de que siempre hay que mirar por los hijos en una separación, los adultos son los que terminan por comportarse de una forma infantil. Pero esto no es lo que interesa, sino que a pesar de esa separación Peter y Kate (sin palabras para describir el increíble trabajo de Hugh Jackman y de Laura Dern) intentan entenderse para poder ayudar al hijo que tienen en común a la vez que intentan lidiar con su vidas por separado. Si que es verdad que todos y cada uno de los personajes reflejan una cierta apatía en sus vidas donde no hay nada que les llene y que intentan cubrir con parches las carencias que tienen todos ellos. De hecho, una forma de reflejar esas carencias y el distanciamiento es cuando todos los personajes se encuentran solos en habitaciones inmensas, lo que refleja claramente una soledad abrumadora y unos recuerdos pasados que no van a volver nunca.
A pesar de tratar de una forma clara y directa la depresión y el suicidio, no termina por aprovechar determinados elementos. Uno de ellos es Kate, el personaje interpretado por Laura Dern la cual no tiene el protagonismo que merece por ser la madre del adolescente y que todo el peso recaiga sobre Peter, cuando ha sido más un padre ausente pendiente de su nueva vida que de mantener a su hijo cerca de él. Otro aspecto que hace que la película decaiga son los diálogos que no terminan de cerrarse sobre todo los que mantiene Peter con el resto de personajes, lo que demuestra que el mismo se encuentra perdido como padre e intenta ejercer cuando ya es demasiado tarde. En tercer lugar destacar el personaje de Beth (interpretado por Vanessa Kirby) que hace de novia sufridora en silencio pero es un personaje totalmente desaprovechado que tiene mucha fuerza pero, se ve enmudecida porque su aportación parece que no es nada relevante. Y por último, el actor que interpreta a Nicholas donde plasma todos sus sentimientos de una forma exageradamente melodramática; lo que al fina provoca le pérdida de la esencia del tema del que trata el filme.
Eso si, a pesar de desaprovechar muchos aspectos cinematográficos, lo que destaca por encima de todo es la conversación entre Peter y su padre (Anthony Hopkins, que vuelve a repetir con el director tras el éxito de El padre un par de años antes), donde claramente se ve ese distanciamiento entre ellos cuando se sientan a comer y decir que ambos se parecen y que ambos no son buenos padres. También los momentos en los que Peter y Kate están solos ejerciendo como padres es lo que hacen que esta película se salve frente a un exceso de drama y sin apreciar el verdadero potencial de la trama del guión.
Intérpretes: Álex García, Alexandra Jiménez, Jordi Sánchez, Adrián Lastra, Diego Martín, Franky Martín, Paula Echevarría, Bárbara Santa-Cruz, María de Nati, Antonio Resines, Gorka Lasaosa, Isabel Ordaz.
Guión: Álvaro Fernández Armero, Ángela Armero, Tom Fernández
Música: Vanessa Garde
Fotografía: Aitor Mantxola
Montaje: Raúl de Torres
Productora: Telecinco Cinema, Mediaset España, Movistar plus
SINOPSIS
Santi (Álex García) es un joven a punto de divorciarse, que vive en una caravana y sin trabajo. Un día, para ver si cambia su suerte decide comprar un número de la lotería y, de la noche a la mañana se vuelve rico. Lo que pasa, es que no se lo puede decir a nadie.
CRITICA
En la industria cinematográfica, cuando se estrenaba una película que podía revitalizar un género, en los años sucesivos se estrenaban películas que seguían la misma línea y que, con el paso de los años iban empeorando de una forma escandalosa. Este efecto ocurrió en la comedia española a raíz del estreno de Ocho apellidos vascos, se expandió como un virus para el resto de películas de este género y de esta forma, todas las que se han estrenado hasta la fecha, pierden efectividad. Es lo que le ha ocurrido también a Si yo fuera rico.
La premisa de la que parte es fácil: un hombre un tanto desgraciado que gana un bote de veinticinco millones de euros y no puede decírselo a nadie, sobre todo porque si su casi exmujer se entera, le tiene que dar la mitad del premio. Con la premisa de la que parte, intenta generar situaciones graciosas por parte del protagonista para seguir fingiendo que es un despojo y sigue igual de mal que antes. Pero, con el aliciente de que sigue enamorado de su mujer y quiere lo mejor para ella.
Otro de los elementos que produce que la película no llegue a funcionar es que la química entre los actores y actrices es bastante nula y solo cumplen con su profesión en si que es actuar. Y por si fuera poco, se sirve de elementos dañinos (en este caso, meterse con el físico de una persona) para generar elementos cómicos que no funcionan por más que lo intente. Y como siempre digo que, aunque soy una firme defensora del cine español, no siempre las películas tienen que ser buenas.
Jessie (Sissy Spacek) es una mujer de mediana edad que tras la llegada de su madre (Anne Bancroft) para anunciarle que esa misma noche va a quitarse la vida. La madre no tendrá mucho tiempo para disuadir a su hija de que tome esa decisión.
CRITICA
Por mucho que se diga que la cultura no es un elemento importante en la sociedad, está totalmente equivocado o equivocada; sobre todo, cuando en el crecimiento intelectual nos van cayendo diferentes tipos de literatura y la aparición de películas totalmente desconocidas o que en el año de su estreno, no tuvieron un eco importante pero que años después, son clásicos. Esta forma de descubrir el cine hace que te encuentres con películas como Buenas noches, madre en la cual con una sola frase y dos únicos personajes refleja una conversación sobre el suicidio que muchas veces se ha eludido en el cine.
Desde un primer momento refleja como el estar bien por fuera o no tener ningún tipo de sintomatología, no significa que la persona no se encuentre destrozada por dentro. Esto es lo que le ocurre a Jesse (Sissy Spacek) que decide tomar la decisión de acabar con su vida y para ello se lo cuenta a su madre (Anne Bancroft) y ésta, intenta usar todo tipo de argumentos para hacerla cambiar de opinión. Más allá de esta situación que se prolonga durante un poco más de hora y media, el espectador se puede llegar a preguntar por qué no sigue luchando. Aunque la verdadera pregunta es: ¿qué hacer cuando ya no tienes fuerza para seguir luchando? Lo que nos lleva a intuir que hay que ser muy valiente para elegir acabar con tu vida.
Realmente es algo que a la madre le choca por completo ya que en más de una ocasión le da motivos a Jesse para seguir viviendo y que, antes de llevar a cabo su decisión es mejor que se lo piense un poco más. Al final lo que está viendo el espectador es la relación entre madre e hija y todo aquello que no se han dicho y también lo ciega que ha estado la madre antes la situación de su hija: su enfermedad, el fin de su matrimonio, falta de estabilidad laboral, un hijo problemático, desprecio social; lo que evidencia que no es feliz y no ve esperanza en su futuro. No sin antes seguir pensando en su madre y facilitarle lo máximo posible lo que puede suceder tras su abrupta salida de este mundo. En todo lo que dura la historia, en más de una ocasión la madre se siente culpable y que ha fallado como madre; pero es mucho más que eso. Es intentar muchas veces poder encontrar el equilibrio entre las alegrías y las penas, en todo aquello que pensamos y no decimos, en cuidarnos a veces nosotros mismos en vez de estar siempre pensando en los demás. En definitiva, poder aferrarse a la vida aprovechando las cosas buenas y poder tener apoyo para los malos momentos.
Buenas noche, madre es una alegato a la vida, a comprender al otro en su dificultad, el saber que cada uno tiene sus problemas y que para esa persona pueden ser un mundo, en mostrar empatía y no ser tan egoísta, el poder hacer feliz a esa persona a la que amamos y que no se encuentre en un mundo y en una vida vacía y sin sentido. Porque cuando esa persona se va de esa forma, duele mucho más que el haberte preparado para un duelo.
Intérpretes: Jason Segel, Emily Blunt, Chris Pratt, Alison Brie, Rhys Ifans, Mindy Kaling, Kevin Hart, Dakota Johnson, Mimi Kennedy, Jacki Weaver, David Paymer, Brinan Posehn,.
Guión: Jason Segel, Nicholas Stoller
Música: Michael Andrews
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Montaje: William Kerr
Productora: Universal Pictures, Apatow Productions, Relativity Media
SINOPSIS
Tom (Jason Segel) tras un año de noviazgo con Violet (Emily Blunt) le pide matrimonio en Nochevieja. Decididos a casarse y con los preparativos casi completados, deberán de posponer su futura boda debido a la oportunidad que le ha surgido a Violet en Michigan. Por lo que la pareja deberá de mudarse y seguir comprometidos.
CRITICA
De forma habitual, en las películas románticas cuando se muestra una relación de pareja, pueden acabar de dos maneras: una de ellas es que la pareja ha superado todos los obstáculos y consigue ser feliz y, la segunda, no consiguen superar esos obstáculos y cada uno sigue su camino a pesar de tenerse mutuamente en el recuerdo. Mezclando parte de estas dos alternativas habituales nace Eternamente comprometidos pero con la novedad de encontrarse en el punto intermedio: están comprometidos pero no deciden dar el paso para casarse.
Aunque la idea sea innovadora (poniendo la palabra ligeramente para no crear confusión) antes de llegar a la mitad de la duración, ha ido introduciendo elementos que no aportan ningún tipo de frescura a la trama: desde chistes fáciles, infortunios que les van sucediendo a la pareja, las dudas que surgen en la relación, personajes secundarios que intentan tener sus momentos cómicos y un largo etcétera que se va desinflando poco a poco y que se alarga demasiado, para llegar al final que el espectador sabe que habrá en el filme.
Por otro lado, intenta mostrar con cierta normalidad los elementos más importantes que suelen aparecer en una relación de pareja y que no se deberían pasar por alto. Desde dejar tu empleo para mudarte a otra ciudad, no discutir alegando que "todo está bien" y posponiendo su casamiento hasta que llegue el momento idóneo, pero esa opción no siempre es la correcta. Digamos que los personajes no sufren ningún cambio ni ninguna evolución que hagan que su relación vaya a mejor. O incluso, que a veces a la hora de realizar las cosas es mejor hacerlo por impulsos. Pero no siempre en la vida real eso funciona ni es la vía más correcta.
No hay que pedirle mucho más a una película de este género que, claramente, se haya en completa decadencia a pesar de tener un elenco de actores con cierto renombre en la industria. La gran pregunta es: ¿en algún momento el género romántico volverá a ser lo que era antes? Pues la verdad, es que nunca lo sabremos si se sigue con esta tendencia.
Título original: Indiana Jones and the Dial o destiny
Año: 2023
Género: Aventuras
Dirección: James Mangold
Intérpretes: Harrison Ford, Phoebe Waller-Bridge, Mads Mikkelsen, Antonio Banderas, Toby Jones, Ethann Isidore, Olivier Richters, John Rhys-Davis.
Guión: James Mangold, David Koepp, Jez Butterworth, John Henry Butterworth.
Música: John Williams
Fotografía: Janusz Kaminski
Montaje: Michael McCusker, Andrew Buckland
Productora: Walt Disney Pictures, Lucasfilm Ltd.
SINOPSIS
El arquéologo Henry Jones (Harrison Ford) en su último día de trabajo dando clase acompañado de su ahijada Wombat (Phoebe Waller-Bridge) para conseguir la Anticitera de Arquímides y evitar un desastre para la humanidad.
CRITICA
Hay películas que han marcado una generación o una época del cine y que cuando las vuelven a poner en televisión una y otra vez, es como si el espectador las viese por primera vez. Pero creo que en más de una ocasión he comentado la falta de ideas en la meca del cine hollywoodiense provocan que los guionistas se reinventen de mala manera, es decir, escribiendo precuelas y secuelas que no tienen sentido de sagas que fueron cerradas o porque los grandes estudios necesitan recaudar cantidades ingentes de dinero para un megaproyecto futuro pero, terminan por arruinar personajes o sagas míticas.
Esto es algo que ha ocurrido con el personaje de Indiana Jones con el que creció una generación (si bien es cierto que yo nací en los noventa, mi padre me transmitió el buen cine de aventuras) ver como intentan explotar a este personaje para enrocarse una y otra vez en los mismos tópicos de sus predecesoras pero ya no sorprende a nadie a pesar de tener rostros conocidos e intentar darle un protagonismo importante a una mujer que rompe los esquemas anteriores y vuelven a coger a los nazis como los malos de esta nueva entrega (unidos a la aplicación de la tecnología del CGI para rejuvenecer a algunos de los actores). Si que hay que comentar que la Anticitera si que existió y se construyó, pero ni mucho menos sirve para viajar en el tiempo.
A pesar de intentar recuperar la esencia de esa maravillosa trilogía con la que crecimos muchos de nosotros y que el tiempo no pasa en balde para nadie y que hay veces que es mejor no tocar para mantener la esencia de esas historias.
Gil (Owen Wilson) viaja con su novia Inez (Racheal McAdams) a Paris con los padres de ella. Gil por otro lado, se encuentra en una crisis vital sobre su vida y en la época en que le hubiese gustado vivir. Un día mientras vaga por las calles parisinas y sueña con los felices años 20, le cae un hechizo que le hace revivir esa época una noche tras otra y conoce a artistas que nunca se imaginaba.
CRITICA
Hay una frase típica que dice así: "Cualquier tiempo pasado fue mejor". Es decir, que el ser humano tiende a ver que en los años en lo que está viviendo no son los mejores con respecto a épocas pasadas. Aunque se podría decir que no es verdad realmente puesto que cada siglo o cada etapa de la historia ha tenido momentos buenos, momentos malos y grandes avances para la humanidad. Sin embargo, a pesar de que este concepto se aplique a esta película, si se lee un poco más en profundidad refleja otros conceptos diferentes.
En esta historia lo que nos muestra es una carta de amor del pasado, presente y futuro. ¿Por qué? Al pasado porque nos hubiese gustado conocer a personajes ilustres pero que también vivieron sus tormentos correspondientes o querían vivir en otras épocas anteriores. En cuanto a la carta de amor al presente, porque permite descubrir que el tiempo en el que vive el personaje no era lo que el deseaba para su vida pero, al poder haber visto el pasado, enfocar su presente y tener decisión para hacer y poder vivir realmente como le gustaría. Y por último, en cuanto al futuro nos ayuda a que nos sorprenda y así aprovechar todos y cada uno de los días.
Todo esto perfectamente combinado al hacer que el personaje se encontrase con grandes eruditos de la literatura y de la pintura sobre todo, porque a Gil se le ve con la intención de querer aprender de ellos y ver que es lo que le hicieron para ser los grandes genios recordados que son en la actualidad. Al final, el personaje se da cuenta que ha tenido la oportunidad de viajar en el tiempo y poder conocer a esos grandes artistas que provocan que se replantee su vida y apreciar esas pequeñas cosas y también, en encontrar a alguien con el que compartas ciertos gustos porque sino al final uno se anula como persona.
Para concluir, es una película con la que el espectador puede disfrutar (sobre todo si le gusta el arte y la literatura) y descubrir que en esta época actual (un poco loca eso si) hay muchas cosas que podemos apreciar y seguir cultivándonos en todos las artes. En este caso, disfrutar del séptimo arte.
Intérpretes: Nicole Kidman, Bill Pullman, Alec Baldwin, Bebe Neuwirth, Peter Gallagher, Tobin Bell, Duff Griffin, George C. Scott, Anne Bancroft.
Guión: Aaron Sorkin, Scott Frank
Música: Jerry Goldsmith
Fotografía: Gordon Willis
Montaje: David Bretherton
Productora: Nelvana, Castle Rock Entertainment, New Line Cinema
SINOPSIS
Endy (Bill Pullman) y Tracy (Nicole Kidman) son una pareja joven que atraviesan un momento complicado por la muerte de varias alumnas en el campus de Endy, así como la aparición de Jed (Alec Baldwin), un antiguo compañero de Endy que es demandado por una mala praxis. Lo que daba la sensación de una vida tranquila, se va complicando.
CRITICA
Un elemento muy habitual en las películas que fue acuñada por el gran director del suspense Hitchcock indicando que un elemento produce suspense que hacen que los personajes avancen en la trama, pero puede tener relevancia o no en el desarrollo de toda la historia. Más tarde se amplió para las situaciones que van apareciendo en la película. ¿Qué tiene que ver esta explicación con esta película? Se debe principalmente a que esa situación se da en este filme y su calidad baja considerablemente.
Inicialmente, parece que la trama de la película va a girar en torno al asesinato de las jóvenes que estudian en el campus donde trabaja Endy, el cual sería el elemento distractor. Pero lo que ocurre es que va mezclando diversas subtramas y de esta forma, no se sabe realmente que es lo que pretenden contarle al espectador y, por otro lado, cuando empieza a ponerse todo un poco más interesante, solo falta media hora para que termine la película.
Al final se van generando agujeros en el guión provocando que el espectador se vaya perdiendo irremediablemente hasta encontrar de nuevo el camino. He de reconocer que a medida que va avanzando la historia se van atando cabos de todas y cada una de las situaciones que han ido ocurriendo y las relaciones entre cada una de ellas y así entender el comportamiento de los personajes.
La verdad es que me encontré con esta película un poco de rebote y me dejé guiar al estar escrita por Aaron Sorkin (uno de los mejores guionistas en la actualidad) y que salva con cierta solvencia el guión (aunque no es suyo al cien por cien). Dicho lo cual, hay mejores películas de suspense y no pasa nada si esta cae un poco en el olvido.
Intérpretes: Chris Hemsworth, Jessica Chastain, Emily Blunt, Rob Brydon, Nick Frost, Charlize Theron, Sheridan Smith, Alexandra Roach, Liam Neeson.
Guión: Craig Mazin, Evan Spilotopoulos
Música: James Newton Howard
Fotografía: Phedon Papamichael
Vestuario: Colleen Atwood
Montaje: Conrad Buff
Productora: Perfect World Pictures, Roth Films, Universal Pictures
SINOPSIS
Antes de ser apuñalada por Blancanieves, la malvada reina Ravenna (Charlize Theron) fue testigo de como su hermana Freya (Emily Blunt) se convirtió en la reina de hielo tras la perdida de su hija. Para superar esa pérdida, creó una fortaleza de hielo con un ejército de cazadores entre los que destaca Eric (Chris Hemsworth) y Sara (Jessica Chastain) cuyas vidas serán separadas por la malvada Freya.
CRITICA
Creo que en más de una ocasión en este blog he contado que segundas partes nunca fueron buenas (aunque hay muy raras excepciones) sobre todo, cuando durante toda la producción de la película se va cambiando el guión de forma constante, a pesar de tener un reparto de escándalo. También porque ubican a esta película entre el principio y el final de su predecesora. Lo que puede generar un poco de lío sobre los giros de la trama.
A pesar de que su predecesora fue un poco más oscura que esta, la idea original al realizar este filme era para poder filmar posteriormente una tercera entrega pero, debido a sus desastrosos números de taquilla la productora decidió dejar en un cajón la última parte y creo que desde mi punto de vista, hacen lo correcto. A pesar de superar con creces a la película estrenada en 2012, esta se estrella estrepitosamente sobre todo en los momentos más importantes de toda la trama. Por ejemplo, una lucha más encarnizada entre Freya y Ravenna (sublimes Emily Blunt y Charlize Theron, la cual recupera su papel anterior), alguna dificultad a la hora de buscar el espejo, la relación entre Sara (soberbia Jessica Chastain) y Eric; para al final terminar en una historia lineal sin ningún otro tipo de aliciente que ayude a avivar la llama de esta trama.
Aunque se hicieran múltiples intentos por sacarla adelante, lo que al final termina por llamar la atención del espectador es el impresionante vestuario (como no, siempre a cargo de la increíble Colleen Atwood) y los momentos de lucha, que es lo que termina por hacer más llamativa a esta película cuyo error fue alejarse de la estela de Blancanieves.
Intérpretes: Burt Lancaster, Susan Sarandon, Kate Reid, Robert Joy, Michel Piccoli, Hollis McLaren, Al Waxman, Sean Sullivan, Robert Goulet
Guión: John Guare
Música: Michel Legrand
Fotografía: Richard Ciupka
Montaje: Suzanne Baron
Vestuario: Françoise Barbeau
Productora: Selta Films, International Cinema Corporation
SINOPSIS
Lou (Burt Lancaster) es un gánster de poca monta que va consiguiendo dinero con los pequeños trabajos que va realizando. En su mismo edificio vive Sally (Susan Sarandon) una joven camarera que aspira a ser crupier en el casino en el que trabaja. Ambos se encontrarán en una situación inesperada.
CRITICA
Hubo un cine posterior a la época dorada de Hollywood, en la cual se mostraba la decadencia más absoluta de grandes ciudades que antaño eran referencia y, de todas aquellas personas que las habitaban. Dentro de esos habitantes, muchos de ellos ya eran ancianos y evocaban que el tiempo pasado había sido más próspero y generoso con ellos y que ahora, todos los barrios estaban plagados de delincuentes, drogadictos, corredores de apuestas y, gente muy pobre. De alguna forma, es lo que intenta transmitir esta película mezclando con aires del cine negro, pero el tiro no es muy certero que se diga.
En cierto modo, con esta película y en concreto con el personaje de Lou, el cual fue un gánster de poca monta y que recuerda lo que era antes Atlantic City y como es en el momento en el vive en su vejez. Solo hace falta observar la oscuridad de la gran mayoría de los planos secuencia y de los colores que abundan en cada uno de ellos, es decir, colores muy fríos y poco esperanzadores. Esa misma sensación que transmite el personaje de Lou, también lo emana el de Sally, una joven que quiere abrirse camino en el mundo de los casinos más allá de ser una simple camarera, pero su vida no es nada sencilla y como se va complicando poco a poco.
Todo el pulso que se manifiesta a lo largo de toda la duración de la película se debe a la mano de Louis Malle, un gran director francés de la afamada ola de la Nouvelle Vague, en donde los directores mostraban la realidad del tiempo en el que vivían y sus propias vivencias personales y es en parte lo que refleja en Atlantic City: reflejar no solo la decadencia de una ciudad, sino también de una sociedad y del propio ser humano como ser individual. Sin olvidar que en este caso, dos de esos seres humanos que se han visto contagiados por la decadencia de la urbe, y por eso se consideran ellos mismos víctimas de su propia resignación existencial que al final se traduce en el reconocimiento y aceptación de sus propias limitaciones personales.
Al final, entre ellos mismos se necesitan no solo por sus carencias afectivas, sino por la necesidad de ver que entre los dos hay un atisbo de esperanza y un rayo de luz que se introduce en sus agrietadas vidas. Y por lo tanto, se dan lo que otros no han sabido darles, ni siquiera a ellos mismos. Lou consigue sentirse de nuevo joven e importante con Sally a su lado y Sally, consigue que alguien más gentil, sabio y mayor pueda prestarla atención y protegerla. Todo esto, mientras que la decadencia de la ciudad sigue avanzando sin remedio.
Desde mi punto de vista, no la consideraría como una gran obra o simplemente una de cine negro pero si, un reflejo de lo que era Atlantic City en esos año. E incluso, se podría hacer un paralelismo en función de como ha ido avanzando la sociedad (o retrocediendo, según desde que perspectiva lo miremos) para ver que muchas veces la mediocridad, se impone sobre la excelencia.
Intérpretes: Halle Bailey, Melissa McCarthy, Jonah Hauer-King, Jacob Tremblay, Daveed Diggs, Javier Bardem, Akkwafina, Art Malik, Noma Dumezweni, Jessica Alexander.
Guión: Jane Goldman, David Magee
Música: Alan Menken
Fotografía: Dion Beebe
Vestuario: Colleen Atwood
Montaje: Wyatt Smith
Productora: Walt Disney Pictures, Lucamar Productions, Marc Platt Productions
SINOPSIS
Ariel (Halle Bailey) es la hija más joven del rey Tritón (Javier Bardem). Ella sueña con conocer a los humanos y poder convivir con ellos. Lo que pasa es que es una sirena y no tiene piernas. Para satisfacer sus deseos está Úrsula (Melissa McCarthy) que le ofrecerá tener piernas a cambio de una cosa: su voz.
CRITICA
Desde el momento en el que se anunció un live action sobre La sirenita pero, quien iba a interpretar a Ariel era una chica negra, la polémica se sirvió en bandeja de plata. A medida que avanzaban las grabaciones y se iban publicando pequeños adelantos de la misma, la polémica seguía creciendo en torno a la película. Y, cuando llegó el tan ansiado momento del estreno, se silenciaron muchas bocas al ver el resultado final.
Con este pequeño prólogo reafirmo que a pesar de que Hollywood ande casi más de una década con falta de ideas, es capaz de reencontrarse con el público que prefiere recordar su niñez que entrar en la polémica por el color de piel de la protagonista y que devuelve a los que crecimos con el clásico de animación de Disney a nuestra infancia. Por otro lado, hay que entender que podría ocurrir que hubiese ligeras modificaciones con respecto a la original pero sin perder la esencia.
Desde el primer minuto de la película se sabe que la historia se va a centrar en Ariel pero antes, muestra al espectador todos los misterios que ocurren debajo del mar y, todos y cada uno de los personajes. Esa esencia se ve que está maravillosamente lograda por los efectos especiales (no significa que a mayor modernidad, mejores son los efectos) y con todas y cada una de las coreografías que acompañan a esas canciones de nuestra infancia. Es cierto que en este caso se han añadido dos canciones nuevas con respecto a la original (un solo para Eric y otra para el cangrejo Sebastián y Scuttle) y todo gracias al compositor Alan Menken que fue el artífice de las de las bandas sonoras originales y repite de nuevo, acompañado de un gran compositor en ciernes como es Lin Manuel Miranda.
En conclusión que más allá de todo el trabajo artístico que hay detrás (recordamos a la diseñadora de vestuario Colleen Atwood y al director y coreógrafo Rob Marshall), recordar a dos pesos pesados como Javier Bardem y Melissa McCarthy (increíble haciendo de Úrsula) y a la joven Halle Bailey que pueda seguir mejorando a nivel interpretativo y, que sea negra no importa, porque lo importante es mantener la esencia con la que crecimos. Y eso se mantiene sin lugar a dudas.
